tag:blogger.com,1999:blog-5645368447128142182024-03-05T00:48:19.494-08:00Historia del ArteGreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.comBlogger32125tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-37082507223099839302019-07-30T16:57:00.002-07:002019-07-30T16:57:55.266-07:00LA TUMBA DE ALEJANDRO MAGNO: El sepulcro perdido de Alejandría<div style="text-align: justify;">
<b>Tiempo después de su muerte, los restos de Alejandro fueron depositados en un gran mausoleo en Alejandría, el Soma, cuya localización sigue siendo un enigma</b></div>
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<b><br /></b></div>
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<b><span style="font-size: x-small;">LA MOMIA DE ALEJANDRO MAGNO</span></b></div>
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<span style="font-size: x-small;">El emperador romano Augusto contempla el cuerpo momificado del legendario caudillo macedonio en su tumba de Alejandría. Grabado sobre óleo por François Schommer. Siglo XIX. Museo de Bellas Artes, París.</span></div>
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<b><br /></b></div>
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<b><br /></b></div>
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<b><br /></b></div>
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En el siglo IV d.C., en plena disputa entre cristianos y paganos, Juan Crisóstomo, el célebre y locuaz patriarca de Constantinopla, retaba a sus adversarios a que le indicaran dónde estaba la tumba de Alejandro Magno. Los cristianos sabían bien que el fundador de su religión había sido enterrado en Jerusalén, en el lugar donde acababa de erigirse la iglesia del Santo Sepulcro, pero la tumba del mayor héroe de la Antigüedad parecía haberse desvanecido de la faz de la tierra, o al menos de Alejandría, la ciudad que había acogido sus restos siglos atrás. Desde entonces, la localización del sepulcro de Alejandro se convirtió en uno de los enigmas más frustrantes de la historia, pese a la tenaz búsqueda de decenas de arqueólogos y exploradores. </div>
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<br /></div>
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Las fuentes antiguas relatan con gran detalle los funerales de Alejandro Magno. Tras su muerte en Babilonia en 323 a.C., en circunstancias confusas _hubo incluso rumores de envenenamiento_, su cadáver fue cuidadosamente embalsamado y se organizó un impresionante cortejo funerario para trasladarlo a Macedonia. Sin embargo, Ptolomeo I, un poderoso general de Alejandro, desvió la comitiva y decidió retener el cadáver del gran conquistador macedonio en Egipto. Con ello pretendía legitimar su poder sobre el país del Nilo, que había convertido en su nuevo reino. </div>
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<br /></div>
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<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><b>ALEJANDRO </b>EN SU LECHO DE MUERTE, EN BABILONIA. ÓLEO POR DOMENICO INDUNO. SIGLO XIX.</span></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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Los restos de Alejandro permanecieron un tiempo en Menfis, la antigua capital del Egipto faraónico. Quizá se colocaron en el magnífico sarcófago de piedra destinado al último faraón egipcio, Nectanebo II, que había quedado vacío después de que su futuro ocupante huyera a Etiopía cuando los persas invadieron Egipto en el año 343 a.C.</div>
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<br /></div>
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El sarcófago se hallaba en Saqqara, la necrópolis de Menfis. Estaba dentro de un edificio dedicado al dios Serapis, que se levantaba junto a un templo de Nectanebo. Ante este templo se erguían una serie de estatuas de piedra caliza que representaban a sabios griegos, entre los que tal vez figuró Aristóteles, el maestro de Alejandro. Este grupo de estatuas, dispuestas en semicírculo, podría haber custodiado simbólicamente un santuario de cierta importancia, como la tumba del soberano macedonio. </div>
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<br /></div>
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Entre los años 290 y 280 a.C., Ptolomeo II, el hijo y sucesor de Ptolomeo I en el trono de Egipto, hizo trasladar los restos a Alejandría, la ciudad que había fundado Alejandro. Allí, el célebre conquistador fue objeto de un culto religioso que contaba con sus propios sacerdotes. De hecho, un hermano de Ptolomeo, Menelao, se convirtió en el primer sumo sacerdote del culto de Alejandro en la ciudad. A partir de 272 a.C., el sacerdocio de Alejandro se menciona en decretos y contratos emitidos por los Ptolomeos; al parecer, la persona que lo ocupaba _siempre perteneciente a las familias más ilustres de la ciudad_ era inviolable y quedaba libre de todas las obligaciones cívicas. </div>
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<br /></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><b>CATAFALCO </b>DE ALEJANDRO MAGNO. RECONSTRUCCIÓN SEGÚN DIODORO. MEDIADOS DEL SIGLO XIX.</span></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<b>Un mausoleo para Alejandro</b></div>
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<b><br /></b></div>
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Hacia 215 a.C., Ptolomeo IV cambió la ubicación de la tumba. Construyó un gran mausoleo llamado Sema o Soma _"tumba" y "cadáver", en griego_, y allí instaló los restos mortales de Alejandro junto con los de sus propios antepasados. Fue en aquel recinto donde personajes ilustres de época romana visitaron a Alejandro: Julio César, Augusto, posiblemente también Germánico (sobrino nieto de Augusto) y los emperadores Calígula, Vespasiano, Tito, Adriano, Séptimo Severo y Caracalla. Sabemos muy poco acerca de las características del mausoleo final de Alejandro. El grandioso monumento se hallaba en el centro de la ciudad, muy cerca de las dos arterias que definían el trazado urbano de la capital. En cuanto a su estructura, probablemente estuvo influido por grandes obras casi contemporáneas, como el gran mausoleo de Halicarnaso, una de las Siete Maravillas de la Antigüedad. Según algunas referencias, el Soma de Alejandro se encontraba dentro de un recinto amurallado que también contenía las tumbas en forma de pirámide de los primeros Ptolomeos. Poseía un gran altar muy similar al de Pérgamo _hoy en el Museo de Berlín_ y contaba con una cripta en la que se exponía el cadáver embalsamado de Alejandro. Se conservaba dentro de un sarcófago de oro que fue saqueado durante una revuelta en el año 89 a.C. y se reemplazó por otro de cristal. </div>
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<br /></div>
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<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><b>EL OASIS DE SIWA</b></span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">En la década de 1990, la arqueóloga griega Liana Souvaltzi pretendió haber hallado la tumba perdida de Alejandro en el oasis egipcio de Siwa. En realidad se trataba de un templo erigido un siglo después de la muerte del conquistador.</span></div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
El mausoleo de Alejandro sufrió los efectos de la turbulenta historia de Alejandría. Desde mediados del siglo III d.C., la ciudad fue escenario de repetidas guerras, sublevaciones y disturbios populares que causaron importantes destrucciones, especialmente en el barrio del Brucheion, donde se hallaba el Soma. Pese a ello, no puede descartarse que el mausoleo de Alejandro se mantuviera en pie a mediados del siglo IV. En el año 361, el historiador Amiano Marcelino parece referirse a él cuando menciona "el espléndido templo del Genio", si es que el "genio" o guardián tutelar de la ciudad puede identificarse con el propio Alejandro. </div>
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<br /></div>
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<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><b>MAUSOLEO DE HALICARNASO</b></span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">Al parecer, la tumba de Alejandro Magno se inspiró en la del rey Mausolo de Halicarnaso, de la que aquí se muestra una recreación.</span><span style="font-size: x-small;"> </span></div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<b>CRONOLOGÍA</b></div>
<div style="text-align: center;">
<b>BABILONIA, MENFIS, ALEJANDRÍA</b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>323 a.C.</b></div>
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Alejandro Magno muere en Babilonia a los 33 años, tras contraer unas fiebres. Su vasto imperio queda en manos de sus generales.</div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
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<b>321-320 a.C.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
El cadáver embalsamado de Alejandro es trasladado a Egipto y enterrado en el Serapeo de Saqqara, en Menfis.</div>
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<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>290-280 a.C.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
Ptolomeo II traslada el cuerpo de Alejandro a Alejandría. En 215 a.C. Ptolomeo IV erige un gran mausoleo para enterrarlo.</div>
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<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>89 a.C.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
Ptolomeo X saquea la tumba de Alejandro, el Soma, y roba el sarcófago de oro y los tesoros del conquistador.</div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>365 d.C.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
Un terremoto y el consiguiente maremoto destruyen numerosos edificios en Alejandría, entre ellos tal vez el Soma.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><b>CAMAFEO </b>CON LA EFIGIE DE ALEJANDRO. </span></div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<b>¿Destruido por un terremoto?</b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
En el año 365 tuvo lugar un terremoto seguido de un maremoto, fenómenos que tuvieron repercusiones catastróficas sobre toda la ciudad y que quizá borraron la localización precisa de la tumba. Si el mausoleo se salvó de este desastre quizá no superó la oleada de destrucciones de templos y símbolos paganos que se desató en tiempos del emperador Teodosio el Grande, a finales del siglo IV. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9NrUaCDovPeBboAXwysJcK3KGzFVgLgUM4Ru_eHCnDKQOWCwV7yU8vhVdabEX3rXJfO9tOIupi92ZSThjmkU0AkQuWqE_-pJ9B1u8MLe_umUiwYpZAd-R7vGRWK3RUX_WdnseIFGI-o4/s1600/columna.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="502" data-original-width="670" height="476" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9NrUaCDovPeBboAXwysJcK3KGzFVgLgUM4Ru_eHCnDKQOWCwV7yU8vhVdabEX3rXJfO9tOIupi92ZSThjmkU0AkQuWqE_-pJ9B1u8MLe_umUiwYpZAd-R7vGRWK3RUX_WdnseIFGI-o4/s640/columna.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><b>LA COLUMNA DE POMPEYO</b></span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">Se cree que en este lugar se alzó el Serapeo, uno de los monumentos más destacados de Alejandría junto con el mausoleo de Alejandro.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Sabemos, en efecto, que las tumbas cristianas encabezadas por el fanático patriarca de Alejandría, Teófilo, arrasaron el Serapeo y otros santuarios paganos y convirtieron en iglesias lugares como el Cesareo, un templo dedicado a Julio César. Sin embargo, resulta significativo que cuando las fuentes hablan de este episodio no mencionen concretamente el Soma, lo que se puede interpretar como una clara señal de que el monumento ya había pasado a la historia. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
La conquista de Alejandría por los musulmanes en el año 642 trajo consigo una transformación completa del relieve urbano, de modo que entonces desapareció cualquier rastro del mausoleo de Alejandro que se hubiera conservado. Pese a ello, no dejaron de circular teorías sobre la localización de la célebre tumba, que algunos situaban en el emplazamiento de la mezquita de Dul Qarnain (un misterioso personaje que aparece en el Corán y que algunos identificaban con Alejandro), cerca de una de las puertas de la ciudad. El historiador árabe al-Masudi, del siglo X, quizá se refería a ese lugar cuando hablaba de un modesto edificio llamado "La tumba del profeta y del rey Eskender". </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<b>VISITANTES FAMOSOS</b></div>
<div style="text-align: center;">
<b>ROMA SE INCLINA ANTE ALEJANDRO</b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Cuando Egipto </b>se convirtió en una provincia de Roma, los visitantes que llegaban a Alejandría acudían al mausoleo de Alejandro, como hicieron varios emperadores. Consta que Julio César visitó el Soma ya en 45 a.C., mientras residía en Alejandría para apoyar a la reina Cleopatra.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><b>EL SARCÓFAGO DE ALEJANDRO</b></span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">Perteneciente en realidad al rey Abdalónimo de Sidón, sus relieves representan diversas batallas del conquistador macedonio.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Quince años </b>más tarde, Augusto también acudió a rendir homenaje al conquistador macedonio. Puso una corona de oro sobre la momia, aunque, según una anécdota recogida por Dion Casio, al tocarla le rompió la nariz. Cuando sus acompañantes le ofrecieron visitar las tumbas de los Ptolomeos, replicó: "He venido a ver un rey, no cadáveres".</div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>De Calígula </b>se contaba que durante su visita a la sepultura no dudó en apropiarse de la coraza de oro de Alejandro. En el año 200 d.C., Severo ordenó sellar el acceso a la tumba, en vista de su deterioro. Su hijo Caracalla fue el último visitante imperial que recibió Alejandro, en el año 215. El emperador depositó allí, como tributo, su anillo y su cinturón.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<b>En busca de Alejandro</b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
A comienzos del siglo XVI, el viajero judeo-español León el Africano sitúa la tumba de Alejandro en una pequeña capilla en medio de las ruinas del antiguo centro de Alejandría. Los viajeros europeos del siglo XVIII vieron que un pequeño santuario en el patio de la mezquita Atarina (construida sobre la antigua iglesia de San Atanasio) era venerado por la población local como la tumba de Alejandro Magno, tradición que pareció quedar confirmada a finales de siglo cuando dos miembros de la expedición napoleónica a Egipto descubrieron en el lugar un imponente sarcófago de granito gris. Sin embargo, unos años después el desciframiento de la escritura jeroglífica por Champollion permitió leer las inscripciones del sarcófago y se comprobó que pertenecía en realidad a Nectanebo II.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhkYfrB8jN0cQgApYAnDMmLUoln3c-Psu1SZcKu3TIXNihrhburCW4bQCTo6wD6s_iGoNrtahhaxEP8vx4CfJHJkeC9cYD0ocVLkLqivC8U_caa1WOkWntCx4QoSeAG_i-fNC2AzyVyAis/s1600/nec.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="269" data-original-width="72" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhkYfrB8jN0cQgApYAnDMmLUoln3c-Psu1SZcKu3TIXNihrhburCW4bQCTo6wD6s_iGoNrtahhaxEP8vx4CfJHJkeC9cYD0ocVLkLqivC8U_caa1WOkWntCx4QoSeAG_i-fNC2AzyVyAis/s320/nec.jpg" width="85" /></a></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><b>USHEBTI </b>DE NECTANEBO II EN FAYENZA AZUL. SIGLO IV A.C. MUSEO EGIPCIO, TURÍN.</span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibgOdYRDaMrjsjmzKOx77hTFAblZyzLYCSza4GkaM9ibcwX-yoWTc63t85pHrEndONeQBnhfh6YsLFpm-I9VEj3tHZtTJuJ9EmgqAv-igTxQrJCr6EScTEOZwZjI789NG7qIUcz3jIlyQ/s1600/nec.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="709" data-original-width="709" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibgOdYRDaMrjsjmzKOx77hTFAblZyzLYCSza4GkaM9ibcwX-yoWTc63t85pHrEndONeQBnhfh6YsLFpm-I9VEj3tHZtTJuJ9EmgqAv-igTxQrJCr6EScTEOZwZjI789NG7qIUcz3jIlyQ/s640/nec.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><b>NECRÓPOLIS DE MUSTAFÁ PACHÁ</b></span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">La tumba 2 de esta necrópolis alejandrina presenta muchas similitudes con las tumbas macedonias de Vergina, como el dintel pintado.</span></div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
La búsqueda obsesiva de la tumba de Alejandro continuó a lo largo del siglo XIX. El propio descubridor de Troya, Heinrich Schliemann, visitó Alejandría en 1888 con el objetivo de encontrar sus restos bajo la mezquita del profeta Daniel (Nabi Daniel), pero las autoridades religiosas locales le denegaron el permiso de excavación. Poco después, un tal Joannides pretendió haber descubierto las tumbas de Alejandro y Cleopatra en una necrópolis ptolemaica y llegó a afirmar que en las puertas de bronce de las tumbas constaban los nombres de sus ocupantes. Quizás el más célebre de los buscadores fue Stelios Komoutsos, un camarero que a mediados del siglo XX decidió dedicar todos sus ahorros a esta empresa, llegando a solicitar de las autoridades nada menos que hasta 322 peticiones de excavación por toda la ciudad. Pero ninguno de estos intentos ha dado fruto. El misterio de la tumba de Alejandro sigue intacto. </div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlvdr0oeKh4_-4K1BErP3xYcpbOMUD-hwzAkhohZ6vU3VG5hEaNEQsjxQeOE7tPzKcSNt5bmueruxJ6twYT1h_vKTz0fyXOG7gdT4PbAi9wK8h7teQVbyNoz3XIGXteXIfwy_68amDtlo/s1600/alej.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="446" data-original-width="674" height="422" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlvdr0oeKh4_-4K1BErP3xYcpbOMUD-hwzAkhohZ6vU3VG5hEaNEQsjxQeOE7tPzKcSNt5bmueruxJ6twYT1h_vKTz0fyXOG7gdT4PbAi9wK8h7teQVbyNoz3XIGXteXIfwy_68amDtlo/s640/alej.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<b>Alejandría, la ciudad de las catacumbas</b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>LA BÚSQUEDA </b>de la tumba de Alejandro Magno ha estimulado la exploración del subsuelo de Alejandría, donde se han hallado numerosas tumbas helenísticas y romanas. En 1901 salió a la luz de forma casual el hipogeo más importante de la antigua capital egipcia: las catacumbas de Kom el-Shugafa, "montaña de cascotes" en árabe, nombre que se debe a los numerosos fragmentos de cerámica que se hallaron en sus inmediaciones. La construcción, datada en el siglo II d.C., consta de tres niveles excavados en la roca. El más bajo se inundó y resulta inaccesible en la actualidad, mientras que el superior consiste en una rotonda con una abertura central, provista de un triclinio que sugiere que ese espacio se utilizaba para celebrar banquetes funerarios. Una pequeña escalera conduce al segundo nivel, que se muestra en la fotografía. Es aquí donde se construyó la tumba, decorada con motivos que reflejan la mezcla de culturas y religiones típica de la Alejandría romana: relieves de serpientes barbudas que sostienen el caduceo del dios Hermes y están tocadas con la doble corona faraónica y el símbolo de Dioniso, los dioses Anubis y Sobek vestidos al modo romano, hojas de parra, cabezas de Medusa, pinturas de tema egipcio realizadas en estilo grecorromano...</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<b>LA TUMBA DE ALABASTRO</b></div>
<div style="text-align: center;">
<b>EL SHATBY, LA ÚLTIMA CANDIDATA</b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>A principios </b>del siglo XX se descubrieron en la necrópolis de El Shatby, en Alejandría, los restos de una tumba del siglo III a.C., de estilo macedonio hecha en alabastro y cubierta por un túmulo de tierra. En 1964, tras un primer estudio por Evaristo Breccia, Achille Adriani, director del Museo Grecorromano de la ciudad, emprendió una excavación en profundidad.</div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Adriani postuló </b>de inmediato que se trataba de la tumba de Alejandro. En su opinión, la estructura de alabastro era el vestíbulo que llevaba (a través de una segunda puerta que ya no existe) a una cámara interior, la del sarcófago, donde descansaba el cuerpo del conquistador macedonio. </div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>El arqueólogo </b>y novelista Valerio Massimo Manfredi ha publicitado mucho esta identificación de la llamada "tumba de Alabastro", pero la mayoría de expertos la rechaza. Así, el profesor El Fakharani, de la Universidad de Alejandría, que ha excavado más de cuarenta años en el lugar, cree que aunque la tumba formara parte de un cementerio real no se puede probar que fuese la del legendario monarca.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<b>DOS SIGLOS BUSCANDO A CIEGAS</b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Desde finales del siglo XVIII, numerosos exploradores y arqueólogos han intentado localizar algún resto del mítico mausoleo de Alejandro Magno apoyándose en tradiciones y leyendas que se mantuvieron vivas tras la conquista árabe de Alejandría. La búsqueda se ha centrado en el área donde se cree que se alzaba el Soma, junto a la actual mezquita de Nabi Daniel, pero no se ha hallado nada. </b></div>
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<b><br /></b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYO9-5Ah202yHBgy0Pcc_YVomh1HGfv4Sl-jW7HqUUET5RO6cNCVDWGtfmYUcDLdV2cxtbK2I-7KC_GspbCaEqoqkTfW4rQ9dC-LHoz8wVfAt5ti_ZKWG0dHNi72dQ8mgAbXf2hfzBXcM/s1600/PLANO.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1001" data-original-width="1600" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYO9-5Ah202yHBgy0Pcc_YVomh1HGfv4Sl-jW7HqUUET5RO6cNCVDWGtfmYUcDLdV2cxtbK2I-7KC_GspbCaEqoqkTfW4rQ9dC-LHoz8wVfAt5ti_ZKWG0dHNi72dQ8mgAbXf2hfzBXcM/s640/PLANO.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><b>LA CIUDAD DE ALEJANDRÍA </b>FUE FUNDADA EN 331 A.C. POR ALEJANDRO MAGNO Y DISEÑADA POR EL ARQUITECTO DINÓCRATES CON LAS CALLES EN FORMA DE CUADRÍCULA.</span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><b>¿La sepultura de Alejandro? </b>Según la mayoría de autores clásicos, el mausoleo del fundador de Alejandría se encontraría en el barrio real, cerca del teatro y de Cesareo.</span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div style="text-align: left;">
<b>1800 <i>Mezquita Atarina.</i></b></div>
<div style="text-align: justify;">
En el patio interior de esta antigua mezquita alejandrina, que los locales llaman "la tumba de Alejandro", los miembros de la expedición napoleónica de 1798 hallaron un enorme sarcófago de granito. Los británicos se hicieron con él y en 1801 lo enviaron al Museo Británico, en Londres, donde el estudio de los jeroglíficos permitió descubrir que perteneció a Nectanebo II. Algunos investigadores creen que en este sarcófago reposó el cuerpo de Alejandro cuando fue traído desde Menfis, antes de ser trasladado a su sepultura definitiva en el Soma.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXGbxsw9d6WFc7_ZbSLGbGYrxzP2fd4Q8iBrF7IJeP2Y8Yy6aN0Aaf4wVuYQTrxoaeyoDjWPkaPKPa3DD0HDqxsdxq7Et58izXiC9WAFXQ6dilhalatKB6QcVCKWemku-1j_S4gZXzINw/s1600/nectane.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="462" data-original-width="700" height="420" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXGbxsw9d6WFc7_ZbSLGbGYrxzP2fd4Q8iBrF7IJeP2Y8Yy6aN0Aaf4wVuYQTrxoaeyoDjWPkaPKPa3DD0HDqxsdxq7Et58izXiC9WAFXQ6dilhalatKB6QcVCKWemku-1j_S4gZXzINw/s640/nectane.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><b>SARCÓFAGO </b>DE GRANITO DEL FARAÓN NECTANEBO II, HALLADO EN LA MEZQUITA ATARINA. MUSEO BRITÁNICO, LONDRES.</span></div>
<div style="text-align: left;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: left;">
<b>1850 <i>Mezquita de Nabi Daniel.</i></b></div>
<div style="text-align: justify;">
En 1823, Mohamed Alí edificó cerca de la deteriorada mezquita Atarina otra dedicada al profeta Daniel, en un lugar que desde el siglo XI era conocido como "la colina del cuerpo". En 1850, un empleado del consulado ruso en Egipto recorrió parte del complicado laberinto de túneles que discurren bajo la mezquita y al salir dijo haber visto un sarcófago de cristal en el que yacía un cuerpo humano coronado con una diadema. Poco después, un guía local llamado Ambroise Schilizzi aseguró haber visto también bajo la mezquita el ataúd donde reposaba Alejandro.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhz0QehGh1xpwjewJj2O8hyVW7fPJStbl5MrsT04T35qvVRUj17Inff-OsUn2NDYcZpn8O1bPF7iLrDqyrIUksznV7QVDLd_z8kpeDd_Z3Oov2GlW6HQFAjUE1H_pt9d7fxi4PpTuHPoXA/s1600/grab.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1067" data-original-width="1600" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhz0QehGh1xpwjewJj2O8hyVW7fPJStbl5MrsT04T35qvVRUj17Inff-OsUn2NDYcZpn8O1bPF7iLrDqyrIUksznV7QVDLd_z8kpeDd_Z3Oov2GlW6HQFAjUE1H_pt9d7fxi4PpTuHPoXA/s640/grab.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: left;">
<b>1960 <i>Kom el-Dikka.</i></b></div>
<div style="text-align: justify;">
Cerca de la mezquita de Daniel se halla la necrópolis grecorromana de Kom el-Dikka, donde se alzaba una iglesia llamada Iglesia de Alejandro. A finales del siglo XIX se llevaron a cabo algunas prospecciones, pero el gobierno egipcio era reacio a dar permisos de excavación por la presencia de sepulturas de miembros de la familia real. Hacia 1960, una expedición polaca sacó a la luz restos de un odeón, baños romanos, cisternas y un barrio residencial. Pero no hay rastro de la tumba de Alejandro. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhA-xNrO4eLlUWMlbcBnEcVdjQlhxN-edN4oYt3QCOWOcvZzoOJyc5PtnQTrYJVHAmySbCR9qOX-AYH-S6xNo7ShCnwSCuj-JLAFtof1gQqCA6Wn6eBuSpi3Ppzik7OMt9aMuPzug2_BMw/s1600/busto.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="372" data-original-width="245" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhA-xNrO4eLlUWMlbcBnEcVdjQlhxN-edN4oYt3QCOWOcvZzoOJyc5PtnQTrYJVHAmySbCR9qOX-AYH-S6xNo7ShCnwSCuj-JLAFtof1gQqCA6Wn6eBuSpi3Ppzik7OMt9aMuPzug2_BMw/s640/busto.jpg" width="420" /></a></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><b>CABEZA DE MÁRMOL </b>DE ALEJANDRO MAGNO HALLADA EN KOM EL-DIKKA. MUSEO DE ALEJANDRÍA.</span></div>
GreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-60524432779244752872019-07-29T11:06:00.002-07:002019-07-29T11:37:53.271-07:00COPTOS: Entre Cristo y Osiris<div style="text-align: justify;">
<b>Tras ser conquistados por Roma, los egipcios adoptaron rápidamente el cristianismo sin olvidar por ello sus milenarias tradiciones faraónicas. Así nació una nueva cultura, la de los coptos o cristianos de Egipto, que ha perdurado hasta nuestros días.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXCl07UiW8MiXMuLPAFuovStmUXLTXipdglMjmTlV3KLMH6VjNIk-4ZU8xuqN59yPHQGMmXMYQ3xi_1TcclW2nZD4RQOY09QkEnJBPY0PDrAuuIBmsxGeF_XaBqxQ8LCJKm2wWgF8YBOg/s1600/san+bishoi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1066" data-original-width="1600" height="425" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXCl07UiW8MiXMuLPAFuovStmUXLTXipdglMjmTlV3KLMH6VjNIk-4ZU8xuqN59yPHQGMmXMYQ3xi_1TcclW2nZD4RQOY09QkEnJBPY0PDrAuuIBmsxGeF_XaBqxQ8LCJKm2wWgF8YBOg/s640/san+bishoi.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b><span style="font-size: x-small;">EL MONASTERIO DE SAN BISHOI</span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">La iglesia del llamado monasterio Rojo (Deir el-Ahmar) de Sohag, en el Alto Egipto, posee excepcionales frescos como éste. Siglo IV.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b>CRONOLOGÍA</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b>HEREDEROS DEL EGIPTO FARAÓNICO</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b>50 d.C.: </b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
En tiempos del emperador Nerón se funda la primera comunidad cristiana de Egipto en la ciudad de Alejandría</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b>356 d.C.:</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
Poco después de la muerte del asceta san Antonio se funda en el desierto el primer monasterio corto, que lleva su nombre</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b>394 d.C.:</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
De esta fecha data la última inscripción en escritura jeroglífica egipcia conocida, grabada en el templo de Isis en File</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b>451 d.C.:</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
Tras el concilio de Calcedonia se produce la separación entre la iglesia copta y el resto de iglesias cristianas</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b>535-537 d.C.:</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
El emperador bizantino Justiniano ordena clausurar el templo de Isis en File, último lugar de culto de los dioses egipcios</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b>640 d.C.:</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
Egipto es conquistado por un gran ejército árabe al mando de Amr ibn al-As, un importante general que ya había tomado Jerusalén</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4nhBEno1Y6Be-e8H6jQtiNR1UPY4gu9Q0aw4nS0cPAThyw5L0jSVP2U9n1fjxZKnl4FA9gzz8gnZHkW4MR9-8zFK86C8CLW9HdZNmYm8J8T8riIImL0E_ktwMlF6L-VtNKrEW2vRRohg/s1600/tunica.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="560" data-original-width="983" height="364" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4nhBEno1Y6Be-e8H6jQtiNR1UPY4gu9Q0aw4nS0cPAThyw5L0jSVP2U9n1fjxZKnl4FA9gzz8gnZHkW4MR9-8zFK86C8CLW9HdZNmYm8J8T8riIImL0E_ktwMlF6L-VtNKrEW2vRRohg/s640/tunica.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><b>EN LAS TUMBAS COPTAS </b>SE HAN DESCUBIERTO TEJIDOS PERFECTAMENTE CONSERVADOS, COMO ESTA TÚNICA. MUSEO NACIONAL, RAVENA.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La arena cubría las esfinges y las estatuas de los antiguos dioses. El Islam aún no había llegado a Egipto y los minaretes todavía no se alzaban en el horizonte. Entre el final del Egipto faraónico y la llegada de los árabes transcurrieron casi setecientos años, los que van desde el siglo I al VII, en los que el valle del Nilo fue cristiano. Durante este período, Egipto formó parte del Imperio romano y del bizantino por lo que vivió de lleno la expansión del cristianismo por el Mediterráneo. Lo que queda de aquellos tiempos es una comunidad, los cristianos coptos, que hoy componen una décima parte de la población del país. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Cuando observamos imágenes de este mundo copto, con frecuencia es fácil olvidar que estamos ante la misma cultura que creó las pirámides. Nuestro imaginario colectivo nos induce a pensar que ambos mundos, el faraónico y el cristiano, son irremediablemente ajenos entre sí. Como si una muralla los separara. Pero sus gentes hablaban la misma lengua, tenían preocupaciones similares y compartían una serie de creencias religiosas arraigadas en una práctica milenaria. A los adoradores de Re y a los de Jesús les unía una herencia ancestral común de un peso considerable. Por ello, no hay motivo para no ver el universo copto como una emanación lógica y natural del mundo que le había precedido y no como una ruptura a ese pasado. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtPozReA4ca2oylmRZJ3w0YjFA2mGiApIcTXVAmfaCXdU01aB8re3bfxCeGqG4ovG0pYgCuH_80HmHo_lwV1QvGGzlVLvCDbOzuNRZCyEswLZGWZUGOzOsgGyTfjGt09rHF0l9t2hptfk/s1600/hathor.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1024" data-original-width="685" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtPozReA4ca2oylmRZJ3w0YjFA2mGiApIcTXVAmfaCXdU01aB8re3bfxCeGqG4ovG0pYgCuH_80HmHo_lwV1QvGGzlVLvCDbOzuNRZCyEswLZGWZUGOzOsgGyTfjGt09rHF0l9t2hptfk/s640/hathor.jpg" width="428" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><b>EL TEMPLO DE DENDERA</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">En el siglo V, los cristianos coptos erigieron una iglesia en el complejo de templos de Dendera, en el Alto Egipto. En la imagen, la sala hipóstila del templo de Hathor.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqiw-Ap5AQ35caM41iKXGgQzjEyhQ6LqKjr32eXiFNu7II_yKB4Of1qLi4vl29mpWMH4VKY5ecUPsifjJNfdE22kpS76ignUjlfLZ6ksMUTl5zO-T_Ua22K-gJeXiLhCPMAMOyalqohkg/s1600/man.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="341" data-original-width="512" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqiw-Ap5AQ35caM41iKXGgQzjEyhQ6LqKjr32eXiFNu7II_yKB4Of1qLi4vl29mpWMH4VKY5ecUPsifjJNfdE22kpS76ignUjlfLZ6ksMUTl5zO-T_Ua22K-gJeXiLhCPMAMOyalqohkg/s640/man.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><b>SAN MARCOS EN ALEJANDRÍA</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">Al llegar a la capital egipcia, san Marcos curó milagrosamente al zapatero Aniano, como muestra este óleo de G. Mansueti. Siglo XVI. Galería de la Academia, Venecia.</span></div>
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<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Una prueba de esta continuidad la encontramos en el mismo término "copto". Éste deriva del vocablo árabe <i>qibt</i>, con el cual los musulmanes que conquistaron Egipto a mediados del siglo VII se referían a los naturales del país. Sin embargo, el término árabe no era nuevo: procedía de <i>Aigyptos, </i>el nombre que los griegos daban a Egipto desde época micénica, en el II milenio a.C. A su vez <i>Aigyptos </i>procedía de <i>Hwtkaptah, </i>el nombre en egipcio antiguo de un importante templo de Menfis dedicado a Ptah, la divinidad que crea el mundo dándole nombre. </div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMwZt6UkL5vWA9zUMv83VGmSrVWf8cOv-5-Bpm6Svl9Rkwn1Pb4QslpqFbUPkS2fgHoxoUr8P3K7YieYRyPflxur5yZdkz54Lh5qE0qz2f3eHBBrW33wiMH0YqYFdYNER-PD_te3Ix04c/s1600/manus.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="412" data-original-width="550" height="478" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMwZt6UkL5vWA9zUMv83VGmSrVWf8cOv-5-Bpm6Svl9Rkwn1Pb4QslpqFbUPkS2fgHoxoUr8P3K7YieYRyPflxur5yZdkz54Lh5qE0qz2f3eHBBrW33wiMH0YqYFdYNER-PD_te3Ix04c/s640/manus.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><b>ENTRE EL EGIPCIO Y EL GRIEGO. </b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">Derivada del egipcio antiguo, la lengua copta adoptó desde el siglo I d.C. un alfabeto compuesto por letras del alfabeto griego y algunos caracteres del demótico, una forma simplificada de la escritura jeroglífica. En la imagen, códice copto. Siglo X. Museo del Louvre, París.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Los primeros cristianos</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La cristianización de Egipto fue muy rápida. La tradición señala a san Marcos como el artífice de las primeras comunidades cristianas en el siglo I. Tiene sentido que éstas aparecieran en Alejandría, la cosmopolita ciudad de la costa mediterránea donde se concentraba una considerable población de habla y cultura griegas y una importante comunidad judía. Desde allí, la nueva religión se extendió con rapidez por el valle del Nilo. Unos cincuenta años después, a comienzos del siglo II, parece que la nueva religión ya se había difundido por las zonas rurales. Dado que la población del campo suele ofrecer más resistencia a la novedad y el cambio que la de las áreas urbanas, su aceptación del cristianismo constituye una clara señal de que esta religión no se percibía como algo distante o ajeno, sino como un sistema de creencias que entroncaba con el mundo milenario anterior. El cristianismo coincidía con la antigua religión egipcia mucho más que con las creencias de griegos y romanos. Los múltiples dioses del antiguo Egipto eran aspectos diferentes de la divinidad. Esto hacía, por ejemplo, que la idea cristiana de la Trinidad, el hecho de que Dios sea a la vez una y tres personas (Dios, Jesucristo y el Espíritu Santo), encajara perfectamente con la concepción religiosa de los egipcios, dado que para ellos el número tres era el símbolo de lo plural. De ahí la peculiar forma de la cruz copta, cuyos brazos finalizan en tres puntas como referencia a la Santísima Trinidad. </div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgoIDOuPIFKyy_1WmRorMlFN0yTT6i6ivalHvF-yH8Si5QjFECdhQWiV4BO5gw2ogZCLTFf-F5t3zgDvX3q_pFbJ28pnzkrHReTy4j62WITpAR81dRIjjHkCRuKjH2MbTUuhZeclrzksI/s1600/isis.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1200" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgoIDOuPIFKyy_1WmRorMlFN0yTT6i6ivalHvF-yH8Si5QjFECdhQWiV4BO5gw2ogZCLTFf-F5t3zgDvX3q_pFbJ28pnzkrHReTy4j62WITpAR81dRIjjHkCRuKjH2MbTUuhZeclrzksI/s640/isis.jpg" width="480" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><b>LA DIOSA ISIS, </b>ENTRONIZADA, AMAMANTA A SU HIJO HORUS. DINASTÍA XXVI MUSEO DE HISTORIA DEL ARTE, VIENA.</span></div>
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<span style="font-size: x-small;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><b><br /></b></span></div>
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<b>Dos mitos de niños dioses</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: x-small;"><br /></span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>UNO DE LOS PILARES </b>de la tradición cristiana copta es el episodio de la huida de la Sagrada Familia a Egipto, descrito en el Evangelio de san Mateo. Significativamente, la historia tiene un paralelo con la religión faraónica. Al igual que Jesús se escondió en Egipto de la furia de Herodes, el niño Horus es escondido por su madre Isis en el Delta, entre los papiros, para librarle de la crueldad de su tío Set, que ha matado a su padre Osiris.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>LAS DOS TRADICIONES </b>confluyen en El-Matareya (topónimo que probablemente deriva de la palabra latina <i>mater</i>, "madre"). En este lugar, unos 15 kilómetros al norte de El Cairo, aún puede verse un árbol bajo el que la tradición copta sostiene que la Virgen María amamantó a Jesús durante la huida. El árbol es un sicomoro, árbol sagrado relacionado con la diosa Isis, madre de Horus. </div>
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<b><br /></b></div>
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<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjULdur-Z8zypFzu2ukOrFq1VzP8dbuL2cvqUFL6UXTjfB0jUW9M5kZbreSfOLuYHPkBnu5SE1ddrWopY4U_3z9R8S9tQIDfEFOuJVMQFgNyLH74CbbaNHHO9XlGxzJjEx_-9OZ3vC4d04/s1600/huida.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="393" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjULdur-Z8zypFzu2ukOrFq1VzP8dbuL2cvqUFL6UXTjfB0jUW9M5kZbreSfOLuYHPkBnu5SE1ddrWopY4U_3z9R8S9tQIDfEFOuJVMQFgNyLH74CbbaNHHO9XlGxzJjEx_-9OZ3vC4d04/s640/huida.jpg" width="628" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><b>LA HUIDA A EGIPTO. </b>FRESCO PINTADO POR GIOTTO EN LA CAPILLA DE LOS SCROVEGNI, EN PADUA, ENTRE 1304 Y 1306.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b>Jesucristo y Osiris</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Para el pueblo llano que vivía en el campo, la mayor identidad entre la antigua religión egipcia y el cristianismo se daba en las figuras sagradas y en la idea de muerte y salvación. En efecto, la historia de Jesucristo tal como se narra en los Evangelios guarda evidentes paralelismos con la de Horus, Isis y Osiris. Según la nueva religión, Jesús había nacido físicamente de una mujer, María, que lo concibió en circunstancias milagrosas y lo protegió y alimentó en su infancia. María es representada a menudo con su hijo en el regazo, ya sea sosteniéndolo o amamantándolo. Cuando el hijo creció, en sus enseñanzas hizo constantes referencias a su padre, es decir, a Dios padre. Este hijo, Jesús, trajo una nueva era al mundo: sufrió una muerte violenta (la pasión), y su resurrección posterior aseguró la victoria de sus seguidores sobre la muerte. Esta pasión es celebrada por los fieles ingiriendo el pan y el vino en los que el cuerpo sacrificado de Jesús se ha convertido. </div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFNqn9eVmXI0lbIrVck90cYNpIHEbbZG5pM8vgCDdMvLPS8k0k9viWQuwS88t9Ua9UGsIqlxgIeiIfcrr3JuhmTBV-G4_XSdapyBlvtKIi5v3HETzI3Y59-ePJavZoJ0DywnnxbPimp1Y/s1600/an.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="431" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFNqn9eVmXI0lbIrVck90cYNpIHEbbZG5pM8vgCDdMvLPS8k0k9viWQuwS88t9Ua9UGsIqlxgIeiIfcrr3JuhmTBV-G4_XSdapyBlvtKIi5v3HETzI3Y59-ePJavZoJ0DywnnxbPimp1Y/s640/an.png" width="344" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><b>LA CRUZ Y EL </b><i style="font-weight: bold;">ANKH. </i>ESTA ESTELA DE LOS SIGLOS V-VI MUESTRA UNA CRUZ COPTA INSPIRADA EN EL SÍMBOLO DEL <i>ANKH</i>. MUSEO COPTO, EL CAIRO.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En la antigua religión egipcia, Horus había nacido de la diosa Isis, que lo concibió milagrosamente. En efecto, su esposo Osiris había sido asesinado y despedazado, pero Isis recuperó y recompuso sus fragmentos, les insufló vida y se unió con Osiris resucitado para concebir a Horus. En el mito egipcio, por tanto, la pasión, muerte y resurrección las experimenta el padre, no el hijo, pero ello no supone un cambio de función de la historia. La religión funeraria egipcia se basa en la superación de la muerte, un regalo que Horus concede a sus fieles para enviarlos al reino de su padre Osiris, el señor del Más Allá. Para afrontar su viaje final se preparan mediante los rituales, la sepultura y los ajuares funerarios con todo lo necesario para la vida de ultratumba, incluyendo los textos que les permitirán sortear cualquier amenaza. De este modo, en la religión egipcia, al igual que en la cristiana, al final es el hijo quien salva al creyente de la muerte y posibilita la resurrección. </div>
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<b><br /></b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7FvPUCEldv8jlBH56gCl60xJsPkhXRIGd5je7Z6DKOO4PjssmilJavbdNcLsB14jYaKczTIAcK62GexduoIZ9vmuFS7e0Na9ZHzMvZ-FcpaW3QZ1hEURXHJfnW1HJAdxCUnFfNR0b3l0/s1600/sanmac.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="331" data-original-width="500" height="422" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7FvPUCEldv8jlBH56gCl60xJsPkhXRIGd5je7Z6DKOO4PjssmilJavbdNcLsB14jYaKczTIAcK62GexduoIZ9vmuFS7e0Na9ZHzMvZ-FcpaW3QZ1hEURXHJfnW1HJAdxCUnFfNR0b3l0/s640/sanmac.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><b>MONASTERIO DE SAN MACARIO. </b>SITUADO EN EL WADI NATRUM, ESTE CENOBIO COPTO ESTÁ DEDICADO A UN SANTO EREMITA QUE VIVIÓ EN EL SIGLO IV. </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Para los antiguos egipcios, Osiris se identifica con el pan y la cerveza, ya que su cuerpo se convierte en alimento tras la muerte. De igual modo que su cuerpo ha sido despedazado para volver a ser reunido y poder así engendrar a su hijo Horus, el grano es molido (despedazado y muerto) para convertirse en alimento (pan y cerveza) que será ingerido por el fiel, en una práctica que es muy anterior a la versión propugnada por la religión de Jesús, pero que presenta una analogía evidente con la eucaristía cristiana. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b>El misterio de la cruz</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Según hemos visto, tanto en la tradición egipcia como en la cristiana la superación de la muerte conduce al disfrute de una vida ulterior. Para representar esta idea, los coptos eligieron el antiguo signo jeroglífico <i>ankh,</i> <b>☥</b><i>, </i>que se utilizaba para escribir la palabra "vida" y el verbo "vivir". La incorporación de rasgos humanos al diseño del signo hace más evidente la identificación del fiel con la idea. En la tradición copta se grabaron una serie de estelas funerarias en las que el signo <i>ankh </i>tomado de la religión egipcia ancestral adopta una forma inequívocamente humana, en la que el lazo superior y los brazos de la cruz se convierten en la cabeza y los brazos del difunto. Con ello, la idea cristiana de que el difunto vivirá más allá de la muerte se hace patente por medio de la antigua expresión egipcia que significa "vida". De esta forma, ambas tradiciones religiosas muestran la continuidad de sus creencias en el destino del difunto más allá de la muerte. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
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<b>El juramento de san Shenoute</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>SAN SHENOUTE </b>(348-466 d.C.), uno de los padres de la iglesia copta, estableció que los nuevos cristianos debían pronunciar el siguiente juramento: "No haré impuro mi cuerpo de ninguna manera, no robaré, no daré falso testimonio, no mentiré, no haré nada engañoso en secreto, no incumpliré mis juramentos"; si no, Dios destruiría su alma y su cuerpo en el infierno.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdpl3Q7fGBx7BHmvdbG33k9-GHtQmWD31H9apjCn87n0bYwQ18nN1JW1dt9d1C4ZHj08ELJ-jgH95Zqshan1R6M8wBfeitnqa4a0t-yxIf8FbR1ild7SwVXNsbgKwTS0Vyy7W8bJpJxmw/s1600/shenoute.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="948" height="270" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdpl3Q7fGBx7BHmvdbG33k9-GHtQmWD31H9apjCn87n0bYwQ18nN1JW1dt9d1C4ZHj08ELJ-jgH95Zqshan1R6M8wBfeitnqa4a0t-yxIf8FbR1ild7SwVXNsbgKwTS0Vyy7W8bJpJxmw/s640/shenoute.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><b>ALGUNOS DE LOS MAUSOLEOS </b>QUE SE ALZAN EN LA NECRÓPOLIS COPTA DE AL-BAGAWAT, EN EL OASIS DE EL-KHARGA, EN EL DESIERTO OCCIDENTAL.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>SE ENCUENTRA </b>un paralelo de esta fórmula en el <i>Libro de los Muertos, </i>el documento que describe el juicio que el difunto experimenta ante Osiris. Allí, la llamada "confesión negativa" establece que el difunto debe declarar ante Osiris: "No he pecado (...), no he robado (...). no he mentido (...), no he hecho impuro mi cuerpo". Si mentía, su cuerpo y su alma serían devorados y destruidos por un ser monstruoso, Ammit.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSepYvJjnvPUu_41D4cz18x7BrUkGAuZBnfAZT4UA9y8s8Yp55j9hOxEM-UGcxaohMNpNkkpSiJdG13HgEPsMlqrlByXiaCMt8kj2G5QiJAAWXFVspGM3S-9Jl-mw6OpIqpF3WdNLTA0Q/s1600/sanapo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="508" data-original-width="825" height="394" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSepYvJjnvPUu_41D4cz18x7BrUkGAuZBnfAZT4UA9y8s8Yp55j9hOxEM-UGcxaohMNpNkkpSiJdG13HgEPsMlqrlByXiaCMt8kj2G5QiJAAWXFVspGM3S-9Jl-mw6OpIqpF3WdNLTA0Q/s640/sanapo.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><b>MONASTERIO DE SAN APOLO. </b>Una Virgen entronizada con el niño Jesús en su regazo y rodeada de apóstoles decora la parte inferior del ábside de este monasterio en Bawit, casi 350 kilómetros al sur de El Cairo. Siglo IV.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b>Una tradición continuada</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Con cierta frecuencia, en las estelas funerarias se presenta al difunto con un gesto peculiar en el que sus brazos se alzan a ambos lados del cuerpo. Este gesto parece tener una clara continuidad con los dos brazos del jeroglífico <i>ka, </i>que en la milenaria lengua egipcia se usaba para hacer referencia al aliento vital del difunto, al cual los vivos rendían homenaje y entregaban las ofrendas. Este gesto tan particular, usado en contextos tan similares, hace patente que la continuidad de las creencias egipcia y cristiana en algunas cuestiones fundamentales _como las referidas a la muerte_ fue una de las bases de la rápida expansión del cristianismo en el valle del Nilo.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Hoy en día, los restos materiales de la cultura copta nos parecen totalmente ajenos a la tradición faraónica, sobre todo a causa del modo en que los coptos abandonaron las convenciones artísticas propias del antiguo Egipto. Sin embargo, hemos de tener en cuenta que para los propios egipcios esto nunca fue así. Y no es de extrañar, puesto que resulta verdaderamente difícil desarraigar unas tradiciones que se encuentran ancladas en milenios de historia. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b>LA SÍNTESIS DEL ARTE COPTO</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Los artistas coptos realizaron obras muy diversas, desde esculturas y frescos hasta magníficos tejidos. La inspiración cristiana de estas creaciones no impide que en muchas de ellas esté presente la marca de la cultura griega, dominante en Alejandría y en el Egipto de los primeros cristianos. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>1. El Otoño</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Este tejido está confeccionado con lana teñida y lino. En el centro se ha bordado un motivo pagano: el Otoño, pero con un nimbo cristiano rodeando su cabeza.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDO0LUAtfP3YFXrx6yyAg3S0gE-UZs0mo-8G9OH_oVJTkxS457baBoPC-LJhp6jQu71C12AzYUvL-TXW1w5fMK9eT6gZHjh4JC7dE2mO1T8OJ2PTQTFr79N4GCpqSBH5d-_tKmXpcNlv4/s1600/otono.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="230" data-original-width="219" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDO0LUAtfP3YFXrx6yyAg3S0gE-UZs0mo-8G9OH_oVJTkxS457baBoPC-LJhp6jQu71C12AzYUvL-TXW1w5fMK9eT6gZHjh4JC7dE2mO1T8OJ2PTQTFr79N4GCpqSBH5d-_tKmXpcNlv4/s400/otono.jpg" width="380" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>2. El Buen Pastor</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Datada del siglo IV, esta estatua recrea un motivo cristiano muy recurrente: el tema de Cristo como el buen pastor que salva a las ovejas descarriadas. Museo Copto, El Cairo.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3-_QHTa_ERfr4ID6etdTPaPq-0qTOuqnGpD-4-EgAYwo5Gla7hQ4zWcqDUHPc-43Q4kLlNVYNTu725DuVRS7DpR3hgFW0hE9I_xMB_xShe2ikgfJJFQHIBypj53qLpXV7dqc1Ql2ISXw/s1600/buenpas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1280" data-original-width="890" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3-_QHTa_ERfr4ID6etdTPaPq-0qTOuqnGpD-4-EgAYwo5Gla7hQ4zWcqDUHPc-43Q4kLlNVYNTu725DuVRS7DpR3hgFW0hE9I_xMB_xShe2ikgfJJFQHIBypj53qLpXV7dqc1Ql2ISXw/s640/buenpas.jpg" width="444" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>3. Estela con animales</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En ella aparece el pez, animal alusivo a Cristo, y un pavo real, símbolo de la fertilidad que aquí tiene un sentido eucarístico. Museo de Luxor.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgROQGwJChyspP307hgwHeJnXA6xvur9pjbYmLioypZRlQylEucFp__YYtfd1-mtWfQI19APgg1iM-CoR7i1bLeYMtv_kAeYyMRLpn6RXOaDP2hdT01PLsxPtKsZKk6N1S-sYCe8T2Ipvo/s1600/anima.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1024" data-original-width="768" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgROQGwJChyspP307hgwHeJnXA6xvur9pjbYmLioypZRlQylEucFp__YYtfd1-mtWfQI19APgg1iM-CoR7i1bLeYMtv_kAeYyMRLpn6RXOaDP2hdT01PLsxPtKsZKk6N1S-sYCe8T2Ipvo/s640/anima.jpg" width="480" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>4. Afrodita saliendo del mar</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Este relieve que recrea el mito del nacimiento de la diosa Afrodita de una concha marina, flanqueada por dos sirenas, muestra inspiración helenística. Siglos V-VI. Museo del Louvre, París.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwG-Srm87PsTzV98pmP_8YlnU9gO1Gu4o4AxH00ehxC3uvgBT9s09o3pHfk_jXfKhUh5TSCb6FYXs4OEpZJ7Tl1NVi44dzTwEOXmB6arPsDqyOVsOpeZ4QMeCu2747xZOAXgqXq1Yv8M0/s1600/afrodita.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="325" data-original-width="761" height="272" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwG-Srm87PsTzV98pmP_8YlnU9gO1Gu4o4AxH00ehxC3uvgBT9s09o3pHfk_jXfKhUh5TSCb6FYXs4OEpZJ7Tl1NVi44dzTwEOXmB6arPsDqyOVsOpeZ4QMeCu2747xZOAXgqXq1Yv8M0/s640/afrodita.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>5. Jonás y la ballena</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Los coptos destacaron en la confección de tejidos bordados, como este fragmento en lino y lana que recrea la historia bíblica de Jonás, tragado por una ballena. Siglo V. Museo del Louvre, París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHNKod1TOKmkSi3eJgw_Z3hqf0fFwav4Bws6rKdxu4Woj3-9g4m8RDGIlkbHU_PF2byCnu7v6S0tdgkwNJj1Qe_ahE_ceITHFYxfCc6VS_QtYN7DgoUHzmQwG1qCmDBoOdsno1v90cqnI/s1600/jonas.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="753" data-original-width="1600" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHNKod1TOKmkSi3eJgw_Z3hqf0fFwav4Bws6rKdxu4Woj3-9g4m8RDGIlkbHU_PF2byCnu7v6S0tdgkwNJj1Qe_ahE_ceITHFYxfCc6VS_QtYN7DgoUHzmQwG1qCmDBoOdsno1v90cqnI/s640/jonas.gif" width="640" /></a></div>
GreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-9413365655864412862016-05-11T12:51:00.002-07:002016-05-11T12:51:10.199-07:00Lenguaje plástico y visual<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>LA ESCULTURA</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
Es el arte que se expresa a través de los volúmenes, en el que se juega con la materia que se adhiere o se sustrae, con lo vacío y lo macizo, con las calidades de las materias y la forma en que éstas son trabajadas tratando de convertir estos conceptos en poderosos recursos expresivos.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Cuando se habla de los tipos de escultura es posible distinguir entre la escultura de bulto redondo y el relieve. La de <b>bulto redondo</b> es aquella en la que la pieza se ha trabajado desde todos los puntos de vista, en torno a la que podemos girar, siendo el relieve aquel que es posible observar sólo frontalmente. El relieve se puede clasificar en:</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li><b>Altorrelieve: </b>en el que la figura sobresale más de la mitad de su volumen sobre la superficie en que ha sido realizada.</li>
</ul>
<ul>
<li><b>Medio relieve: </b>cuando sobresale la mitad.</li>
</ul>
<ul>
<li><b>Bajorrelieve: </b>cuando sobresale menos de la mitad.</li>
</ul>
<div>
Otro tipo de relieve consiste en quitar la materia de las figuras que se quieren representar de tal manera que éstas quedan en negativo, técnica esta que se practicó frecuentemente en el mundo egipcio.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
En el caso de que estemos ante una escultura de bulto redondo podemos indicar dos categorías. La que se realiza añadiendo materia, como es el caso de la arcilla o el metal, o la que se ejecuta sustrayendo la materia como la piedra o la madera. Otros materiales escultóricos pueden ser el plástico, la escayola, el hormigón, el acero, la cera, etc. El arte contemporáneo incorporó a la escultura una innumerable cantidad de nuevos materiales, muchos de ellos totalmente inusuales, de los que se consigue extraer nuevas potencialidades expresivas.</div>
<div>
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5rly5kqtYGbceuxSi4tlPJ_knNUGCrrLiH-qSqt_B7GCdq-KuUcEgApCFCrlaGT0x5b5STRYkS4Y6XXnltbH-cGYm_uW9e-A1Kdj8UXqnf5J1V_TWKyHyWXk4lDbbCdpFs1qgqYSePpA/s1600/re.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="370" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5rly5kqtYGbceuxSi4tlPJ_knNUGCrrLiH-qSqt_B7GCdq-KuUcEgApCFCrlaGT0x5b5STRYkS4Y6XXnltbH-cGYm_uW9e-A1Kdj8UXqnf5J1V_TWKyHyWXk4lDbbCdpFs1qgqYSePpA/s640/re.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div>
<br /></div>
<div>
Las técnicas que habitualmente se emplean en la escultura son las siguientes:</div>
<div>
<ul>
<li><b>La talla </b>que suele aplicarse a la madera. Este material presenta algunas diferencias con respecto a la piedra, aunque la forma de trabajarse es relativamente parecida, que hacen que frecuentemente se prefiera la piedra a la madera. La primera sería la limitación de las dimensiones de la madera y una serie de características físicas que hacen que sea un material de inferior calidad con respecto a la piedra (nudos, vetas, diferencias de color, oquedades, etc.).</li>
</ul>
<ul>
<li><b>El modelado </b>que sirve para materiales blandos cuya forma se puede modificar con la simple utilización de las manos, añadiendo o quitando materia. </li>
</ul>
<ul>
<li>El <b>esculpido </b>en el que se eliminan partes de un bloque previamente desbastado.</li>
</ul>
<ul>
<li>El <b>pulido</b> es el acto de trabajar en mayor o menor medida la superficie de una escultura. La manera en que una obra se pule puede tener una gran importancia, ya que está relacionada con la forma en que la luz se refleja sobre ella y con los efectos estéticos que se consiguen.</li>
</ul>
<ul>
<li>El <b>vaciado</b> que tiene como punto de partida la realización de un molde que transforma el material. Muchas veces se versa en éste la materia escultórica en estado líquido que posteriormente se endurece tomando la forma definitiva que le ha sido dada con el molde. </li>
</ul>
<ul>
<li>El <b>forjado</b> en el que se golpean metales en frío o en caliente hasta que se les da la forma deseada.</li>
</ul>
<ul>
<li>El <b>repujado </b>se realiza sobre una lámina metálica en la que se efectúan incisiones que dan forma al dibujo que previamente con un molde se ha llevado a cabo sobre ella.</li>
</ul>
<ul>
<li>El <b>estampado</b> que se consigue imprimiendo con fuerza un troquel con figuras en negativo para que en la superficie del objeto trabajado aparezcan en positivo.</li>
</ul>
<div>
Otro aspecto de enorme importancia es el <b>acabado final</b> de la escultura. En algunos casos se recurre a la policromía, algo que debió ser bastante habitual en el mundo clásico y en la escultura medieval, a pesar de que las obras hayan llegado a nosotros desprovistas de los colores que las completaban. Además, tal y como hemos apuntado al definir la escultura, el artista juega con las capacidades expresivas del material trabajando en mayor o menor medida las superficies y controlando, de alguna manera, la relación entre el material y la luz.</div>
</div>
<div>
<br /></div>
<div>
<br /></div>
<br />
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>LA PINTURA</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
Esta manifestación artística se desarrolla sobre una superficie bidimensional y durante mucho tiempo estuvo concentrada en la manera de fingir la tridimensionalidad o la profundidad de la que carece el soporte sobre el que se practica. Sólo la irrupción es escena de la fotografía conseguirá liberar a la pintura de esta necesidad de captar con fidelidad la realidad circundante y otorgará al artista una mayor libertad en el ejercicio de este arte.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Uno de los aspectos que mejor nos permitirá comprender la pintura y la forma en que ésta se interpreta es <b>la técnica</b> empleada. Las diferencias materiales entre éstas consistentes en el aglutinante, diluyente y pigmentos utilizados determinarán los efectos estéticos y la forma de trabajo de cada una de ellas. Las técnicas pictóricas más relevantes son las siguientes:</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li>El <b>fresco: </b>es una de las primeras técnicas pictóricas que aparecen en la historia del arte. Consiste en pintar sobre una sutil capa de yeso o enlucido cuando aún éste está húmedo, por lo que los pigmentos se mezclan con el yeso pasando a formar parte de él. Este fenómeno permite distinguir las distintas partes en que ha sido realizada la obra que reciben la denominación de jornadas.</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjErBh59YVSYmTBOkrtJJoO2r5nSWc5FtwXaO8z8ICDFns0JmQZrPooSYv2cjMuxZwJYMuDvK3UnAjuH2IkPwbKccUleLZjtofcbZGMqeSjqO9aQdtaCF_R1h_VzLDMP0_ULAGzmEgHlVE/s1600/fre.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjErBh59YVSYmTBOkrtJJoO2r5nSWc5FtwXaO8z8ICDFns0JmQZrPooSYv2cjMuxZwJYMuDvK3UnAjuH2IkPwbKccUleLZjtofcbZGMqeSjqO9aQdtaCF_R1h_VzLDMP0_ULAGzmEgHlVE/s640/fre.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<ul>
<li>El <b>temple: </b>se consigue a partir de la unión del agua como disolvente con algún tipo de grasa, vegetal o animal, que hace la función de aglutinante. Normalmente se aplica sobre un soporte ígneo, aunque ocasionalmente se recurre a él para retocar la pintura al fresco o para ejecutar con precisión algún detalle.</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhcdHhCCFdtwHANoWmRtpaMz2dz7A-sFT_TJxDrJS0oYUyO7F4MaLRrrTu0UmMb5Cko2re6g2MZBoPFMXKMdvkGP7aROoftf3Pf8ygX94DOvj4DlfgzqEQyRx7vBOp5te4SNNY8QVv2DzY/s1600/ma.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="532" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhcdHhCCFdtwHANoWmRtpaMz2dz7A-sFT_TJxDrJS0oYUyO7F4MaLRrrTu0UmMb5Cko2re6g2MZBoPFMXKMdvkGP7aROoftf3Pf8ygX94DOvj4DlfgzqEQyRx7vBOp5te4SNNY8QVv2DzY/s640/ma.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<ul>
<li>El <b>óleo: </b>supone una verdadera revolución en la historia de la pintura. Surge a partir de la unión del aceite de linaza con los pigmentos minerales, lo cual permite la obtención de un enorme brillo y de un intenso cromatismo que hacen que esta técnica sea apta para la adecuada recreación de la realidad. Casi desde su irrupción en la historia del arte se convierte en la técnica estelar de la pintura. En ocasiones se emplea para retocar la pintura al fresco o al temple, aunque generalmente se lleva a cabo sobre lienzo.</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBFrUUXTtSHL7rJJJ118KcGSE_rleeeomN2XEz5OycHozGlhHJfmBDWsY-UztQy34nDnoppsG96P32OXQR3PcVAnn8wt6vFqBOZWEEVfzz01ZEVO4I-AL77TdmXmwy-S9h4MhyphenhyphenW5nO5KY/s1600/es.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBFrUUXTtSHL7rJJJ118KcGSE_rleeeomN2XEz5OycHozGlhHJfmBDWsY-UztQy34nDnoppsG96P32OXQR3PcVAnn8wt6vFqBOZWEEVfzz01ZEVO4I-AL77TdmXmwy-S9h4MhyphenhyphenW5nO5KY/s640/es.jpg" width="636" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<ul>
<li>La <b>acuarela: </b>el soporte que se emplea es el papel y los colores se diluyen en agua. Se trata de una técnica que debe ser practicada con cierta rapidez, ya que la acuarela se seca muy rápidamente. Es muy apta para la realización de paisajes, puesto que permite captar los distintos tipos de luz en diferentes condiciones atmosféricas.</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOMXggX4RQMpUksp9_SRa3PCtQW-Rro74G3WOOSi_dHf9qdiJAe6KgEwER9lcrnpCYUXzYffDqiAgERW1llrlMKLWaD0RRuYrjk40wiUrEzlzmiJIQiO-eXy_2UJpvf0GumJkL5_tfvq8/s1600/for.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="444" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOMXggX4RQMpUksp9_SRa3PCtQW-Rro74G3WOOSi_dHf9qdiJAe6KgEwER9lcrnpCYUXzYffDqiAgERW1llrlMKLWaD0RRuYrjk40wiUrEzlzmiJIQiO-eXy_2UJpvf0GumJkL5_tfvq8/s640/for.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<ul>
<li>La <b>témpera: </b>el disolvente en este caso también es el agua, lo mismo que en el caso de la acuarela, aunque la diferencia más significativa estriba en el hecho de que en el temple sí se emplea el pigmento blanco. Generalmente se pinta con témpera sobre el papel aunque en ocasiones se utiliza para retocar la pintura mural. </li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEHev54P_GPTYSxv5VGU1Wq3gEj0on8uwzPJTi6dyAlKHCamrfotZg6rmYEzd-lWqfBzhuC1VmleMXFRl3oso_MkKXVBGnDAnYwiq-vfpUUcCR3J-DimwYe7rHPBF0hF84j6UycExklVQ/s1600/gri.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEHev54P_GPTYSxv5VGU1Wq3gEj0on8uwzPJTi6dyAlKHCamrfotZg6rmYEzd-lWqfBzhuC1VmleMXFRl3oso_MkKXVBGnDAnYwiq-vfpUUcCR3J-DimwYe7rHPBF0hF84j6UycExklVQ/s640/gri.jpg" width="506" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<ul>
<li>El <b>encáustico: </b>consiste en diluir los colores en cera fundida, lo cual hace que el artista tenga que trabajar en caliente. Con esta técnica se consiguen superficies muy brillantes y satinadas. Se empleó en los retratos del Fayum, durante el periodo copto, que se colocaban sobre los rostros de las momias.</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhEB9H0dzduTKe5EGoxQrB9LelvtABfhwjU9Bp0rXNg2WAmafbxswcWEmE41w3Vy1MzCzJeOO9jvuzGkOa1GVGXRzgFknuu07Z586vEuT78DRJ3akXB7Q1gPyURkDhfmbQGaRto1wL2fvU/s1600/en.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhEB9H0dzduTKe5EGoxQrB9LelvtABfhwjU9Bp0rXNg2WAmafbxswcWEmE41w3Vy1MzCzJeOO9jvuzGkOa1GVGXRzgFknuu07Z586vEuT78DRJ3akXB7Q1gPyURkDhfmbQGaRto1wL2fvU/s640/en.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<ul>
<li>La <b>miniatura: </b>deriva del término latino <i>inluminare</i> que significa literalmente "dar luz". El soporte fundamental de la miniatura es el pergamino, obtenido a partir de la piel de los animales, y los colores se muelen con la mayor finura posible y se recurre a la goma arábiga como aglutinante. Esta técnica alcanzó un enorme desarrollo durante toda la Edad Media, desapareciendo con la irrupción en escena de la imprenta.</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOAycs2tAkOQX1TGn9s7VUJpS0-uxrNshIikGiIrcUIPrZPxatarqZYXSowmH_x5nyCWU-M3atEnb3ObLUxyC8EzcmPBrXrlRToHV_wAyceabeNFedgNXCzY-q-PSmuLiPMD_lFi_6O1s/s1600/min.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="468" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOAycs2tAkOQX1TGn9s7VUJpS0-uxrNshIikGiIrcUIPrZPxatarqZYXSowmH_x5nyCWU-M3atEnb3ObLUxyC8EzcmPBrXrlRToHV_wAyceabeNFedgNXCzY-q-PSmuLiPMD_lFi_6O1s/s640/min.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div>
Otras técnicas que podrían relacionarse con la pintura son el mosaico y la vidriera. El <b>mosaico</b> consiste en la utilización de teselas o pequeños cubos con los que se da color a una imagen previamente trazada sobre una superficie mural o sobre un pavimento. Las teselas que se clasifican en función a su tamaño y pueden ser de piedra en el caso de los mosaicos romanos, o bien de pasta vítrea, lo cual permite conseguir una mayor gama cromática, si nos referimos a la musivaria bizantina.</div>
<div>
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKbRrkg_ZYhAlldWzCzNfEOysnia2EtNEZWaKzv09_7rv-jmMUPwrBbzHq4PSt__xr8oE4aJuP_CHtxhAvT21oLiU1eFQX_3859HMDLb2i6TMqU5zl6AT0eVBnfnSC6EbheMDC-6sDN4Q/s1600/cav.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKbRrkg_ZYhAlldWzCzNfEOysnia2EtNEZWaKzv09_7rv-jmMUPwrBbzHq4PSt__xr8oE4aJuP_CHtxhAvT21oLiU1eFQX_3859HMDLb2i6TMqU5zl6AT0eVBnfnSC6EbheMDC-6sDN4Q/s640/cav.jpg" width="618" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div>
<br /></div>
<div>
La <b>vidriera </b>se realiza con fragmentos de vidrio, tal y como su propio nombre indica. Se emplea para cubrir los vanos y experimenta su momento más álgido durante los siglos del Gótico, aunque existen datos que permiten pensar que ésta existió mucho antes. Lo mismo que el mosaico, se parte de un dibujo sobre el que se van cortando los diversos fragmentos de vidrio coloreado que se colocan sobre un esqueleto metálico que recibe la denominación de emplomado. Los detalles como los rasgos de un rostro o los pliegues de las vestiduras se realizan con la grisalla que se aplica con un pincel. En esta técnica tiene un protagonismo absoluto la luz que atraviesa el vidrio y que intensifica los efectos cromáticos del mismo.</div>
<div>
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNPVOOClxlkiSmwaCR5sPpKoq2QthO1vt6HWu381CFetCa3XeHU4lUiMvq9G2fJWesv716ikELV6xafVs5D04gaQHZOOx9jUDRwc5grPQzi776H1wz0IesSEdBYIZvbkusd2TsQPG4L-Y/s1600/vid.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNPVOOClxlkiSmwaCR5sPpKoq2QthO1vt6HWu381CFetCa3XeHU4lUiMvq9G2fJWesv716ikELV6xafVs5D04gaQHZOOx9jUDRwc5grPQzi776H1wz0IesSEdBYIZvbkusd2TsQPG4L-Y/s640/vid.jpg" width="436" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div>
Una vez que hemos definido las técnicas que con mayor frecuencia se han utilizado en la historia del arte, habría que enumerar otras cuestiones que permiten comprender una obra pictórica:</div>
<div>
<ul>
<li>El <b>color </b>y <b>el dibujo: </b>se trata de dos conceptos fuertemente interrelacionados en la historia de la pintura. Habrá momentos en que el dibujo predomina sobre el color como sucede en la pintura neoclásica, y otros en que se produce el fenómeno contrario como es el caso de la pintura romántica. La preponderancia del dibujo sobre el cromatismo nos habla de un predominio de la razón sobre cualquier forma de expresión emotiva. En el caso de que el color tenga un mayor protagonismo que el dibujo en una obra, habría que analizar si se opta por colores fríos o bien se prefieren los colores cálidos. Los primeros producen sensaciones de lejanía y neutralidad, sugieren el equilibrio y la serenidad, mientras que los segundos nos hablan de la exaltación de las emociones y de la proximidad, tanto física como emotiva. Bastaría comparar los cuadros de Delacroix o de Rubens, protagonizados por intensos rojos, con los de Friedrich en los que los colores fríos despiertan en nosotros una conmovedora placidez detrás de la que se esconde, en muchos casos, una tensión psicológica. Si, por el contrario, el dibujo es el protagonista de la obra pictórica habría que analizar si estamos ante una escena compuesta con líneas rectas que incitan a pensar en el orden y en el equilibrio o bien si se prefieren formas diagonales o curvas que sugieren un cierto dinamismo e inestabilidad.</li>
</ul>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMboKJkCu5qdX8YyvIfali7SSBuvNna26s2hhnYFRoY_jnXuq5-WoiWj0b5goMhYpyhAs7MQcF3Ni3rttZ0ZoGsI6Gy_IWqIwVxLlOBp8feW76aaD7WFpQT7R-fLtUL8tNduu_ftnUtyA/s1600/sfu.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMboKJkCu5qdX8YyvIfali7SSBuvNna26s2hhnYFRoY_jnXuq5-WoiWj0b5goMhYpyhAs7MQcF3Ni3rttZ0ZoGsI6Gy_IWqIwVxLlOBp8feW76aaD7WFpQT7R-fLtUL8tNduu_ftnUtyA/s640/sfu.jpg" width="480" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<ul>
<li>La <b>composición: </b>es la forma en que se disponen los elementos que integran una escena. Podemos estar ante una composición piramidal (<i>El descendimiento de la cruz</i> de Rembrandt), o una estructura cuadrangular en la que las figuras se yuxtaponen produciendo una marcada sensación de equilibrio (<i>Entierro en Ornans</i> de Courbet), o un cuadro en el que coexisten varios ámbitos compositivos (<i>El entierro del conde de Orgaz</i> de El Greco). La composición está fuertemente relacionada con el color y el dibujo, ya que estos dos elementos pueden servir para subrayar la idea que subyace en la composición. Es decir, las manchas de color y la elección de líneas rectas o curvas pueden evidenciar aún más el mensaje que la composición quiere transmitir al espectador. Esta idea se ve muy bien en muchas de las obras de Caravaggio, determinadas por un fortísimo sentido escenográfico en el que todos estos elementos resultan definitivos.</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3DCRgl_E6eij-HxAOgxYWuqsqMowJkULdahyYqyFDOxAdO1xmHFziwmjeAKDSwpXg0hcVDJbR7mcNk_6ZTBKIqURYLNkromKd98TnsAgIiaXM_BdnXNeFidTm94RkHnoJKZxTUTjDBuU/s1600/comp.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="406" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3DCRgl_E6eij-HxAOgxYWuqsqMowJkULdahyYqyFDOxAdO1xmHFziwmjeAKDSwpXg0hcVDJbR7mcNk_6ZTBKIqURYLNkromKd98TnsAgIiaXM_BdnXNeFidTm94RkHnoJKZxTUTjDBuU/s640/comp.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<ul>
<li>La <b>luz: </b>es otro de los grandes protagonistas de la pintura. Ésta puede iluminar globalmente una escena recibiendo el nombre de luz conceptual o bien puede servir para seleccionar objetos precisos o personajes concretos algo que llevado a su extremo se convierte en claroscuro. No se interpreta de la misma forma la luz en una obra de Piero della Francesca que de Rembrandt, ni tiene el mismo contenido simbólico. </li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxx8MOV_caUfjc5QkjGZVi1C_IBK7xBvw4n7V65UT8NNG_dYA_CS0SicgonQ9wJypsjvtJtCZKYDq-ibTdUUXX0wOcYh9GzDiLXb7SrZhE7SYaTjN9ciI0uAcXBkpHoxf1Pf9qPP-MoEE/s1600/ret.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxx8MOV_caUfjc5QkjGZVi1C_IBK7xBvw4n7V65UT8NNG_dYA_CS0SicgonQ9wJypsjvtJtCZKYDq-ibTdUUXX0wOcYh9GzDiLXb7SrZhE7SYaTjN9ciI0uAcXBkpHoxf1Pf9qPP-MoEE/s640/ret.jpg" width="606" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<ul>
<li>La <b>tridimensionalidad: </b>una de las grandes preocupaciones de la pintura durante mucho tiempo, tal y como ya hemos apuntado, es la representación de la tercera dimensión en un plano, algo que se agudiza en todos los momentos de la historia del arte que podemos definir como antropocéntricos. Esa es la razón de ser del <i>schiacchiato </i>de los relieves romanos, de la perspectiva lineal o de la perspectiva aérea del Renacimiento. Con la aparición en escena de la fotografía, la pintura experimenta una liberación que hace que el objeto fundamental de este arte no sea ya la representación fidedigna de la realidad circundante, puesto que una fotografía es insuperable desde este punto de vista. De esta forma el pintor puede recrear y reelaborar en su mente la realidad que le rodea o bien puede practicar una pintura no figurativa que recibe la denominación de abstracción.</li>
</ul>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi17TREQcpUX-5FP4oOUDY-Bjz6U3h6FnN-6KLkzJXLTmk36LMA7ospage8sZOxb3epl9hAaCzQEgxFTh7rGGVAWG4vO_1TXMwGzHQveemM191BSpHA7LqtXO2k0wRO214pi4yAOc0LxtI/s1600/mur.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi17TREQcpUX-5FP4oOUDY-Bjz6U3h6FnN-6KLkzJXLTmk36LMA7ospage8sZOxb3epl9hAaCzQEgxFTh7rGGVAWG4vO_1TXMwGzHQveemM191BSpHA7LqtXO2k0wRO214pi4yAOc0LxtI/s640/mur.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<ul>
<li>La <b>temática: </b>son muchos los argumentos que se plasman en la pintura, tantos como inquietudes tiene el ser humano. Una obra puede ser sacra o profana. Puede abordar argumentos mitológicos, recrearse en la naturaleza en todo su esplendor bajo la forma de un paisaje o en la captación de objetos inertes e inanimados, algo que conocemos como naturaleza muerta o bodegón. Puede deleitarse en la representación del ser humano en sus diferentes posibilidades y aspectos, solo o relacionándose con los demás o con su entorno natural, reflejando diferentes inquietudes del hombre. Y todo esto lo hará bajo la perspectiva del momento histórico en que se produce o bajo la óptica del comitente que manda realizar la obra.</li>
</ul>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwRxdpwZ_SspgOrKdnegOm3UIO0jSIpWW0MpoS9Od6vuv9eZ1YqPACvuchAi_ZQ_aePGION60hugS9NKTfd7UQiDbA6DhaAtdqrvl0ZpXwQ_YvPgnV9dP-zajcpp-bErfAbmQVhMOgHmI/s1600/tra.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwRxdpwZ_SspgOrKdnegOm3UIO0jSIpWW0MpoS9Od6vuv9eZ1YqPACvuchAi_ZQ_aePGION60hugS9NKTfd7UQiDbA6DhaAtdqrvl0ZpXwQ_YvPgnV9dP-zajcpp-bErfAbmQVhMOgHmI/s640/tra.jpg" width="640" /></a></div>
</div>
GreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-45334928576894373082016-05-11T09:22:00.002-07:002016-05-11T09:22:39.938-07:00El arte y la sociedad de consumo<div style="text-align: justify;">
<b>El arte se halla absolutamente integrado en nuestra sociedad desempeñando un papel de vital importancia. Se ha convertido en algo a lo que todos, de una manera u otra, tenemos acceso, algo que ha dejado de ser patrimonio de unas pocas clases privilegiadas para llegara a la gran mayoría del público. Por otro lado es indiscutible la dimensión económica de la expresión artística: subastas en las que algunas obras alcanzan precios realmente desorbitados, exposiciones que se convierten en verdaderos fenómenos de masas, campañas publicitarias inspiradas en obras de arte significativas de la Historia del Arte, expresiones artísticas que pretenden despertar la curiosidad de la opinión pública y que interesan a los diferentes medios de comunicación, etc.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>En esta entrada nos ocuparemos de todos estos fenómenos para poder comprender la importancia que la obra de arte desempeña en la sociedad actual en sus diferentes vertientes, así como de nuevas formas de expresión, nuevos lenguajes incorporados recientemente a nuestro bagaje cultural como el cómic o la fotografía.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDwywux0IKoltC_YqLgy5uynsD-GJSeZd7DJgLCKtmwPojx6nbSbwarXEkRolgmzOj4uA_c9HVnSHeLuSsUMf8pnOiZ8YplPbAAdhubyGX4X3h9GHID0PpkazQwcc_WWD_BC8qik6o5WI/s1600/cig.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDwywux0IKoltC_YqLgy5uynsD-GJSeZd7DJgLCKtmwPojx6nbSbwarXEkRolgmzOj4uA_c9HVnSHeLuSsUMf8pnOiZ8YplPbAAdhubyGX4X3h9GHID0PpkazQwcc_WWD_BC8qik6o5WI/s640/cig.jpg" width="446" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Alfons Mucha: <b><i>Cartel publicitario de los cigarrillos París</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">1. ARTE Y MERCADO</span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
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Durante los últimos años del siglo XX hemos sido testigos de importantes cambios que afectan de un modo directo a la manera en que el arte se inserta en nuestra sociedad. La obra de arte ha adquirido en la actualidad una nueva dimensión convirtiéndose en un <b>bien de consumo</b> que forma parte de un comercio en el que se mueven importantes cantidades de dinero. Los precios oscilan en función de gustos y modas que no siempre son posibles de explicar desde un punto de vista objetivo, a la vez que están sujetos a fuertes oscilaciones que dependen de estos factores. Este aspecto ha contribuido notablemente a cambiar <b>la consideración social del artista</b> ya que algunos de ellos han adquirido dimensiones casi legendarias que los convierte en personajes venerados. Es posible que sea por este motivo que el arte en la actualidad está caracterizado por una marcada individualidad: es difícil hablar de movimientos y corrientes artísticas, cada artista busca caminos propios que le distingan de los demás, se experimenta con nuevas formas de expresión que, frecuentemente, implican la utilización de los medios audiovisuales que ofrece nuestra sociedad tecnológica. Esto va unido a otro aspecto esencial: el artista es finalmente libre, la expresión de sus ideas no está ligada al poder político y religioso como sucedía en otros momentos de la Historia de Arte de los que nos hemos ocupado anteriormente. Las pirámides o los palacios son expresiones de poder, los templos clásicos o las catedrales medievales tienen una rígida función religiosa, lo mismo que la pintura o la escultura que va, frecuentemente, ligada a la arquitectura.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhX9-pLPvjhX5AIfscBeq2cHTp8srzh2tk3vnKw58SrUaEMVCLTbJtEOhMQ2R4ohXrrGb3YwcsCNLtAPGMNLsXPYQOZ9nvLvpWoYRhwI9CBVjZU2D23pEvajfIqBDWirS7nym0925K3WiU/s1600/w.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhX9-pLPvjhX5AIfscBeq2cHTp8srzh2tk3vnKw58SrUaEMVCLTbJtEOhMQ2R4ohXrrGb3YwcsCNLtAPGMNLsXPYQOZ9nvLvpWoYRhwI9CBVjZU2D23pEvajfIqBDWirS7nym0925K3WiU/s640/w.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Andy Warhol: <b><i>Autorretrato</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El papel económico que desempeña la obra de arte en nuestra sociedad está íntimamente unido, además, a la aparición de una serie de novedosos fenómenos que analizamos a continuación:</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li style="text-align: justify;"><b>Los marchantes: </b>esta profesión nació en el siglo XIX. El marchante representaba al artista cuyas obras implicaban una cierta innovación aunque carecían del apoyo oficial. Son personajes dotados de gran sensibilidad y clarividencia, lo cual les permitía apreciar las obras que suponían una innovación y apoyarlas. Realizan propuestas estéticas que crean opinión y cambian el rumbo de la Historia del Arte.</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggjT403a00zfca53BqOpQGD07xSHmOJAntS0c2Rq6SEO4cOsG3Tj_R8VhRlx4AIKKnmjUkKk7WLUxrR_bSgUeucboIjR26JatdwpwR6awp1sb9rP348Q0GMqvHI5v2cZKQyfJY5ZEpe60/s1600/cas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggjT403a00zfca53BqOpQGD07xSHmOJAntS0c2Rq6SEO4cOsG3Tj_R8VhRlx4AIKKnmjUkKk7WLUxrR_bSgUeucboIjR26JatdwpwR6awp1sb9rP348Q0GMqvHI5v2cZKQyfJY5ZEpe60/s640/cas.jpg" width="436" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Leo Castelli</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<ul>
<li style="text-align: justify;"><b>Las subastas: </b>son un fenómeno bastante reciente que se remonta al año 1952 en el que se liquidó la colección de Gabriel Cognac. En cierta medida, la subasta sustituye al marchante y se convierte en el ámbito en el que el coleccionista adquiere las obras de arte. Las dos casas de subastas más conocidas y antiguas son Christie's y Sotheby's, ambas inglesas.</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiD-n_Uu76tpW3cT4TFvs2L6pjgkZukzNmtcA8HSw-i-QbMoQ348-HKqnhJY306iEpqvfU0u83z80Z1dhMb5EPVcDktMy2GXe27o-8ASmikyFxi6w4DyoNHAd84pUBmJrmluWfTHrlaQZ4/s1600/so.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="378" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiD-n_Uu76tpW3cT4TFvs2L6pjgkZukzNmtcA8HSw-i-QbMoQ348-HKqnhJY306iEpqvfU0u83z80Z1dhMb5EPVcDktMy2GXe27o-8ASmikyFxi6w4DyoNHAd84pUBmJrmluWfTHrlaQZ4/s640/so.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Subasta en Sotheby's</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<ul>
<li style="text-align: justify;"><b>Las ferias: </b>aumenta considerablemente el número de ferias que se realizan por la enorme cantidad de posibilidades que ofrecen a la comercialización del arte. Desempeñan un papel esencial como escaparate internacional en el que se muestran la tendencias del momento en materia de arte. No sólo son espacios abiertos a los especialistas sino que también se convierten en lugares a los que puede acceder cualquier tipo de público. Algunas de las más interesantes son la Bienal de Venecia, que se inició en 1895, la de Basilea, la de Chicago o ARCO en nuestro país, que cada año se dedica a un país diferente, lo cual nos permite asomarnos a lo que se está realizando en materia de arte en diversos lugares.</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidoX5yUIU_wYjxr1JoVnS1is27CqkmymUr6ykO-9qqSHk8AmRhHTSKRrBPhpKSSi3CLjq8jAJJBrcJ-5ffqAkLV4SgpcwAeU7WTI-tEIlQ-t8o5-23bz0NANUHbySSjKf16CQ3Y5UbX3I/s1600/fa.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="374" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidoX5yUIU_wYjxr1JoVnS1is27CqkmymUr6ykO-9qqSHk8AmRhHTSKRrBPhpKSSi3CLjq8jAJJBrcJ-5ffqAkLV4SgpcwAeU7WTI-tEIlQ-t8o5-23bz0NANUHbySSjKf16CQ3Y5UbX3I/s640/fa.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
ARCO</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje-wBsjCDdoWYS3DpeHxUFeJ9PkUN30h5tYsZopB87FgDeKNKTFW7J3njEtk0wy-W4koiyceKqs0hpg3gjg539bSxhTTAi4yq0j_fQOlitD2-3hqczxcMNq4CcMv5Vgse7zfcS-FS2SFM/s1600/ga.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje-wBsjCDdoWYS3DpeHxUFeJ9PkUN30h5tYsZopB87FgDeKNKTFW7J3njEtk0wy-W4koiyceKqs0hpg3gjg539bSxhTTAi4yq0j_fQOlitD2-3hqczxcMNq4CcMv5Vgse7zfcS-FS2SFM/s640/ga.jpg" width="520" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<i style="font-weight: bold;">El retrato del doctor Gachet. </i>Museo d'Orsay. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<ul>
<li style="text-align: justify;"><b>El coleccionismo: </b>experimenta un increíble desarrollo durante el siglo XX. Los coleccionistas han sido decisivos para establecer qué es determinante para la evolución de la Historia del Arte y qué no lo es. Frecuentemente es un fenómeno que rebasa el simple aspecto económico y puede ser interpretado como el deseo de posesión que crea una obra de arte, su disfrute en soledad. Una de los coleccionistas más importantes del siglo XX fue <b>Peggy Guggenheim</b>, moderna versión de los mecenas del Renacimiento en Italia.</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMyk_UpMkpgIBP1i4SD-PTmi2ZSyUVfON3FKuaGyuuvXAQ0PnUaG43PMkDphKgAC_0DI2iHHXaiqBdflyPXVwyC7ipq298dclAFEfxtB70jN68r-vxwevlHRONr3tP2z62sC6oZ-hLx2Q/s1600/peg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMyk_UpMkpgIBP1i4SD-PTmi2ZSyUVfON3FKuaGyuuvXAQ0PnUaG43PMkDphKgAC_0DI2iHHXaiqBdflyPXVwyC7ipq298dclAFEfxtB70jN68r-vxwevlHRONr3tP2z62sC6oZ-hLx2Q/s640/peg.jpg" width="600" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Peggy Guggenheim</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Otro aspecto que ha sufrido interesantes variaciones ha sido el tipo de <b>público</b> que consume arte en nuestra sociedad, cada vez más amplio y más participativo. Una misma corriente artística puede atraer a personas de muy diferente formación cultural y extracción social. A propósito de esta idea, es muy interesante la afirmación del sociólogo Pierre Bourdieu quien considera que el único elemento que tienen en común las diferentes personas que se aproximan a la obra de arte en la actualidad es que han recibido una formación durante su infancia que desencadena en ellos una necesidad cultural. Se acortan considerablemente las distancias que separan al artista del espectador, nunca antes han estado tan próximos. Existen varios factores que contribuyen a esta aproximación:</div>
<ul>
<li style="text-align: justify;"><b>La generación de la educación, </b>que permite a un mayor número de personas acceder a la formación en el ámbito artístico y facilita el consumo de los productos culturales.</li>
</ul>
<ul>
<li style="text-align: justify;"><b>El crecimiento económico </b>en los países desarrollados. Esto supone la creación de un espacio de ocio que se dedica al disfrute de la obra de arte y, en definitiva, a todas las actividades que podríamos denominar culturales.</li>
</ul>
<ul>
<li style="text-align: justify;"><b>La universalización del arte.</b> Los artistas de nuestro tiempo quieren llegar al mayor número de personas posible, saltando las clases sociales que marcaban claramente el acceso al arte presente en otros períodos de la Historia del Arte. La utilización de nuevas tecnologías con las que todos nosotros estamos familiarizados facilita este objetivo. El <i>happening</i> es una de las expresiones más concretas de esta idea: supone la implicación directa del espectador en la creación y desarrollo de la obra de arte.</li>
</ul>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">2. LA FOTOGRAFÍA</span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">La fotografía nació a finales del siglo XIX y, como ya hemos tenido ocasión de analizar, supuso un cambio decisivo para el desarrollo de la pintura ya que convulsiona de manera general el ámbito artístico. Se descubren nuevos ángulos de visión que los pintores impresionistas, fascinados por este incipiente arte, ensayan en buena parte de sus obras. Un buen ejemplo de ello son algunas de las obras de <b>Degas</b> que rompe con la visión frontal empleada tradicionalmente para inventar nuevos y osados puntos de vista. Por otro lado, el pintor ya no siente la necesidad de reflejar en un lienzo la realidad circundante con asombrosa fidelidad, que en cierto sentido había sido el cometido del mismo durante buena parte de la Historia del Arte, sintiéndose libre para poder experimentar con otras formas de interpretar el arte pictórico.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">Los primeros objetivos de la fotografía fueron los monumentos, obras de arte, escenas costumbristas, etc. sin demasiadas pretensiones ni innovaciones desde un punto de vista técnico. Algunas de las fotos más interesantes sobre los monumentos y ciudades españolas realizadas a finales del siglo XIX se deben al fotógrafo francés <b>Laurent</b>. Viajó por la Península ibérica fotografiando monumentos y obras de arte en museos, lugares públicos, palacios, colecciones privadas, etc. con la idea de crear un amplio fondo que más tarde rentabilizaría. También colaboró con otro fotógrafo de origen francés, <b>Lacoste</b>.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">En la actualidad la fotografía en nuestro país está representada por artistas de la talla de <b>Alberto García Alix</b>, asociado indisolublemente a los años 80 y caracterizado por su espíritu provocador y su descarnada veracidad; <b>Schommer</b>, todo un experto en el retrato, capaz de captar con extrema simplicidad la personalidad del retratado; <b>Chema Madoz</b>, caracterizado por el lirismo de las imágenes creadas; <b>Ouka Lele</b>, quien se ha hecho famosa por sus fotografías coloreadas, algunas de ellas bellas y originales estampas de Madrid; <b>Humberto Rivas</b>, <b>Joan Fontcuberta</b>, <b>Javier Vallhonrat</b>, etc.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_nVpe8oq4OR5zkHxuPFKBauV5wLnrKWoPMa_ERtAguoz_LM3g47Mdd8ai_k57A-n97f_6SRjSzNAXeKQRXbiPJid8Ob0G5ZPoI1a1VuVIP3b2v8jvegJEZPFHTdiA2zu9iSiW5PEY1EM/s1600/cer.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_nVpe8oq4OR5zkHxuPFKBauV5wLnrKWoPMa_ERtAguoz_LM3g47Mdd8ai_k57A-n97f_6SRjSzNAXeKQRXbiPJid8Ob0G5ZPoI1a1VuVIP3b2v8jvegJEZPFHTdiA2zu9iSiW5PEY1EM/s640/cer.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Chema Madoz: <b><i>Sin título</i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpp6PH6gIs7FHwN1gJxWpZthy3jXOJZVeOuTKJhrO1ibDjEf72UOPCIDIuyeAOX3InwWyHWj5QMsFWsukrTkt_Sz4Bfvt5HlqqXrv1dlNN4wD2s6yovPIOf77HP0oByj4HJ85auV1QOFU/s1600/hum.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="628" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpp6PH6gIs7FHwN1gJxWpZthy3jXOJZVeOuTKJhrO1ibDjEf72UOPCIDIuyeAOX3InwWyHWj5QMsFWsukrTkt_Sz4Bfvt5HlqqXrv1dlNN4wD2s6yovPIOf77HP0oByj4HJ85auV1QOFU/s640/hum.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Humberto Rivas</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Sería interminable realizar un elenco de los fotógrafos que han protagonizado la historia de este arte. Algunos de los más importantes fotógrafos de nuestro siglo son franceses como <b>Robert Doisneau</b> (1912-1994), conocido por sus tiernas imágenes infantiles o por la fotografía en la que dos jóvenes se besan en una calle de París; el perspicaz <b>Cartier-Bresson </b>(1908-2004), fundador de la agencia <i>Magnum</i>; ambos serán los retratistas de las calles parisinas envueltas en una aire melancólico y evocador. En Estados Unidos sobresalen <b>Jacob-August Riis</b>, uno de los más fieles retratistas de la miseria en las calles de Nueva York, y <b>Lewis W. Hine</b>, autor de una célebre imagen en la que denuncia la explotación infantil mostrando una niña que trabaja en una fábrica de algodón.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuM9tpD14XMnoU4T0W4GmETBDO8YFJt8ATdkFuNzy9gGekpQc_o0CIxqn7OUngqoQ7YAQqWPEA3UL6m77Sjtz2SavEwXcqqVPRTWaHsNjrTbHM5XPs2r8aK-MG9g2q1G4hVjewQ3niLV0/s1600/bre.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="428" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuM9tpD14XMnoU4T0W4GmETBDO8YFJt8ATdkFuNzy9gGekpQc_o0CIxqn7OUngqoQ7YAQqWPEA3UL6m77Sjtz2SavEwXcqqVPRTWaHsNjrTbHM5XPs2r8aK-MG9g2q1G4hVjewQ3niLV0/s640/bre.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Cartier-Bresson</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
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En la actualidad el panorama internacional de la fotografía está protagonizado por artistas como <b>Sebastián Salgado</b>, sagaz retratista de la realidad de los países menos favorecidos o de todos aquellos que sufren, destacando de manera especial sus imágenes de niños que miran directamente al espectador; <b>Annie Leibowitz</b> retratista de las estrellas cinematográficas, <b>Helmut Newton</b>, <b>Richard Avedon</b>, <b>Herb Ritts</b>, etc.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEsVcZ7Bf3khg2KThmou4Ms24VnLndI4GZFDaPrYaDp0Kb2yCC4NsEoOBz5o9y2YNxJYHEyE661qexiEH9-bQ2OuVxgrGCMYY4OMkl6R7K8yFoJuJUuxJ-ZHx2vT00Xq0a2Sapdo-iFIk/s1600/ex.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEsVcZ7Bf3khg2KThmou4Ms24VnLndI4GZFDaPrYaDp0Kb2yCC4NsEoOBz5o9y2YNxJYHEyE661qexiEH9-bQ2OuVxgrGCMYY4OMkl6R7K8yFoJuJUuxJ-ZHx2vT00Xq0a2Sapdo-iFIk/s640/ex.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Sebastián Salgado: <i style="font-weight: bold;">El éxodo. </i>Afganistán</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
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<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">3. EL CARTEL. ARTE Y PUBLICIDAD</span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">El cartel surge a finales del siglo XIX como, no sólo una forma de expresión artística, sino también como un modo de divulgación de las ideas, algo que va a tener una continuación a lo largo de todo el siglo XX. El padre del cartelismo es considerado <b>Jules Cheret</b>, cuyas creaciones inundaban las calles parisinas. Algunos de los primeros carteles son obras del genial artista francés <b>Henri Toulouse-Lautrec</b> del que ya hemos hablado. A través de estos carteles el pintor francés divulgaba los espectáculos que tenían lugar en el <i>Moulin Rouge</i> y en los que se repetían siempre los mismos personajes que los protagonizaban. La técnica empleada era la litografía que nos remite a la estampa japonesa con la que presenta ciertos parecidos por la utilización de amplias zonas de color delimitadas por un trazo firme de negro. Más tarde llegarán las obras de <b>Alphons Mucha</b> (1860-1939), que se pueden enmarcar dentro del Modernismo, en las que se anuncian objetos de las más diversas características con un lenguaje plagado de formas orgánicas y envolventes: elegantes insectos, cornisas vegetales que enmarcan productos y escenas, mujeres de refinada belleza elegantemente adornadas que nos remiten por su estética a las obras de Gustav Klimt, y que sirven para divulgar bebidas, obras teatrales, productos cosméticos, etc. Él, precisamente, fue el ilustrador de muchos de los carteles de las obras de Sarah Bernhardt del cual es un buen ejemplo el cartel del Teatro de la Renaissance. En España el cartelismo está representado por una buena parte de los pintores modernistas, de manera especial por <b>Ramón Casas</b>. La etiqueta del Anís el Mono es un diseño de época modernista. Existen antecedentes mucho más primitivos del cartel, por ejemplo en Pompeya y Herculano se han encontrado letreros con mensajes comerciales, o en un mosaico de Ostia que servía de "anuncio" a los navieros de Misua.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6QssH7dYMcJHC0mmL2chFRIoaTjePRR6OI10BRE00ULy_dNiW6YexQtSNWNxPPnVkROmnyr4Qsr_Uj6v-pUsuN6mD8mfUhtyG_7kHSkd-qjQu1LiWARx3bTu85kFa14CYpRltWiNVeCI/s1600/ja.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6QssH7dYMcJHC0mmL2chFRIoaTjePRR6OI10BRE00ULy_dNiW6YexQtSNWNxPPnVkROmnyr4Qsr_Uj6v-pUsuN6mD8mfUhtyG_7kHSkd-qjQu1LiWARx3bTu85kFa14CYpRltWiNVeCI/s640/ja.jpg" width="408" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Henri de Toulouse-Lautrec</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjrQPum9woWVAVnxtBByfl7aHAZiCfsk7s9b1ldkl1wgqfaJU9Gk5ooxMocWNl8t-_Fd6phyvYfu2oeehUH2y-1LVj-Bocxeq9F7Bm_EEljg_hQ9Lfk9P8JB7yxdnvvxeZuyqlOMm9YGU/s1600/re.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjrQPum9woWVAVnxtBByfl7aHAZiCfsk7s9b1ldkl1wgqfaJU9Gk5ooxMocWNl8t-_Fd6phyvYfu2oeehUH2y-1LVj-Bocxeq9F7Bm_EEljg_hQ9Lfk9P8JB7yxdnvvxeZuyqlOMm9YGU/s640/re.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Alpinos Mucha</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Durante la Primera Guerra Mundial el cartel seguirá teniendo vigencia empleándose con diversos fines. Uno de los más conocidos es el cartel de <b>James Montgomery Flagg </b>en el que se exaltaba a los jóvenes americanos al reclutamiento. No sólo en los Estados Unidos, sino también en Rusia, el cartel estuvo ligado a objetivos claramente políticos, en ocasiones para luchar contra el régimen establecido, ligado íntimamente a la izquierda soviética. En la China maoísta se recurre al cartel para dar a conocer las ideas del régimen imperante. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_0eqQRGCLC9Cr1vV8tG92ihGg440B1MePmt0nbxceYrLwoOtST3dREDIfKYFgARF4iwz4ulelv_NbS-fxZGCNWA2rzk2bUv_PvwrngeTWVkHy0wLBRHKDf7nCGpdXu4ryhkFJU8Ym-5k/s1600/flagg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_0eqQRGCLC9Cr1vV8tG92ihGg440B1MePmt0nbxceYrLwoOtST3dREDIfKYFgARF4iwz4ulelv_NbS-fxZGCNWA2rzk2bUv_PvwrngeTWVkHy0wLBRHKDf7nCGpdXu4ryhkFJU8Ym-5k/s640/flagg.jpg" width="474" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
James Montgomery Flagg</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Actualmente el cartel, ligado a la fotografía, se ha convertido en arte de nuestro paisaje cotidiano. Las calles de las grandes ciudades están llenas de enormes vallas publicitarias que incitan al consumo. En algunos casos existe una intención claramente estética mientras que en otros el lenguaje al que se recurre es la provocación a través de la cual se estimula nuestro interés. El hecho de que nuestra cultura sea, fundamentalmente, visual hace que la capacidad de sorprender al consumidor se reduzca. Algunas campañas publicitarias se convierten por su carácter escandaloso, en objeto de nuestro interés. Basta recordar algunas de las campañas de Benetton, obra del fotógrafo italiano <b>Oliviero Toscani</b>, por ejemplo aquella en la que condenados a muerte americanos mostraban prendas de la citada marca, o la implicación de esta casa en la lucha contra el sida o la igualdad racial. La aportación y el sentido del cartel publicitario se puede resumir en tres conceptos fundamentales:</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li>Se trata de una forma de <b>manifestación de la imagen</b> pública en lugares comunitarios.</li>
</ul>
<ul>
<li>Supone un <b>instrumento público de persuasión</b>.</li>
</ul>
<ul>
<li>Más allá de su carácter publicitario, muchos de estos carteles están dotados de una <b>intención estética y artística</b>. Pueden ser interpretados como explosiones de color y alegría, intensos impactos visuales en las grandes urbes, frecuentemente grises y apagadas. </li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWrDUv43KtoH4cGGr45NdfUmOoJ8JCZVgT3tpTFaXUy10tb4feONVrUsxhcbJUewy5av5Xo2uc890Nl04BAuEpiuLELepl6_bSVm8X89zXnQq3JdoRVspA_7gO1IpHx1JjbfIxSVGNFRU/s1600/cra.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="452" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWrDUv43KtoH4cGGr45NdfUmOoJ8JCZVgT3tpTFaXUy10tb4feONVrUsxhcbJUewy5av5Xo2uc890Nl04BAuEpiuLELepl6_bSVm8X89zXnQq3JdoRVspA_7gO1IpHx1JjbfIxSVGNFRU/s640/cra.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Cartel publicitario de United Colors of Benetton</div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">4. EL CÓMIC</span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">El cómic presenta desde su nacimiento, al que nos referiremos algo más adelante, una serie de características fijas que se repiten de manera casi constante:</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li>Se enmarca en una <b>viñeta</b>.</li>
</ul>
<ul>
<li>Dentro de la viñeta aparecen la <b>imagen</b>, el <b>mensaje irónico</b>, y generalmente, también el <b>mensaje lingüístico</b>.</li>
</ul>
<ul>
<li>Muchas veces el mensaje lingüístico se incorpora en una especie de "<b>bocadillo</b>" que se denomina <i>balloon</i> (globo o nube).</li>
</ul>
<ul>
<li>El tono de voz o la expresión de alegría o la tristeza se refleja mediante el <b>grosor del trazo</b> o el <b>tamaño de la letra</b>. En ocasiones el texto puede sustituirse por exclamaciones, puntos suspensivos o signos de interrogación que refuerzan la idea de perplejidad o sorpresa del personaje. En este sentido un elemento esencial del cómic es la <b>onomatopeya</b>.</li>
</ul>
<ul>
<li>En general, los <b>personajes de cómic</b> aparecen fuertemente caracterizados desde un primer momento admitiendo escasas variaciones en este sentido. Basta pensar en Mafalda, Andy Capp, Asterix y Obelix, etc. siempre determinados por una misma conducta que les da carácter de personajes, o por un mismo tipo de vestido.</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_o6ga7FdH3FxhCwYtSv1Q43OKji3o_ZhJyTc3UCqFb5nBYYBP9Hv9T4Pdd1A5g5Nb79tmT-2-DM3I9342bLfV7KyB05PR1TLSB6aSmlm1bm6P68bK5JAZ4Ei2t2_r5g_YlQdfU7U5Nk8/s1600/as.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_o6ga7FdH3FxhCwYtSv1Q43OKji3o_ZhJyTc3UCqFb5nBYYBP9Hv9T4Pdd1A5g5Nb79tmT-2-DM3I9342bLfV7KyB05PR1TLSB6aSmlm1bm6P68bK5JAZ4Ei2t2_r5g_YlQdfU7U5Nk8/s640/as.jpg" width="432" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Alfons Figueras: Aspirino y Colodión</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El cómic no surge de una manera esporádica, son muchas las expresiones artísticas a lo largo de la Historia que, de alguna manera, preconizan la aparición del mismo. Los jeroglíficos egipcios narran la forma seriada la historia de los dioses o informa sobre la manera en que se debían celebrar los ritos funerarios, los retablos, sobre todo en periodo gótico, son narraciones de las vidas de personajes de la Biblia, de santos o de la vida de Jesucristo y la Virgen. Más adelante, en el siglo XIX, de la mano de <b>Daumier</b> surge la caricatura, que se convierte en punto de partida más que indispensable para la aparición en escena del cómic.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiY3bMrYvq3nuj7P657BpGSaohxc9x1srA5IxH4L1m8Zf9oSobVrVoRYNIHmf2X1YPxj3_TOF4iAKECZV_0rnQD9FkSPBo010c_Oms0LyIDZ8t9gcntETQibNZWgMdkROG8BQQNConEiWY/s1600/eg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiY3bMrYvq3nuj7P657BpGSaohxc9x1srA5IxH4L1m8Zf9oSobVrVoRYNIHmf2X1YPxj3_TOF4iAKECZV_0rnQD9FkSPBo010c_Oms0LyIDZ8t9gcntETQibNZWgMdkROG8BQQNConEiWY/s640/eg.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Fresco Egipcio</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Los orígenes más inmediatos del cómic se remontan a las páginas del diario norteamericano <i>World</i>, en 1895, cuando en medio de la rigurosa información de la actualidad, aparecía un pequeño personaje llamado <i>Yellow Kid</i>, creación de <b>Richard Felton Outcault</b>. Se trataba de un niño oriental que aparecía siempre vestido con una especie de túnica, en la que frecuentemente se escribía el texto, calvo y con grandes orejas. Desde un pequeño espacio que se le dedicaba cada domingo se narraban sus, muchas veces, tristes aventuras en un suburbio neoyorkino. Uno de los principales problemas a los que se enfrentaba este nuevo lenguaje era la dificultad para incorporar el texto, que debía ser muy breve, y unirlo al dibujo.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Algo más tarde, en 1905, aparece en la escena del cómic otro nuevo personaje: <i>Nemo</i>, obra de <b>Wilson Mac Cay</b>, un niño de más o menos cinco años, cabellos rizados, expresión sorprendida y perteneciente a una familia acomodada que se embarca en una serie de aventuras.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El desarrollo del cómic trajo consigo algunos personajes de gran familiaridad para todos nosotros: Tintín, Mafalda, Mortadelo y Filemón, el Capitán Trueno, Superman, Snoopy, Astérix y Obelix, Dick Tracy, Mickey Mouse, Capitán América, Roberto Alcázar y Pedrín, etc.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgiMc2-fCvrFnS1MddxoK5aB1hHsPpWV8o8u1WWyoD4m3EEtLWpM38f_avGU2OkKoyOmPaUZe9xVdmRyKzejSvlDyk_jFHYML6oRKXxVWqlvTpYe4Al6Vqb80DU3oXJXcrN4vFU7ot9CgA/s1600/tin.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="432" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgiMc2-fCvrFnS1MddxoK5aB1hHsPpWV8o8u1WWyoD4m3EEtLWpM38f_avGU2OkKoyOmPaUZe9xVdmRyKzejSvlDyk_jFHYML6oRKXxVWqlvTpYe4Al6Vqb80DU3oXJXcrN4vFU7ot9CgA/s640/tin.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Hergè: escena de cómic de <b><i>Tintín</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhe8PSK6Zz9PdSa-nrCH55IigEApy_uKaHF-IUIMEU9tDOJ2C3SM1Y-VY9uoF0kipskpJJd-rtCstnBJZ6BaQqOQpx2mCcuIgapjfYj2US7HeJI-6Pdg1X7QjcChn3EdV_OVlBXyTVydDk/s1600/m.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhe8PSK6Zz9PdSa-nrCH55IigEApy_uKaHF-IUIMEU9tDOJ2C3SM1Y-VY9uoF0kipskpJJd-rtCstnBJZ6BaQqOQpx2mCcuIgapjfYj2US7HeJI-6Pdg1X7QjcChn3EdV_OVlBXyTVydDk/s640/m.gif" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Ub Iverks: <b><i>Mickey Mouse</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">5. ARTE EN INTERNET</span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">Internet se ha convertido en un poderoso medio de comunicación al que todos tenemos acceso y que nos permite asomarnos al mundo para recibir información proveniente de los lugares más remotos del mundo. En las páginas web podemos encontrar información de todo tipo y sobre las cosas más variadas. El arte, como no podía ser de otra manera, se ha servido de este poderoso medio para divulgar las ideas. Así han comenzado a proliferar en la red espacios dedicados al arte, los museos, las ferias, exposiciones temporales, los festivales de cine, etc.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">Son particularmente interesantes las páginas de los museos, en las que incluso los más pequeños tienen en la actualidad un sitio en el que se nos ofrece información sobre las características de su colección, los horarios, los precios, las actividades que se organizan periódicamente, se reconstruyen virtualmente obras de arte que ya no se conservan o se ofrecen recorridos que nos aproximan al museo sin necesidad de movernos de nuestras casas, lo cual se debe fundamentalmente a la enorme evolución experimentada por los medios infográficos.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">Los diseños de estas páginas web suelen estar en concordancia con la naturaleza del museo, de esta manera no encontraremos las mismas las características en el sitio dedicado a una colección de arte contemporáneo que en el de un museo de arte clásico.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">En general, los museos de arte contemporáneo presentan una mayor necesidad de innovar, una estética más vanguardista que tiende a la síntesis. A pesar del interés que despierta en nosotros la visita virtual de estos espacios, nunca será tan rica como la contemplación directa de la obra de arte. Es una herramienta más de la que servirse a la hora de organizar o contemplar la visita de un museo o un centro artístico y nunca se debe convertir en un sustitutivo de la misma.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8yvK2Bn-rWx1zx30s4hHDypFIiU_b3KY6I44v-jvPCT10HLY_Q9tFsiBsiddDHtQBFaGqeNUVQU8M9M_Oh5J_IVcv8DOQjil0Xlkt56rt7u7f_m4aJhLdkSjs4G-ePmWPZ4FqP9tWx94/s1600/w.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="514" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8yvK2Bn-rWx1zx30s4hHDypFIiU_b3KY6I44v-jvPCT10HLY_Q9tFsiBsiddDHtQBFaGqeNUVQU8M9M_Oh5J_IVcv8DOQjil0Xlkt56rt7u7f_m4aJhLdkSjs4G-ePmWPZ4FqP9tWx94/s640/w.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Página web del <b><i>Museo del Prado</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En este apartado te ofrecemos algunas de las páginas más interesantes en las que puede entrar y que te ayudarán a comprender cómo el fenómeno artístico se ha adaptado a una nueva forma de expresión como es la informática:</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li><b>Museo Nacional Centro de Arte Contemporáneo Reina Sofía (MNCARS) de Madrid</b>: <u>http://museoreinasofia.es</u>. Se trata de una página de fácil navegación que ofrece un diseño ágil y sintético. El diseño de la página es sencillo, así como el tipo de letra. Podemos visitar los fondos de la colección y recibir información acerca de las obras más importantes, así como de las corrientes artísticas en las que se enmarcan y los artistas más significativos de los diferentes movimientos que están contenidos en la colección. Uno de los apartados más interesantes es el que se dedica a las publicaciones que se realizan periódicamente sobre el arte contemporáneo.</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQgCbX34q6HW4LT5l6u3YoA5KDKRgKfmVpzQD2Im0emIQWm3VVj3yar1zK5jEoygMlCuPYHaaDxAQWuq9PIE5jLyzmAUNmvyN00X_PNcAod-HBClwswm-lZEKMe1BCP_om89XxYjAg0Us/s1600/m.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="568" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQgCbX34q6HW4LT5l6u3YoA5KDKRgKfmVpzQD2Im0emIQWm3VVj3yar1zK5jEoygMlCuPYHaaDxAQWuq9PIE5jLyzmAUNmvyN00X_PNcAod-HBClwswm-lZEKMe1BCP_om89XxYjAg0Us/s640/m.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Página web del <i style="font-weight: bold;">Museo Nacional Centro de Arte Contemporáneo Reina Sofía</i> de Madrid</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<ul>
<li><b>British Museum de Londres</b>: <u>http://www.britishmuseum.org</u>. Ésta es una de las páginas de museos más completas que existen en la actualidad. Se aporta información sobre la vastísima colección que se expone de modo permanente, así como de las exposiciones temporales que se organizan periódicamente, las actividades del gabinete de educación y los servicios orientados a las personas que tienen discapacidades tanto físicas como psíquicas.</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKPPnrU1JiNX2Go5OGLV9BhZXZ4WxS8SU6pk0WicAQl71upqSa1XymrWlrkQhN9sNgLl3Dndd22zcWFDJVN67WYOtLQL9vYidtHNPkKL5uPNXxCTNBY2wV_XKOQ5yVaGU53I1KpAx5FCA/s1600/bri.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="378" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKPPnrU1JiNX2Go5OGLV9BhZXZ4WxS8SU6pk0WicAQl71upqSa1XymrWlrkQhN9sNgLl3Dndd22zcWFDJVN67WYOtLQL9vYidtHNPkKL5uPNXxCTNBY2wV_XKOQ5yVaGU53I1KpAx5FCA/s640/bri.png" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Página web del <i style="font-weight: bold;">British Museum </i>de Londres</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<ul>
<li><b>ICOM (International Council Of Museums)</b>: <u>www.icom-ce.org</u>. En esta página se ofrece información sobre la normativa que se refiere a los museos, así como los cursos y congresos que esta institución promueve. Existe un <i>link </i>desde el que podemos acceder a los más destacados museos de todo el mundo.</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVcuKaKha32yfPuTM4hvOAyRlB9aEr5ysQz4DUTIiblZe5PJ7ZLbXGrcepEhw1qOl0A-jpWT5R0Pun8BNtUGcqV-fs3wNHk7eiYnNgOUhtGL88Hk26Kjsw7x6c47J_TA4MpPszAhlXTys/s1600/Captura+de+pantalla+2016-05-11+a+las+17.15.14.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="446" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVcuKaKha32yfPuTM4hvOAyRlB9aEr5ysQz4DUTIiblZe5PJ7ZLbXGrcepEhw1qOl0A-jpWT5R0Pun8BNtUGcqV-fs3wNHk7eiYnNgOUhtGL88Hk26Kjsw7x6c47J_TA4MpPszAhlXTys/s640/Captura+de+pantalla+2016-05-11+a+las+17.15.14.png" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Página web del <b><i>ICOM</i></b></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<ul>
<li><b>UNESCO</b>: <u>www.unesco.org</u>. El organismo internacional encargado de la protección del patrimonio histórico-artístico tiene su propia página web en la que se habla sobre los programas internacionales que se están llevando a cabo, los cursos organizados en materia de patrimonio histórico-artístico, publicaciones, aspectos legislativos, etc.</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlGZ_w1vncQc7MaOoJMP_hyswDdrfOci0QeIfdsA61XCH-OKdTqO0fGaMzk3rMBU8YS-cgdxu4WD7Vn1mKhVwuHhdzDlaewMUnVCzh72Gvj2eVXK_YcO-86cy1MmTUgTXAJ_QrQgVUN3k/s1600/un.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="580" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlGZ_w1vncQc7MaOoJMP_hyswDdrfOci0QeIfdsA61XCH-OKdTqO0fGaMzk3rMBU8YS-cgdxu4WD7Vn1mKhVwuHhdzDlaewMUnVCzh72Gvj2eVXK_YcO-86cy1MmTUgTXAJ_QrQgVUN3k/s640/un.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Página web de la <b><i>UNESCO</i></b></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<ul>
<li><b>Festivales de cine: </b>algunos de los sitios web más destacados que informan sobre los festivales cinematográficos son el Festival de Cannes (<u>www.festival-canes.fr</u>) y el Festival de San Sebastián (<u>www.sansebastianfestival.com</u>).</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSGo7KZNyOeK3rkifQDri6B_-D6GFb5PIpjypR7FEL60He-4RAHldtCAOytQyYolmB_el9j-9fhI1EptjuxnWpBcSDe9ZJquoQ61P-HJWUuXzT3BeiX5k-aVSKeehhTeo3xa1JgShnNio/s1600/Captura+de+pantalla+2016-05-11+a+las+17.24.29.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="330" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSGo7KZNyOeK3rkifQDri6B_-D6GFb5PIpjypR7FEL60He-4RAHldtCAOytQyYolmB_el9j-9fhI1EptjuxnWpBcSDe9ZJquoQ61P-HJWUuXzT3BeiX5k-aVSKeehhTeo3xa1JgShnNio/s640/Captura+de+pantalla+2016-05-11+a+las+17.24.29.png" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Página web del <b><i>Festival de San Sebastián</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Además de estas páginas, en las que se reflejan los contenidos y cometidos de instituciones que tienen una existencia real, existen páginas de espacios ficticios que no tienen una correspondencia en la realidad, museos virtuales, así como de espacios dedicados a un pintor o artista. Existe, por ejemplo, un importante número de páginas dedicadas al pintor holandés <b>Vincent Van Gogh</b>, en las que es posible encontrar reproducciones de su producción artística. En cierto modo este tipo de espacios virtuales tienen como cometido esencial la necesidad de modificar el concepto tradicional de museo y de responder a las necesidades de una nueva sociedad que avanza a un ritmo vertiginoso.</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">A FONDO</span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">EL COLECCIONISMO DE PEGGY GUGGENHEIM</span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Uno de los grandes personajes del coleccionismo en el siglo XX fue la americana Peggy Guggenheim. Era la sobrina de Salomón Guggenheim y se caracterizó por su fuerte y decidida personalidad lo que hizo de ella una mujer poco convencional. Podríamos definirla como un personaje excéntrico que no encaja demasiado bien en su entorno familiar. Desde muy joven demostró un gran interés por el arte, lo que la aproximó a algunos de los más representativos artistas de nuestro siglo, especialmente a los artistas europeos. En Londres abrió una galería de arte y, algo más tarde, se decidió a realizar un museo en los Estados Unidos a donde trasladó una buena parte de las obras que había adquirido en Europa. Posteriormente fijó su residencia en Venecia, para lo cual abrió un palacio llamado <i>Vernier dei Leoni</i> que se enmarca en uno de los más importantes barrios venecianos: Dorsoduro. Allí permaneció hasta el día de su muerte.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilJ39Q3NEsIR3n-XcReDbrEOa9StqyXO9ZnGtMQapKVTc44o7-KdlByhey-CK07kspgfGg5z1h5nYaOaJaRN9zMQUtAFlVQZAlMHNZZVB2p7ghjsie264O9BYs5YI2YuhXZ8s-H_l5ZVE/s1600/pe.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="394" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilJ39Q3NEsIR3n-XcReDbrEOa9StqyXO9ZnGtMQapKVTc44o7-KdlByhey-CK07kspgfGg5z1h5nYaOaJaRN9zMQUtAFlVQZAlMHNZZVB2p7ghjsie264O9BYs5YI2YuhXZ8s-H_l5ZVE/s640/pe.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Los museos de la colección Guggenheim son:</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li><b>Nueva York:</b> realizado por el arquitecto <b>Frank Lloyd Wright</b> del que ya hemos tenido ocasión de hablar. Uno de los aspectos esenciales de este museo, al margen de la excepcional colección, es que el edificio fue ideado de manera premeditada para albergar una colección que sería visitada por un importante número de personas. Se trata de una grandísima estructura anular que se recorre gracias a una rampa. En esta misma ciudad se realizó una segunda sede de la fundación Guggenheim que se sitúa en el Soho y que es obra del arquitecto japonés <b>Arata Isozaki</b>.</li>
</ul>
<ul>
<li><b>Venecia: </b>en la actualidad es un museo pero en su momento fue la residencia de Peggy Guggenheim. Se trata de un palacio del siglo XVIII llamado <i>Vernier dei Leoni</i>, en el barrio veneciano de Dorsoduro. La estructura no es la más adecuada para un museo pero su interés reside en que nos da una idea fiel de lo que era el entorno de la coleccionista, puesto que las obras se conservan en muchos casos en los lugares en los que ella los ubicó. La parte posterior del museo se abre a un canal veneciano. En 1979 la fundación invirtió una importante cantidad de dinero para restaurarla. En la actualidad se proyecta adquirir un palacio renacentista adyacente, lo cual permitiría aumentar el espacio expositivo.</li>
</ul>
<ul>
<li><b>Otras sedes: </b>además de éstas que ya hemos indicado anteriormente, la colección Guggenheim dispone de otras sedes de menor importancia aunque igualmente interesantes. Nos referimos a Berlín en la que no existe colección permanente pero sí se realizan exposiciones periódicas con la colaboración de la <i>Deutsche Bank</i>. Por último Bilbao, en un espectacular edificio de <b>Frank Gehry</b>, con una pequeña parte de la colección de la Fundación Guggenheim. En ella se pueden visitar obras de Dalí, Rothko, Delaunay, <i>Arte Povera</i>, colosales esculturas de Serra, algún móvil de Calder, artistas como Susana Solano, etc.</li>
</ul>
<div>
La fundación tiene una interesante página web en la que se ofrece información sobre las diferentes sedes: la colección permanente, las exposiciones temporales, actividades organizadas por la fundación, becas, etc. (<u>www.guggenheim.org</u>).</div>
<div>
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPSMlgo7flmJB2eSuqMH1r0tSJlqVoYDhyQu7tR7JiJ5chjhWqdvboJ7UIKfIl1baC8LBSZpWxKLyex3kC2SzEBqEB7YG4sNyU4JZxllVUVKU4OpuUwoS-WEbwGFPPYwo9T176aAkZ9xs/s1600/g.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPSMlgo7flmJB2eSuqMH1r0tSJlqVoYDhyQu7tR7JiJ5chjhWqdvboJ7UIKfIl1baC8LBSZpWxKLyex3kC2SzEBqEB7YG4sNyU4JZxllVUVKU4OpuUwoS-WEbwGFPPYwo9T176aAkZ9xs/s640/g.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">BREVES APUNTES</span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Algunos de los marchantes más importantes de la Historia del Arte han sido <b>Paul Durand-Ruel</b> (1831-1922), quien apoyó a los impresionistas en un momento en que eran abiertamente rechazados, <b>Daniel-Henry Kahnweier</b> (1884-1973) representante de la pintura de Juan Gris y Pablo Picasso, es decir, fuertemente ligado al movimiento Cubista, y <b>Leo Castelli</b>, fallecido en 1999, decisivo en el arte de vanguardia.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Uno de los cuadros más caros de la Historia del Arte es <i>El retrato del Doctor Gachet</i>, de Van Gogh, vendido por 82.500.000 dólares, en tercer lugar se sitúa una obra de este mismo pintor, <i>Los lirios</i>, vendido en 59.900.000 dólares, seguido por <i>Las bodas de Pierrette </i>y <i>El sueño</i>, ambas de Pablo Picasso.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">CITAS</span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><span style="font-size: medium;">Ouka Lele</span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i>"Ouka Lele es pintora. Pintora figurativa que, a diferencia de tantos artistas contemporáneos que utilizan la fotografía para situarse en la historia de la pintura y sin embargo practican una especie de pictorialismo, ella ha decidido pintar, esencialmente con acuarela, sus imágenes en blanco y negro que adorna gracias a un meticuloso uso del pincel, con los colores que le convienen y que no son, cosa que visiblemente ella lamenta, los que se pueden encontrar en la realidad".</i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b>Christian Caujolle</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i><br /></i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i>"Cuando una fotografía resuelve el enigma, la gracia se termina de un modo inmediato, arrastra consigo su propia destrucción, no interesa. Alguien dijo que una buena fotografía ha de ser siempre un lugar de partida, no un punto de llegada. Una proposición, por tanto, más que una suposición. La fotografía que desvela el misterio tiene el mismo interés que el problema cuya solución se conoce de antemano. Destruido lo mágico queda sitio, a lo sumo, para la filigrana hueca".</i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b>Carlos Canovas</b><i> </i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i><br /></i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i><br /></i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i><br /></i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">GLOSARIO</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<br />
<div style="text-align: justify;">
<b>Cartel</b></div>
<div style="text-align: justify;">
Se trata de una palabra que deriva del término latino <i>cartel</i> que significa papel.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Astérix y Obelix</b></div>
<div style="text-align: justify;">
Desde el principio los autores de Astérix, Goscinny y el dibujante Oderzo delinean sus personajes, los definen perfectamente, a través de una serie de características peculiares, figurativas y psicológicas, que no sufren variaciones a lo largo de las más diversas y emocionantes aventuras. Y sobre todo delinean un contexto geográfico: la aldea, y eligen una coordenada temporal: 50 años antes de Jesucristo. Entonces los romanos dominaban el mundo.</div>
</div>
GreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-72941930333744174302016-05-10T12:23:00.002-07:002016-05-10T12:23:18.365-07:00El museo y la conservación de bienes culturales<div style="text-align: justify;">
<b>En esta entrada nos ocuparemos de varios aspectos que centran la actualidad del hecho artístico. Por un lado, se analiza un fenómeno como la aparición de los museos, las funciones que desempeñan y de qué manera la obra se integra en los mismos, para tratar de aprender a valorar el papel que el museo ha adquirido en la sociedad actual. Además se expondrán las posturas más importantes y representativas dentro del ámbito de la restauración, un terreno bastante novedoso, pero de una importancia fundamental por cuanto define la postura que el hombre actual toma con respecto al posicionamiento de nuestro patrimonio.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
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<b>En definitiva, el fin de este apunte es concienciar de la importancia que la obra de arte tiene como bien social y cultural.</b></div>
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<b><br /></b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrCik3vUjTKvf1oFXwW2KkzCWNGGHbVGvC86Z0u7J3HB99YS0Zfvz54vutD9EIHDOCrswh6_0xDxkIg1UYIozXBi-zdDDhewL3IbpVqNU5sI2J5z11tDn4h7aiZThaLPxLMO8cJX3Dp94/s1600/pom.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="430" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrCik3vUjTKvf1oFXwW2KkzCWNGGHbVGvC86Z0u7J3HB99YS0Zfvz54vutD9EIHDOCrswh6_0xDxkIg1UYIozXBi-zdDDhewL3IbpVqNU5sI2J5z11tDn4h7aiZThaLPxLMO8cJX3Dp94/s640/pom.jpg" width="640" /></a></div>
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<i style="font-weight: bold;">Interior del Centro de Arte Contemporáneo Georges Pompidou. </i>París</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>1. EL MUSEO</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b>1.1. El museo y la museología. Una breve historia de los museos</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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Además de adentrarnos en el estudio de una ciencia relativamente joven, como es la museología, debemos establecer los límites de este término. El origen de la palabra museología es griego, procede de <i>mouseion </i>que significa "casa de las musas" y que derivó en la palabra latina <i>museum</i>. En sus textos, Estrabón nos habla del <i>Mouseion </i>de Ptolomeo, ubicado en los palacios reales de Alejandría. Este espacio incluía, además de una biblioteca, un observatorio astronómico, un jardín botánico y una interesante colección zoológica. El ICOM (<i>International Council of Museums</i>) define el museo de la siguiente manera: "La palabra museo designa todo establecimiento permanente, administrado en beneficio del interés general para conservar, estudiar, hacer valer por medios por medios diversos y, sobre todo, exponer para deleite y educación del público, un conjunto de elementos de valor cultural: colecciones de objetos artísticos, históricos, científicos y técnicos, jardines botánicos y zoológicos y acuarios. Las bibliotecas públicas y los centros de archivos que mantienen salas de exposición de manera permanente, serán asimilados a los museos".</div>
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<br /></div>
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Frank Lloyd Wright: <i style="font-weight: bold;">Museo Guggenheim. </i>Nueva York</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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Uno de los primeros que se encargaron de estudiar el museo y de darle forma a esta ciencia tan reciente que es la museología, fue <b>Georges Henri Rivière</b>, quien sería director de <i>L'École du Louvre </i>entre 1930 y 1950 y, más tarde, director del ICOM.</div>
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<br /></div>
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Desde un momento temprano en la historia, el hombre ha sentido la necesidad de guardar una serie de objetos que, por su singularidad o su particular belleza, despertaban un interés especial en él. </div>
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<br /></div>
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Las primeras referencias del museo nos llegan de <b>Grecia</b>, en donde se crean espacios como la pinacoteca. Se sabe, gracias a los datos que Pausanias ofrece en sus textos, que en la Pinacoteca de Atenas se guardaban los cuadros del pintor griego Polignoto de los que no se conserva ninguno, pero que Pausanias nos describe con detenimiento. En <b>Roma</b>, lo mismo que en Grecia, existía una gran afición por el coleccionismo, que en este caso adquirió una dimensión privada. No sólo se guardaban los objetos en función de su valor estético, sino que, además, poseían el valor añadido de ser botines de guerra.</div>
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<br /></div>
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Durante la <b>Edad Media</b> las iglesias eran importantes espacios en los que se guardaban objetos que tenían un interés desde el punto de vista de la fe o a los que se les atribuían poderes mágicos. Esto último explica la presencia en muchas iglesias medievales de curiosas reliquias traídas de los Santos Lugares. Los tesoros más importantes de todo el Medievo son los de <i>San Marcos</i> de Venecia y <i>Saint Denis </i>en Francia. En España, dos de los conjuntos más interesantes son los de la Colegiata de <i>San Isidoro </i>de León y el de la <i>Catedral de Oviedo</i>.</div>
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<br /></div>
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Durante la <b>Edad Moderna</b> el coleccionismo alcanzó una gran importancia. En el Renacimiento, las ricas familias nobles buscaron obras de arte procedentes de la antigüedad clásica. Algunas de estas colecciones, como la de los Medici en Florencia, son el germen del que hoy se puede considerar, sin duda alguna, uno de los museos más importantes del mundo: la galería de los Uffizi. De la misma manera, la colección del rey Francisco I de Francia será el punto de partida del Museo del Louvre y, la de Carlos V y Felipe II, del Museo del Prado.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNOTRE0Fe-1obVFp1WjmJosCI6TEXmOksOcrqS27y2csmvFtreSR6yS5Vt6KEN-prqFurbp_ha0wlQp8wG-3BMHnznZHB8FlaawOTFZhtXVY1EFulPy7NFcFQ2nLAzzWFXDlRSH7I_4WQ/s1600/can.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNOTRE0Fe-1obVFp1WjmJosCI6TEXmOksOcrqS27y2csmvFtreSR6yS5Vt6KEN-prqFurbp_ha0wlQp8wG-3BMHnznZHB8FlaawOTFZhtXVY1EFulPy7NFcFQ2nLAzzWFXDlRSH7I_4WQ/s640/can.jpg" width="640" /></a></div>
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<b><i>Galería Nacional de Canadá</i></b></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>1.2. La función de los museos de obras de arte</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Los museos desde un primer momento han desempeñado una serie de funciones que con el paso del tiempo se han ido perfilando. Nosotros nos ocuparemos en este apartado de las obligaciones que todo museo de arte tiene atribuidas:</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li><b>Coleccionar</b></li>
</ul>
<div>
En los museos se custodian las obras de arte, se estudia acerca de la manera más conveniente de exponerlas y se busca el mecanismo más conveniente de exponerlas y se busca el mecanismo más apropiado para su difusión. El gran problema surge al cuestionarse qué es digno de ser conservado y qué es lo que ha de constituir los fondos permanentes del museo. Normalmente, las piezas que integran estos fondos proceden de sus depósitos, son adquiridas por el propio museo o bien son donadas por alguna entidad de carácter privado.</div>
<ul>
<li><b>Investigar e identificar</b></li>
</ul>
<div>
La investigación es otro de los cometidos esenciales del museo, que tiene lugar cuando éste adquiere una pieza nueva o bien cuando cuenta entre sus fondos con alguna obra de arte sobre la que se desconocen algunos aspectos, como la identidad del autor, la cronología, etc. Esto afecta, sobre todo, a los casos en que exista sospecha de falsificación, especialmente si el museo está interesado en la adquisición de una nueva obra de arte y se alberga alguna duda sobre su autenticidad.</div>
<div>
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<i style="font-weight: bold;">Museo Dalí. </i>Figueras</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<ul>
<li><b>Documentar</b></li>
</ul>
<div>
En todos los museos debe haber constancia documental de la existencia de las obras de arte que constituyen sus fondos. Para esto cuentan con el registro (en el que se inscriben todas las obras que entran en el museo), el inventario (listado más o menos completo de las obras que integran los fondos museísticos) y el catálogo (ficha en la que se recoge una información más amplia sobre las piezas).</div>
<ul>
<li><b>Conservar y restaurar </b></li>
</ul>
<div>
El museo es una de las piezas claves dentro del proceso de conservación de las obras de arte. Para ello, el recinto museístico deberá contar con las medidas de seguridad apropiadas que garanticen que esos bienes de los que hemos sido herederos, llegarán a nuestros descendientes, al menos, en el mismo estado en que se encuentran en la actualidad. Esto implica que las condiciones de luz, temperatura y humedad en las que se encuentran han de ser siempre las más idóneas. En el caso de que alguna obra se halle en mal estado de conservación se restaurará, pero siempre desde un principio de respeto absoluto a la situación original de la obra. Se deberá tratar, en la medida de lo posible, de que la restauración sea reversible.</div>
<ul>
<li><b>Exhibir y educar</b></li>
</ul>
<div>
El museo ha de ser, ante todo, un lugar abierto al público y, por tanto, la arquitectura, como receptáculo de las piezas museísticas que se van a mostrar, desempeña un papel fundamental. El museo se adecuará a una de las funciones más importantes para la que ha sido pensado: la exhibición de obras de arte.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
La relación que se establece entre el museo y el público es una de las funciones que más interés despierta en la actualidad. El museo tiene en sus manos la posibilidad de educar al visitante, de romper con la idea de visitante pasivo mediante la organización de reuniones periódicas, aumentando el número de visitas guiadas o bien llevando a cabo otro tipo de actividades formativas de divulgación, de las que se encarga el departamento pedagógico.</div>
<div>
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUpdx8VYNNsr3zllrNYjPm8tUlkP-qRzlUnA0RWwkrxL9K4DRatgUgw4F5_XnsswnQdb7zCi61RbkeODwE-bh1lYd7BZ8mJGAl0pWPQ_ZFNPHMfNPwKfbvgGUFlzgRFe36i1mu0EZbnpc/s1600/mus.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUpdx8VYNNsr3zllrNYjPm8tUlkP-qRzlUnA0RWwkrxL9K4DRatgUgw4F5_XnsswnQdb7zCi61RbkeODwE-bh1lYd7BZ8mJGAl0pWPQ_ZFNPHMfNPwKfbvgGUFlzgRFe36i1mu0EZbnpc/s640/mus.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Rafael Moneo: Interior del <i style="font-weight: bold;">Museo de Arte Romano. </i>Mérida</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2. LA CONSERVACIÓN Y RESTAURACIÓN DE BIENES CULTURALES</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Restaurar no es otra cosa que tratar de recuperar el aspecto original de una obra de arte del pasado del que ha sido despojado por el paso del tiempo.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Una de las primeras intervenciones en este sentido es la de <b>Rafael Stern</b> y <b>Giuseppe Valadier</b>, quienes se ocuparon de la restauración del <i>Coliseo </i>y de algunos <i>Arcos del triunfo</i> que, en bastante mal estado, se conservaban en Roma.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">El siguiente paso lo dio <b>Viollet-le-Duc</b> quien, como buen romántico, centró su interés en las obras góticas, de las que Francia tenía un buen número. A través de un exhaustivo estudio de la arquitectura gótica, rehizo gran parte de las catedrales góticas francesas, tratando de devolverles un estado ideal, lo que él denominó su forma prístina. Esta manera de entender la restauración suscitó múltiples controversias entre los que interpretaban la intervención <i>violletiana</i> como un "falso histórico". En nuestro país, uno de los ejemplos de este tipo de restauración es <i>la Catedral de León</i>.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">La reacción a las teorías de Viollet está representada, entre otros, por la personalidad de <b>John Ruskin</b>, defensor de la veracidad histórica del monumento. Al igual que Viollet, consideraba que la Edad Media es el momento más brillante de la Historia del Arte, pero a diferencia de aquél, concedió una gran importancia a los oficios artesanos, que en la Revolución industrial se habían olvidado. En este sentido, Ruskin está estrechamente relacionado con el <i>Arts and C</i></span><i>rafts</i>. Frente a la reconstrucción en estilo que hace que, en muchas ocasiones, resulte prácticamente imposible establecer qué es lo original de la arquitectura y qué lo que ha sido restaurado, Ruskin propondrá la conservación y, en casos extremos, la consolidación que evite que el edificio termine por derrumbarse. Estas ideas son extensibles a la restauración del resto de las manifestaciones artísticas.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKgqW4U-DrhQw_ulyMt0F8cr93X8AFjdwk1L2wNHtiq4k10kXuMkGJVFSVuiPUWoSaGRB-oScA4_5Mjxkc_0LMnKzDW6IulYLxdX6anp3YUx7hVpZ8n-B-A72BMiF0nD5hxdA6XPnY5k4/s1600/col.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKgqW4U-DrhQw_ulyMt0F8cr93X8AFjdwk1L2wNHtiq4k10kXuMkGJVFSVuiPUWoSaGRB-oScA4_5Mjxkc_0LMnKzDW6IulYLxdX6anp3YUx7hVpZ8n-B-A72BMiF0nD5hxdA6XPnY5k4/s640/col.jpg" width="448" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<i style="font-weight: bold;">Coliseo</i>, donde se puede apreciar la intervención de Stern y Valadier. Roma</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Una de las teorías más interesantes sobre restauración es la de <b>Camillo Boito</b>. Se mantiene muy cerca de las ideas de Ruskin pero admite, bajo ciertas premisas, la posibilidad de restaurar. Las ideas de Boito se han denominado <i>Restauro scientifico. </i>Criticó abiertamente todas las intervenciones que en algún momento tratasen de falsear la obra de arte y, en este sentido, rechazó totalmente el "falso histórico". Este estudioso estableció ocho puntos fundamentales para realizar una restauración arquitectónica:</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li>Diferencia de estilo entre lo antiguo y lo nuevo.</li>
</ul>
<ul>
<li>Diferencia de materiales en sus fábricas. </li>
</ul>
<ul>
<li>Supresión de molduras y decoración en las partes nuevas.</li>
</ul>
<ul>
<li>Exposición de las partes materiales que hayan sido eliminadas en algún lugar contiguo al monumento restaurado.</li>
</ul>
<ul>
<li>Incisión de la fecha de la actuación o de un signo convencional en la parte nueva.</li>
</ul>
<ul>
<li>Epígrafe descriptivo de la actuación fijado al monumento.</li>
</ul>
<ul>
<li>Descripción y fotografías de las diversas fases de los trabajos depositadas en el propio monumento o en un lugar público.</li>
</ul>
<ul>
<li>Notoriedad visual de las acciones realizadas.</li>
</ul>
<div>
Esta teoría es la que más se aproxima a lo que más tarde se establecerá en la Carta de Atenas (1931) y en la Venecia (1964).</div>
<div>
<br /></div>
<div>
El continuador de la teoría de Boito es <b>Gustavo Giovannoni</b>. Una de sus máximas preocupaciones fue la integración del <b>monumento </b>en el medio urbano.</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEil7CMt_bKyJQlXjs8ewjYmr5RbBEdnsAHppVUnwzotXYfUJeDoWz8BM3tG1fbzdXfGIDoIdjVxVNWBP4cF3pER6FPyhhR-95GpwgjQY-NApwDj5zGxdGB9idzoVoo1_C-3kTfa9lXZ67U/s1600/leon.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEil7CMt_bKyJQlXjs8ewjYmr5RbBEdnsAHppVUnwzotXYfUJeDoWz8BM3tG1fbzdXfGIDoIdjVxVNWBP4cF3pER6FPyhhR-95GpwgjQY-NApwDj5zGxdGB9idzoVoo1_C-3kTfa9lXZ67U/s640/leon.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Catedral de León</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>A FONDO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><i>EL MUSEO DEL LOUVRE</i></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>(PARÍS)</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">El Museo del Louvre es uno de los centros artísticos más importantes del mundo. Sus raíces se hunden en el tesoro de la corona que el rey Carlos V guardaba en la fortaleza construida por Felipe II Augusto, en el siglo XII. Hasta el reinado de Francisco I (siglo XVI), estas obras habían caído en el olvido, pero con la llegada de este monarca, tanto el coleccionismo como el arte alcanzarán un auge espectacular.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Francisco I reunió en su corte a los creadores más significativos de la Francia de la época, y llamó a creadores de la talla de Leonardo da Vinci o Benvenuto Cellini. Todas las obras de arte cuya creación promovió fueron trasladadas al Castillo de Fontainebleau. Mucho se comentaba por aquel entonces sobre esta excepcional colección, pero muy pocos eran los privilegiados que habían podido contemplarla de cerca.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Más tarde, el rey Luis XIV en el siglo XVII encargó a su ministro Colbert que se ocupase del conjunto, ante lo cual, este ministro de Finanzas decidió trasladarlo al Palacio del Louvre y se hizo con colecciones privadas realmente importantes, como la del banquero Jaback, el cardenal Mazarino y el abad Marolles. Una parte de este importantísimo repertorio artístico, alrededor de cien pinturas, se llevó al Palacio de Luxemburgo de París, donde, dos días a la semana, eran visitadas por un gran número de personas. El pensamiento ilustrado, _especialmente Diderot, para el que la educación y el acceso popular a la cultura eran elementos fundamentales de civilización_, y la Revolución Francesa, contribuyeron notablemente a aproximar estos fondos al público.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTB3QdeC_auZ2RaEteVYhVJoQ8FTol2iZrSEp9Bk66PvCq_DjqR82SCKZR7udYZvgD7X8arXPjYYJtlREJPrSdOEtHD2XODslHwXl3ygdN48toRT_SNdoL6JrVjfCMvl5PdvWQ4A-2kd0/s1600/l.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="386" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTB3QdeC_auZ2RaEteVYhVJoQ8FTol2iZrSEp9Bk66PvCq_DjqR82SCKZR7udYZvgD7X8arXPjYYJtlREJPrSdOEtHD2XODslHwXl3ygdN48toRT_SNdoL6JrVjfCMvl5PdvWQ4A-2kd0/s640/l.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El conde D'Angivillier, además de trasladar las obras al lugar en que se encuentran en la actualidad, es decir, al Palacio del Louvre (1793), fue uno de los primeros que se ocupó de que las piezas que integraban la colección, que más tarde formaría lo que hoy conocemos como Museo del Louvre, se organizase de una manera sistematizada. Para ello aplicó unos criterios museográficos bastante aproximados a los que se tienen en la actualidad, mandó efectuar los primeros catálogos y adquirió nuevas obras que completaban las carencias que la colección tenía. Las campañas de Napoleón a Egipto, la colección del cónsul británico Salt adquirida por Champollion en 1826 y las obras traídas por Mariette del <i>Serapeum</i> convirtieron al Museo del Louvre en uno de los que mayor número de obras de arte egipcias atesoran.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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La ampliación de los fondos del Louvre ha sido una prioridad para la mayoría de los gobiernos de Francia, quienes han afrontado este cometido con inteligencia, potenciando las donaciones y haciendo que el sistema fiscal permita el pago de impuestos con obras de arte.</div>
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<br /></div>
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El último paso lo dio François Mitterrand, presidente de la República Francesa desde 1981, haciendo que el Ministerio de Economía, que se ubicaba en el mismo palacio del Louvre, fuese trasladado a otro lugar con la finalidad de que este espacio fuese ocupado íntegramente por el museo. Este aspecto constituía uno de los elementos prioritarios de su proyecto electoral. Además se ideó que en este palacio se pudiese visitar un Museo de Artes Decorativas, un Museo del Vestido y de la Moda y la Escuela del Louvre, en la que se forman miles de estudiantes en las diversas disciplinas artísticas y que destaca por ser una de las instituciones más brillantes en la enseñanza de la museología, ciencia que tuvo en Francia un importante punto de partida.</div>
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<br /></div>
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Mitterrand se ocupó de manera especial por solucionar los grandes problemas de acceso al interior que presentaba este edificio, uno de los más visitados del mundo. Eligió personalmente a I.M. Pei, un arquitecto de nacionalidad norteamericana y de origen chino, que se ocupó de la remodelación del museo en 1984. Éste diseñó una pirámide de cristal que se erige en centro del patio y por la que se accede al interior del museo. Gracias a ella llegamos a un impresionante vestíbulo en el que se encuentran las diferentes galerías en las que organiza el espacio museístico. Las paredes de cristal permiten, por un lado, inundar de luz la entrada que acoge y envuelve al espectador y, por otro, se consigue que no perdamos de vista ningún punto del patio debido a su transparencia. Se consigue de esta manera algo tan difícil como la integración de la arquitectura actual, con materiales igualmente actuales, en un espacio realizado muchos siglos antes, en el que han trabajado grandes decoradores, escultores y arquitectos entre los que se encuentran Metezau, Androuet du Cerceau, Lemercier, Perrault, Le Vau, Fontaine, Visconti, etc. Esta obra, en el momento de su construcción desencadenó una terrible polémica, pero hoy es del agrado de la gran mayoría del público.</div>
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<br /></div>
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El Louvre es un museo con una gran historia a sus espaldas, pero, al mismo tiempo, con una decidida y ejemplarizante vocación de futuro.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjS-kEIB9M7cnNuV9oB0xO1f0f4QtBOmcZd8qeQhEl4TjFQ782tLT5pJtD5y7XTgj9jNcAiTdjOiNalzHwfZ3xUHBSrSQVMQ97ZL9oY-BvkRrme6Bc2s3fEZJbk6dIyM-PPw4VZSuGlFkc/s1600/esc.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjS-kEIB9M7cnNuV9oB0xO1f0f4QtBOmcZd8qeQhEl4TjFQ782tLT5pJtD5y7XTgj9jNcAiTdjOiNalzHwfZ3xUHBSrSQVMQ97ZL9oY-BvkRrme6Bc2s3fEZJbk6dIyM-PPw4VZSuGlFkc/s640/esc.jpg" width="640" /></a></div>
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Interior de <b><i>la Pirámide del Louvre</i></b></div>
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<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b>CITAS</b></span></div>
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<b><br /></b>
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<i>"El museo forma también parte de estos palacios reales; tiene un paseo público, una exendra con asientos y una especie de sala común de los hombres de estudio que forman el Museo. Este grupo de hombres no solamente mantiene la propiedad en común, sino que también tiene un sacerdote a cargo del museo (...)".</i></div>
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<b>Estrabón</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
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<i>"El patrimonio se ha transformado en un medio en manos de los poderes públicos, los que en su afán por poner en práctica una política "cultural", obligan a exponer, o mejor aún, a exhibir obras, y se niegan a tomar en consideración los riesgos que éstas corren".</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Gaël de Guichen</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>"Del mismo modo que ningún poeta se pondría a terminar los versos incompletos de la Eneida, ningún pintor a terminar un cuadro de Rafael, ningún escultor a terminar un cuadro de Rafael, ningún escultor a terminar una estatua de Miguel Ángel, así ningún arquitecto debería consentir en completar una catedral".</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Didon</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>"La teoría de Camillo Boito ha venido siendo considerada modernamente, lo que sienta de modo definitivo criterios prudentes y científicos".</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Antón Capitel</b></div>
</div>
GreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-47384158005811843522016-05-09T16:18:00.002-07:002016-05-09T16:18:16.568-07:00Historia del Cine<div style="text-align: justify;">
<b>El nacimiento del cine (Francia, 1895), de la mano de los hermanos Lumière, tiene una lógica deuda técnica con la fotografía que, a su vez, había estado ligada desde su aparición al resto de las artes y, en especial, a la pintura.</b></div>
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<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Fotógrafos como Nadar habían sido testigos de las exposiciones impresionistas, contribuyendo a difundir una nueva manera de entender la pintura, liberada ya del que hasta ese momento había sido su papel fundamental: la captación fiel de la realidad.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Con la aparición del cine, el arte conquista algo que había perseguido incansablemente: el movimiento. Asistiremos al nacimiento y desarrollo del cine, el arte más joven y más próximo al hombre del siglo XXI. </b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitljV6995waLC5DS1hytNVwlZjTitvLu5kaGlcpwl_GN7YV2fnmCQqmCjEoaTXXeiMvfhU9HPngEm7l0YM6myeacYzFOFvNsOsjZrQvG5l4hiSYGnpvRBlLXcy-LysyDCO7IdVyw1UaXM/s1600/lum.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="470" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitljV6995waLC5DS1hytNVwlZjTitvLu5kaGlcpwl_GN7YV2fnmCQqmCjEoaTXXeiMvfhU9HPngEm7l0YM6myeacYzFOFvNsOsjZrQvG5l4hiSYGnpvRBlLXcy-LysyDCO7IdVyw1UaXM/s640/lum.jpg" width="640" /></a></div>
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Hermanos Lumière: <i style="font-weight: bold;">El regador regado </i>(1897)</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>1. CÓMO NACE EL CINE</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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Como se ha dicho, el cine fue inventado en 1895 por los hermanos <b>Lumière</b>, y su aparición supone la respuesta a una necesidad que tantas veces se había puesto de manifiesto a lo largo de la Historia del Arte: la captación y expresión del <b>movimiento</b>.</div>
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<br /></div>
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La primera iniciativa firme que pretende capturar el movimiento es el <b>Futurismo</b>. En las obras de algunos pintores futuristas es posible ver cómo se trata de reflejar el movimiento pintando las diferentes posiciones de un objeto a lo largo de su desplazamiento. En este sentido, cabe decir que el cine está en relación con otras muchas expresiones artísticas, no sólo con la pintura. En 1816 el francés <i style="font-weight: bold;">Joseph-Nicéphore Niepce</i> conseguía fijar las imágenes reflejadas en el interior de una cámara oscura, invento éste ya conocido por Leonardo da Vinci. Niepce, en colaboración con <b>Louis-Jacques Mandé Daguerre</b>, reduce el tiempo de exposición a media hora e inventan, de este modo, <b>el daguerrotipo</b>. Estas aportaciones corren paralelas a los avances químicos aplicados a la fotografía y a los estudios de <b>Peter Mark Roget</b>, quien formuló la teoría de la persistencia de las imágenes en la retina. La fusión de la fotografía con las teorías de Roget es el punto de partida para el nacimiento del cine.</div>
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<br /></div>
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El siguiente paso lo dio <b>Étienne-Jules Marey </b>quien, con el fusil fotográfico, consiguió las fotografías sucesivas del movimiento de un caballo. El prolijo <b>Thomas Alva Edison</b> inventa la película de celuloide de 35 milímetros de anchura y con perforaciones para su arrastre. Finalmente, los hermanos Lumière consiguen impresionar películas cinematográficas, que proyectaron por primera vez el 13 de febrero de 1895.</div>
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<br /></div>
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El 28 de diciembre de 1895 los Lumière reunieron en un café de París a un grupo de personas que asistieron a un importantísimo evento. Entre estos invitados se encontraba <b>Georges Méliès</b>, quien habría de ser uno de los primeros directores de la historia de este arte. Lo que se proyectó en aquel café no fue otra cosa que <i>La salida de los obreros de la fábrica Lumière</i>, una escena de la vida real carente de guión alguno. La fama que alcanzó este nuevo invento hizo que los Lumière rodasen un gran número de películas, cuya duración oscilaba entre uno y tres minutos, y de las que eran protagonistas los propios miembros de la familia. Pronto se descubrió que, más allá de lo anecdótico, el cine podía tener un valor documental por lo que comenzaron rodarse escenas en lugares lejanos que luego se proyectaban en París. De esta manera, un aprendiz formado con los Lumière, <b>Francis Dublierm</b> rueda <i>La coronación del Zar Nicolás II </i>y, más tarde, va a exóticos lugares como India, Jerusalén, China o Constantinopla. En 1900 los Lumière realizan su última aportación cinematográfica al proyectar una de sus últimas películas sobre una gigantesca pantalla de 21x16 m.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>2. EL CINE MUDO</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b>2.1. Los orígenes del arte cinematográfico</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<i style="font-weight: bold;">Georges Méliès </i>(1861-1938), tras asistir a la primera proyección de los hermanos Lumière, descubre, absolutamente fascinado, este gran invento que es el cine y vislumbra las inmensas posibilidades que se encerraban en aquello que, en un principio, fue presentado como una atracción de feria. Al terminar la proyección se aproximó a los inventores y les preguntó de qué manera podía adquirir un aparato. Finalmente tuvo que ir a Inglaterra a comprarlo. De un modo puramente casual descubrió algo que será fundamental para el crecimiento de este nuevo arte: el trucaje (<i>El melómano</i>, 1903, en la que la cabeza del protagonista salta al ritmo de las notas musicales). Una de sus más ingeniosas obras y también una de las más conocidas _recuérdese la secuencia en que un "cohete" le entra a la Luna en un ojo_ es <i>El viaje a la luna </i>(1902), inspirada en el texto de Julio Verne. De carácter documental son algunas de sus películas como <i>El caso Dreyffus </i>(1899). Su cine se podría definir como extremadamente teatral. En cualquier caso, hay que reconocerle el gran mérito de saber extraer algunas de las posibilidades que ofrecía este nuevo invento. </div>
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<br /></div>
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El cine no tardó en llegar a los Estados Unidos. <b>Thomas Alva Edison</b> compra el kinetoscopio a un inventor inglés y se convierte en el creador de la industria cinematográfica en este país. El primer gran director cinematográfico norteamericano es <i style="font-weight: bold;">Edwin Porter </i>que realiza <i>Salvamento en un incendio </i>(esta película introduce un elemento novedoso en el incipiente arte cinematográfico, que es la alternancia de dos acciones paralelas), y <i>Asalto y robo a un tren</i> (1903), el antecedente más remoto de un <i>western</i> en el que se colorean algunos fotogramas. Quizá, lo más llamativo de esta producción sea la última secuencia, en la que uno de los ladrones apunta y dispara a los espectadores, hecho que fue considerado por muchos como una provocación.</div>
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<br /></div>
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El gran genio de la industria cinematográfica en sus inicios es, sin lugar a dudas, <i style="font-weight: bold;">David Wark Griffith </i>(1875-1948). Comienza en el mundo del cine trabajando como guionista, aunque con escaso éxito. Más tarde trabaja como realizador y, finalmente, llega a ser director cinematográfico. Fue un importante descubridor de talentos como las hermanas Lilian y Taylor Gish, Mary Pickford y un cómico llamado Mack Sennett. Una de sus obras de mayor alcance es <i>El nacimiento de una nación </i>(1915) en la que se narraba durante 2 horas y 45 minutos el origen del Ku-klux-klan en tono heroico y la guerra de Secesión americana. Pronto se convierte en un gran éxito de taquilla. Una de las escenas más brillantes de la película es la batalla de Petersburg, en la que queda patente que el cine había alcanzado su mayoría de edad. Más tarde rueda <i>Intolerancia</i> (1916), obra en la que elige cuatro momentos de la Historia que narra paralelamente: la caída de Babilonia, la Pasión de Cristo, la matanza de San Bartolomé (encarnizadas luchas entre católicos y hugonotes durante el reinado de Catalina de Medici) y una huelga en Estados Unidos en la que murieron dieciocho obreros. En todos estos episodios existe un elemento común: se llega a una situación claramente injusta por culpa de la intolerancia. Otra de sus obras paradigmáticas es <i>Lirios rotos </i>(1919) que representa el triunfo del melodrama. Se desarrolla en un ambiente portuario y marginal de Londres.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhIu-1IKrpMgmw0-xEXRzyIrdPEcg_eBDMVbMgX1IA3IZBWredBlykTa49jX-Gln9GOCpzQCF4Jgn_L7IT3rOVTc-CFgKxG0fztG38NZzEFodmXEIdoQ-JHVdhQ_65AdJElU08WrhkGmk/s1600/int.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhIu-1IKrpMgmw0-xEXRzyIrdPEcg_eBDMVbMgX1IA3IZBWredBlykTa49jX-Gln9GOCpzQCF4Jgn_L7IT3rOVTc-CFgKxG0fztG38NZzEFodmXEIdoQ-JHVdhQ_65AdJElU08WrhkGmk/s640/int.jpg" width="640" /></a></div>
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Griffith: <i style="font-weight: bold;">Intolerancia </i>(1916)</div>
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<br /></div>
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Podemos considerar a Griffith uno de los pilares fundamentales del cine por las muchas aportaciones que nos legó. En primer lugar, convierte al cine en un instrumento para transmitir emociones y, por otro lado, deja codificado el montaje alternado y devuelve al melodrama el interés que había perdido.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>2.2. Los albores del cine cómico</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En algunas de las películas de los hermanos Lumière se captan situaciones que tienen grandes posibilidades cómicas, como en <i>El regador regado</i>, pero hablaremos de esperar hasta <b>André Deed</b>, <b>Price-Rigadin</b>, <b>Léonce Perret </b>y <b>Max Linder</b> para hablar con propiedad de cine cómico. <b>Max Linder</b> es uno de los más importantes y uno de los primeros cómicos que aparecen. Su atuendo era muy característico: chaqué, pantalón de rayas, botas de charol y sombrero de copa. Se metía en situaciones complicadas en las que siempre se mostraba como un educado caballero (<i>Max pedicuro</i>, 1914). <i style="font-weight: bold;">Charles Chaplin </i>(1889-1977) toma como referencia a Max Linder, incluso a la hora de crear un atuendo particular de andar. Chaplin nace y crece en la más absoluta pobreza, lo que permanecerá por siempre en su memoria y se reflejará en muchas de sus películas (<i>El chico</i>, 1921). El humor de Chaplin posee una fuerte carga sentimental y, al mismo tiempo, una gran dosis de melancolía que deja un sabor agridulce en el espectador. Podía ser un duro crítico cuando se lo proponía, capaz de atacar ácidamente con su fina ironía. Sabía provocar la risa y suscitar la ternura. En <i>Charlot, músico ambulante </i>(1916) narra la historia de un músico ambulante que se enamora de una gitana, pero no sabe cómo confesárselo y decide convertirse en un matón para impresionarla. En <i>El peregrino </i>denuncia las desigualdades sociales, en <i>La calle tranquila </i>consigue derrotar a un malvado personaje con la fuerza de su astucia, etc. El gran éxito de Chaplin está en que rehúsa el humor bárbaro de las primeras películas cómicas y le añade un nuevo ingrediente: la ternura.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhauWhvBfoRQIA41ZjwWoKGz1DMMMIcB0L82bHw32zSupkomp5CJOX2G8doXZotRtwYEAMRt8ybDu-w9wgM5g43khk8lDyrWX76Rl1rQau-fJorsTvVrrVP9uvZ8poUXkIa0YB4zzPpfvI/s1600/lind.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhauWhvBfoRQIA41ZjwWoKGz1DMMMIcB0L82bHw32zSupkomp5CJOX2G8doXZotRtwYEAMRt8ybDu-w9wgM5g43khk8lDyrWX76Rl1rQau-fJorsTvVrrVP9uvZ8poUXkIa0YB4zzPpfvI/s640/lind.jpg" width="480" /></a></div>
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Max Linder</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnJK2qG_jRxdmNJ2t4OyyCRm1cBmeYtkicFtTBbH1uGZ93vxISsaqHwK-sW-Eob0e79XJ5VDI_gSXCcE0dKLolwdUQQu-3O9VjrHbYJy0uJwrf0HMytPmTQU4RIExyWgT6TiXgyXD4Js4/s1600/cha.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnJK2qG_jRxdmNJ2t4OyyCRm1cBmeYtkicFtTBbH1uGZ93vxISsaqHwK-sW-Eob0e79XJ5VDI_gSXCcE0dKLolwdUQQu-3O9VjrHbYJy0uJwrf0HMytPmTQU4RIExyWgT6TiXgyXD4Js4/s640/cha.jpg" width="484" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Charles Chaplin: <i style="font-weight: bold;">El chico </i>(1921)</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDptpwxgyJW4gXcWH6P4JWhAh07HDLkOqybUosnQKOo460BF_Iys2XQgdnTWfCnlEzMc6hfDJO404eV6c69rNkrEDIfBLIhsDp5zZ7-h3bMsQZ-pLk37qQVHp-ub6MzrcWd9iM_N5lUIA/s1600/great.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDptpwxgyJW4gXcWH6P4JWhAh07HDLkOqybUosnQKOo460BF_Iys2XQgdnTWfCnlEzMc6hfDJO404eV6c69rNkrEDIfBLIhsDp5zZ7-h3bMsQZ-pLk37qQVHp-ub6MzrcWd9iM_N5lUIA/s640/great.jpg" width="478" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Charles Chaplin: <i style="font-weight: bold;">El gran dictador </i>(1940)</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Harold Lloyd </b>procedía del mundo del <i>music-hall </i>y durante bastante tiempo se inspiró en Chaplin hasta perfilar un personaje nuevo: un sentimental cobarde, sensible y temerario, pero muy afortunado (<i>El hombre mosca</i>). Otro importante cómico es <b>Buster Keaton</b>, personaje de cara impasible, cuya obra más conocida es <i>El maquinista de la general</i> (1926).</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4CeZFfHeT9T4_30TxbHGWfcBGH98qVWxzfinBS_890MR6gEuaQ8NXjlcnt0gsI8LNIhMyjH9vB7BFyDl5dnGCapVRrjV1dd5uF_rAqwAt50zbk5FLBxueLQ7Jc59RK3fxBo4D9OGiB8g/s1600/keaton.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4CeZFfHeT9T4_30TxbHGWfcBGH98qVWxzfinBS_890MR6gEuaQ8NXjlcnt0gsI8LNIhMyjH9vB7BFyDl5dnGCapVRrjV1dd5uF_rAqwAt50zbk5FLBxueLQ7Jc59RK3fxBo4D9OGiB8g/s640/keaton.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Buster Keaton: <i style="font-weight: bold;">The Cameraman </i>(1928)</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2.3. El cine impresionista francés y las vanguardias</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Fuertemente vinculado a la estética impresionista, aparece en Francia un grupo de directores formado por Louis Delluc, Marcel L'Herbier, Abel Gance, Jean Epstein y German Dulac. Surge como la necesidad de hacer algo novedoso dentro del cine. Se presentan nuevos planteamientos teóricos y se trata de hacer frente a la potente industria norteamericana, demasiado preocupada por la comercialidad de sus productos y no por su calidad. Durante unos años el cine francés se encontró estancado y resurge, precisamente ahora, gracias a <b>Louis Delluc</b>. Él es quien define la fotogenia como la cualidad poética de ciertos seres y objetos, que tan sólo el cinematógrafo puede revelar. Una de sus obras más importantes es <i>La mujer de ninguna parte</i>.</div>
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<b>Marcel L'Herbier </b>emplea en algunas de sus obras el <i>sfumato </i>que se había utilizado ya en la pintura, tal y como podemos comprobar en <i>Fantasmas</i> (1918). En 1921 viene a España a rodar <i>El dorado </i>(1921), en la que narra los trágicos amores de una bailarina española con un pintor escandinavo. Ene esta película también se recurre a las imágenes difuminadas o <i>flou</i>. La sordidez y el realismo extremo de los temas es otra de las características del Impresionismo francés junto con la búsqueda de novedades desde el punto de vista formal.</div>
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<i style="font-weight: bold;">Abel Gance </i>(1889-1991) es el autor de una de las obras más representativas del Impresionismo francés: <i>Napoleón </i>(1923-1927). En ella, el ritmo visual cobró una gran importancia. Se creaba sobre una sobreimpresión de planos que termina en una imagen inconcreta, que preludia la llegada del cine abstracto. También era bastante frecuente que atase la cámara portátil a un objeto o a una persona, ofreciendo un punto de vista muy novedoso.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIGe5_tXaijdLlLuDADpfDqNWi0mlO_8TRhtgL_sRrVRFTzvKuMuzFBVAIm2PLhOwI89WkvqlRN7F5OIXbMrmoQZrOolSe7UlKphYyzojR5FFNWy_kDENzBCIhKITYYOyvSvazZm2KO0A/s1600/nap.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIGe5_tXaijdLlLuDADpfDqNWi0mlO_8TRhtgL_sRrVRFTzvKuMuzFBVAIm2PLhOwI89WkvqlRN7F5OIXbMrmoQZrOolSe7UlKphYyzojR5FFNWy_kDENzBCIhKITYYOyvSvazZm2KO0A/s640/nap.jpg" width="426" /></a></div>
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Abel Gance: <i style="font-weight: bold;">Napoleón </i>(1927)</div>
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No podemos terminar este recorrido por el Impresionismo francés sin detenernos a hablar de <i style="font-weight: bold;">Jean Epstein </i>(1897-1953), en el que el gusto por los ambientes pobres y los temas sobre la realidad social quedan reflejados en su obra <i>Finis Terrae </i>(1929). Para su realización recurre como actores a auténticos pescadores italianos, tal como haría muchos años más tarde Visconti en <i>La tierra tiembla</i>.</div>
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Todas las novedosas aportaciones son recogidas por una serie de cineastas que trataron de romper con las formas tradicionales, buscaron una superación de las estructuras codificadas y una exaltación de la forma. Esta misma filosofía impregna el cine abstracto de Dulac (<i>La concha y el reverendo</i>, 1927, con guión de Antonin Artaud), en la que rechaza la domesticación a la que ha sido sometido el cine y propone recuperar su esencia. Quienes mejor representan este cine de vanguardia son los dadaístas y los surrealistas (también los futuristas hicieron algunas incursiones en el cine).</div>
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Es bastante difícil separar el Surrealismo del Dadaísmo. <b>El Dadaísmo</b> carece de organización o sistema. Se apoya en lo absurdo, lo grotesco y onírico. De ello es un buen ejemplo <i>Entreacto </i>en el que Francis Picabia y Man Ray son los principales guionistas.</div>
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<b>El Surrealismo</b>, representado por el genial Buñuel, no es tan hermético e incomprensible como el Dadaísmo que, en ocasiones, va acompañado de un gran sentido crítico. <i style="font-weight: bold;">Luis Buñuel</i> (1900-1983) crea una iconografía particular de la que forman parte lo macabro y lo absurdo. Algunas de sus obras más interesantes en esta época son <i>El perro andaluz </i>(<i>Le chien andalou</i>, 1928), realizada en colaboración con Salvador Dalí, o <i>La edad de oro </i>(1930). También hizo algún documental como <i>Las Hurdes, tierra sin pan</i> (1932), en el que recoge la vida cotidiana de los habitantes de las Hurdes, una zona muy deprimida. Muestra peleas de gallos, personas con serios defectos físicos y entierros. En definitiva, todas aquellas cosas que puedan provocar un cierto rechazo en el espectador.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjh5iCBDyF58eBI3JjTsGdb1xr9bDLz5o4DVnu5C1WnW6Sp5LIZ8Ht4TDkO87mJCa1-Y1fqvKU9fr27ZJbSgGWMnpQM2_-V17a9aFdF17-VvVSU0uCNZTCK2qorA1jvmhkflLj8BtKSgm8/s1600/an.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjh5iCBDyF58eBI3JjTsGdb1xr9bDLz5o4DVnu5C1WnW6Sp5LIZ8Ht4TDkO87mJCa1-Y1fqvKU9fr27ZJbSgGWMnpQM2_-V17a9aFdF17-VvVSU0uCNZTCK2qorA1jvmhkflLj8BtKSgm8/s640/an.jpg" width="640" /></a></div>
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Luis Buñuel: <i style="font-weight: bold;">El perro andaluz </i>(1928)</div>
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<span style="font-size: large;"><b>2.4. El Expresionismo alemán</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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En 1917 nace, con la ayuda del poderoso Deutsche Bank y otras grandes industrias, la Universal Films A. G., punto de partida de uno de los momentos más esplendorosos del cine alemán. Sobre el Expresionismo dice Román Gubern, uno de los más importantes historiadores del cine de nuestro país: "(...) más que una escuela, es una actitud estética cuyo rastro nos conduce hasta las formas más primitivas del arte aborigen. Véanse esas máscaras polinesias de rasgos desgarrados que evocan con temor un mundo sobrenatural, contémplense esos leones de metal del rey Benhazin (...)". Las películas que marcan el punto de partida del Expresionismo son <i>El estudiante de Praga</i> (1913) de <b>Paul Wegener </b>y <i>El Golem</i> (1914), de este mismo director y <b>Henrik Galeen</b>, en la que se cuenta la historia de un rabino que consigue dar vida a un muñeco de barro que se rebela contra su creador, en clara alusión al mito de Prometeo, que tanta producción ha generado en la Historia del Arte. Pero, sin lugar a dudas, la película por antonomasia del Expresionismo alemán es <i>El gabinete del Doctor Caligari </i>(1919), de <i style="font-weight: bold;">Robert Wiene </i>(1873-1938), tomado de una obra de Hans Janowitz y Mayer, que a su vez se inspiraron en unos crímenes acaecidos en Hamburgo. En esta película aparecen elementos que más tarde retoman directores alemanes: los decorados de formas angulosas realizados por pintores expresionistas, los intensos maquillajes de los actores, los movimientos de éstos que recuerdan a pasos de danza, los encuadres estáticos, etc. <i style="font-weight: bold;">Friedrich W. Murnau </i>(1888-1931), algo más tarde, creará <i>Nosferatu </i>(1922). En esta obra, el protagonista, rey de las oscuridades, acompañado de su ejército de ratas, invade la ciudad de Bremen.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijooeaAcgz1EvH4-ZvU5vxsOhxbso2WvJLan_RvMbfCF6Ktwjgh0P-rAJgxzq5PYhxzMndZR3k1DiGntbKbpJsq6wUaLDJrbdDzmpcDUaHPP_wh0fk8LF66G_tje5RcKcaFt3to7YjfIg/s1600/gab.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="508" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijooeaAcgz1EvH4-ZvU5vxsOhxbso2WvJLan_RvMbfCF6Ktwjgh0P-rAJgxzq5PYhxzMndZR3k1DiGntbKbpJsq6wUaLDJrbdDzmpcDUaHPP_wh0fk8LF66G_tje5RcKcaFt3to7YjfIg/s640/gab.jpg" width="640" /></a></div>
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Wiene: <i style="font-weight: bold;">El gabinete del doctor Caligari </i>(1919)</div>
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<br /></div>
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El siguiente paso en el Expresionismo alemán es <b>el </b><i style="font-weight: bold;">Kammerspielfilm</i>, teatro de cámara, con un carácter algo más intimmista. Dentro de esta corriente se encuentran Mayer, Murnau y Fritz Lang. La obra más importante de <b>Mayer </b>es <i>Scherben </i>(1912) en la que narra la historia de un guardavías que asesina al hombre que sedujo y engañó a su hija, a raíz de lo cual ésta enloquece. <b>Murnau </b>es autor de <i>El último </i>(1924), en el que el botones de un lujoso hotel es relegado a un puesto inferior por su edad, ante lo que, no resignándose ante este hecho, roba cada día el uniforme para volver a su casa. Los objetos adquieren en estas obras un fuerte significado simbólico. Por último, <i style="font-weight: bold;">Fritz Lang </i>(1890-1976), es el autor de <i>Metrópolis </i>(1926), una superproducción en la que el director imagina cómo podría ser l mundo en un futuro: un lugar dominado por los hombres más fuertes, mientras que el resto trabaja en las entrañas de la tierra para los señores. El discurso, claramente fascista, reflejaba que el guión había sido escrito por la esposa del director, militante nazi.</div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>2.5. El cine soviético</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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Desde la aparición del cinematógrafo Lumière, Lenin había sido consciente del valor que el cine tenía para transmitir ideas, por lo que fue utilizado como un elemento propagandístico del régimen socialista impuesto a partir de 1917. La gran revolución del cine ruso se basa en que, a pesar de las grandes carencias económicas, evolucionó muy rápidamente. Uno de los grandes promotores de este arte en la Unión Soviética es <b>Kulechov</b>, profesor del Instituto de Cine y creador del Laboratorio Experimental. Trabajó con las posibilidades que ofrecía el cine como lenguaje, recurriendo sobre todo a la foto fija. A él se debe <i>El efecto Kulechov</i>, en el que la asociación de imágenes era lo que producía una carga emocional. Se construían ideas partiendo de elementos referenciales. Intercalaba diversas imágenes, un plato de sopa, una mujer desnuda y un cadáver entre la foto fija del rostro inexpresivo del mismo actor, que se repetía invariablemente sin ningún cambio en su rostro. A través de este recurso se refería a tres aspectos bien diferentes: el hambre, el deseo y la angustia.</div>
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<br /></div>
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El genio del cine soviético es <i style="font-weight: bold;">Sergei Mijailovich Eisenstein </i>(1898-1948) creador del montaje de atracciones que consiste en intercalar imágenes impactantes que, aparentemente, no tendrían nada que ver con la película, con la misión de hacer reflexionar al espectador. Las teorías del montaje de Eisenstein derivan de su fascinación por los ideogramas japoneses, en los que, de la asociación de dos ideas, surge una tercera. Sus obras más importantes son <i>El acorazado de Potemkin </i>(1925), película ésta que, en la Exposición Universal de Bruselas de 1958 fue proclamada mejor película de la historia del cine, y <i>Octubre </i>(1927) que tiene como punto de partida la revolución agraria de la Unión Soviética.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHIYbGMVn3-MwKSc-Buq3LYtZodqCwroqeMNIiJtun5_yJ9hJLRbXMTygQL-mXwwVPtCDtcjNeCxqMAS4hJMn0qX-69xVv0YdxQukYxjwvI5I0jCfgqoZa21l9DAhZfExXb96fdO0puwI/s1600/acor.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHIYbGMVn3-MwKSc-Buq3LYtZodqCwroqeMNIiJtun5_yJ9hJLRbXMTygQL-mXwwVPtCDtcjNeCxqMAS4hJMn0qX-69xVv0YdxQukYxjwvI5I0jCfgqoZa21l9DAhZfExXb96fdO0puwI/s640/acor.jpg" width="428" /></a></div>
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Eisenstein: <i style="font-weight: bold;">El acorazado Potemkin </i>(1925)</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPwxgRwtO0A5Hicbi10U6I8p7QlUOqBXx3kz-eMVByJcSLi_uC7ojQWwYx2K_WDA7EdW8NnsCfejNnZmV4zFQT_eK79-ZUeAx2FBLyUO6ce-hC42koDCdCitK4JUkpg4YA1yJWcMAcDHI/s1600/pot.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="478" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPwxgRwtO0A5Hicbi10U6I8p7QlUOqBXx3kz-eMVByJcSLi_uC7ojQWwYx2K_WDA7EdW8NnsCfejNnZmV4zFQT_eK79-ZUeAx2FBLyUO6ce-hC42koDCdCitK4JUkpg4YA1yJWcMAcDHI/s640/pot.jpg" width="640" /></a></div>
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Eisenstein: <i style="font-weight: bold;">El acorazado Potemkin </i>(1925)</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Vsévolod Pudovkin </i>(1898-1948) es otro de los cineastas rusos más representativos del momento, quien, frente al interés que despertaron las muchedumbres en la cinematografía de Eisenstein, prefirió los personajes aislados.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>3. EL CINE SONORO</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b>3.1. El cine norteamericano</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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La incorporación del sonido al cine, gracias al ingeniero norteamericano <b>Lee de Forest</b>, inventor de la válvula de triodo, no fue algo bien visto por todos los directores cinematográficos. Tanto Charles Chaplin como la mayoría de los directores rusos rechazaron abiertamente su utilización. Sin embargo, fue aceptado con gusto por el público, que asistió masivamente a las salas de proyección. Una de las consecuencias inmediatas el cine sonoro fue la aparición del musical. En 1930 el cine sonoro ya se había extendido a todo el mundo.</div>
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<br /></div>
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La primera película sonora es la de <b>Alan Crosland</b>, <i>Don Juan </i>(1926) a la que siguió <i>El cantante de Jazz </i>(1927). Los Estados Unidos concentraron la producción cinematográfica del momento. Allí se reúnen importantísimos directores y actores, no sólo norteamericanos, sino también europeos que se vieron obligados a abandonar su país por razones políticas. Éste fue el caso de Bela Lugosi, Michael Curtiz, Erich Rohmer o Ernst Lubitsch. La incorporación del sonido al cine afectó de una manera especial a Chaplin, cuyo éxito radicaba en la pantomima. Pese a esto, hizo extraordinarias películas sonoras, pero sin llegara a explotar todas las oportunidades que ello le brindaba, como <i>El gran dictador</i> (1940), crítica abierta al nazismo, y <i>Tiempos modernos </i>(1935). Más tarde se instaló en Suiza, aunque continuó realizando películas en el Reino Unido.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMQ-_YwIze3O1zyrxS8ZgSZeGowSttduvm_8s1UZyeOmE1WvIbjxDaSs1n9vXdnvH5vQiK8QyCkBg53OInp-4jUrwI2QXlXrQleDBEPjONbLU-P_IaIB8RvCr8IXuZDGZAf6NC8Yv2nUU/s1600/the.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMQ-_YwIze3O1zyrxS8ZgSZeGowSttduvm_8s1UZyeOmE1WvIbjxDaSs1n9vXdnvH5vQiK8QyCkBg53OInp-4jUrwI2QXlXrQleDBEPjONbLU-P_IaIB8RvCr8IXuZDGZAf6NC8Yv2nUU/s640/the.jpg" width="422" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Alan Crosland: <i style="font-weight: bold;">El cantante de Jazz </i>(1927)</div>
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<br /></div>
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Los grandes protagonistas del cine norteamericano serán directores como John Ford, Elia Kazan o Billy Wilder. El director de origen irlandés <i style="font-weight: bold;">John Ford</i> (1895-1973) es autor de uno de los <i>westerns </i>más famosos de la historia del cine: <i>La diligencia </i>(1939). Además de ésta, entre su nada desdeñable filmografía, podemos destacar <i>El caballo de hierro </i>(1924) y <i>El hombre tranquilo </i>(1952) _película que ambienta en su Irlanda natal_. <i style="font-weight: bold;">Elia Kazan </i>(Estambul, 1909-2003) fundó el <i>Actor's Studio</i>, que codirigió junto a Lee Strasberg, donde se aplicaba el famoso <b>método Stanislawsky</b>. En este centro se forman actores como Marlon Brando, Paul Newman o Montgomery Clift. Una de las películas más importantes de su filmografía es <i>Un tranvía llamado deseo</i> (1951), en la que intervenía Marlon Brando. En 1952 filmó <i>¡Viva Zapata! </i>(1952), película en la que relata la revolución mejicana. En 1955 dirigió <i>Al este del Edén</i> protagonizada por James Dean, fugaz estrella del firmamento de Hollywood. <i style="font-weight: bold;">Billy Wilder </i>(1906-2002) comenzó como director y más tarde se pasaría a la producción. Algunas de sus obras más importantes son <i>Los mejores años de nuestra vida</i> y <i>El crepúsculo de los dioses </i>(1950) en la que nos muestra, en la persona de Gloria Swamson, la decadencia del <i>star system</i> norteamericano.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiR5HHptHxyFkMQarp_F_BdCYV-YmknzBJTRc923PP_IfjORPrX1djIfpmi6FHVDUGws4WDQtMWxuU1VujPncqifjIc0VMW0NL_LCREljn9hBezeb_UUlptcWIwqmVoqZKnOiP7fK8Ge3k/s1600/tran.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiR5HHptHxyFkMQarp_F_BdCYV-YmknzBJTRc923PP_IfjORPrX1djIfpmi6FHVDUGws4WDQtMWxuU1VujPncqifjIc0VMW0NL_LCREljn9hBezeb_UUlptcWIwqmVoqZKnOiP7fK8Ge3k/s640/tran.jpg" width="520" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Elia Kazam: <i style="font-weight: bold;">Un tranvía llamado deseo </i>(1951)</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
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El cine cómico estuvo representado por los hermanos <b>Harpo</b>, <b>Chico </b>y <b>Groucho Marx</b> (<i>Sopa de ganso</i>) y <b>el Gordo y el Flaco </b>(Stan Laurel y Oliver Hardy). Dentro de las películas de terror citaremos <i>Frankenstein </i>(1931) de <b>James Whale</b>, basada en una novela de Mary Shelley y <i>La parada de los monstruos </i>(1932) de <b>Tod Browning</b>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
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</div>
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<span style="font-size: large;"><b>3.2. El Naturalismo poético francés</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Tras una grave crisis experimentada por el cine francés a comienzos del cine sonoro, éste logra salir a flote gracias a lo que se ha denominado Realismo poético, al frente del cual se encuentra <i style="font-weight: bold;">Jean Vigo</i> (1905-1934). Su filmografía es breve pero muy interesante. En su obra <i>A propósito de Niza </i>(1929) nos ofrece una visión bastante poco glamurosa de esta ciudad francesa, como si de un documental se tratase. <i>Cero en conducta</i> (1932) es un relato en clave autobiográfica de sus años de escuela. En <i>El Atlante </i>(1933) recurre a una barcaza fluvial para contar los amores de una pareja.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilDKD1Woa-dzAiLb-AtNxZmt4xJfJSS4Y_ktBdev5vmyLBsg3HBbCh5y3t5DyVSHhO0d4fms6IpXwP7XRycDaOgLzFBtJet97MMq0yro_hGXt-vPXODeDiezZwLenlP0xL1pQ5B0fazfc/s1600/0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilDKD1Woa-dzAiLb-AtNxZmt4xJfJSS4Y_ktBdev5vmyLBsg3HBbCh5y3t5DyVSHhO0d4fms6IpXwP7XRycDaOgLzFBtJet97MMq0yro_hGXt-vPXODeDiezZwLenlP0xL1pQ5B0fazfc/s640/0.jpg" width="450" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Jean Vigo: <i style="font-weight: bold;">Cero en conducta </i>(1932)</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Junto a él se encuentra <i style="font-weight: bold;">René Clair </i>(1898-1981), muy preocupado por la excesiva importancia que estaba alcanzando el sonido, llegando a utilizarlo de modo asincrónico. Para él, lo verdaderamente importante era la imagen. <i style="font-weight: bold;">Jean Renoir</i> (1894-1979) adapta una novela de Georges de la Fouchard en su película <i>La golfa</i>. Este director siempre demostró un interés especial por los ambientes sórdidos y un tanto tétricos de los que se desprende una visión negativa de la existencia humana, notas todas ellas características del Naturalismo, como vuelve a demostrar en <i>Toni</i> (1934).</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Otros representantes del Naturalismo son <b>Jacques Feyder </b>(<i>El signo de la muerte</i>, 1933), <b>Julien Duvivier </b>(<i>La bandera</i>, 1935) y <b>Marcel Carné </b>(<i>Amanece</i>, 1939, la historia de un hombre que se vio obligado a asesinar por una pasión amorosa y que es acorralado por la policía. Finalmente se suicida al amanecer).</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvpeixDUfnOvo0ritulYbPj5Bz7gE0p_BqOSa543Bw0nIGKNIBdp2U529apOTQRJtfZQJfA4brBMTwXG5VAdAUc1r5pJiUHr_qSndJWc3F6PdAFyC6aAz6xiyOxi_QSHkHmFlARxYyjPs/s1600/ban.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvpeixDUfnOvo0ritulYbPj5Bz7gE0p_BqOSa543Bw0nIGKNIBdp2U529apOTQRJtfZQJfA4brBMTwXG5VAdAUc1r5pJiUHr_qSndJWc3F6PdAFyC6aAz6xiyOxi_QSHkHmFlARxYyjPs/s640/ban.jpg" width="430" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Duvivier: <i style="font-weight: bold;">La bandera </i>(1935)</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>3.3. El Neorrealismo italiano</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En el <i>Centro Sperimentale </i>se forman una serie de directores que luchan ferozmente contra las restricciones que les impone el fascismo. Pretenden reflejar la realidad social y política con la mayor fidelidad de la que eran capaces. Esto supuso una reacción contra el cine anterior, manejado por el régimen de Mussolini e interesado en dar una imagen bien diferente de la real. Dentro del Neorrealismo es posible distinguir dos tendencias diferentes. Por un lado, existe un grupo formado por cineastas de <b>ideas marxistas </b>(De Sica, Rossellini y Cesare Zavattini) y por otro, uno integrado por otros autores que conforman lo que se ha denominado <b>idealismo cristiano </b>(Giusseppe de Santis y Carlo Lizzani).</div>
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<br /></div>
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<i>Obsesión </i>de <i style="font-weight: bold;">Lucchino Visconti </i>(1906-1976), realizada en el año 1943, se ha tomado como punto de partida del Neorrealismo italiano. Utiliza escenarios y actores no profesionales que nos remiten a los documentales. Lo mismo sucede en <i>La tierra tiembla</i>, película centrada en la vida de los pescadores sicilianos. Otro gran director del Neorrealismo es <i style="font-weight: bold;">Roberto Rossellini </i>(1906-1977). En su película <i>Roma ciudad abierta </i>(1945), refleja los últimos años de la presencia nazi en Roma. Para la realización de esta película se enfrentó a serias carencias económicas.</div>
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<i><br /></i></div>
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<b style="font-style: italic;">Vittorio de Sica </b>(1901-1974) colaboró frecuentemente con Zavattini. Una de sus primeras películas es <i>Los niños nos miran</i>, en la que describe la apurada situación económica de una familia italiana a través de la atenta mirada de un niño. Su obra más importante es <i>El ladrón de bicicletas </i>(1948), en el que cuenta la historia de un obrero que, tras ver cómo le roban la bicicleta, toma la decisión de robar él una, puesto que es imprescindible para su trabajo. En ese momento es sorprendido por la policía. De Santis descubrió en <i>Arroz amargo</i> a una de las primeras grandes actrices del Neorrealismo: Silvana Mangano, que al igual que Anna Magnani, Sofía Loren y Gina Lollobrigida, se identifican fuertemente con lo popular, siendo, además, la antítesis de la heroína.</div>
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<i><br /></i></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgeT6wRmhPXK9wOzGbiIgQpN6B_wPdbOckvAAvoaMI0y8VQYlkpdHX7H4KcpuaBWHTQlKbTElow-bypyL6fOJuj628KzdWqmkjS43WJNwm5DBE7o-eZJsTIzgC6xqvF_OB4t1AUjOwvNnc/s1600/lad.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgeT6wRmhPXK9wOzGbiIgQpN6B_wPdbOckvAAvoaMI0y8VQYlkpdHX7H4KcpuaBWHTQlKbTElow-bypyL6fOJuj628KzdWqmkjS43WJNwm5DBE7o-eZJsTIzgC6xqvF_OB4t1AUjOwvNnc/s640/lad.jpg" width="410" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Vittorio de Sica: <i style="font-weight: bold;">El ladrón de bicicletas </i>(1948)</div>
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<br /></div>
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<b>El Posneorrealismo </b>lo encarnan dos directores: Michelangelo Antonioni y Federico Fellini. En la obra de <i style="font-weight: bold;">Michelangelo Antonioni </i>(1912-2007) se plasma la profunda admiración de este cineasta por el Realismo poético francés, especialmente por Carné. En <i>Crónica de un amor</i><b style="font-style: italic;"> </b>(1950) analiza minuciosamente a la burguesía milanesa.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Federico Fellini </i>(1920-1993) estuvo muy ligado al Neorrealismo y trabajó como guionista para algunos de estos directores. Representa un cine más imaginativo, un tanto surrealista y onírico. Algunas de sus obras más importantes son <i>El jeque blanco </i>(1952), <i>La strada </i>(1954) y <i>La dolce vita</i> (1959).</div>
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<i><br /></i></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiU1838mAMGXv7wldqnvLsJxh2s6R9a0E3QWDmjZptjm8cmL49Mgjf2iLqlWsozRW-RqHVl8tmu6eIJTjXlETmIZcgOpkrtrX6yRYombCDHltRt9XNXuTYOOGh-1UAvqZDpJzdQ0h6tp1g/s1600/dol.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="502" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiU1838mAMGXv7wldqnvLsJxh2s6R9a0E3QWDmjZptjm8cmL49Mgjf2iLqlWsozRW-RqHVl8tmu6eIJTjXlETmIZcgOpkrtrX6yRYombCDHltRt9XNXuTYOOGh-1UAvqZDpJzdQ0h6tp1g/s640/dol.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Federico Fellini: <i style="font-weight: bold;">La dolce vita </i>(1959)</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<i> </i><i style="font-weight: bold;"> </i></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>3.4. La Nueva Ola francesa o <i>Nouvelle Vague</i></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><i><br /></i></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>La Nouvelle Vague</i>, como se denomina en francés esta corriente cinematográfica, nace como una actitud crítica hacía el cine que se había realizado en este país hasta aquel momento, excesivamente dominado y condicionado por la literatura. La imagen queda subyugada al texto al que pretende adecuarse. Estas críticas eran expuestas en la revista <i>Cahiers du Cinéma</i>, en la que, de modo regular, escribía Truffaut, uno de los máximos exponentes de la Nueva Ola. Se pretende cambiar la realidad del cine francés del momento por un cine de autor, que suponga una profunda renovación para este arte.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Jean-Pierre Melville </i>(1917-1973) representa un cine francés renovado y realizó, sobre todo, películas de gángsters (<i>El silencio de un hombre</i>, 1967). Dentro de la <i>Nouvelle Vague </i>destacó <i style="font-weight: bold;">Roger Vadim</i> (1928-2000) autor de <i>Y Dios creó a la mujer</i> (1956), protagonizada por su esposa Brigitte Bardot. La figura más sobresaliente de esta corriente cinematográfica es <i style="font-weight: bold;">François Truffaut </i>(1932-1984). Su primera obra es <i>Los cuatrocientos golpes</i> en la que se narra la dura infancia de un niño maltratado por su entorno. En 1961 hizo <i>Jules et Jim</i>, película protagonizada por Jeanne Moreau, una actriz ya consagrada.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSlAxIrBQO8Og65Or2-6ZpUJ_Fl3JIJk4lGkl2w4rx5Vlv26xokf4bu2XXONsnSNrz0BIbf1FdxDRa-M8s4jIeWZ6WFi2gqAp6gTbZ2VPD3XF4bc9NWvfn9-7Vaf1iOjZ6PosSYPSzPEs/s1600/400.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSlAxIrBQO8Og65Or2-6ZpUJ_Fl3JIJk4lGkl2w4rx5Vlv26xokf4bu2XXONsnSNrz0BIbf1FdxDRa-M8s4jIeWZ6WFi2gqAp6gTbZ2VPD3XF4bc9NWvfn9-7Vaf1iOjZ6PosSYPSzPEs/s640/400.jpg" width="470" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Truffaut: <b><i>Los cuatrocientos golpes</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Otro director fundamental de la <i>Nouvelle Vague</i> es <i style="font-weight: bold;">Jean-Luc Godard </i>(1930-), autor de <i>Al final de la escapada </i>(<i>À bout de souffle</i>, 1959, con guión de Truffaut) en la que un delincuente perseguido por la policía se refugia en casa de una joven que terminará denunciándole.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En las películas de <i>la Nouvelle Vague </i>es fácil percibir el desencanto provocado por la crisis que estaba atravesando Europa en los años 50 y 60 y la soledad del ser humano, a menudo analizada desde el punto de vista de los problemas de pareja.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<i> </i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><i><br /></i></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><i><br /></i></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>EL NEORREALISMO CINEMATOGRÁFICO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Pasé meses sin nadie que me quisiera comprar el guión de Ladrón de bicicletas. Un día, un productor americano me ofreció millones, pero con una sola condición: que Gary Grant interpretara el papel de obrero. Me negué, a pesar de todos los dólares que tanto deseaba". Así expresaba Zavattini sus dificultades iniciales con el guión. Finalmente, Vittorio de Sicca, con sus propios medios rodó la película. (...) El lenguaje de Ladrón de bicicletas es de una desnudez extrema. La progresión hacia esa desnudez es lenta; toda brillantez, toda dramatización son evitadas, en los largos planos fijos de las veintisiete secuencias de la obra en las que nada va a llamar la atención sobre la cámara que se oculta en los planos medios y de conjunto. El diálogo es banal como la vida misma y, como la vida, verdadero. Ladrón de bicicletas es la interrogación fundamental del hombre frente a su condición.</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
(HOVALD, P. <i>El neorrealismo y sus creadores</i>, 1962)</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>A FONDO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><i>EL CHICO</i></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>CHARLES CHAPLIN</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Charles Spencer Chaplin es uno de los cineastas que más hizo con su obra por el desarrollo del cine y, especialmente, por el crecimiento del cine cómico. Chaplin nació en Londres el 16 de abril de 1898 en el seno de una familia de actores de <i>music-hall </i>extremadamente pobre. Su padre, alcohólico, falleció poco después de su nacimiento y su madre tuvo que ser ingresada de la mano de sus dos hijos, Charles y Sidney, en un manicomio público, lo que dejó a Chaplin y a su hermano en la más absoluta pobreza, de hecho, Chaplin fue a parar al asilo de Hanwell. Estos hechos quedarán imperturbablemente alojados en su memoria y se reflejarán en muchas de sus películas, de forma notoria en la nos proponemos analizar: <i>El chico</i>, al tiempo que le obligaron a hacer todo lo posible por salir de esta lamentable situación de pobreza.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>El chico</i> es su primer largometraje, rodado en 1921 tras la muerte de su primer hijo y en un momento bastante delicado de la vida de Charlot, debido al deterioro en las relaciones con su esposa Mildred Harris.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Estamos ante una obra de marcado carácter dramático que en algunos momentos llega a rozar el patetismo. En ella se nos cuenta la historia de un pobre de solemnidad, Charlot, _el propio Chaplin en otros momentos de su vida_ que vive en la buhardilla de una casa de obreros. En uno de sus paseos, nuestro protagonista encuentra a un niño abandonado, Jackie. Poco antes la película nos describe la manera en que el niño había sido abandonado por su madre en la parte trasera de un lujoso automóvil con la vana esperanza de que los propietarios, ricos a juzgar por las características del coche, lo adopten. Sin embargo, el coche es robado y los ladrones dejan al niño abandonado en la calle. Charlo, asustado ante este imprevisto hallazgo, trata de librarse de él de varias maneras, pero todo resulta inútil. Con el paso del tiempo el niño, interpretado por el joven actor Jacquie Coogan, crece y se convierte en el asistente perfecto en las correrías de Charlot. Entre tanto, la madre del niño se ha convertido en una conocida y rica actriz, se arrepiente de haberlo abandonado y se dedica a buscarlo ofreciendo para ello una sustanciosa recompensa. Esto hace que Charlot pierda al niño, lo que le sumirá en una gran tristeza. El casi obligado <i>happy end </i>(final feliz), se produce cuando el protagonista se reencuentra con el niño en la casa de éste y la madre, rica como ya dijimos, decida que vivan todos juntos, lo que supone el fin de las penurias.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La película no está exenta de momentos claramente cómicos, de aquellos que todos asociamos con la figura de Charlot. Son retazos de un humor sensible y tierno que no tiene nada que ver ya con los primeros momentos del cine cómico protagonizado por André Deed o Max Linder, un humor brutal y violento que Chaplin humanizó notablemente. Los recursos de los que se sirve para provocar la carcajada del espectador, presentes, una vez más en <i>El chico </i>son su vestimenta, inspirada en la de Max Linder, sus andares un tanto torpes al tiempo que agita un bastón de bambú, que hablan de sus primeros trabajos como actor en algunos <i>music-halls </i>londinenses, su movimiento de bigote un tanto ridículo y su ingenua y extrema bondad. Muy lejos queda ya <i>El regador regado</i> de los hermanos Lumière, antecedente más remoto de las películas de Chaplin. Estamos ante un humor considerablemente más inteligente y refinado que lo mismo servirá para hacernos reír que para criticar el nazismo (<i>El gran dictador</i>, 1940) y que tiene su punto de partida en la rigurosa observación del ser humano en quien tantas veces se inspiró y lo que le convierte en gran conocedor de los resortes que desencadenan la risa. Bajo estos detalles cómicos subyace un gran número de aspectos autobiográficos que nos remiten a su triste infancia en los barrios londinenses y la gran cantidad de ingenio que necesitó para salir adelante.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La risa enmascara y dulcifica en <i>El chico</i>, como en otras muchas obras de Chaplin, situaciones verdaderamente angustiosas, realmente duras. El humor se convierte en una vía de escape, en una liberación, tal y como nos indica el propio Charlot: "Yo no sé quién he sido de los muchos que he sido, pero sé que siempre deseé que mi mundo fuese más feliz. Y para ello, que el mundo de todos también lo fuera. Hacer reír era consustancial a lo que digo, y no era fácil, pues como usted debe saber, el mundo es francamente duro para todos, y creo que eso nunca lo oculté en mis películas; pero quise creer, y hacer creer a los demás, que la felicidad es posible, no hay que desanimarse, y que hay que empeñarse por encontrarla por encima de todo".</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimYzFysoIYFnTV-WD73WxaIBBh7q44iDtH-orUvs2yNxn2ihMI38eHH006m12zzPUflNmt4uaQm2x-xoJFDtf0mQObg7U001uWaqU4Ssv6xTHgHjjm8o7hq9xuk3f7Me8qPqQWXj9myEE/s1600/chap.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimYzFysoIYFnTV-WD73WxaIBBh7q44iDtH-orUvs2yNxn2ihMI38eHH006m12zzPUflNmt4uaQm2x-xoJFDtf0mQObg7U001uWaqU4Ssv6xTHgHjjm8o7hq9xuk3f7Me8qPqQWXj9myEE/s640/chap.jpg" width="524" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>CITAS</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>Finalmente "el círculo en movimiento" de la estética se cierra triunfalmente en esta fusión total de las artes que se llama "Cinematógrafo". Si tomamos la elipse como imagen perfecta de la vida, o sea, del movimiento _del movimiento de nuestra esfera achatada por los polos_, y la proyectamos sobre el plano horizontal del papel, el arte, todo el arte, aparece claramente ante nosotros.</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Ricciotto Canudo</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"El cine no tiene nada que ver con el teatro; quienes creen lo contrario se equivocan. Es totalmente original. En La quimera del oro muestro un almohadón; las plumas blancas bailan sobre la pantalla negra. En el teatro es imposible conseguir este afecto. Por otra parte, ¿qué podrían añadir las palabras a la vivacidad de la escena?"</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Charles Chaplin</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Todo aspecto que no sea sugerido por las imágenes en movimiento no es fotogénico y no pertenece al arte cinematográfico. Así, Delluc impulsa una de las primeras corrientes de la vanguardia, determinada por su influencia y por la de Canudo. Esta corriente es el visualismo".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Guido Aristarco</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>¿El cine es un arte?</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"El desarrollo de su fuerza que rompe la barrera, sólida, sin embargo, de las incomprensiones, de los prejuicios, de las rutinas, para manifestarse en la belleza de una nueva forma, lo demuestra de una manera más que suficiente".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Germaine Dulac</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"La atracción (en su aspecto teatral) es todo momento agresivo del espectáculo, es decir, todo elemento que someta al espectador a una acción sensorial o psicológica, experimentalmente verificada y matemáticamente calculada para obtener determinadas conmociones emotivas".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Einstein</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Pero yo querría hablaros de un cine social más concreto, y del que me hallo más próximo: del documental social, o dicho con más exactitud, el punto de vista documentado".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Jean Vigo</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"La aparición del Neorrealismo hay que buscarla, en primer lugar, en ciertos documentales novelados de la posguerra, después en films de guerra con argumento y, finalmente, y sobre todo, en algunos films menores, en los que la fórmula, si podemos llamarla así, del Neorrealismo se va configurando a través de las creaciones espontáneas de los propios actores".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Roberto Rossellini</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"A menudo se nos pide que definamos la dirección. La única explicación, creo, es la de que es la suma de todas las decisiones (...) Orson Welles ha dicho que nadie es tan tonto como un director que hable de su propia obra".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>François Truffaut</b></div>
GreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-83707005575491095212016-05-09T05:55:00.001-07:002016-05-09T05:55:08.426-07:00El arte español en el siglo XX<div style="text-align: justify;">
<b>Grandes artistas como Picasso, Miró, Dalí, Rafael Moneo, Sáenz de Oiza, Tàpies o Barceló enriquecen con sus aportaciones, no sólo el panorama artístico español del siglo XX, sino también el internacional. El hecho artístico español se caracteriza por una marcada heterogeneidad que imposibilita, en muchas ocasiones, el poder establecer una serie de criterios unificadores de este período que permitan estudiar conjuntamente a varios artistas. Por ello, en la mayoría de los casos, es preferible valorar cada personalidad de forma individualizada. Esto es algo comprensible si tenemos en cuenta la rapidez, casi vertiginosa, a la que se han ido sucediendo las corrientes artísticas a lo largo del pasado siglo.</b></div>
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<b><br /></b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjT-j_lwgTV2FQp8kKaDkqPCopD-vs0O6M3AeFi6gc90GFoZcslbDAJ2kD2wbuGhkl93HAvgytmARQJFIG-TINfOZ3obiImmymVn0NN4vyjInJcbTTsdv2jawgFincB9cibBq92MKrVREg/s1600/va.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjT-j_lwgTV2FQp8kKaDkqPCopD-vs0O6M3AeFi6gc90GFoZcslbDAJ2kD2wbuGhkl93HAvgytmARQJFIG-TINfOZ3obiImmymVn0NN4vyjInJcbTTsdv2jawgFincB9cibBq92MKrVREg/s640/va.jpg" width="452" /></a></div>
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Picasso: <i style="font-weight: bold;">La botella de Pernod</i>. Museo del Ermitage. San Petersburgo</div>
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<span style="font-size: large;"><b>1. ESPAÑA EN EL SIGLO XX</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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El comienzo del siglo XX y la ascensión al trono de Alfonso XIII (1902) arrastra, a duras penas, los coletazos de la "crisis finisecular" que, por otra parte, alumbraría manifestaciones culturales tan extraordinarias como la Generación del 98. El sistema canovista de partidos y la España de la Constitución de 1876 se tambalea. La agitación social tiene tan importantes manifestaciones como la "semana trágica" de 1909. A partir de ahí, un somero repaso de nuestra historia puede dar la impresión de que los hechos se suceden de forma vertiginosa: el Desastre de Annual (1921), la Dictadura de Primo de Rivera (1923), la República (1931), la Guerra Civil y, por fin, la larga Dictadura del general Franco. Quizá, desde el punto de vista de la Historia del Arte, sea la guerra el hecho más relevante. El aura romántica que adquiere para los progresistas de todo el mundo el apoyo al gobierno de la República tiene, como cabría esperar, reflejo en el arte que se produce en España.</div>
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<b>La dictadura </b>de inspiración fascista que se implanta en España al final de la guerra provoca, especialmente hasta mediados de los 50, un profundo aislamiento político y económico así como la sensación de que el país, en lo cultural, se había convertido en una especie de "páramo". La mayor parte de los intelectuales y artistas, destacados apoyos del Gobierno democrático, tienen que salir del país. Algunos regresarían a los pocos años, otros con la restauración de las libertades democráticas en 1977 (Claudio Sánchez Albornoz, Alberti...) y unos pocos, lamentablemente, morirían en el exilio (Antonio Machado, León Felipe...). Por alguna extraña razón de índole histórico-cultural _a la que no falta quien encuentre sesudas explicaciones_ los períodos en los que se agravan las condiciones de vida de los países suelen coincidir con momentos de esplendor artístico. De la misma manera que las atroces hambrunas de los siglo de decadencia de la Casa de Austria dan lugar a nuestro Siglo de Oro, el primer tercio del siglo XX, con las calamidades de toda índole que se acaban de recordar, engendran la considerada "<b>Edad de Plata</b>" de la cultura española. Este brillante momento estaba representado por la ya mencionada <b>Generación del 98</b>, integrada por escritores de la talla de Unamuno, Pío Baroja, Azorín, Valle Inclán, Maeztu, etc., y la <b>Generación del 27</b>, representada por Salinas, Alberti, Gerardo Diego, Miguel Hernández o García Lorca. La postguerra literaria estará protagonizada por Camilo José Cela, Sender, Martín Santos, Carmen Laforet, etc. La mayor parte de las obra de estos escritores se caracterizan, tal y como también sucederá en la pintura, por una visión negativa de la existencia, por la angustia y el desaliento magistralmente captado en los personajes y los ambientes.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjB4Mu6UF59b63ratzY8kLQzwnyutN9FkfNr0SdNuzYmDB6NIXkMgfsTpTzo8dCytX-TY0UvpfKfalULFy6UKIXBtaJZQEem_mAlvbigtDjilLervjcawqpdXdds4Pr_40gPYGRiuGu1K4/s1600/gr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="416" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjB4Mu6UF59b63ratzY8kLQzwnyutN9FkfNr0SdNuzYmDB6NIXkMgfsTpTzo8dCytX-TY0UvpfKfalULFy6UKIXBtaJZQEem_mAlvbigtDjilLervjcawqpdXdds4Pr_40gPYGRiuGu1K4/s640/gr.jpg" width="640" /></a></div>
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Barceló: <i style="font-weight: bold;">Gran comida española. </i>MNCARS. Madrid</div>
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Otros ámbitos de la cultura como <b>la música</b> también van a estar magníficamente representados: Falla, Joaquín Rodrigo, Pau Casals, Cristóbal, Rodolfo y Ernesto Halfter, este último será quien se atreva a completar la gran obra de Falla, <i>La Atlántida</i> (según el texto de mosen Jacinto Verdaguer).</div>
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<span style="font-size: large;"><b>2. BREVE REPASO DE LA ARQUITECTURA ESPAÑOLA EN EL SIGLO XX</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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En los primeros años del siglo XX, en España se produce una fuerte reacción que dio lugar a una fuerte reacción que dio lugar a una arquitectura que vuelve los ojos al pasado, especialmente al Renacimiento, más concretamente, a la arquitectura tradicionalmente denominada plateresca. Uno de los arquitectos más representativos en este sentido fue <i style="font-weight: bold;">José Urrioste y Velada</i> (1850-1909), autor del <i>Pabellón de España en la Exposición Universal de París </i>(1889), en el que se funde el estilo de Covarrubias con el de Rodrigo Gil de Hontañón.</div>
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Una de las figuras claves de la arquitectura madrileña de principios de siglo es <i style="font-weight: bold;">Antonio Palacios y Ramilo</i> (1876-1945). En su producción destacan obras tan representativas como <i>el Círculo de Bellas Artes </i>de la calle de Alcalá de Madrid y <i>el Palacio de Telecomunicaciones </i>sito en la plaza de Cibeles de esta misma ciudad.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjUmMZDcORcJhToNWL2-8yQ0_6yREj_TFZK7dWfIW84ebasAzjKIgBRhhG3ZF89LSLG3PbTOKSv_Ikeo1Um1-bJ7h-YiGfM-3-Oexmv-1ks4Bb9e6F7RsF2fmdrQs4lTqWEm95ifWMA48/s1600/te.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="438" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjUmMZDcORcJhToNWL2-8yQ0_6yREj_TFZK7dWfIW84ebasAzjKIgBRhhG3ZF89LSLG3PbTOKSv_Ikeo1Um1-bJ7h-YiGfM-3-Oexmv-1ks4Bb9e6F7RsF2fmdrQs4lTqWEm95ifWMA48/s640/te.jpg" width="640" /></a></div>
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Palacios y Ramilo: <i style="font-weight: bold;">Palacio de Telecomunicaciones. </i>Actual sede del Ayuntamiento de Madrid</div>
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<br /></div>
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Estrechamente ligado a esta corriente artística, proclive a exaltar algunos de los momentos más brillantes de la arquitectura española, se encuentra el Regionalismo. Este estilo aparece en las obras del arquitecto cántabro <i style="font-weight: bold;">Leonardo Rucabado </i>(1876-1918), igualmente interesado por la arquitectura renacentista. Demostró tener unas excelentes capacidades para fusionar elementos pertenecientes a estilos diferentes. Su obra más importante es la <i>Plaza de Canalejas </i>en Madrid. De la misma generación que Rucabado es es <i style="font-weight: bold;">Aníbal González</i> (1876-1929). Realizó <i>la Plaza de España</i>, en Sevilla, que más tarde será fuente de inspiración para otros muchos edificios sevillanos como <i>el Hotel Alfonso XIII</i>. En la <i>Plaza de España </i>conviven elementos de clara filiación renacentista con otros de procedencia barroca: las torres de los extremos traen a la memoria la catedral de Murcia. El conjunto de <i>El Escorial</i> es el modelo adoptado por su grandeza y majestuosidad para la realización del <i>Ministerio del Aire</i>, en Madrid (1943-1951), de <b>Luis Gutiérrez Soto</b>.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipk5TaWfqp1Fr4_m56E6jbcDO0DtwJ4S_CmEW7nYn23P1XKlKdVyNY7tcyCjuVO3UAO7Zgx-QU0eBXCQhQS1VKC77F-Mo7Thw82YOQgSOI1D2rBITbs7TWOObgr__jaHQCLx52dnfU1rc/s1600/esp.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="436" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipk5TaWfqp1Fr4_m56E6jbcDO0DtwJ4S_CmEW7nYn23P1XKlKdVyNY7tcyCjuVO3UAO7Zgx-QU0eBXCQhQS1VKC77F-Mo7Thw82YOQgSOI1D2rBITbs7TWOObgr__jaHQCLx52dnfU1rc/s640/esp.jpg" width="640" /></a></div>
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Aníbal González: <i style="font-weight: bold;">Plaza de España. </i>Sevilla</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipYQAsvkh2UD8aZCZ6uShhHe6gt2VKqsh208yev_YtuGfwX6Vib8g730F9WqBj0bM7HAUCrnjE8OVEkQCjf3lnxlHZ55uaHOR_ocI0jH2BRkFDv62bxufg3F6M2BF0OpDxa6VfLmbCLZ8/s1600/ai.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="430" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipYQAsvkh2UD8aZCZ6uShhHe6gt2VKqsh208yev_YtuGfwX6Vib8g730F9WqBj0bM7HAUCrnjE8OVEkQCjf3lnxlHZ55uaHOR_ocI0jH2BRkFDv62bxufg3F6M2BF0OpDxa6VfLmbCLZ8/s640/ai.jpg" width="640" /></a></div>
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Gutiérrez Soto: <i style="font-weight: bold;">El Ministerio del Aire. </i>Madrid</div>
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<br /></div>
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El siguiente paso en la arquitectura española lo constituye el <b>Racionalismo</b>, que supone una ruptura con el arte que se había hecho anteriormente, en el sentido de que se clausura cualquier nexo con el pasado en favor de una arquitectura funcional, de formas simples que pretende servir a las necesidades sociales, sin preocuparse excesivamente por los aspectos formales. Irrumpe con fuerza una serie de arquitectos interesados en distanciarse de las revisiones historicistas y llegar a una arquitectura sin referencias del pasado. Este grupo de arquitectos, agrupados bajo la denominación de <b>Generación de 1925</b>, está integrado, entre otros, por <i style="font-weight: bold;">Luis Blanco Soler</i>, fiel seguidor de Le Corbusier y de la <i>Bauhaus</i>. De esta manera surge en Cataluña el <b>G.A.T.C.P.A.C. </b>(Grupo de Artistas y Técnicos Catalanes para el Progreso de la Arquitectura Contemporánea) y, más tarde el <b>G.A.T.E.P.A.C. </b>(Grupo de Artistas y Técnicos Españoles para el Progreso de la Arquitectura Contemporánea). Uno de los arquitectos más brillantes del Racionalismo en España es <i style="font-weight: bold;">Eduardo Torroja </i>(1899-1961), autor de la <i>Tribuna del Hipódromo de la Zarzuela de Madrid</i>, (1935). En Cataluña, el representante más importante del G.A.T.C.P.A.C. fue <i style="font-weight: bold;">Josep Lluís Sert i López </i>(1902-1983), autor de la <i>Casa Bloc</i>, inspirada en la <i>Unidad de habitación </i>de Le Corbusier.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3x2Utay0-CdWPJ9JqtaT_u-g7vDUVIu1T9cwHeVnLFw87xqN7uE3CayCtLqx9nDIiR6MSubJSPeJnJwQOk8jWs1mn8tDfOO8tbs88VUYWdvN875lwDnwdx6hWiX0znb2jmqZITxScSrU/s1600/hip.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3x2Utay0-CdWPJ9JqtaT_u-g7vDUVIu1T9cwHeVnLFw87xqN7uE3CayCtLqx9nDIiR6MSubJSPeJnJwQOk8jWs1mn8tDfOO8tbs88VUYWdvN875lwDnwdx6hWiX0znb2jmqZITxScSrU/s640/hip.jpg" width="640" /></a></div>
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Eduardo Torroja: <i style="font-weight: bold;">Tribuna del Hipódromo. </i>Madrid</div>
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<br /></div>
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Otros arquitectos de gran relevancia son: <b>Francisco Javier Sáenz de Oiza </b>(<i>Torres Blancas</i>, 1965), <b>Ricardo Bofill </b>(<i>el barrio de la Antígona</i> en Montpellier), <b>Rafael Moneo </b>(<i>Museo de Arte Romano de Mérida</i>, 1980-86), <b>Alejandro de la Sota</b> (<i>edificio de correos </i>de León), <b>Santiago Calatrava, </b>quien tiene en su haber algunos de los puentes más innovadores de nuestro país, del que Josep María Montaner dice: "En la obra de Santiago Calatrava se produce la síntesis de dos paradigmas aparentemente opuestos: la máquina y la obra de arte. En su obra aparecen influencias de las estructuras óseas orgánicas, de la obra de Antonio Gaudí, del diseño aerodinámico norteamericano de los años cincuenta y de todos los maestros de la arquitectura escultórica", o el ya desaparecido <b>César Manrique</b>, en cuya obra se funde el paisaje de Lanzarote, lugar en el que se encuentra la mayor parte de su obra, con la arquitectura.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh42TolQF3nB_rNj6LX2G5Lso40w5Kl_gan_q4PYEJ_wFN0d4utYVyPC53XPIaEDf4iBEWhzS4YZUP2V6TqCqWICabbe69XMqN6IUYRMRdunbq3tpa13o0b3jveLvvle5B0U9yjPDrdd3Y/s1600/bl.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh42TolQF3nB_rNj6LX2G5Lso40w5Kl_gan_q4PYEJ_wFN0d4utYVyPC53XPIaEDf4iBEWhzS4YZUP2V6TqCqWICabbe69XMqN6IUYRMRdunbq3tpa13o0b3jveLvvle5B0U9yjPDrdd3Y/s640/bl.jpg" width="350" /></a></div>
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Sáenz de Oiza: <i style="font-weight: bold;">Torres Blancas. </i>Madrid</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxgeb_XIVmj-VFWmbBStFWAaRB1s7IAJnkugAE4EeXdf7-f1GapKdlhLaCw6hihJcDhc5LRY8Bv3V09JJvvhwJjehtCgkE1_xHQ5GE5STzzvgW9xAaJgLkFHdjP-Qg7k2nKQ9oK0a18vw/s1600/mer.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxgeb_XIVmj-VFWmbBStFWAaRB1s7IAJnkugAE4EeXdf7-f1GapKdlhLaCw6hihJcDhc5LRY8Bv3V09JJvvhwJjehtCgkE1_xHQ5GE5STzzvgW9xAaJgLkFHdjP-Qg7k2nKQ9oK0a18vw/s640/mer.jpg" width="640" /></a></div>
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Moneo: <i style="font-weight: bold;">Museo de Arte Romano. </i>Mérida</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXF-R_hej5CwvSxkvdtwslom6JPm_km1lqxBGiKknl_MP1KLwtLCIX-Fhxuic9TygUxxCDWFMRAJz6RzjQjjmaW5VeIAwLxV3k1nAfwOb0xszrgo4YAsFyDH8oRHhTQMq-ZyZbMA9ICEQ/s1600/lus.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="430" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXF-R_hej5CwvSxkvdtwslom6JPm_km1lqxBGiKknl_MP1KLwtLCIX-Fhxuic9TygUxxCDWFMRAJz6RzjQjjmaW5VeIAwLxV3k1nAfwOb0xszrgo4YAsFyDH8oRHhTQMq-ZyZbMA9ICEQ/s640/lus.jpg" width="640" /></a></div>
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Calatrava: <i style="font-weight: bold;">Puente Lusitania. </i>Mérida</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>3. LA ESCULTURA ESPAÑOLA EN EL SIGLO XX</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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En España, durante el siglo XX, podemos destacar importantísimos escultores como Julio González, Pablo Gargallo, Alberto Sánchez y Eduardo Chillida.</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Julio González </i>(1876-1942) frecuentó el círculo de <i>Els Quatre Gats</i>. Era amigo de Picasso, amistad especialmente intensa durante la estancia de ambos en París. Trabajó preferentemente con metales, material con el que realizó algunas de sus más destacadas aportaciones a la escultura. Tras unos años apegado a la abstracción, recupera el naturalismo con obras como <i>Monserrat gritando </i>(1937), escultura que se exhibió junto al <i>Guernica</i> en la Exposición Universal de París de 1937.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqzbSPwVU4Dm6tpc0ouwE9AYvQJWcOTmBGRnqvtHRv7lS8fKye-zG0yow7s7LJVVDKNDDasY-WxAf6F33fFCZ3GFH0dOAuN15UjtXYwflBQwW9cey0ps-lLdT433WJH2cPjKwseMdf07w/s1600/mon.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqzbSPwVU4Dm6tpc0ouwE9AYvQJWcOTmBGRnqvtHRv7lS8fKye-zG0yow7s7LJVVDKNDDasY-WxAf6F33fFCZ3GFH0dOAuN15UjtXYwflBQwW9cey0ps-lLdT433WJH2cPjKwseMdf07w/s640/mon.jpg" width="412" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Julio González: <i style="font-weight: bold;">Monserrat gritando. </i>MNCARS. Madrid</div>
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<br /></div>
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<i><b>Pablo Gargallo </b></i>(1881-1934) es un artista de origen aragonés (nació en la localidad zaragozana de Maella) aunque la mayor parte de su vida la pasó en Barcelona. Sus primeros pasos en el mundo de la escultura los dio en el taller de Eusebi Arnau, con el que trabajaba cuando el arquitecto catalán Domenech i Montaner encargó una chimenea para uno de sus edificios, obra que acabará realizando el joven Gargallo. En 1903 volvió a recibir otro encargo de este arquitecto. En este caso se trataba de la decoración para el hospital de Sant Pau, que él concibió con unos relieves con el tema de los pecados capitales y las virtudes. Una de las obras más significativas de su trayectoria es <i>La pequeña faunesa de pie </i>(1908). En ella podemos hablar de una simplificación de formas y un gusto por la escultura clásica. En épocas posteriores sustituye los volúmenes sólidos por el juego entre macizo y vacío y se percibe en su obra la influencia del Cubismo, tal y como podemos ver en <i>El gran profeta </i>(1933), que se encuentra en el Museo se Arte Contemporáneo Reina Sofía y que resume bastante bien la concepción escultórica de este artista.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvFPstmL3PHUDHMYycrznHMzDN59SZOs7Uqs2iMBVe2OrHID5D0ur72ZQG7K9cCSA9MLlJUvyfeFzmz6TJ6iJcytCFbF5CMPHApiVskV6F1Rjma3JTtykGavfpIBIQHLlD7OD3s56TEIE/s1600/gr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvFPstmL3PHUDHMYycrznHMzDN59SZOs7Uqs2iMBVe2OrHID5D0ur72ZQG7K9cCSA9MLlJUvyfeFzmz6TJ6iJcytCFbF5CMPHApiVskV6F1Rjma3JTtykGavfpIBIQHLlD7OD3s56TEIE/s640/gr.jpg" width="334" /></a></div>
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Pablo Gargallo: <i style="font-weight: bold;">Gran Bailarina II. </i>Museo Pablo Gargallo. Zaragoza</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Alberto Sánchez Pérez </i>(1895-1962), más conocido como Alberto, nació en Toledo y se trasladó más tarde a Madrid. El pintor uruguayo Barradas le introdujo en el mundo del arte, lo que le haría conocer al pintor Benjamín Palencia, al que, a partir de entonces, le uniría una estrecha amistad. Su obra más importante es la que realizó para el Pabellón español en París titulada <i>El pueblo español tiene un camino que conduce una estrella </i>(1937) que, desgraciadamente, no se conserva. A diferencia de Gargallo, que evolucionó hacia una escultura en la que el vacío desempeña un papel esencial y en la que nunca se llega a la abstracción, Alberto Sánchez perfirió las figuras macizas y las formas curvas e indefinidas que paulatinamente pierden du relación con la realidad.</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Eduardo Chillida </i>es uno de nuestros mejores escultores. Nació en San Sebastián en 1924, donde murió en 2002, pero durante un tiempo vivió en París. Uno de los materiales preferidos de este escultor es el hierro, que puede aparecer combinado con el granito, acero, etc. Sus obras tienen grandes dimensiones y suelen estar integradas por varias piezas que se unen para conformar un todo. Algunas de las creaciones de Chillida pretenden unir arte y naturaleza como <i>El peine del viento</i> en San Sebastián.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0wBUaSN90CCKkrm2V6mhEVjC714gO9U_Ocld67R2520Ie30bFUm8rs62Gx9GAtYvCf3pbzOhCtlKH__SRnY1ONAAMEKUJANwP-YCijAYK7hAElZ3wQakdGCY5sX6igYCMiYTyj_D3dpk/s1600/pei.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0wBUaSN90CCKkrm2V6mhEVjC714gO9U_Ocld67R2520Ie30bFUm8rs62Gx9GAtYvCf3pbzOhCtlKH__SRnY1ONAAMEKUJANwP-YCijAYK7hAElZ3wQakdGCY5sX6igYCMiYTyj_D3dpk/s640/pei.jpg" width="640" /></a></div>
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Chillida: <i style="font-weight: bold;">El peine del viento. </i>San Sebastián</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4. PICASSO</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4.1. Primeros pasos: 1881-1901</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<i style="font-weight: bold;">Pablo Ruiz Picasso</i>, uno de los grandes genios de la pintura universal, nace en Málaga en 1881. Su padre, José Ruiz Blasco, era pintor y además se cree, o al menos así lo afirma Roland Penrose (uno de los principales biógrafos del pintor) que los orígenes artísticos de la familia Picasso se remontan a 1541. Sus diez primeros años transcurrieron en su ciudad natal. Por aquel entonces, la familia pasaba por serias estrecheces económicas. Más tarde, al padre le ofrecieron un puesto de trabajo mejor en La Coruña, de tal modo que toda la familia se trasladó a esta ciudad. En 1895 con un motivo similar _el trabajo del padre_ la familia Picasso se traslada a Barcelona. Se presentó en esta ciudad al examen de admisión de la Escuela de Bellas Artes de "La Lonja" de Barcelona. Durante sus estudios en esta institución, demostró ser un verdadero niño prodigio. Su primer gran cuadro lo realizó en 1895: <i>La primera Comunión</i>, obra que llegó a satisfacer todas las exigencias académicas. Después, se instaló en Madrid al haber conseguido ingresar en la Academia de San Fernando. En 1897 su obra <i>Ciencia y Caridad</i> obtiene Mención de Honor en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid y Medalla de Oro en la de Málaga. Durante su estancia en la capital pudo visitar frecuentemente el Museo del Prado y conocer y copiar las obras de los más grandes pintores. Tras esta etapa madrileña debió regresar a Barcelona para curarse de la escarlatina. Una vez restablecido se instaló en Horta de Ebro con su amigo el pintor Manuel Pallarés. En 1899 regresó a Barcelona y frecuentó los más importantes círculos artísticos como <i>Els Quatre Gats</i>, cervecería en la que se reunían artistas de la talla de Rusiñol y Nonell.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEite76x3IiuabcKMqt32VgmlJeo6EbNoMZkSCEmTWBD9WyYkiXqffo1oLcras-h6zi7Cet61yOqdTiITU6ndXp9ciFT2ReMpVRAZ_b0qPUuls6WD53NhWk0ictpZQzHB9upNnaJFlw3tf4/s1600/au.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEite76x3IiuabcKMqt32VgmlJeo6EbNoMZkSCEmTWBD9WyYkiXqffo1oLcras-h6zi7Cet61yOqdTiITU6ndXp9ciFT2ReMpVRAZ_b0qPUuls6WD53NhWk0ictpZQzHB9upNnaJFlw3tf4/s640/au.jpg" width="508" /></a></div>
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Picasso: <i style="font-weight: bold;">Autorretrato. </i>Galería Nacional. Praga</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSjmMRspHu6AnOqGlzjxIyaU8V8oJW9IZgakG2yYE7-37QfmYnTDsJbWTgvm5LAjsEZntw2XwjnSxmn08NGAeM3trPLr0kd0ym41jt42fGCsvXuQD_E7vezMfsNDCPEEjQ58wE8u1FV68/s1600/car.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="490" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSjmMRspHu6AnOqGlzjxIyaU8V8oJW9IZgakG2yYE7-37QfmYnTDsJbWTgvm5LAjsEZntw2XwjnSxmn08NGAeM3trPLr0kd0ym41jt42fGCsvXuQD_E7vezMfsNDCPEEjQ58wE8u1FV68/s640/car.jpg" width="640" /></a></div>
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Picasso: <i style="font-weight: bold;">Ciencia y Caridad. </i>Museo Picasso. Barcelona</div>
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<br /></div>
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La capital artística del momento era París, adonde se dirigió para conocer las principales novedades. Le interesó de modo especial la obra de Toulouse-Lautrec, Degas, Cézanne y Bonnard. Sintió una gran fascinación por los ambientes nocturnos (<i>Mujer con sombrero azul</i>, 1901).</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiylFcKyR-Alt9DNQfNWdT3lwyjP3ywiIrmNvAdvyRoodVo8Z-rmOknDmPQ-g40SEXzTMeB701-Q16BKFpjq9w6_rVXTU5fkfZSmMwnIOTf53zp4YJc4bo6FFk1Ix5_sYImhtYlULrz0gc/s1600/se.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="556" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiylFcKyR-Alt9DNQfNWdT3lwyjP3ywiIrmNvAdvyRoodVo8Z-rmOknDmPQ-g40SEXzTMeB701-Q16BKFpjq9w6_rVXTU5fkfZSmMwnIOTf53zp4YJc4bo6FFk1Ix5_sYImhtYlULrz0gc/s640/se.jpg" width="640" /></a></div>
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Picasso: <i style="font-weight: bold;">Mujer con mantón sentada. </i>Museo Picasso. Barcelona</div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4.2. La época azul y la rosa: 1901-1906</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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El suicidio de su amigo el poeta Casagemas y las grandes dificultades económicas, marcaron el final de una etapa de iniciación y el principio de un nuevo período llamado <b>azul</b>. Por aquel entonces pintó varios cuadros alusivos a la muerte de Casagemas, en los que este aparece amortajado, así como uno alusivo al entierro del poeta, poco tiempo después de haber visto <i>El entierro del Conde de Orgaz</i>. Ene esta obra predomina el azul, color que le pareció apropiado para expresar el dolor y el sufrimiento que le inspiraba este acontecimiento. El azul se convirtió en básico y distintivo de sus cuadros durante cuatro años, durante los que vivió míseramente en su estudio, sumido en la pobreza y el dolor. Por ello, los personajes que protagonizan sus obras son ciegos, mendigos (<i>El guitarrista ciego</i>, <i>La vida</i>, <i>La Celestina</i>). Son figuras representadas en solitario que tienden a la estilización para acentuar la sensación de soledad y la angustia. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgrDYJZ8gkBujzAUJHdM0qw4Z7XsHoR_sqlARjDUE3tPTFW4CC2-BuhFDRqgeRTzBjIgoZSmpWCL9ieZnl4iRAvnV6vrrQnKHrdx-5g8Kw6GMhEbbKZK3FgnDjA14cZaqD9G8Vqz2p11Gs/s1600/cie.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgrDYJZ8gkBujzAUJHdM0qw4Z7XsHoR_sqlARjDUE3tPTFW4CC2-BuhFDRqgeRTzBjIgoZSmpWCL9ieZnl4iRAvnV6vrrQnKHrdx-5g8Kw6GMhEbbKZK3FgnDjA14cZaqD9G8Vqz2p11Gs/s640/cie.jpg" width="402" /></a></div>
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Picasso: <i style="font-weight: bold;">El guitarrista ciego. </i>Instituto de Arte. Chicago</div>
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<br /></div>
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En 1904 finaliza este período de tristeza y se inicia <b>la etapa rosa</b>, durante la que Picasso recupera muchas de las ilusiones perdidas y muestra especial predilección por los personajes circenses que protagonizarán gran parte de sus obras, no sólo ahora sino a lo largo de toda su trayectoria pictórica. En este momento vuelve a Francia por cuarta vez. Allí conoce a Fernande Olivier, mujer con la que convivirá durante un tiempo. Ahora pinta <i>La mujer de la corneja</i>, en la que el azul va perdiendo importancia, quedando relegado al fondo en favor del ámbar. Este cuadro representa la transición hacia el período rosa, lo mismo que <i>Artistas</i>. Sigue existiendo la melancolía pero impregnada ya de una cierta dulzura, incluso de una cierta sensualidad, puesto que las figuras comienzan a perder sus perfiles agudos y se tornan más redondeadas y suaves. <i>La familia de Saltimbanquis</i> (1905) y <i>El equilibrista de la bola </i>(1905) son, además de claros exponentes de la pintura de la etapa rosa, muestra del conocimiento de la escultura clásica que Picasso había alcanzado tras sus numerosas visitas al Museo del Louvre. En 1906 conoció a Matisse y su obra, lo que debió de contribuir notablemente a que su paleta se aclarase.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhth_vm5OZbulsN-nIOYCvEMdXWWOuoBYL0tZwRKfV2RB2__5TSdPzOfWAhCrqkYwULgQOSL_BgN-_Tq8bWVuZdaPJJK40pPbdgQqZaC8aSMqNOnMLh5tdBJwNfXtyuDz2XtgF5OSviomw/s1600/sal.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="598" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhth_vm5OZbulsN-nIOYCvEMdXWWOuoBYL0tZwRKfV2RB2__5TSdPzOfWAhCrqkYwULgQOSL_BgN-_Tq8bWVuZdaPJJK40pPbdgQqZaC8aSMqNOnMLh5tdBJwNfXtyuDz2XtgF5OSviomw/s640/sal.jpg" width="640" /></a></div>
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Picasso: <i style="font-weight: bold;">La familia de Saltimbanquis. </i>Galería Nacional. Washington</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4.3. El nacimiento del Cubismo: 1907-1917</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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La transición del período rosa al Cubismo supone en la obra de Picasso una profunda ruptura que se inicia con su propio <i>Autorretrato </i>y <i>Las señoritas de Aviñón</i>, uno de sus cuadros más conocidos para el que realizó un buen número de bocetos. A ésta le anteceden en el tiempo <i>El retrato de Gertrud Stein </i>(1906) y <i>Las dos mujeres desnudas </i>(1906), en las que, además de los tonos rosados, se percibe una influencia de la escultura ibera e, incluso, de Cézanne. El punto de partida de <i>Las señoritas de Aviñón</i> (1907) es, posiblemente, <i>El baño turco </i>de Ingres, aunque entre ambos existen muchas diferencias. En la obra de Picasso, los cuerpos de las mujeres han sido reducidos a los elementos indispensables, se han geometrizado y simplificado. Las posturas de éstos son imposibles: una de ellas, sentada de espaldas en primer plano, mira al espectador con el rostro de frente, un rostro que parece una máscara africana, otra de las fuentes de inspiración fundamentales para Picasso en este momento. En esta obra la luz ilumina por igual toda la superficie al tiempo que se combina con la de perfil, como ya se vio en la plástica egipcia. El cuadro es una rebelión contra el arte occidental, un intento por romper con todo lo que se había hecho hasta el momento y una renuncia definitiva al empeño por representar la tridimensionalidad. En 1909 se instala en Horta de Ebro y allí se inicia lo que se ha llamado <b>Cubismo analítico</b>, en el que se llega a la paulatina desaparición del propio motivo y al distanciamiento del natural, que también aplicó al retrato. La superficie del cuadro se dividía en facetas, pequeñas superficies de un solo color limitadas por líneas rectas. El punto culminante del Cubismo se alcanza con el <b>Cubismo hermético</b>, en el que la obra alcanza tal grado de abstracción que apenas podemos distinguir el objeto representado. El <b>Cubismo sintético</b> estará representado en la obra de Picasso por obras como <i>Arlequín </i>y <i>Guitarra </i>o <i>Los tres músicos</i>.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6WYhqAeNAXfgnRq5H91i6dYv5TxoFw_4P-xy7iHg5aQXanPENBW1M-fUGLkJTVAvTzC6W6kMZOOdACwbhfYAB-ooo5zMQxzqhvGbK0Yi62kQQonZKK1tnNlyQi8UigHZdN0y8FZu6jUM/s1600/avi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6WYhqAeNAXfgnRq5H91i6dYv5TxoFw_4P-xy7iHg5aQXanPENBW1M-fUGLkJTVAvTzC6W6kMZOOdACwbhfYAB-ooo5zMQxzqhvGbK0Yi62kQQonZKK1tnNlyQi8UigHZdN0y8FZu6jUM/s640/avi.jpg" width="606" /></a></div>
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Picasso: <i style="font-weight: bold;">Las Señoritas de Aviñón. </i>Museo de Arte Moderno. Nueva York</div>
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<i style="font-weight: bold;"><br /></i></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhoJkF2ZGGbimRbC1O7unPbrtgaUhOAY3zevTIBjT3nCIAAnyPM0YZBpIO8seid8vLLacyyWX_GA20_SE8BVf1RmKSCnlU6qN6JbhCLsjAExVmxDao2NWyi4HPjPzJfXyOGmcAxyMNapbA/s1600/fa.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="508" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhoJkF2ZGGbimRbC1O7unPbrtgaUhOAY3zevTIBjT3nCIAAnyPM0YZBpIO8seid8vLLacyyWX_GA20_SE8BVf1RmKSCnlU6qN6JbhCLsjAExVmxDao2NWyi4HPjPzJfXyOGmcAxyMNapbA/s640/fa.jpg" width="640" /></a></div>
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<br /></div>
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Picasso: <i style="font-weight: bold;">Fábrica de ladrillos en Horta d'Ebre. </i>Museo del Ermitage. San Petersburgo<i style="font-weight: bold;"> </i></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4.4. Los años 20 y 30 en la obra picassiana</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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En 1917 va a Italia entrando en un período en el que el Clasicismo es un elemento clave de su obra. Allí diseña los escenarios para un ballet con música de Erik Satie y con argumento de Jean Cocteau. En 1922 Picasso pinta su obra <i>Jóvenes corriendo por la playa</i>, en la que dos mujeres de colosales dimensiones corren por la playa en lo que es un canto a la femineidad y a las formas rotundas y sólidas. Las figuras monumentales son simples y claras, carentes de movimiento, como si de inmensas columnas se tratara.</div>
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<br /></div>
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Picasso siente un gran amor por los personajes circenses como demuestran los múltiples retratos de us hijo vestido de arlequín que pintó, en los que, a excepción del rostro, el resto queda inacabado, creando una sensación de abocetamiento. En 1921 vuelve al Cubismo y pinta <i>Los tres músicos</i>, obra en la que un <i>pierrot</i>, un arlequín y un monje, miembros de la <i>Commedia dell' Arte Italiana</i>, tocan instrumentos camuflados tras una máscara.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbCc9VbcADx9yVVhmK3MccpsbIeSVWiIEV7BuIWgyG3wvSP5Bn0vhzQ8u8fXUM_JvqcbJiORystBHlFVcUUsGr6_QAPWu97R4U-177YHSr4ZCjh4nAyS1NnKPrGKttwJX2wVIEm57Wfus/s1600/3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbCc9VbcADx9yVVhmK3MccpsbIeSVWiIEV7BuIWgyG3wvSP5Bn0vhzQ8u8fXUM_JvqcbJiORystBHlFVcUUsGr6_QAPWu97R4U-177YHSr4ZCjh4nAyS1NnKPrGKttwJX2wVIEm57Wfus/s640/3.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Picasso: <i style="font-weight: bold;">Los tres músicos. </i>Museo de Arte Moderno. Nueva York</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
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En los años 20, Picasso es ya una artista consagrado que se aproxima al <b>Surrealismo</b> como demuestra <i>La mujer con flor</i>, en el que el rostro y la flor se confunden y se hacen considerablemente irreales. En <i>Interior con mujer dibujando </i>y en <i>Muchachas jugando con un barco</i>, las figuras de formas óseas y redondeadas recuerdan a las esculturas de Henry Moore.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4.5. Picasso y la guerra</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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El 26 de abril de 1937 la legión Cóndor alemana, participante en la Guerra Civil del lado del general Franco, bombardea la localidad vizcaína de Guernica. El gobierno republicano le había hecho un encargo a Picasso con motivo de la Exposición Universal de París del año 1937 para el pabellón español. La noticia del bombardeo fue tan impactante para él que decidió realizar un cuadro inspirado en este hecho. Para llegar a la versión definitiva debió de pintar antes un gran número de bocetos y apuntes que culminan en la colosal obra. En esta ocasión, Picasso decide no emplear una amplia gama cromática, juega con tonalidades que van desde el blanco al negro. <i>Mujer llorando</i> es una cuadro pintado en 1937 para cuya realización tomó algunos apuntes del Guernica. En su rostro se combina la visión de perfil y de frente y, aunque emplea vivos colores, es una obra de gran dramatismo. La mujer llora amargamente al tiempo que muerde con rabia un pañuelo. Los perfiles son cortantes, hirientes como también lo es el dolor. Sus obras ahora muestran la difícil situación de España vivida a causa de la guerra y el modo en que los acontecimientos dolorosos influyen en el pintor. En este momento las temáticas de sus obras están impregnadas de un enorme sufrimiento y de una gran desolación.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGUYvEj0m6_YSl_IioF1Nm49AuHF4pKJdeBi7E603r6kF3rTntIRBdwhhp906hklTlMzcPadcKUeKlTb8XDnZLAloZjdzbCat4t2YotktnelIRpwcQCKSz0QlEnujAtXTdgfpw-ImxEJI/s1600/mu.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGUYvEj0m6_YSl_IioF1Nm49AuHF4pKJdeBi7E603r6kF3rTntIRBdwhhp906hklTlMzcPadcKUeKlTb8XDnZLAloZjdzbCat4t2YotktnelIRpwcQCKSz0QlEnujAtXTdgfpw-ImxEJI/s640/mu.jpg" width="480" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Picasso: <i style="font-weight: bold;">Mujer llorando. </i>Colección particular. Inglaterra</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>4.6. De 1946 a 1973 en la obra picassiana</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En el 1945, cansado de residir en París, Picasso toma la decisión de comprar una casa en Provenza, en Mènerbes. Durante estos años de su vida vio aumentar notablemente su fama, y esto hizo que se aislase más para poder crear en soledad, libre de la opinión pública. Este aislamiento no supuso que dejase de preocuparse por hechos que convulsionaron al mundo entero como la guerra de Corea, hecho que hizo que pintase en 1951 el cuadro del mismo nombre. En 1955 compra en Cannes la villa de <i>La Californie</i>. Allí inicia una reflexión sobre el arte de tal modo que vuelve sus ojos hacia los grandes maestros de todos los tiempos y revisa las obras de Velázquez, Goya, Jacques-Louis David y Manet, entre otros. Recurre a cuadros como <i>Las Meninas </i>(1957) o <i>Desayuno en la hierba </i>(1961), reinventándolos según su personalísima manera de entender la pintura. En los últimos años de su vida se produce una síntesis genial de todos los caminos que ha ido recorriendo, lo cual demuestra que había alcanzado una total madurez.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJmn5yWBHbGd3soBBr1zrOGPmAZoX1faehsDlL8w5I3iNT65MRUpHHhP0g_Op6XIcWcnROu3xIKw2pyxApTmXgfRBeBvFiO7hoNuEppLLdxex1fvZMi1sAC7oT8BSJyIns4jFK-aEU5PY/s1600/me.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJmn5yWBHbGd3soBBr1zrOGPmAZoX1faehsDlL8w5I3iNT65MRUpHHhP0g_Op6XIcWcnROu3xIKw2pyxApTmXgfRBeBvFiO7hoNuEppLLdxex1fvZMi1sAC7oT8BSJyIns4jFK-aEU5PY/s640/me.jpg" width="514" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Picasso: <i style="font-weight: bold;">Las Meninas. </i>Museo Picasso. Barcelona</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La clave de la aportación de Picasso al arte contemporáneo estriba en su enorme capacidad para fusionar elementos de culturas antiguas con lo contemporáneo, siempre dentro de una constante investigación formal. Murió en Mougins, el 8 de abril de 1973.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>5. LA PINTURA ESPAÑOLA EN EL SIGLO XX</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>5.1. <i>Els Quatre Gats</i></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><i><br /></i></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i>Els Quatre Gats </i>es el nombre de una cervecería barcelonesa en la que se solían reunir, entre los años 1897 y 1903, una serie de pintores muy vinculados al Modernismo e influidos por la obra de Toulouse -Lautrec. </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i style="font-weight: bold;">Ramón Casas </i>(1866-1932) fue discípulo de Joan Vicens y de Carolus-Durand. Conocía bastante bien la técnica impresionista, así como la pintura de Degas y la estampa japonesa. Fue un hábil retratista que trabajó durante bastantes años como ilustrador de diferentes revistas como <i>Pèl & ploma </i>y <i>Forma</i>. Otro de sus méritos es el de haber sido uno de los más importantes cartelistas publicitarios de nuestro país, como demuestran los carteles que hizo para el Anís del Mono, Champagne Codorniú y Cigarros de París. </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_gm865aqr9fpkw01lhT-vEAvQf_exeM3XMdhoHbUQiU9Q-vu52CJCbQ7aGKhu9ZRRl_E_ZUkEoyzS_9cZISmwCe_3dLePXLk7bBuMDxUoVjzVa6NF5LFnurofw3jGbNDtWBw_ZFLkrBs/s1600/la.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="406" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_gm865aqr9fpkw01lhT-vEAvQf_exeM3XMdhoHbUQiU9Q-vu52CJCbQ7aGKhu9ZRRl_E_ZUkEoyzS_9cZISmwCe_3dLePXLk7bBuMDxUoVjzVa6NF5LFnurofw3jGbNDtWBw_ZFLkrBs/s640/la.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Casas: <i style="font-weight: bold;">La Carga. </i>Museo Municipal. Olot</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Santiago Rusiñol </i>(1861-1931), al igual que hemos señalado en el caso de Casas, era un gran conocedor de la pintura impresionista. Durante una temporada se estableció en París y allí pintó paisajes próximos a Montmartre. Paulatinamente su paleta se fue aclarando y su dibujo se agilizó. Captó con absoluta maestría la intimidad de la vida cotidiana en el interior de las casas y sus patios. En su obra sobresalen los jardines, entre los más bellos se encuentran <i>Jardines de Aranjuez</i> (1911) y <i>El Generalife</i> (1922).</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-9DSyZ_9at3e7-N4dJiEk8A-yQPGrE3iAn0z2zMd4FB8VyguwU95TX3jDCnYyd08qdXUEUuFVIKl6I3n7B_YYOLIV1G-dFn2TCD-r1qgizxnZ-75OcTuWAipv6k15YOfJdhUVjqQJwSQ/s1600/aran.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="512" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-9DSyZ_9at3e7-N4dJiEk8A-yQPGrE3iAn0z2zMd4FB8VyguwU95TX3jDCnYyd08qdXUEUuFVIKl6I3n7B_YYOLIV1G-dFn2TCD-r1qgizxnZ-75OcTuWAipv6k15YOfJdhUVjqQJwSQ/s640/aran.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Rusiñol: <i style="font-weight: bold;">Jardines de Aranjuez. </i>Colección del Banco Exterior. Barcelona</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Isidro Nonell </i>(1875-1911) estuvo influido, no sólo por el Impresionismo, sino también por el Realismo. Era un gran dibujante que realizó escenas populares barcelonesas para el periódico <i>La Vanguardia</i>. Para ello se sirvió de una pincelada ágil y suelta, especialmente emotiva, al representar escenas o personajes gitanos, que le aproximan al Expresionismo.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIHg3ldC_q6WHNVZPz6Fj4UtZ9JQUiENHH1cIp1_wWil0hnm5QMq15_0PCVkty5B2EabhPFeLHGuYayw6i_4YSnXdwevYQqbQD1LYkCSnfN6aajNQ8X9sgUVlYURAHKemvMlFLsxk1aq8/s1600/mi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="482" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIHg3ldC_q6WHNVZPz6Fj4UtZ9JQUiENHH1cIp1_wWil0hnm5QMq15_0PCVkty5B2EabhPFeLHGuYayw6i_4YSnXdwevYQqbQD1LYkCSnfN6aajNQ8X9sgUVlYURAHKemvMlFLsxk1aq8/s640/mi.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Nonell: <i style="font-weight: bold;">Miseria. </i>Museo de Bellas Artes. Barcelona</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Muy próximo al grupo de <i>Els Quatre Gats </i>estuvo, durante cierto tiempo, <i style="font-weight: bold;">Anglada-Camarasa</i> (1871-1959). Además de conocer bastante bien el panorama pictórico parisino, estuvo ligado a la <i>Sezession</i> vienesa con la que colaboró en alguna exposición. En este ambiente aprendió a utilizar los colores vibrantes e intensos que son una constante de sus obras de ambiente modernista. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>5.2. La pintura surrealista en España: Dalí y Miró</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i style="font-weight: bold;">Salvador Dalí </i>(1904-1989) fue un pintor surrealista que se caracterizó por mantenerse a lo largo de su producción en la vertiente figurativa de esta corriente, en la que se integró en 1929. Su pintura impresionó rápidamente a los surrealistas franceses a los que propuso "el método paranoico-lírico", que consiste en objetivar y sistematizar el delirio, manteniendo así la vigencia del sueño en la vigilia.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Dalí nace en Figueras, ciudad en la que su padre trabajaba como notario. Comienza a pintar a los diez años demostrando su habilidad para el dibujo y sus grandes dotes para el arte. Más tarde se instala en la Residencia de Estudiantes de Madrid con la finalidad de estudiar Bellas Artes, de donde, finalmente, lo acabarían expulsando. En la Residencia conoció a Federico García Lorca y Luis Buñuel, con los que mantuvo una estrecha amistad. </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">A partir de 1929, tras contactar con André Breton y sus seguidores, se inicia definitivamente en el Surrealismo. En estos años la influencia de la pintura metafísica, en concreto de Giorgio de Chirico, es lo más notable de sus cuadros. El dibujo era un elemento decisivo que sabía manejar de una manera absolutamente magistral. Dalí no sólo fue un gran conocedor de la pintura de su tiempo, sino que también admiró a grandes pintores de otras épocas como Rafael (<i>Cabeza rafaelesca estallando</i>, 1951), Piero della Francesca (<i>Primer estudio de la Madonna de Port Lligat</i>, 1949), Millet (<i>El mito trágico del Ángelus de Millet</i>, 1963), la pintura barroca (<i>El Cristo de san Juan de la Cruz</i>, 1951 y <i>Corpus Hypercubus</i>, 1954) y a los pintores que emplean el recurso del espejo como Van Eyck o Velázquez (<i>Cuadro estereoscópico inacabado</i>).</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i><br /></i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUYM1HybDt3P9_DHt-_Zqi3tWhDvhgRqlWDkeo2HlL3vrOnzsGW_AJSLwHJkAvPX28SYcIP-pLwfur84TAIc0TN-g3aZG8AAkwvMScWrirWu8xNx3aniYqfjMYMcAxcjayp5EXh_EgPgo/s1600/cor.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUYM1HybDt3P9_DHt-_Zqi3tWhDvhgRqlWDkeo2HlL3vrOnzsGW_AJSLwHJkAvPX28SYcIP-pLwfur84TAIc0TN-g3aZG8AAkwvMScWrirWu8xNx3aniYqfjMYMcAxcjayp5EXh_EgPgo/s640/cor.jpg" width="468" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Dalí: <i style="font-weight: bold;">Corpus Hypercubus. </i>Metropolitan Museum of Art. Nueva York</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Comienza a recurrir a determinados temas que permanecerán de un modo constante en su obra: las formas blandas que se deslizan por una superficie, la anamórfosis o imágenes cifradas, los paisajes desolados, las hormigas, etc. Muchos de estos elementos que forman parte de su repertorio iconográfico, los podemos encontrar también en las películas de Buñuel. Una de sus obras más bellas es <i>La metamorfosis de Narciso</i> (1936-37), en la que retoma uno de los temas de <i>Las metamorfosis </i>de Ovidio.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXIPpfoAllZUO1rY_47C543k2xiLOxRKXMNU8OeqFT81wME2oI6QGCRbyveW5ylDpb-RRf5fmNErgFF2ucWml_jlVn5LgNSMTV8LOLTW9DXwiP5dy_PxZiEMYteX5RkforKgXTBqW5BFk/s1600/nar.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="416" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXIPpfoAllZUO1rY_47C543k2xiLOxRKXMNU8OeqFT81wME2oI6QGCRbyveW5ylDpb-RRf5fmNErgFF2ucWml_jlVn5LgNSMTV8LOLTW9DXwiP5dy_PxZiEMYteX5RkforKgXTBqW5BFk/s640/nar.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Dalí: <i style="font-weight: bold;">La Metamorfosis de Narciso. </i>Tate Gallery. Londres</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Al igual que otros muchos pintores, la Guerra Civil fue un hecho que le conmovió profundamente y que le llevó a pintar <i>Construcción blanda con judías hervidas: premonición de la Guerra Civil </i>(1936). En ella, bajo un cielo de blancas y algodonosas nubes, un ser deforme y monstruoso se agita autodestruyéndose, de la misma manera que España se estaba autodestruyendo en una guerra inútil.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i><br /></i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Las formas blandas o derretidas, como ya hemos indicado, tuvieron una gran importancia en sus cuadros, algunos ejemplos interesantes son <i>La persistencia de la memoria </i>(1931). Otra fuente de inspiración constante para Dalí fue su mujer, Gala Éluard, protagonista de muchas de sus obras. Al ser preguntado por un periodista sobre su obra <i>Gala con chuletas de cordero en equilibrio sobre su hombro </i>el pintor respondió: "Me gustan las chuletas y me gusta mi mujer; no veo ninguna razón para no pintarlas juntas".</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i><br /></i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Otro representante del Surrealismo en España es <i style="font-weight: bold;">Joan Miró </i>(1893-1983). El verdadero interés por esta corriente le llegó cuando se instaló en el taller de Pablo Gargallo, conoció a André Breton y a todo el grupo de los surrealistas. Miró no fue nunca un surrealista ortodoxo, sino que ajustó las premisas fundamentales del Surrealismo a su visión del mundo y de la pintura. Poseía un universo propio constituido por la línea, el punto, la estrella y los colores planos y estridentes. Sus trabajos, aún cuando puedan parecer un complicado<i> </i>jeroglífico imposible de descifrar, siempre se realizan según esquemas lúcidos y ordenados.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRy66b-Yusd-oOqvSrbx-cfAr9hJmZHKj5bFRBeyQIemHE6FS6ObF-rbVeosU8E3DrlRxUwSze5Ue2hxowo64YzpgSYkOyaOUFpEDaGM7ck09dK3QVYUjtuNsY5cYHdUFQKgCOOU1rcLE/s1600/car.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRy66b-Yusd-oOqvSrbx-cfAr9hJmZHKj5bFRBeyQIemHE6FS6ObF-rbVeosU8E3DrlRxUwSze5Ue2hxowo64YzpgSYkOyaOUFpEDaGM7ck09dK3QVYUjtuNsY5cYHdUFQKgCOOU1rcLE/s640/car.jpg" width="564" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Miró: <i style="font-weight: bold;">Caracol, flor, mujer y estrella. </i>MNCARS. Madrid</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8oWMtp-8qRCmqa9yPcJNTW-Ta3BSOBBdhjpOMoFDUZHXSa8zxZjIe65m-X5NszNf6Te6S9vOt1U-bGZ4tdNzX_CvWQnKDd8Mz_hOwJ4sf_xKkuZgR6NsQ9tQEpoFNCbmPGZk7zBYO1gM/s1600/mas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="558" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8oWMtp-8qRCmqa9yPcJNTW-Ta3BSOBBdhjpOMoFDUZHXSa8zxZjIe65m-X5NszNf6Te6S9vOt1U-bGZ4tdNzX_CvWQnKDd8Mz_hOwJ4sf_xKkuZgR6NsQ9tQEpoFNCbmPGZk7zBYO1gM/s640/mas.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Miró: <i style="font-weight: bold;">La masía. </i>Galería Nacional. Washington</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>5.3. Madrid: el Realismo</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">El panorama artístico madrileño de entreguerras lo van a animar pintores como Daniel Vázquez, José Gutiérrez de Solana y los integrantes de la denominada <b>Tercera Escuela de Madrid</b>: Benjamín Palencia y Zuloaga.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i style="font-weight: bold;">Daniel Vázquez </i>(1882-1969) nació en Huelva, pero pronto fue a Madrid interesado profundamente por los tesoros que encierra el Museo del Prado. Tras una importante estancia en París, en donde se afincó desde 1906 hasta 1918, regresó a Madrid en donde permanece hasta su muerte. Una de sus obras más interesantes son los <i>murales del Monasterio de la Rábida </i>(1930).</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i style="font-weight: bold;">José Gutiérrez Solana </i>(1886-1945) es conocido, además de por su faceta de pintor, por la de escritor. Era amigo de Pío Baroja, Valle Inclán y Ramón Gómez de la Serna. En sus cuadros queda patente la influencia de Goya y Alenza. Su estilo es amargo y directo, como corresponde a su negativa visión de la vida. Una de sus obras más conocidas es <i>La tertulia.</i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i><br /></i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidsDw_g3_JXdwTsF6cTRAtA6WVcfzIosPv1slH9yERr3QJmEr6ZlSAbp4svmtvRfvYmiO2FH95jOc0Td6ILl940uoRsKgE9YvJjalM2QrvwZJsFQg6YekIgcXVY6j5HspIkfpKtk3bu_8/s1600/ter.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidsDw_g3_JXdwTsF6cTRAtA6WVcfzIosPv1slH9yERr3QJmEr6ZlSAbp4svmtvRfvYmiO2FH95jOc0Td6ILl940uoRsKgE9YvJjalM2QrvwZJsFQg6YekIgcXVY6j5HspIkfpKtk3bu_8/s640/ter.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Solana: <i style="font-weight: bold;">La tertulia. </i>MNCARS. Madrid</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Benjamín Palencia </i>(1894-1980) se traslada a Madrid desde su Albacete natal. Este gran paisajista, interesado de manera especial por los planos paisajes castellanos, evoluciona desde la pintura impresionista hacia el Expresionismo. Tras viajar por Europa se asienta definitivamente en el barrio de Vallecas en donde formó, junto con Maruja Mallo y Díaz Corneja, la llamada <b>Escuela de Vallecas</b>. En 1974 entra a formar parte de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifh6cyvZJM_-xvVwFEatgt_pT7m68wWHCyQySMuiE06pCSZ62HugakhO4E3Tgejgu37ESg0_s9puRq2fTQTiRC0wwfqZVcPHKe9CvO56Riv5m-rRQvvuhrcIBQZtUg0RLl9uwxLfBVwbA/s1600/pedr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifh6cyvZJM_-xvVwFEatgt_pT7m68wWHCyQySMuiE06pCSZ62HugakhO4E3Tgejgu37ESg0_s9puRq2fTQTiRC0wwfqZVcPHKe9CvO56Riv5m-rRQvvuhrcIBQZtUg0RLl9uwxLfBVwbA/s640/pedr.jpg" width="632" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Benjamín Palencia: <i style="font-weight: bold;">Villar del Pedroso. </i>Museo Provincial. Albacete</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Ignacio Zuloaga </i>(1870-1945) nace en el seno de una familia de artistas vascos. Perfecciona sus conocimientos de pintura en París en donde conoció a Rusiñol, Uranga, Puvis de Chavannes, Degas y Gauguin. Además de París, Andalucía y la fiesta taurina serán puntos de referencia esenciales de su obra. Su pintura se caracteriza por el dibujo contundente y por amplias manchas de intensos colores que le aproximan estilísticamente a Gauguin.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"><i><br /></i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>5.4. El informalismo: el <i>Dau al Set</i> y el grupo El Paso</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">En 1945 se funda en Barcelona un grupo de artistas que quedan englobados bajo la denominación <i style="font-weight: bold;">Dau al Set</i>. Sus trabajos se encuentran dentro del realismo mágico debido a su carácter surrealista y a las influencias de Klee o del propio Miró. De todos ellos, el que mayor protección internacional ha tenido es <i style="font-weight: bold;">Antoni Tàpies </i>(1923-2012). Las obras de Tàpies tienen un marcado carácter matérico por lo que a menudo se las ha calificado de <i>art brut</i>, por la exaltación que hace del material. Por otro lado, también están muy próximas a <i>l'arte </i></span><i>pavera</i> por el empleo de materiales pobres como el cartón, las telas, las cuerdas, etc. A medida que pasa el tiempo, su obra irá incluyendo la preocupación por los problemas sociales. <i style="font-weight: bold;">Modest Cuixart </i>(1925-2007) se sentía profundamente atraído por la pintura expresionista. Su obra evolucionó notablemente por la influencia de Miró, alcanzando una mayor valoración del dibujo y haciéndose más colorista. A partir de los años 50 el dibujo pierde importancia en favor de la incorporación de materiales tradicionalmente considerados extrapictóricos a sus lienzos, es decir, aquellos que no se utilizan de manera habitual en la pintura.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDWVvhVzoRjexyHUmqUMco7szSfg17Iw9N0lX2Ugr7mN4H3d4PWnvXn1OnVulvVKPznTZSyqrNn2NFdq7CXPWzVMLJD1D4FvDeSpMyk5n7j1f0iv8KDEkDDJ80_HPvFg4reWoLWnoKIkM/s1600/ta.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDWVvhVzoRjexyHUmqUMco7szSfg17Iw9N0lX2Ugr7mN4H3d4PWnvXn1OnVulvVKPznTZSyqrNn2NFdq7CXPWzVMLJD1D4FvDeSpMyk5n7j1f0iv8KDEkDDJ80_HPvFg4reWoLWnoKIkM/s640/ta.jpg" width="508" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Antonio Tàpies: <i style="font-weight: bold;">Ocre. </i>Museo de Arte Moderno. Louisiana</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En Madrid aparece en 1957 un grupo de artistas que integran lo que conocemos como el grupo <b>El Paso</b>. Los motivos de su nacimiento han de buscarse en la necesidad que estos pintores sentían de una profunda renovación en el panorama artístico y social español. Era muy importante que estos cambios tuvieran lugar desde el seno de una agrupación de pintores con ideales comunes. El nombre de este grupo hace referencia a su intención de ser una transición hacia un nuevos arte que no se quedara en la plasmación de la realidad y en la exaltación del color. Sus principales integrantes eran <b>Millares</b>, <b>Saura</b>, <b>Canogar</b> y <b>Feito</b>. Posteriormente se incorporaron <b>Viola</b>, <b>Rivera</b> y <b>Chirino</b>. El grupo terminará desmembrándose en 1959.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Manuel Millares </i>(1926-1972) empezó en la pintura captando en sus lienzos los paisajes de Lanzarote bajo un punto de vista expresionista. Más tarde tiende hacia una pintura más materia que culmina en la exaltación de los materiales pobres, especialmente de las arpilleras. Estos materiales adquieren tal volumen que se aproximan a la escultura.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheWIWdHFLLe1SiVz6Yo_bhE25u02PWv__rT3TgCv447OWlAj88wl3NeNuv2IeKpMkGxAeMwNaTPDRSJtwIX5q1c7SVwOTQmRz_kmfNKIsnrXIjQ5txoV7BbIG7wUgrqrQO5ohJRaG5Jos/s1600/mill.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheWIWdHFLLe1SiVz6Yo_bhE25u02PWv__rT3TgCv447OWlAj88wl3NeNuv2IeKpMkGxAeMwNaTPDRSJtwIX5q1c7SVwOTQmRz_kmfNKIsnrXIjQ5txoV7BbIG7wUgrqrQO5ohJRaG5Jos/s640/mill.jpg" width="518" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Millares: <i style="font-weight: bold;">Homúnculo. </i>Banco Urquijo. Madrid</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Antonio Saura </i>(1930-1998) admira la pintura de Picasso, Miró, los pintores tenebristas del Barroco español y las Pinturas Negras de Goya. Es el mejor representante del Expresionismo abstracto que tenemos en España. Su gama cromática se limita al blanco y al negro, pasando por el gris.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEvMn2gtxGpx_wX0gzMhAlhXpJBwBqIQzjk1UU-tix2e9TAw6ShBLQGZJ-yN_57EUFawy2JVFG5022oHcNWnS9lyUF9jslhUtCd-SUuAXHBFQ7DdbY9EVBgsbLyqwh0zKIjjkLa2x9P5I/s1600/sau.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEvMn2gtxGpx_wX0gzMhAlhXpJBwBqIQzjk1UU-tix2e9TAw6ShBLQGZJ-yN_57EUFawy2JVFG5022oHcNWnS9lyUF9jslhUtCd-SUuAXHBFQ7DdbY9EVBgsbLyqwh0zKIjjkLa2x9P5I/s640/sau.jpg" width="532" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Saura: <i style="font-weight: bold;">Crucifixión. </i>MNCARS. Madrid</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>5.5. El Hiperrealismo y la Posmodernidad</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b>El Hiperrealismo </b>es una corriente que va a tener una importante representación en España con pintores como Antonio López y Eduardo Naranjo. En ambos casos, la realidad se representa con absoluta fidelidad en el lienzo, haciendo gala de un dominio técnico impecable. Más allá de esta verosimilitud plástica late la sensación de angustia y desaliento, especialmente perceptible en la obra de Antonio López.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i style="font-weight: bold;">Antonio López García </i>nació en Tomelloso (Ciudad Real) en 1936. Se formó en la Academia de Bellas Artes de San Fernando. Una buena parte de sus cuadros nos muestra imágenes solitarias y las habitaciones deshabitadas bañadas por una fría luz. En ellos se recoge la angustiosa soledad del hombre de nuestro tiempo. Algunas de sus obras más interesantes son <i>La Gran Vía </i>y <i>El conejo desollado</i>.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsFRUJiG5WkQL0rUEFD87bDChvfBXnh5pxwyEQoXOhVQFZGOwLbo8en4rtYOAl4G2nATN_X4wyihTe94YiIwXnYSjOrImeG_MZ0wBLeasQFwO28pJFmescac5Brv0WBv_GOzB8rplfXOo/s1600/gr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsFRUJiG5WkQL0rUEFD87bDChvfBXnh5pxwyEQoXOhVQFZGOwLbo8en4rtYOAl4G2nATN_X4wyihTe94YiIwXnYSjOrImeG_MZ0wBLeasQFwO28pJFmescac5Brv0WBv_GOzB8rplfXOo/s640/gr.jpg" width="628" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Antonio López: <i style="font-weight: bold;">La Gran Vía. </i>Colección particular</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Eduardo Naranjo </i>(1944) representa la vertiente andaluza del Hiperrealismo. En este caso, aunque también se preocupa de representar la realidad, la diferencia con Antonio López estriba en que la figura humana se convierte en parte fundamental de su obra. En ella es posible encontrar extrañas asociaciones de objetos que le aproximan al Surrealismo, incluso al Realismo mágico literario.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Lo mismo que sucedía en la arquitectura, a partir de los años 80 los artistas pretenden liberarse de cualquier etiqueta, tratan de reivindicar un estilo propio y, sobre todo, buscar nuevas alternativas artísticas. Uno de los principales representantes que tiene la pintura española en la actualidad es <i><b>Miguel Barceló</b></i>. Nacido en Felanixt en 1957, se dio a conocer en torno a 1981. A partir de este momento apuesta por una pintura matérica y figurada. Junto a él sobresalen pintores como <i style="font-weight: bold;">Eduardo Úrculo</i> que se ha hecho muy conocido por convertir los sombreros y las maletas en protagonistas de sus cuadros, <i><b>Pérez Villalta </b></i>apasionado de la tradición clásica como muestran las anatomías de los personajes de sus cuadros y <i style="font-weight: bold;">José María Sicilia</i>, cuyas fuentes de inspiración son de lo más variado: el mar y objetos que forman parte de la vida cotidiana como tijeras, planchas o aspiradoras. También sobresalen en su producción la importancia del blanco y de los escritos de san Juan de la Cruz, así como la utilización de la cera. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"> </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>LA GÉNESIS DEL CUBISMO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i>"A principios de 1907, Picasso empieza un gran cuadro extraño, en el que figuran mujeres, fruta y cortinaje (...). En primer plano, a la derecha, ajena al estilo del resto, hay una figura agachada y delante de ella una copa de fruta (...). Es el principio del cubismo y es, en este cuadro, donde se abordan todos los problemas a la vez. ¿Cuáles son estos problemas? Son los problemas fundamentales de la pintura: la figuración de las cosas coloreadas en tres dimensiones, sobre una superficie plana, y su incorporación a la unidad de esta superficie. Es, en d</i></span><i>efinitiva, la problemática de la representación, las exigencias o condiciones del soporte convertido en plano pictórico, la dificultad de la unidad plástica".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
(KAHNWEILER. <i>Der Weg Zum Kubismus, </i>1958)</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>A FONDO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><i>GUERNICA</i></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>PICASSO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">El punto de partida de este cuadro se encuentra en un hecho luctuoso. El 26 de abril de 1937, la legión Cóndor alemana, reforzada por tres cazas italianos, bombardeó la ciudad de Guernica. Destruyeron la cuarta parte de los edificios y se incendió el 70% de la ciudad. Se calcula que hubo más de 200 muertos.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Antes del comienzo de la Guerra Civil española, Picasso se había comprometido a pintar un cuadro que representase a España en la Exposición Universal de París, dedicada al progreso y la paz. Este hecho conmovió de tal modo al pintor, que terminó convirtiéndose en la inspiración del proyecto. Así lo recrea en unos versos que aparecen al final de una colección de aguafuertes titulados <i>Sueño y mentira de Franco: </i>"Gritos de niños, gritos de mujeres, gritos de pájaros, gritos de árboles y de piedras, gritos de ladridos, de muebles, de camas, de sillas, de cortinas, de cazuelas, de gatos y papeles, gritos de olores que se arañan, gritos de humos (...)".</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Antes de abordar la obra preparó una serie de bocetos preliminares. En ellos se ensayan las figuras que más tarde habrían de protagonizar este colosal lienzo de 3, 51 x 7, 82 m. La composición es claramente piramidal. Tras ella se esconde una elaborada disposición de los elementos, aunque tras una primera impresión parece una obra en la que reina el caos. Se prescinde de la perspectiva, lo cual concede a este cuadro una gran sensación de intemporalidad. De igual manera prescinde del color. La gama cromática va desde el blanco al negro, quizás como mecanismo para expresar el terrible pesimismo que esta situación desencadenó en el pintor. En esta obra es fácil percibir los rastros del Cubismo, puesto que, además de ser tremendamente plana, se combinan la visión de frente con la de perfil.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnQqVKvfi6-xBdFkqjtA7kws-dSx-VAorDYsK1E2miLHdlA8VB1rAYmCMA4gi36myhSEcplyibXao4ERTz04RndvIGsQ75DgbeXadTQvO0cUAggCSo4JXlLgGyOR9NTibiXaKSyPgngCY/s1600/det.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnQqVKvfi6-xBdFkqjtA7kws-dSx-VAorDYsK1E2miLHdlA8VB1rAYmCMA4gi36myhSEcplyibXao4ERTz04RndvIGsQ75DgbeXadTQvO0cUAggCSo4JXlLgGyOR9NTibiXaKSyPgngCY/s640/det.jpg" width="506" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El significado de las figuras no está demasiado claro puesto que sobre ellas se han expresado múltiples teorías, algunas de ellas muy contradictorias. En primer lugar nos encontramos con el toro, sólidamente ubicado en el cuadro, que es una de las imágenes esenciales de la iconografía <i>picassiana</i>. Picasso explica de esta manera su significado: "El toro representa la brutalidad, el caballo, el pueblo. Sí, en este cuadro he utilizado símbolos, pero en los otros no". Bajo él aparece una madre que sujeta en sus brazos a su hijo muerto, un tema posiblemente inspirado en la Matanza de los inocentes que tantas veces que se ha representado a lo largo de la historia de la pintura. El niño es el único personaje del cuadro que tiene la boca cerrada, ya que el resto de los personajes la abren, algunos muestran una lengua picuda que simboliza el grito de pánico que provoca la guerra, el grito desgarrador y punzante del horror. En primer término tenemos la imagen de un soldado roto en fragmentos, posiblemente en clara alusión a todos los soldados muertos en el desastre. En el centro del cuadro aparece el caballo, que se agita desesperadamente, gritando al igual que la mayoría de los personajes que aparecen en él. Es el pueblo, víctima de esa brutalidad que implica la irracionalidad de la guerra. Una mujer entra con fuerza por una ventana, trayendo una lámpara. Irrumpe en la escena como una bocanada de aire fresco, como un elemento esperanzador en medio de tanta desesperación y angustia. Igualmente esperanzadora y positiva es la rosa que emerge de la espada del guerrero. Debajo, una mujer contempla toda la escena arrodillada. Finalmente, encontramos otra mujer que alza las manos al cielo en señal de plegaria, que implora que todo esto llegue a su fin. Esta imagen, la orante, la podemos encontrar desde el arte paleocristiano. También recuerda, por la posición de los brazos, a uno de los protagonistas de <i>Los fusilamientos </i>de Goya.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Picasso partió de un hecho concreto como el bombardeo de Guernica para hacer con esta obra una crítica de la guerra en general, y de la Guerra Civil española en particular. Convirtió su pintura en un grito contra la atrocidad de la guerra: "El artista es un ser político que vive pendiente y consciente de todos los acontecimientos _desoladores o placenteros_ que ocurren en el mundo y reacciona contra ellos. ¿Cómo es posible no interesarse por otras personas, subir a una torre de marfil y aislarse de una vida que aporta tantas cosas buenas? No, la pintura no existe sólo para decorar las paredes de las casas. Es un arma que sirve para atacar al enemigo y para defenderse de él". El artista manifestó en repetidas ocasiones su rechazo a la dictadura franquista y se negó a que este cuadro viniera a España hasta que no existiera un régimen de libertades (su voluntad original era "hasta que no se restaurara la República"). Durante estos cuarenta años estuvo en Nueva York hasta que en 1981 se trasladó al Casón del Buen Retiro (Museo del Prado). Actualmente se encuentra en el Museo Centro de Arte Reina Sofía.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Este cuadro vuelve a ser noticia por el pésimo estado de conservación en el que se encuentra, pese a sus relativos pocos años. Los expertos que se reunieron en Madrid en enero de 1998 en un simposio internacional titulado <i>Guernica, los problemas técnicos y éticos de la manipulación de las obras de arte</i>, creen que las 51 lesiones que se pueden observar en el lienzo se deben a los numerosos traslados a los que se ha visto sometido y que por ello es conveniente que se restaure y no se someta a más cambios de ubicación.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhcwDJHfpFRCEJvuGj6fSTcMDluV8Y2Xse0lXK02yFFaxcmVbTxunfC-Pff5uh8fXqYWAFAXRwoCDs7DwsIciJuf5eAc_h6MW4Z_7perjgRsb_9dNnwDcIl1YwgLCznIPPJQGhPipCX7OY/s1600/guer.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhcwDJHfpFRCEJvuGj6fSTcMDluV8Y2Xse0lXK02yFFaxcmVbTxunfC-Pff5uh8fXqYWAFAXRwoCDs7DwsIciJuf5eAc_h6MW4Z_7perjgRsb_9dNnwDcIl1YwgLCznIPPJQGhPipCX7OY/s640/guer.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>CITAS</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i>"Acodados sobre el viejo, sobre el costroso mármol de los veladores, los clientes ven pasar a la dueña, casi sin mirarla ya, mientras piensan en ese mundo que, ¡ay!, no fue lo que pudo haber sido, en ese mundo en el que todo ha ido fallando poco a poco, sin que nadie se lo explicase, a lo mejor por una minucia insignificante".</i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b>La colmena. Camilo José Cela</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i>"Por su parte, la aportación de Julio González a la renovación escultórica se produjo </i></span><i>fundamentalmente en el ámbito de los nuevos materiales; en su caso el hierro forjado. (...) Con González, el hierro alcanzará por fin toda esa capacidad expresiva y estructural, ya anunciada por Gargallo, que por sus particulares características, le permitirá desarrollar un tipo de esculturas concebidas como agregación de elementos en un espacio abierto".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Alfredo Aracil y Delfín Rodríguez</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Al contrario que en la música, en la pintura no hay niños prodigio. Lo que se considera como genialidad precoz es la genialidad de la niñez. Y ésta desaparece con los años".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Picasso</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Cuando era joven, mi éxito era mi defensa. Las épocas rosa y azul fueron los biombos detrás de los que me encontraba seguro".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Picasso</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Braque me dijo una vez: En el fondo siempre has amado la belleza clásica. Es cierto. Incluso hoy se me puede aplicar esta afirmación. No se inventa cada año un nuevo tipo de belleza".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Picasso</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Ya es suficiente, ¿no? ¿Qué me falta por hacer? ¿Qué podría todavía añadir? Todo está dicho".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Picasso</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Anglada Camarasa</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Hacia 1904 se adentra en una etapa temática folclórica con fuerte colorido y una clara influencia del estilo decorativo modernista en sus fondos de sinuosos ritmos muy elaborados así como en sus sofisticados retratos. En su etapa mallorquina se dedica espacialmente al paisaje, al bodegón y a los conjuntos florales".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Francisco Calvo Serraller</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Dalí ha dotado al Surrealismo de un instrumento de primer orden, el método paranoico-crítico, que ha demostrado que puede aplicarse indistintamente a la pintura, a la poesía, al cine, (...)"</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>André Breton</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Encuentro mis títulos a medida que trabajo, del mismo modo que en mis telas una cosa lleva a la otra. Cuando he encontrado el título, vivo en su ambiente. El título puede convertirse en algo real".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Miró</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"La imagen ha podido se para mí un soporte estructural para no caer en el caos, pero ahora creo firmemente que ella puede llevar en sí un ataque a una sociedad y una actitud moralista, o bien responder a una nueva visión del hombre en su contexto actual, sin que esta aparición de un contenido menos hermético tenga necesariamente que suponer un retroceso o una aceptación de contactos literarios o anecdóticos".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Antonio Saura</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"El gran vidrio de Marcel Duchamp, ese cristal roto ha sido, quizá, la obra del siglo XX que más me ha hecho reflexionar, tanto como algunos cuadros clásicos. Está hecho con los materiales del siglo pero me remite a lo que es el arte desde su propia materialidad, que ejerce tanta fascinación sobre mí como si fuese pintura, lo que no me ocurre con los mismos materiales en otras obras".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Pérez Villalta</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>GLOSARIO</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><br /></b>
<div style="text-align: justify;">
<b>Picasso ceramista</b></div>
<div style="text-align: justify;">
A partir de su visita en 1936 con Paul Éluard a un pequeño pueblo próximo a Cannes donde existía una gran tradición ceramista desde época romana, sintió un gran interés por esta técnica. La novedad era algo que despertaba en él un especial entusiasmo en cualquier ámbito de la vida y, por supuesto, también en el artístico. En un principio hizo fuentes, platos, jarras, que con el paso del tiempo fue convirtiendo en toros, palomas (que había visto desde niño en los cuadros de su padre), búhos, mujeres, etc.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Anamórfosis o imágenes cifradas</b></div>
<div style="text-align: justify;">
Imágenes que sólo aparecen mirando el cuadro de determinada manera y que permiten realizar una doble lectura del mismo. Es como si hubiese dos cuadros en uno solo. <i>Los tres enigmas gloriosos de Gala</i> o <i>El hombre invisible </i>son algunos de los ejemplos de este recurso.</div>
</div>
GreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-71879943487912779792016-05-04T17:36:00.003-07:002016-05-04T17:36:25.613-07:00Las artes plásticas en el siglo XX<div style="text-align: justify;">
<b>En el siglo XX se van a producir una serie de cambios decisivos para el arte que conducen a la ruptura con la tradición decimónónica y la apertura de nuevos caminos y opciones artísticas. Se cuestiona la tradición y se le responde con la incorporación de nuevos elementos. La objetividad y la representación fiel de la realidad dejan de interesar a la mayor parte de los pintores y la subjetividad pasa a ocupar un primer término. Se consolida definitivamente la ciudad que nació con la Revolución industrial: la cultura del siglo XX es eminente e inevitablemente urbana, lo que implica la aparición de una nueva escala de valores.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Los manifiestos que preceden a muchas de las corrientes artísticas de este siglo y que exponen los aspectos esenciales de las mismas son la expresión más clara de algo que culmina con el <i>Happening </i>o el <i>Land Art</i>: el arte como concepto, más allá de su expresión material.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>A todo esto debemos añadir el desaliento provocado por las dos guerras mundiales que, en la primera mitad del siglo, convulsionan a la Humanidad y que se reflejará en la obra de muchos artistas.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEha4USksVmlxNvx-EgIbrTkJXPwaP0NITwsfXrMdbS2V6CSC-0tYB7jUEEXUacWpRLYEjwagRROujnK02A3-WqwQpk5CDxdc4Y-LgZKexbdaH33KvhD6d2kpRDeXuSeOe41TzeVrMRaqpU/s1600/ba.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEha4USksVmlxNvx-EgIbrTkJXPwaP0NITwsfXrMdbS2V6CSC-0tYB7jUEEXUacWpRLYEjwagRROujnK02A3-WqwQpk5CDxdc4Y-LgZKexbdaH33KvhD6d2kpRDeXuSeOe41TzeVrMRaqpU/s640/ba.jpg" width="422" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Francis Bacon: <i style="font-weight: bold;">Sin título</i>. 1946</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">1. LAS PRIMERAS VANGUARDIAS</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">1.1. El fauvismo</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
El Fauvismo nace a principios del siglo XX (1900-1910) en Francia, cuando el crítico francés Louis Vauxcelles se refiere a un grupo de artistas con la palabra francesa <i>fauves</i>, es decir, fieras. Este apelativo engloba a un conjunto de pintores formado por Matisse, Derain, Vlaminck, Dufy, Marquet y Rouault _algunos autores no consideran a este último pleno integrante del grupo, aunque su relación con el resto de los artistas y las influencias de éstos en su obra son evidentes_ que habían expuesto sus obras en el Salón de Otoño de 1905 causando una verdadera conmoción ante la libre utilización del color que hacían en sus cuadros. Éste se convertirá en el verdadero protagonista del arte <i>Fauve</i>, en el que un aspecto como la profundidad, prioritario y objeto de sesudos estudios a lo largo de la Historia de la pintura, queda, en estos momentos, totalmente desplazada en favor de otros valores. El dibujo, consistente en gruesas líneas oscuras, define amplias áreas de colores arbitrariamente utilizados y muy contrastados, que producen una sensación de irrealidad, tal y como sucedía en las obras de Paul Gauguin.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
El origen de los pintores fauvistas está en <b>los <i>nabis</i> </b>(término de origen hebreo que significa profetas), un grupo de artistas formado por Bonnard, Vuillard, Valloton, Denis y Serousier (este último era el teórico del grupo) que se consideraban, en muchos aspectos, herederos de Gauguin, al tiempo que rechazaban el Impresionismo. Estos pintores estaban profundamente influidos por el grabado japonés (cuya incidencia en la mayoría de los postimpresionistas ya se ha comentado) y en sus obras serán frecuentes los colores antinaturalistas y, al mismo tiempo, dotados de una gran intensidad y brillantez.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidmYBsKhApn4anlPNV5_MGDXYkDcdYN45thcKUGVx0owvmIbJohGVLf8HRagskKCCBeVX1CGNLKvpB2XVipomWV2GLFdnnA7C8swxAXkmr_m9saLLZeH4A4sxgkWjkwPNROeU7EP1MZc0/s1600/va.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidmYBsKhApn4anlPNV5_MGDXYkDcdYN45thcKUGVx0owvmIbJohGVLf8HRagskKCCBeVX1CGNLKvpB2XVipomWV2GLFdnnA7C8swxAXkmr_m9saLLZeH4A4sxgkWjkwPNROeU7EP1MZc0/s640/va.jpg" width="524" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Paul Serousier: <i style="font-weight: bold;">La valla florida. </i>Museo d'Orsay. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjy6UCmHs01hmHRfsvk0-Ksuvu7jwfyTyAm5p0l2o0h0QZwPpHKwea0BVIaebdqIhKXPmVmyoCotpdH-_CO4cY3oRFANIazFBt3Tsj7ADSFKBGRl-g6vaal14LRrui1lcfC0BOm49YYz4A/s1600/ma.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjy6UCmHs01hmHRfsvk0-Ksuvu7jwfyTyAm5p0l2o0h0QZwPpHKwea0BVIaebdqIhKXPmVmyoCotpdH-_CO4cY3oRFANIazFBt3Tsj7ADSFKBGRl-g6vaal14LRrui1lcfC0BOm49YYz4A/s640/ma.jpg" width="482" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
André Derain: <i style="font-weight: bold;">Retrato de Matisse. </i>Tate Gallery. Londres</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Los fauvistas no deben ser considerados un grupo de pintores con un programa en común. Por este motivo fue un movimiento pictórico muy efímero.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Una de las personalidades más fascinantes del grupo <i>fauve</i> es <i style="font-weight: bold;">Henri Matisse</i> (1869-1954), el punto de referencia fundamental para la mayor parte de los <i>fauves</i>. Admiró a pintores de momentos pictóricos bien diferentes como Corot, Vermeer de Delft, Chardin, los impresionistas o el propio Fragonard. Le interesaron las obras de Van Gogh y Gauguin, las cerámicas persas, las telas moriscas y el arte africano. En los inicios de su actividad como pintor hizo algunos cuadros que podemos considerar próximos al Puntillismo (<i>Lujo, calma y voluptuosidad</i>, 1904-1905). Más tarde, el color en áreas bien definidas se adueña de sus obras. Sabía muy bien que lo importante no era emplear grandes cantidades de color, sino contrastado adecuadamente.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcKY8zi9VPKn4ozoZAe4Wj8tAH_rKw9RoRayJ1sPGOl3CLEliDCrnrKT82yZ2Lk2kXAEhtAcY0q5TN8q-zQuBmtcKG2qlYVwed7JX6lQs2GQJjmiBV0cuagDEcRDfX27VuXrGOoudcTa8/s1600/roj.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="526" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcKY8zi9VPKn4ozoZAe4Wj8tAH_rKw9RoRayJ1sPGOl3CLEliDCrnrKT82yZ2Lk2kXAEhtAcY0q5TN8q-zQuBmtcKG2qlYVwed7JX6lQs2GQJjmiBV0cuagDEcRDfX27VuXrGOoudcTa8/s640/roj.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Matisse: <i style="font-weight: bold;">La habitación roja. </i>Museo del Ermitage. San Petersburgo</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghALGRwW75AeMPRDgRN-L74yAexO37LDGf8o_-TbbypqfM5pBeRihttNZkzhU5yYlOt2nw5ofv781SNmFA8Tih-BSyX_gbERFu4OwqSm7rFJ8SkZKS5QEFj5Rk25bwNRxyL5uW52-3DfY/s1600/dan.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="428" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghALGRwW75AeMPRDgRN-L74yAexO37LDGf8o_-TbbypqfM5pBeRihttNZkzhU5yYlOt2nw5ofv781SNmFA8Tih-BSyX_gbERFu4OwqSm7rFJ8SkZKS5QEFj5Rk25bwNRxyL5uW52-3DfY/s640/dan.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Matisse: <i style="font-weight: bold;">La danza. </i>Museo del Ermitage. San Petersburgo</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Viajó al norte de África, como ya lo habían hecho otros artistas durante el Romanticismo, para capturar en sus lienzos la sensualidad de estos ambientes (<i>Odalisca con pantalones rojos</i>, 1943). Una de sus obras más interesantes y, al mismo tiempo, una de las que mejor ilustra sus ideas acerca de la pintura _muchas de ellas recogidas en su obra <i>Notas de un pintor</i>_ es <i>El retrato de la raya verde</i>. Acerca de él nos dice Francastel: "En la medida en que Matisse ha instituido, sin discusión posible, un nuevo equilibrio de la forma, es evidente que se ha desvinculado cada vez más de la representación de la figura humana en sí misma, siguiendo así por otra parte la tradición de los grandes artistas del final del siglo XIX. Los retratos no son más que una actividad episódica, no constituyen un estilo". </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Maurice Vlaminck </i>(1876-1958), gran conocedor de la obra de Van Gogh, emplea los colores con una gran libertad y energía aplicándolos, en ocasiones, directamente del tubo. <i style="font-weight: bold;">Raoul Dufy </i>(1877-1953) realizó escenas de ocio en los hipódromos, salas de conciertos, playas, etc., en las que la línea describe con gran rapidez los elementos. <i style="font-weight: bold;">Albert Marquet </i>(1875-1947) era un grandísimo dibujante que pintó sobre todo paisajes invernales. Para finalizar nos referiremos a <i style="font-weight: bold;">Georges Rouault </i>(1871-1958) quien se inició en el arte dentro de la restauración de vidrieras, aspecto que es perfectamente perceptible en sus obras, en las que los oscuros colores están separados por gruesos trazos negros que recuerdan al emplomado. Uno de sus temas preferidos es el de los payasos, casi siempre de rostros tristes.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyCKxXn9SIQjuoCJ9NaoeQAXZcCix7d38T7e1r-nO8VqFmFgIxHDlcIN4OSpiGa2KlYWmzVK2V4cJ_6bhIsKKNhvEgAIDEuTVcHoJkcSXLCjCp-ODCeWSjt4yZ4J8JDwk8pykOFpwb9Vg/s1600/ma.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="526" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyCKxXn9SIQjuoCJ9NaoeQAXZcCix7d38T7e1r-nO8VqFmFgIxHDlcIN4OSpiGa2KlYWmzVK2V4cJ_6bhIsKKNhvEgAIDEuTVcHoJkcSXLCjCp-ODCeWSjt4yZ4J8JDwk8pykOFpwb9Vg/s640/ma.jpeg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Marquet: <i style="font-weight: bold;">El Pont Neuf. </i>National Gallery. Washington</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicJ8ja-9DuwVIp2HOiyktEaHxHR4IIEV6Sw773Qq2vqX9uBCSuD0bRibJzAMPuIyCJDk13BRpIeaNTyosooD38yyWnDSqoqEEyCymi63un3sbAsrJdIWH2VVYF8H6c6GctsJawtu8DIJg/s1600/sa.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicJ8ja-9DuwVIp2HOiyktEaHxHR4IIEV6Sw773Qq2vqX9uBCSuD0bRibJzAMPuIyCJDk13BRpIeaNTyosooD38yyWnDSqoqEEyCymi63un3sbAsrJdIWH2VVYF8H6c6GctsJawtu8DIJg/s640/sa.jpg" width="440" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Rouault: <i style="font-weight: bold;">La Santa Faz. </i>Museo de Arte Moderno. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">1.2. El Expresionismo</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">El Expresionismo abarcó diferentes ámbitos del arte, no sólo la pintura, sino que la literatura, la música y el cine también conocieron una fase expresionista. Antes de entrar en cuestiones particulares de este movimiento que tuvo lugar en Europa durante los primeros años del siglo XX, podemos decir que el deseo de "expresar" es consustancial al arte pero, es en este momento concreto cuando una serie de pintores irrumpen en el panorama artístico con la voluntad explícita de reflejar en sus obras sus experiencias emocionales y espirituales, su visión de la realidad. El vehículo esencial para conseguirlo son los colores, entre los que muestran una acusada preferencia por el negro, clara expresión cromática de su visión un tanto atormentada de la vida. Sus cuadros son el mecanismo para sacar a la luz un mundo de angustias y miedos.</span><br />
<span style="font-size: medium;"><br /></span>
<span style="font-size: medium;">El pintor noruego <i style="font-weight: bold;">Edvard Munch </i>(1863-1944), aunque no entra dentro de ningún grupo debido a su complejidad, con su obra sirvió de aliento a la pintura expresionista. Existen muchos paralelismos entre las biografías de Munch y Van Gogh. El tema principal de la obra de Munch es el sufrimiento psíquico _recodemos al holandés_, la angustia y la muerte, que se reflejan en los rostros desencajados de los personajes de sus cuadros. Munch poseía una visión muy pesimista de la vida. Su obra más conocida es <i>El grito </i>(1893) en la que la figura fantasmagórica en primer término está trazada con líneas ondulantes en amarillo y naranja. El cuadro transmite una fuerte sensación de inestabilidad y desesperación. </span><br />
<span style="font-size: medium;"><br /></span>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJX0fiUNTx7BSv1pLuNvHxzxBk1sPgjbjUujdxgZjqQCyqapfld33JG1FjaUQTowpzFV27eOEtueyQVguv8iuYSJrOFm40PsbTfsWSMuQxgurt-t4IzWyRaX5NXaCdoLEBWdSygMwJP0s/s1600/ni.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJX0fiUNTx7BSv1pLuNvHxzxBk1sPgjbjUujdxgZjqQCyqapfld33JG1FjaUQTowpzFV27eOEtueyQVguv8iuYSJrOFm40PsbTfsWSMuQxgurt-t4IzWyRaX5NXaCdoLEBWdSygMwJP0s/s640/ni.jpg" width="620" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Munch: <i style="font-weight: bold;">La niña enferma. </i>Tate Gallery. Londres</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZcWQQukVF9mbGROdVjvDrNRbnT-fp8_IXVMqwT7weObWVgiu8qVoMOlEb-uWm51P1yWQgFyUwJ8IBZGzeMHogmKmX_jgrKoMNoBd8PjM589Dn6FsyLUPbqFs1x2H-DT7dZsK3mjUVrYs/s1600/gr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZcWQQukVF9mbGROdVjvDrNRbnT-fp8_IXVMqwT7weObWVgiu8qVoMOlEb-uWm51P1yWQgFyUwJ8IBZGzeMHogmKmX_jgrKoMNoBd8PjM589Dn6FsyLUPbqFs1x2H-DT7dZsK3mjUVrYs/s640/gr.jpg" width="492" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Munch: <i style="font-weight: bold;">El grito. </i>Galería Nacional. Oslo</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b>El Puente</b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">El Puente (<i>Die Brücke </i>en alemán), estaba integrado por un grupo de pintores que como Nolde, Kirchner, Müller, Heckel y Schmidt siguieron de cerca la pintura de Van Gogh, Klimt, Gauguin, la escultura africana, el Románico y el Gótico. Schmidt afirmaba lo siguiente: "Una de las metas del <i>Brücke</i> es la de atraer todos los elementos revolucionarios e innovadores, esto es lo que el nombre significa". Para ellos, lo verdaderamente prioritario es la forma por encima del tema. Uno de los pintores más representativos es <i style="font-weight: bold;">Ernst Ludwig Kirchner </i>(1880-1938) que, influido en cierta medida por el arte africano, pinta en sus cuadros personajes de siluetas alargadas y trazos nerviosos y figuras que se agolpan ignorándose en las calles de las ciudades. Sus obras un reflejo de la deshumanización de las grandes urbes. <i style="font-weight: bold;">Emil Nolde </i>(1876-1956) representó en muchos de sus cuadros temas de carácter religioso (cuadros que forman una serie sobre <i>La vida de Cristo</i>, 1912). Su pintura se caracteriza por los trazos gruesos, los rostros que imitan máscaras, la influencia del arte primitivo y la simplicidad.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_otZFjSWf5kOBC7ba2EySD-4e8q4m_tDwiTbbb-e7d3g6hmnra_gaTQYGJ7MxICQmTywkeUtMQ8_iev7hO-ZBRcYlVT0NSONucCUC9Hbygs6KvkET7S-29_vBhwK3sAosmBzlH252dYI/s1600/ki.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="496" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_otZFjSWf5kOBC7ba2EySD-4e8q4m_tDwiTbbb-e7d3g6hmnra_gaTQYGJ7MxICQmTywkeUtMQ8_iev7hO-ZBRcYlVT0NSONucCUC9Hbygs6KvkET7S-29_vBhwK3sAosmBzlH252dYI/s640/ki.jpg" width="640" /></a></div>
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Kirchner: <i style="font-weight: bold;">Tres desnudos en un bosque. </i>Wilhelm-Hack Museum. Ludwigshafen</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMJsPLcH4pZr7QYF9_1pKwtSkmbw8bcLVS30qpAMnfRfSlWl0qyS4SoECZS83MJ2yfMDdjv2NNTjjmjD4PPPBvOyRExagbrvQM_vfK56nCSDkmYhqhfPFFGgmfwmIeuY7ZiNGCmWz6ApM/s1600/no.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMJsPLcH4pZr7QYF9_1pKwtSkmbw8bcLVS30qpAMnfRfSlWl0qyS4SoECZS83MJ2yfMDdjv2NNTjjmjD4PPPBvOyRExagbrvQM_vfK56nCSDkmYhqhfPFFGgmfwmIeuY7ZiNGCmWz6ApM/s640/no.jpg" width="456" /></a></div>
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Nolde: <i style="font-weight: bold;">La bailarina gitana. </i>Colección particular</div>
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<br /></div>
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<b>El Jinete Azul</b></div>
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<b><br /></b></div>
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El siguiente paso de la pintura expresionista lo representa El Jinete Azul o <i>Der Blaue Reiter</i>, un grupo formado a finales de 1911 en torno a una figura clave dentro del arte: Kandinsky. A diferencia de El Puente, el grado de cohesión alcanzado por los integrantes de El Jinete Azul fue muchísimo menor y mostraron un mayor interés por los aspectos estéticos y una menor preocupación por los problemas sociales. <i style="font-weight: bold;">Wasily Kandinsky </i>(1866-1944) era de origen ruso, aunque la mayor parte de su obra se desarrolló en Alemania. Toma como referencia la pintura figurativa para llegar a <b>la abstracción</b>, una tendencia artística que aparece en el siglo XX y que consiste en el abandono del arte figurativo fundamentado en la representación más o menos objetiva de lo que nos rodea. El arte abstracto convierte las formas, los colores y la línea en protagonistas indiscutibles. Dentro de la abstracción es posible distinguir dos corrientes. Por un lado una, que representa muy bien Kandinsky, en la que se intenta plasmar emociones, y otra más fría, incluso se podría calificar como matemática, de rigor geométrico, representada por el Constructivismo ruso. Los amplios conocimientos de Kandinsky sobre música influyeron decisivamente en su modo particular de entender la pintura. Para él, la pintura y <b>la música </b>estaban íntimamente relacionadas. Incluso llegó a hacer un estudio sobre la coloración de los sonidos. El color influye en el espíritu, es la tecla y el ojo el percutor que golpea el alma. Cada color tiene para él un sentido diferente. El azul aleja y llama al hombre al infinito, el verde es el equilibrio entre el azul y el amarillo, el blanco el silencio y el negro la nada. Cada uno de sus cuadros es una sinfonía cromática, pura música visual. El arte, y esto es un concepto bastante novedoso dentro de la pintura, no es una mera representación de objetos sino que sus cuadros se constituyen con forma y color. El propio autor clasifica sus obras en tres grupos: las <b>Impresiones</b>, que toman como punto de partida una impresión captada directamente de la Naturaleza, las <b>Improvisaciones</b>, puramente formales e inconscientes, y las <b>Composiciones</b>, en las que el punto de partida es un sentimiento que el pintor elabora construye de forma laboriosa. En El Jinete Azul se defendió cualquier manifestación artística caracterizada por la espontaneidad: el arte primitivo, el arte de los niños, de los enajenados mentales, el arte <i>naïf </i>en definitiva, "inventado" por <i style="font-weight: bold;">Henry Rousseau</i> (1844-1910) llamado <i style="font-weight: bold;">le douanier </i>_<b>el aduanero</b>_, por haber sido su padre agente de aduanas, y fue rechazado duramente por muchos pero defendido por Kandinsky.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgV_dGhjunhakx33ZByFlJyTm5ma1-Ld6ZK49qLw0tTLWkYw8YKNWvaIi3i2VMzaIzDK7AywTKtclY_LH50tRcox5yaQtnPzEmnZDUOlycA9tgEhskwnR62B9zvgM5yNra2ohtdxqyuD7k/s1600/pu.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="630" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgV_dGhjunhakx33ZByFlJyTm5ma1-Ld6ZK49qLw0tTLWkYw8YKNWvaIi3i2VMzaIzDK7AywTKtclY_LH50tRcox5yaQtnPzEmnZDUOlycA9tgEhskwnR62B9zvgM5yNra2ohtdxqyuD7k/s640/pu.jpg" width="640" /></a> </div>
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Kandinsky: <i style="font-weight: bold;">Sobre las puntas. </i>Centro Georges Pompidou. París</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1iCh0Syn4QX1EIjpy70ZirvUQsvUWfAEYptLJwp3vzMN0hncrmBxzf4mvqO_Jnzsu2ctJCjzuOrW-Ktmx4ZZOfd-1nudezeeen4eoNHAY-8mlbm8ZnXpe6eUuXZW0jsMyEvt_z0P2ToQ/s1600/mos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1iCh0Syn4QX1EIjpy70ZirvUQsvUWfAEYptLJwp3vzMN0hncrmBxzf4mvqO_Jnzsu2ctJCjzuOrW-Ktmx4ZZOfd-1nudezeeen4eoNHAY-8mlbm8ZnXpe6eUuXZW0jsMyEvt_z0P2ToQ/s640/mos.jpg" width="616" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Kandinsky: <i style="font-weight: bold;">Moscú I. </i>Museo Guggenheim. Nueva York</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjF9_sh46s2PabDF-1xxb2aMTC0Jas0oVjM0UNeFu2qN6tlaegg5oqh-BRsjUX00VWyjw1qryfbpmr93LvwxFBYqLicZ5BNAQzakUpp8sqYktE0YR6P1EYQrXXTQbkfsCd8HDTBszOPqeg/s1600/ka.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="402" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjF9_sh46s2PabDF-1xxb2aMTC0Jas0oVjM0UNeFu2qN6tlaegg5oqh-BRsjUX00VWyjw1qryfbpmr93LvwxFBYqLicZ5BNAQzakUpp8sqYktE0YR6P1EYQrXXTQbkfsCd8HDTBszOPqeg/s640/ka.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Kandinsky: <i style="font-weight: bold;">Amarillo, rojo y azul. </i>Colección de Nina Kandinsky. París</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCvK4INsMKMS8_MEF01qWZKZo_v4iZmYfeXsGRJja9QuU8E1KFdDUbxAQ60DdZqPAujCKTX6RgJZWTnAd-zl9Ti9sujOrh4RShT19yvl349LFs-KTem4hizHYZZ35vSt1MbIXdnsZKuB0/s1600/gi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="424" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCvK4INsMKMS8_MEF01qWZKZo_v4iZmYfeXsGRJja9QuU8E1KFdDUbxAQ60DdZqPAujCKTX6RgJZWTnAd-zl9Ti9sujOrh4RShT19yvl349LFs-KTem4hizHYZZ35vSt1MbIXdnsZKuB0/s640/gi.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Rousseau: <i style="font-weight: bold;">La gitana dormida. </i>Museo de Arte Moderno. Nueva York</div>
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<br /></div>
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Otro destacado miembro del Jinete Azul es <i style="font-weight: bold;">Alexei Jawlensky </i>(1864-1941), muy próximo al Fauvismo por sus colores estridentes u de sus formas angulosas. <i style="font-weight: bold;">Franz Marc </i>(1880-1916) fue colaborador de Kandinsky y definía el arte como la fusión de alma y naturaleza. La mayor parte de sus cuadros están protagonizados por animales de colores arbitrarios y formas ondulantes. <i style="font-weight: bold;">August Macke </i>(1887-1914) llena sus lienzos de colores brillantes y luminosos, de animales y paisajes que simplifica descomponiendo, sin llegar al Cubismo, en formas geométricas. Estaba bastante influido por la pintura de Delaunay.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgunSS1xlKYueq7rF2S5yNX5lLNYB5YSTnCMroOWFDRqJlvcF1fXH7torslz5_QOtaxOAY_XkNoHtRDbN3epppLEaACKBZYNy_PRrrQxrhaApmqlNtP7KCkgCFOqaAw1N0Nf9ZlHYHOxvE/s1600/cer.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="353" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgunSS1xlKYueq7rF2S5yNX5lLNYB5YSTnCMroOWFDRqJlvcF1fXH7torslz5_QOtaxOAY_XkNoHtRDbN3epppLEaACKBZYNy_PRrrQxrhaApmqlNtP7KCkgCFOqaAw1N0Nf9ZlHYHOxvE/s640/cer.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Marc: <i style="font-weight: bold;">El cervatillo. </i>Museo de Bellas Artes. Málaga</div>
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<br /></div>
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El Expresionismo está representado en Austria por <i style="font-weight: bold;">Oscar Kokoschka </i>(1886-1980), un autor independiente que posee un estilo muy personal difícil de calificar. No le interesa la definición de las formas, prefiere los contornos borrosos y movidos. Su pincelada es pastosa y ondulante por influencia de Van Gogh, incluso en ciertas ocasiones, aplica la pintura directamente del tubo. Una de sus obras más interesantes es <i>La novia del viento</i> (1914) que es un autorretrato con Alma Mahler, a la que se había unido en 1911, año de la muerte de Gustav, esposo de ésta.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifp4s5urSZdZ67fdG2VvWUkf0wzEOGAtRqlfQntXj3zz9QL9eP_LKB6WUdS217zFX1p8LsiZ6EW9zipSUlCnKiivLflfUndPqUWE1cfoY5pkS8e_hlguJVRkdrY5Pw8RFmUKN4NY00oxw/s1600/pol.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="448" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifp4s5urSZdZ67fdG2VvWUkf0wzEOGAtRqlfQntXj3zz9QL9eP_LKB6WUdS217zFX1p8LsiZ6EW9zipSUlCnKiivLflfUndPqUWE1cfoY5pkS8e_hlguJVRkdrY5Pw8RFmUKN4NY00oxw/s640/pol.jpeg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Kokoschka: <i style="font-weight: bold;">Pol Perro. </i>Tate Gallery. Londres</div>
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<br /></div>
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<b>La escultura expresionista</b></div>
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<b><br /></b></div>
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La escultura expresionista, lo mismo que la pintura, trató de reflejar la soledad y la angustia del hombre del mundo moderno. En este sentido se desarrolló la obra de <i style="font-weight: bold;">Wilhelm Lehmbruck </i>(1881-1919) influido durante los primeros años por Meunier y Rodin. Sus estilizados personajes, generalmente mujeres, aparecen aislados, reflexivos y marcados por una cierta melancolía. <i style="font-weight: bold;">Ernst Barlach </i>(1870-1938) era de origen alemán, pero hay que incluir en su biografía una estancia en Rusia durante la que conoció la rústica escultura gótica de este país y aprendió a trabajar la madera, que se convertiría en uno de sus materiales favoritos. Tuvo que enfrentarse a la oposición de los nazis que calificaban sus obras como "arte degenerado".</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Alberto Giacometti </i>(1901-1966) es el mejor representante de la escultura expresionista. Se inició en la escultura de la mano de Bourdelle, en Francia. Fue, además, un gran conocedor de la escultura africana y cubista. Estuvo bastante vinculado al Surrealismo. Sus figuras son extremadamente estilizadas y se encuentran solas, dispuestas en el espacio, sin conexión alguna con su entorno. Cuando aparecen en grupos lo hacen sin relacionarse entre sí. Recurre a la estilización para expresar, a través de la pérdida de materia, los espíritus desgarrados y doloridos del hombre del momento. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsexJF2bvMxefA3NYYuDpM7wcsbtYtI0XKMuVGk6g5GfneHaVgvTUGKAggubIgQ0eilY1jMjbncDxMqJq1BDPCNmwivwh1FJD3l2i2mw-d2h1DY8DP8pTYdxDtty7_TCX9t3VXgwjQHQw/s1600/mu.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsexJF2bvMxefA3NYYuDpM7wcsbtYtI0XKMuVGk6g5GfneHaVgvTUGKAggubIgQ0eilY1jMjbncDxMqJq1BDPCNmwivwh1FJD3l2i2mw-d2h1DY8DP8pTYdxDtty7_TCX9t3VXgwjQHQw/s640/mu.jpg" width="512" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Giacometti: <i style="font-weight: bold;">Mujer de pie. </i>Museo Guggenheim. Nueva York</div>
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<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
</div>
</div>
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<b><span style="font-size: large;">1.3. El Cubismo</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b>
<br />
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<b><span style="font-size: medium;">La pintura</span></b></div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Lo mismo que había sucedido con el Fauvismo, el nombre de Cubismo es una creación del crítico Louis Vauxcelles, cuando al comentar uno de los cuadros de Braque afirmó: "Braque maltrata las formas, lo reduce todo _lugares, figuras y casas_ a esquemas geométricos, a cubos". El punto de partida del Cubismo es el cuadro de Picasso <i>Las señoritas de Aviñón</i>, pintado en París en el año 1907. En la pintura de Cézanne ya se percibía esta tendencia a dividir, a descomponer los objetos en formas geométricas que los cubistas llevarán a sus máximas consecuencias. Se plantea uno de los problemas clásicos de la pintura desde el Renacimiento, al que se aporta una solución absolutamente innovadora que clausura estas preocupaciones: el Cubismo renuncia a la profundidad.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Los cubistas reflejan en sus cuadros todas las maneras de ver un objeto de manera simultánea, se combinaba la visión de perfil y de frente como ya lo habían hecho los egipcios, poniendo fin a la idea de que en el cuadro existe un único punto de vista. Los temas preferidos por los cubistas son aquellos que les permiten trabajar libremente, ensayar sus teorías, por ello prefieren representar objetos (pipas, botellas, frutas, instrumentos musicales, retratos, etc.).</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Podemos distinguir tres momentos diferentes en el Cubismo: analítico, hermético y sintético. <b>El Cubismo analítico</b> descompone la figura en superficies de formas geométricas de colores planos que se denominan <b>facetas</b>. En <b>el Cubismo hermético</b> las facetas son de un pequeñísimo tamaño y se plantean grandes dificultades para reconocer el objeto representado. Y, por último <b>el Cubismo sintético</b> es aquel en el que se incluyen nuevos materiales, es decir, se emplea el <i>collage</i>. Los cubistas más representativos son Picasso (del que nos ocuparemos más tarde), Braque y Juan Gris.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Georges Braque </i>(1882-1963) empezó pintando cuadros impresionistas, más tarde pasó por una fase fauvista y, finalmente, tras descubrir a Cézanne y hacerse amigo de Picasso, entró a formar parte de esta corriente. Dentro del Cubismo, Braque encontró su verdadera identidad artística. Son muy característicos de este pintor los cuadros de naturalezas muertas sobre una pequeña mesa redonda y las canéforas _mujeres que portan frutas_ tema de origen clásico. Braque es un pintor que ejerció una influencia decisiva en el arte contemporáneo abriendo el camino para la llegada de la abstracción.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZZ6u_NDJSVhvI9ZPOBDvXjP2n_n3kl4UuRDVbjbwnP5LH_HfpLhXJXhX5U4YX_augryFxnRcjMGIvPI6IypAlul4HxBTX4UVlvSy3Hqnmvr3h2LZKe5kIUIKpNj92fXtPQrRnKLbOyck/s1600/le.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="508" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZZ6u_NDJSVhvI9ZPOBDvXjP2n_n3kl4UuRDVbjbwnP5LH_HfpLhXJXhX5U4YX_augryFxnRcjMGIvPI6IypAlul4HxBTX4UVlvSy3Hqnmvr3h2LZKe5kIUIKpNj92fXtPQrRnKLbOyck/s640/le.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Braque: <i style="font-weight: bold;">Naturaleza muerta: le jour. </i>National Gallery of Art. Washington</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Juan Gris </i>(1887-1927) es el pseudónimo de José Victoriano González, artista que durante cierto tiempo vivió en París. Su amistad con Picasso le condujo a la pintura cubista. En la primera etapa de su obra podemos hablar de la descomposición del objeto sin llegar al extremo del Cubismo hermético. Más tarde, se interesará por la utilización del papel en sus pinturas. A medida que vaya evolucionando, su estilo se irá haciendo más sobrio y sencillo. Defendió la idea de una pintura en la que se parta de lo general para llegar a lo concreto: "Cézanne parte de una botella para llegar a un cilindro, mientras que yo, parto del cilindro para llegar a la botella".</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpjy3_8LKUKXqUbhKLbRIb9snHw2-TYmIz4WizgvwWSDkRQ-5lJH4M95y_blGSt-DRHQIda9WczHVDyAdmsa4bbjExiut1Y61V1Qile8dAYPngB8S1s8cZm4v6u9XfQRlXN_y7jv4n9O0/s1600/ga.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="512" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpjy3_8LKUKXqUbhKLbRIb9snHw2-TYmIz4WizgvwWSDkRQ-5lJH4M95y_blGSt-DRHQIda9WczHVDyAdmsa4bbjExiut1Y61V1Qile8dAYPngB8S1s8cZm4v6u9XfQRlXN_y7jv4n9O0/s640/ga.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Juan Gris: <i style="font-weight: bold;">Garrafa y periódico. </i>Norton Gallery of Art. West Palm Beach</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El Cubismo dio origen a una serie de movimientos como el Tubismo y el Orfismo. <b>El Tubismo</b> estaba representado por <i style="font-weight: bold;">Fernand Léger</i> (1881-1955), que partió de la pintura de Cézanne para llegar a un estilo próximo al Cubismo que interpretó bajo un particular punto de vista. Para él, la máquina, la civilización industrial y el mundo del trabajo son los temas esenciales de sus obras: "La belleza está en todas partes, quizás más en el orden de las sartenes y cacerolas colgadas en la blanca pared de la cocina, que en un salón del siglo XVII o en los museos oficiales. Si uno admite ese tipo de juicio estético es posible admitir la belleza de las máquinas". Su cuadro más conocido es <i>La gran parada </i>(1954) en el que los personajes son simples y elementales como meras máquinas desprovistas de cualquier rasgos de humanidad.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh904Ac36saUYcwdPQfeUp3eprmultcX4LPSMuOMVxNmfUIWRLvMZlyjOQQsrQXyerdrb3ObiVXvdlF8AM4zdtGc8qb41QJEk1qLHKS1M7EfjVULQAJ0zHlOCaePqE7SzlUlRtOcoABGjM/s1600/flo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="478" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh904Ac36saUYcwdPQfeUp3eprmultcX4LPSMuOMVxNmfUIWRLvMZlyjOQQsrQXyerdrb3ObiVXvdlF8AM4zdtGc8qb41QJEk1qLHKS1M7EfjVULQAJ0zHlOCaePqE7SzlUlRtOcoABGjM/s640/flo.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Léger: <i style="font-weight: bold;">Mujeres con flores. </i>Tate Gallery. Londres</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>El Orfismo</b> descompone los objetos en figuras geométricas, pero convirtiendo los cuadros en verdaderas explosiones de color (debemos recordar que la pintura cubista empleó una gama cromática bastante pobre, por tanto, en este punto radica la novedad del Orfismo). <i style="font-weight: bold;">Robert Delaunay </i>(1885-1941) encarna a la perfección lo que fue este movimiento, haciendo que el color se convirtiese en el elemento nuclear de su obra (conocía muy bien las teorías sobre el color de Chevreul y Seurat).</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhe0DPQdqD1JajAMTZ8etIMA76l2V5e6BVzZqLcNR2ulgQvTBQc6NDtYVDIafRqvjmGdhVrulhpr9GFAe18xmw0O8lNHe2xM6rLNen28m_NaQMlMizl7KXDwOOKQhkAtWE0g4RZMnDZvss/s1600/cer.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhe0DPQdqD1JajAMTZ8etIMA76l2V5e6BVzZqLcNR2ulgQvTBQc6NDtYVDIafRqvjmGdhVrulhpr9GFAe18xmw0O8lNHe2xM6rLNen28m_NaQMlMizl7KXDwOOKQhkAtWE0g4RZMnDZvss/s640/cer.jpg" width="630" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Delaunay: <i style="font-weight: bold;">El tíovivo de los cerditos. </i>Centro Georges Pompidou. París</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>La escultura </b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La repercusión del Cubismo fue tan intensa que llegó a afectar a la escultura. Dentro de ésta aparece, como objetivo fundamental, la simplificación de los volúmenes que se recomponen según las necesidades de cada caso, alejándose cada vez más de la realidad. La primera expresión de la escultura cubista fue realizada en 1909 por Picasso: <i>Cabeza de mujer</i>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Henri Laurens </i>(1885-1954) se puso en contacto con el Cubismo a través de Braque. En sus obras se suelen repetir los mismos temas: frutas, botellas, instrumentos musicales, etc., de madera o chapa pintada. <i style="font-weight: bold;">Alexander Archipenko</i> (1887-1964) no sólo está interesado por el Cubismo, sino también por la escultura primitiva de África. En algunas de sus obras emplea diferentes materiales como el alambre y el cristal (<i>Medrano 1</i>). Su obra más conocida es <i>Andando </i>(1912) en la que juega con las formas cóncavas y convexas, espacios macizos y vacíos que permiten la introducción del aire, del hueco. Esto debe ser tenido en cuenta ya que es uno de los elementos más transgresores con respecto a la escultura tradicional. <i style="font-weight: bold;">Ossip Zadkine </i>(1890-1967) incorpora al Cubismo una cierta humanización de la que éste carecía, puesto que la expresión del sentimiento no entra dentro del ideario cubista que puede ser considerado como un movimiento puramente formalista. Así lo demuestra en la obra <i>La ciudad destruida </i>(1951-1953), en la ciudad de Rotterdam, en la que aparece un hombre que eleva sus brazos al cielo en señal de ira. <i style="font-weight: bold;">Raymond Duchamp-Villon </i>(1876-1118) roza la abstracción en algunas de sus obras. Por último, <i style="font-weight: bold;">Jacques Lipchitz </i>(1891-1973), que destaca por un análisis profundo de de todas las posibilidades de los volúmenes y, especialmente, de los perfiles. De un modo gradual llegará a una geometrización casi absoluta.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;"><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXWt0zryi0LUzf9218-Lt6tZWFnPmRRdgdY_LBOswEW4z2I23Va61PEjbbd58WS1P0xQAp3rPD5N6EVAsHMe8r9rXEGxdy0M-V79iPXjV193FwvLEPFQ59A6MIheFUMEGyDheug1e4F8Q/s1600/lip.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="388" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXWt0zryi0LUzf9218-Lt6tZWFnPmRRdgdY_LBOswEW4z2I23Va61PEjbbd58WS1P0xQAp3rPD5N6EVAsHMe8r9rXEGxdy0M-V79iPXjV193FwvLEPFQ59A6MIheFUMEGyDheug1e4F8Q/s640/lip.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Lipchitz: <i style="font-weight: bold;">Mujer recostada. </i>Tate Gallery. Londres</div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: medium;"><br /></span></b></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">1.4. Italia: el Futurismo y la pintura metafísica</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">El Futurismo es un movimiento aparecido en 1909 que sólo se prolongó durante siete años. Está dotado de un fuerte contenido ideológico. El 20 de febrero de 1909 Filippo Tommaso Marinetti publica en el periódico <i>Le Figaro </i>el manifiesto en el que se concentran las principales ideas que caracterizan al arte futurista, del que hemos extraído el siguiente fragmento: "Cantaremos el amor al peligro, el hábito de la energía, de la osadía (...). Declaramos que el esplendor del mundo se ha enriquecido de una nueva belleza: la belleza de la velocidad. Un coche de carreras con la carrocería adornada de grandes tubos como sierpes de explosivo aliento (...), un coche rugiendo que parece correr como una ametralladora, es más hermoso que la <i>Victoria de Samotracia</i>". Marinetti desprecia enérgicamente los valores tradicionales y ensalza una nueva sociedad industrial en la que se da primacía a la velocidad, al poder, a la guerra, a la violencia, al patriotismo y al militarismo. Su arte arraigó con fuerza en algunas ciudades del norte de Italia como Milán y Turín.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">En la pintura se trató de plasmar el movimiento, para lo que se representaban las diferentes posiciones que adoptaba un objeto en la trayectoria de su desplazamiento. "Elegimos concentrar nuestra atención sobre cosas en movimiento, porque nuestra sensibilidad moderna está particularmente cualificada para apoderarse de la idea de velocidad. Pesados y potentes coches zumbando en las calles de nuestras ciudades , bailarines reflejados en el mágico ambiente de la luz y el color, aviones volando por encima de las cabezas de la muchedumbre entusiasmada. (...) Esas fuentes de emoción satisfacen nuestra idea de un universo lírico y dramático mejor que dos peras o una manzana".</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNkHUXHThmhAoYUBHBWo5f2iAG-FpdaWShm6x8aeLCnanJghu0Y_aQ3hoNc_kHBxk4bLA5IQnmSRJ4KAnn07GZ6DDYG5-z72h_XnQiHhQ3f6FPD0fkuJt4ttFfxU9ZxPpLsHNPd9sCb0s/s1600/ru.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNkHUXHThmhAoYUBHBWo5f2iAG-FpdaWShm6x8aeLCnanJghu0Y_aQ3hoNc_kHBxk4bLA5IQnmSRJ4KAnn07GZ6DDYG5-z72h_XnQiHhQ3f6FPD0fkuJt4ttFfxU9ZxPpLsHNPd9sCb0s/s640/ru.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Russolo: <i style="font-weight: bold;">Dinamismo de un automóvil. </i>Centro Georges Pompidou. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Umberto Boccioni </i>(1882-1916) pinta <i>La ciudad se despierta</i> (1910) en la que unos caballos realizan grandes empeños por despegar del suelo encarnando los esfuerzos que, diariamente, hacen las ciudades por ponerse en marcha. <i style="font-weight: bold;">Carlo Carrá </i>(1881-1966) realiza <i>El funeral del anarquista Galli</i> (1911), en que recoge las manifestaciones que tuvieron lugar a la muerte de este personaje en una huelga en 1904. <i style="font-weight: bold;">Balla </i>(1871-1958) es, posiblemente, el más interesado por captar el movimiento de todos los pintores futuristas (<i>Dinamismo de un perro atado</i>). <i style="font-weight: bold;">Gino Severini </i>(1883-1966), sin embargo, preferirá los ambientes nocturnos, alegres y luminosos.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjufkD-cuki4Q5-0bLOwfkjxNZNJjX0spxiTApIRtjY61KxhBcaKOwkcys8lVapToz6X5ZnRvoS1oTq8BFgfceaOcuvQWcRtr2SuatnLkQKXNjhjqjp89gEtD-MUnU1ltwFc6U9fw-kmfo/s1600/tab.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjufkD-cuki4Q5-0bLOwfkjxNZNJjX0spxiTApIRtjY61KxhBcaKOwkcys8lVapToz6X5ZnRvoS1oTq8BFgfceaOcuvQWcRtr2SuatnLkQKXNjhjqjp89gEtD-MUnU1ltwFc6U9fw-kmfo/s640/tab.jpg" width="450" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Severini: <i style="font-weight: bold;">Retrato de mujer. </i>Museo de Arte Moderno. Nueva York</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>La pintura metafísica </b>está representada por <i style="font-weight: bold;">Giorgio de Chirico </i>(1880-1978), pintor nacido en Grecia, aunque de orígenes italianos. Después de vivir en varios países quedará deslumbrado por Turín, la ciudad que encarna, con sus plazas y con sus calles, el ideal estético que tantas veces repetirá en sus cuadros. La nota más característica de las pinturas de este autor es la sensación de tranquilidad que se desprende de sus plazas vacías o casi vacías, integradas por simples arquerías que se repiten rítmicamente y que proyectan largas sombras. También son frecuentes en sus cuadros los maniquíes (<i>Héctor y Andrómaca</i>, 1917). Asimismo, se incluye dentro de la pintura metafísica <i style="font-weight: bold;">Giorgio Morandi</i> (1890-1964), gran conocedor de Cézanne, que pintaba bodegones de figuras sencillas y estáticas, de formas limpias y monumentales. En ambos casos podemos decir que son pintores que se encuentran muy al margen de las tendencias del momento y que optan por una pintura más personal y con ciertos rasgos de intemporalidad.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"> </span></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">1.5. La Escuela de París</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Esta denominación sirve para agrupar a un conjunto de artistas que establecen su residencia en París entre los años 1920 y 1940: Modigliani, Soutine, Brancusi, Jean Arp y Chagall son algunos de ellos, aunque en este grupo se podría incluir a muchos otros.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i style="font-weight: bold;">Amedeo Modigliani </i>(1884-1920) dejó una gran cantidad de obras pese a su corta vida. Sus primeros contactos con la pintura proceden de los <i>Macchiaioli</i>, pero una vez que se traslada a París descubre su propia forma de pintar.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Sus obras más características son los retratos y las mujeres desnudas. En ambos casos, las figuras estilizadas aparecen con el rostro de forma ovalada y los ojos a medio pintar, como si se tratase de simples bocetos.</span><br />
<span style="font-size: medium;"><br /></span>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjc2pv3edVQtitcxpWMbU6Bz2X_JTuF81J6IOhZx4N8r3LegMj5qm5jNCn_hxAQJdlpZ344k9VROEND_Th_OBJFOVTFigcuG4YjRrbPvti8frGJt4xaCRjGYa_tWkvSI-gBdpbj9_HSVgw/s1600/mod.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjc2pv3edVQtitcxpWMbU6Bz2X_JTuF81J6IOhZx4N8r3LegMj5qm5jNCn_hxAQJdlpZ344k9VROEND_Th_OBJFOVTFigcuG4YjRrbPvti8frGJt4xaCRjGYa_tWkvSI-gBdpbj9_HSVgw/s640/mod.jpg" width="476" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Modigliani: <i style="font-weight: bold;">Retrato de una joven. </i>Colección particular</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Chaïm Soutine </i>(1893-1943) estaba dominado por el pesimismo y la duda artística. Trató de transmitir la emoción a través de una pincelada enérgica y vigorosa que nos conduce al Expresionismo. Sus temas más frecuentes son las naturalezas muertas (<i>El buey desollado</i>, 1925, siguiendo el ejemplo de Rembrandt) y el retrato (<i>El botones</i>).</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Marc Chagall </i>(1887-1985) es un judío de origen ruso. De su religión procede buena parte de los elementos que configuran su iconografía personal.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Aunque hay muchos autores que han considerado su obra como pintura <i>naïf</i> por su fuerte dosis de ingenuidad, resulta mucho más adecuado hablar de sobrenatural, tal como la calificaría Apollinaire.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En ella es posible percibir una cierta inocencia, un cierto candor en el modo en que combina las imágenes que le obsesionan. Frente a la descentralizada esperanza y desánimo que caracteriza a los pintores de nuestro siglo, la pintura de Chagall es una explosión de color, una exaltación de la vida y del amor. Sólo a partir de la muerte de su compañera y musa, Bella, se inicia en un período en su producción que se acerca a la melancolía.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjS3ntDGs05nIzXOrY5Pybmy6c80GuzN3HTaltrTCiQa8x0CEKS7EQnm_XX2Bb8PZ6QdKtIrK5gPs5ni4XHdP_s_BZZ7w4cXgBu-4SS3hfZVUN7GtOF0UOwdWXQbJk5RqGr0MqIUlxjvwg/s1600/pro.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjS3ntDGs05nIzXOrY5Pybmy6c80GuzN3HTaltrTCiQa8x0CEKS7EQnm_XX2Bb8PZ6QdKtIrK5gPs5ni4XHdP_s_BZZ7w4cXgBu-4SS3hfZVUN7GtOF0UOwdWXQbJk5RqGr0MqIUlxjvwg/s640/pro.jpg" width="614" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Chagall: <i style="font-weight: bold;">La Promenade. </i>Museo del Ermitage. San Petersburgo</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>La escultura </b>está representada en la Escuela de París por Jean Arp y Brancusi, dos escultores muy interesados por la forma. <i style="font-weight: bold;">Brancusi</i> (1876-1957) es uno de los grandes escultores del siglo XX. Este genial rumano estudió en la Escuela de Bellas Artes de París, ciudad en la que conoció en profundidad la obra de Rodin.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En su trayectoria profesional se detuvo en la búsqueda de la esencia de las cosas, como queda perfectamente expresado en <i>Pájaro en el espacio</i> (1919-1940) del que existen 20 versiones. Empleó diversos materiales, tanto el mármol como la madera o el bronce, respetando siempre las cualidades de cada material que trabajaba con sus propias manos: "Era el verdadero camino de la escultura". Son muy corrientes las esculturas de forma ovoide como <i>Mademoiselle Pogany </i>(1913-1933) o <i>El recién nacido </i>(1915-1920). Durante algún tiempo estuvo influido por la escultura primitiva, como ya hemos visto en otros muchos casos (<i>El beso</i>, 1912).</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjm8PPZ6O866eLoaKJlwbFffgGxgAxgMMFy_vq362zW2gu18_H3rKTnXTYoZWVRC_5hxRnyy-2Lx272oA6vE2Q38WyZEwev1eaeTzlXvef-Agvn3h4kLP4pesep12EY8aOauKxRMkuXTyQ/s1600/bra.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjm8PPZ6O866eLoaKJlwbFffgGxgAxgMMFy_vq362zW2gu18_H3rKTnXTYoZWVRC_5hxRnyy-2Lx272oA6vE2Q38WyZEwev1eaeTzlXvef-Agvn3h4kLP4pesep12EY8aOauKxRMkuXTyQ/s640/bra.jpg" width="458" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Brancusi: <i style="font-weight: bold;">Mademoiselle Pogany II. </i>Museo de Arte Moderno. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Jean Arp </i>(1887-1966) trabajó durante mucho tiempo en dos dimensiones creando formas planas y ondulantes realizadas en madera (<i>Pechera de camisa y tenedor</i>). En muchos aspectos está bastante próximo al Dadaísmo y al Surrealismo. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">2. EL PERÍODO DE ENTREGUERRAS</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">2.1. El Dadaísmo</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">El principal teórico del Dadaísmo es <i style="font-weight: bold;">Tristan Tzara </i>(1896-1963). El movimiento dadá surge en Zúrich en 1915 y finaliza en 1919. Sobre este término, Tristan Tzara decía: "Dadá no significa nada, es un producto de la boca". El grupo de artistas que participó de esta vanguardia se solía reunir en un café llamado el <i>Cabaret Voltaire </i>que se anunciaba en el periódico invitando a todos los inconformistas a reunirse en él. Los dadaístas eran transgresores que buscaban una ruptura definitiva con el arte tradicional, propósito que pretenden alcanzar mediante la aportación de nuevas técnicas y elementos novedosos como el </span><i>ready-made</i>, el fotomontaje y el <i>collage</i>.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Francis Picabia </i>(1879-1953) empezó pintando cuadros impresionistas pero, tras su viaje a Nueva York, ciudad en la que conoce a Duchamp, pinta <i>Veo otra vez el recuerdo de mi querida Udnie </i>(1914), claro exponente dadaísta. La máquina es una parte fundamental de la obra de este pintor, que se representa entendida como una amenaza y no de forma elogiosa, como la interpretaba Léger. Las máquinas aparecen en los cuadros como seres independientes capaces de desenvolverse por sí mismos. <i style="font-weight: bold;">Marcel Duchamp </i>(1887-1968) realizó algunos cuadros como <i>El desnudo bajando una escalera </i>(1912) aunque prefirió el <i>ready-made</i>, que desvinculaba al objeto de su función tradicional y le otorga, por su nueva e inusual ubicación o título, un significado y una dimensión artística de la que en un principio carecía. Se burló abiertamente de muchos aspectos del arte del pasado y lo puso en tela de juicio como en su obra <i>L.H.O.O.Q.</i>, en la que se puede ver a <i>La Gioconda </i>de Leonardo con un bigote. Esta obra ha sido tomada por muchos como la muestra más emblemática del Dadaísmo. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDeyKy0YpuK2m_Mara7NOVpSc3FLOWf3YHaIMTqwM_a4qfdgctxtFixap_C9amWctb8OrFYO7YWePhFAITUzMa_NzJTccq_jJBB-Elpf3akFaL1DBDIlfq98c0bg2XCdMhiTMh2e-x6MA/s1600/des.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDeyKy0YpuK2m_Mara7NOVpSc3FLOWf3YHaIMTqwM_a4qfdgctxtFixap_C9amWctb8OrFYO7YWePhFAITUzMa_NzJTccq_jJBB-Elpf3akFaL1DBDIlfq98c0bg2XCdMhiTMh2e-x6MA/s640/des.jpg" width="388" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Duchamp: <i style="font-weight: bold;">Desnudo bajando una escalera. </i>Museo de Arte. Filadelfia</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En Colonia, el Dadaísmo está representado por el pintor alemán <i style="font-weight: bold;">Max Ernst </i>(1891-1976) quien empleó frecuentemente la técnica del <i>collage</i> y realizó numerosas aportaciones tanto al Surrealismo como al Expresionismo abstracto.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjH5f_SHcDP2A512_SXMaz8pgLiSxeGzcCT6hU78k3So3E_d_wLidx_JK0hVj5pTwHk_PlJYFtJiRfrNLe3gxhC9scEOAR_BSuuShrY-fqEzThkocpZ8RyIVzrxOnCnnoyLF9hl1Xk_Khw/s1600/surr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="582" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjH5f_SHcDP2A512_SXMaz8pgLiSxeGzcCT6hU78k3So3E_d_wLidx_JK0hVj5pTwHk_PlJYFtJiRfrNLe3gxhC9scEOAR_BSuuShrY-fqEzThkocpZ8RyIVzrxOnCnnoyLF9hl1Xk_Khw/s640/surr.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Max Ernst: <i style="font-weight: bold;">Pintura surrealista. </i>Colección particular</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">2.2. El Surrealismo</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">El Surrealismo es un movimiento literario y artístico que surge después de la Primera Guerra Mundial y que se da a conocer mediante la publicación en París en 1924 del <i>Manifiesto surrealista </i>de André Breton. No se circunscribe solamente al campo de la pintura, sino que fue una filosofía que afectó a otras muchas manifestaciones artísticas como el cine, dentro del cual sobresalió el cineasta español Luis Buñuel. Lo mismo que sucedía en el caso del Dadaísmo, el germen del Surrealismo está en un cierto inconformismo, una insatisfacción que, en este caso, se orienta a la creación de un mundo onírico en el que se desprecia el dominio de la razón y las leyes de la lógica y se invita a la liberación del subconsciente. En su nacimiento tuvieron bastante peso las teorías de Freud, el Dadaísmo, la pintura metafísica de Giorgio de Chirico, Goya y El Bosco. El Surrealismo aportó ciertas novedades técnicas como el <i>frottage</i>, el <i>collage</i> y el automatismo.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQk4qEXhUjDW2zstLK_wxQruOZcWjW5ORyKlp5OVUsv02HOYUj_4Mu6ZHajkMCv8r4eoJr7fBPPUD6ZWfQLiuvDuJHZLNF3Ik1MhOP5o9BRhOGIaqmcUirfGi2kOnOmvkxRhz8gEeKtvw/s1600/chi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQk4qEXhUjDW2zstLK_wxQruOZcWjW5ORyKlp5OVUsv02HOYUj_4Mu6ZHajkMCv8r4eoJr7fBPPUD6ZWfQLiuvDuJHZLNF3Ik1MhOP5o9BRhOGIaqmcUirfGi2kOnOmvkxRhz8gEeKtvw/s640/chi.jpg" width="518" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Giogio de Chirico: <i style="font-weight: bold;">El mal genio de un rey. </i>Museo de Arte Moderno. Nueva York</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Dentro del Surrealismo es posible distinguir dos grupos diferentes. Por un lado, encontramos a los pintores abstractos que crean sus propios universos iconográficos tomando como punto de partida el subconsciente. Dentro de este grupo se encuentran Miró, André Masson, Max Ernst e Ives Tanguy. Por otro lado, están aquellos que realizan una pintura figurativa basada en la asociación extraña e inusual de imágenes. En este caso se encuentran Dalí, Magritte, Paul Delvaux y Óscar Domínguez.</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Yves Tanguy </i>(1900-1955) se caracteriza por los paisajes imaginarios y desolados, plagados de formas óseas que proyectan en los suelos grandes sombras y horizontes lejanos detrás de los que le gustaba imaginar qué podría existir. Tanguy es un gran improvisador: "Encontré que si planteaba un cuadro de antemano, este no me sorprendería nunca, y la sorpresa es un gran placer en la pintura". <i style="font-weight: bold;">André Masson </i>(1896-1987) refleja en sus obras su personalidad agresiva a través del dibujo rápido y espontáneo. La inmediatez de su pintura y la voluntad de expresar todo el desencanto que hay en su interior inspirará a pintores posteriores como Pollock.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En Bélgica podemos encontrar a <i style="font-weight: bold;">René Magritte </i>(1898-1967), quien descubrió su concepto pictórico al contemplar la obra de Chirico. Sus cuadros están repletos de metáforas visuales cuyas claves interpretativas suelen esconderse tras el título de las obras. En ellas resulta muy difícil definir los límites entre la realidad y la ficción. Son muy características de sus cuadros las nubes algodonosas que repite hasta la saciedad. <i style="font-weight: bold;">Paul Delvaux, </i>nacido en 1897 y fallecido en 1994, es otro representante de la pintura surrealista belga. Los temas más frecuentes de sus grandes lienzos son los desnudos femeninos de canon clásico. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwpZdcY0CB0gEGJI8HlxlaZUGQn_g3keiGamuilrDGxCajhvEZBBRha9v4ajqKfIa0XMY1cXmeRwzdeqUBi2sBw4hb-5Pl-M6m2t0twDagwfywjLn_fIE7F6kxqFFmu2O-mge0tcalbwE/s1600/am.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="470" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwpZdcY0CB0gEGJI8HlxlaZUGQn_g3keiGamuilrDGxCajhvEZBBRha9v4ajqKfIa0XMY1cXmeRwzdeqUBi2sBw4hb-5Pl-M6m2t0twDagwfywjLn_fIE7F6kxqFFmu2O-mge0tcalbwE/s640/am.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Magritte: <i style="font-weight: bold;">Los amantes. </i>Colección Zeisler. Nueva York</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"> </span></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">2.3. El arte soviético: el Suprematismo y el Constructivismo</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Rusia va a experimentar en esta época un importante despegue desde el punto de vista artístico. Una de las figuras más geniales que aparecieron fue <i><b>Kasimir Malevich </b></i>(1878-1935), creador del <b>Suprematismo </b>o "el mundo de la no representación", como él lo denominó en su manifiesto, realizado conjuntamente con el poeta Maiakovsky. En el texto proponía que el artista se librarse de cualquier finalidad en el arte y que se dejase guiar tan sólo por su propia sensibilidad plástica. No comprendía el motivo por el cual el arte debía reproducir las formas de la naturaleza. El color más representativo dentro de su pintura es el blanco y la forma a la que en más ocasiones recurrió el cuadrado. Los colores son absolutamente planos, no hay gradación tonal alguna, por lo que se rompe definitivamente con la idea de profundidad que había imperado en la pintura occidental hasta este momento. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b>El Constructivismo </b>es un término empleado en el año 1913 por el crítico Punin para referirse a una obra de Tatlin, uno de los miembros de este movimiento. En este caso la pintura, el arte en general, es interpretada como mecanismo de transmisión de una ideología determinada, una manera para ayudar a evolucionar a la sociedad. <i><b>Vladimir Tatlin </b></i>(1885-1953) es uno de los artistas más representativos dentro del movimiento. Entre sus obras se encuentra el proyecto para un monumento a la Tercera Internacional consistente en una torre metálica helicoidal e inclinada con paredes de vidrio.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">En la escultura destacaron <i style="font-weight: bold;">los hermanos Pevsner</i>, Naum Gabo (1902-1983) y Antoine (1888-1962). Emplearon para sus obras nuevos materiales como el nailon, filamentos metálicos y plexiglás, con los que crearon estructuras geométricas rigurosamente calculadas en las que la luz y el movimiento (ellos crearon la primera escultura que se movía) desempeñaban un papel determinante.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNJO7G-I63vDsZciZEoNC9FigNmIz0goRGjihCD1dV2MdUYiQCK6zDGozlysQGT5i1airEmA1VV7BXhUXm5Gthr7rhIb88wlGt5VhRiQ4c9xS9ZMxNfO3XVuqQeO5GGDsY7yfLf8ZL2Tk/s1600/pev.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="586" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNJO7G-I63vDsZciZEoNC9FigNmIz0goRGjihCD1dV2MdUYiQCK6zDGozlysQGT5i1airEmA1VV7BXhUXm5Gthr7rhIb88wlGt5VhRiQ4c9xS9ZMxNfO3XVuqQeO5GGDsY7yfLf8ZL2Tk/s640/pev.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Antoine Pevsner: <i style="font-weight: bold;">Maqueta del monumento a la liberación del espíritu. </i>Tate Gallery. Londres</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">2.4. El Neoplasticismo y la escuela <i>Bauhaus</i></span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><i><br /></i></span></b>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b>El Neoplasticismo </b>nace en Holanda en el segundo decenio del siglo XX, al mismo tiempo que la revista <i>De Stijl</i>. Mondrian, principal exponente del Neoplasticismo, lo define muy bien en su ensayo <i>El Neoplasticismo en el arte pictórico</i>: "la abstracción de todas las formas y todos los colores, o sea, en las líneas rectas y en los colores primarios netamente definidos". Los cuadros de <i style="font-weight: bold;">Piet Mondrian</i> (1872-1944) son entramados de líneas negras perfectamente trazadas que encierran espacios de colores planos y generalmente primarios como el rojo, el azul o el amarillo. En estos cuadros las líneas horizontales son equivalentes a la tensión vida-muerte, mientras que las verticales son las que hacen referencia a los hechos orgánicos. Otro importante miembro de esta corriente fue <i style="font-weight: bold;">Theo van Doesburg </i>(1883-1931), artista muy vinculado a la <i>Bauhaus</i>.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUnD7xUmQBq3B5wf7w_pPYG61SGThhD1QkUQiHO6zd6y12g_ccUZGxHHrwdQOlumQTQ-DNC8wB7bzq39LVWU2JjNWVL9Hd2xg4FeVibimOVFQJHZ4BWjFFM6MdPLkOrCW72hBnZsJ1OXY/s1600/ta.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUnD7xUmQBq3B5wf7w_pPYG61SGThhD1QkUQiHO6zd6y12g_ccUZGxHHrwdQOlumQTQ-DNC8wB7bzq39LVWU2JjNWVL9Hd2xg4FeVibimOVFQJHZ4BWjFFM6MdPLkOrCW72hBnZsJ1OXY/s640/ta.jpg" width="602" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Mondrian: <i style="font-weight: bold;">Tableau I. </i>Colección particular.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">La Bauhaus</i>, que ya ha sido analizada anteriormente, desempeñó un importante papel en el campo de la pintura. En su seno destacó como profesor Kandinsky, quien durante estos años vio cómo su obra se iba haciendo cada vez más geométrica. <i style="font-weight: bold;">Paul Klee </i>(1879-1940) estuvo bastante ligado al grupo El Jinete Azul. A partir de su llegada a la <i>Bauhaus</i>, sus cuadros comienzan a adquirir mayor encanto, a reflejar imágenes ingenuas, casi infantiles y misteriosas de vivos colores. Klee es un pintor entre la abstracción y el arte figurativo, cuya obra recuerda, en muchos sentidos, a la pintura de Miró.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFwid21hevF-JWB99m8y87O4BJNZ_kx7-2W5SVDZ7zxNVFqufuMsntWkhDPew4E5E1gqKotLZCD5qACBesThe_ijhYfrRrr3P1HCrvHy9Oa-wK_DZZEpB3H75seBGp1U-AAfWSfOYrmks/s1600/se.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFwid21hevF-JWB99m8y87O4BJNZ_kx7-2W5SVDZ7zxNVFqufuMsntWkhDPew4E5E1gqKotLZCD5qACBesThe_ijhYfrRrr3P1HCrvHy9Oa-wK_DZZEpB3H75seBGp1U-AAfWSfOYrmks/s640/se.jpg" width="584" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Paul Klee: <i style="font-weight: bold;">Senecio. </i>Museo de Arte. Basilea</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjaMmv_sS2UClnD4s5BNyF0hbnVO5nYcUIAXlo2W_rJEYoePq9KYjhS0gZ1JTBy_f46BoSvL84Agbbazt_PyQ7SCEDUMa-r-MdWsAsE2fY7FFM__odXZ5mAG_Fa2Vo3CTSnMjvwoFkxGRA/s1600/ja.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="504" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjaMmv_sS2UClnD4s5BNyF0hbnVO5nYcUIAXlo2W_rJEYoePq9KYjhS0gZ1JTBy_f46BoSvL84Agbbazt_PyQ7SCEDUMa-r-MdWsAsE2fY7FFM__odXZ5mAG_Fa2Vo3CTSnMjvwoFkxGRA/s640/ja.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Paul Klee: <i style="font-weight: bold;">Jardín oriental. </i>Museo de Arte Moderno. Nueva York</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"> </span></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">3. LAS ÚLTIMAS TENDENCIAS</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">3.1. El Expresionismo abstracto o el Informalismo</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">El Informalismo aparece en Europa, Estados Unidos y Japón en torno a los años cincuenta. Está marcado por la irracionalidad y es la expresión del desaliento y la angustia que siguió a la Segunda Guerra Mundial. Supone, además, el rechazo a la razón y defiende la expresión en la obra de arte, en este sentido, tiene bastantes cosas en común con el Expresionismo. En el Informalismo hay mucho de protesta e inconformismo como ya había sucedido en el Dadaísmo. Se incorporan materiales tradicionalmente considerados extrapictóricos como el plástico, tierra, paja, otros materiales de desecho, mallas metálicas, botes, maderas y fragmentos cerámicos. Los artistas prefieren los grandes formatos, ya que consideran que sus efectos en el espectador son más eficaces. La obra constituye una expresión del interior del individuo y como tal no persigue la plasmación de la belleza; la pintura se concibe como un vehículo para transmitir el desaliento que apresa a un importante grupo de pintores. Para ello, los informalistas recurren a técnicas que ya utilizaron los surrealistas como el <i>dripping</i>. Además, los pintores informalistas, en la mayoría de los casos, no programan ni premeditan lo que van a pintar, sino que improvisan, reflejan en esa superficie lo que en ese mismo instante sienten, de tal modo que la pintura se convierte en una liberación para el subconsciente.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">El más sobresaliente de los expresionistas abstractos es <i style="font-weight: bold;">Jackson Pollock</i> (1912-56), quien renuncia a cualquier elemento de representación y reivindica para el caos un espacio dentro del arte. Este autor es decisivo en la aparición de un concepto que será esencial para un buen número de las manifestaciones artísticas posteriores: el arte procesual que más tarde se denominará <b>arte conceptual</b>, y que se detiene en la valoración del proceso de creación de una obra de arte. Pollock fue uno de los pintores que más frecuentemente utilizó el <i>dripping</i>. Además pisaba y paseaba por encima del cuadro con los pies llenos de pintura de tal modo que quedasen las huellas en él. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBoj62jbpKdDufiqNxShOryeXIKqdSs5Lu5XvumHJx6bzEfNRvAla_f0cwqqsra_w5cES5o-4DcJncCCBeb1orrd-v04xepXSj2Uc5C-cXFQMk_FkPPNDLBWPKie9QYiawGmBAC7HSsBw/s1600/se.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBoj62jbpKdDufiqNxShOryeXIKqdSs5Lu5XvumHJx6bzEfNRvAla_f0cwqqsra_w5cES5o-4DcJncCCBeb1orrd-v04xepXSj2Uc5C-cXFQMk_FkPPNDLBWPKie9QYiawGmBAC7HSsBw/s640/se.jpg" width="454" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Pollock: <i style="font-weight: bold;">Seven. </i>Museo de Arte Moderno. Nueva York</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Dentro de este movimiento cabe destacar otra interesante vertiente: <b>el Espacialismo</b>, denominado también pintura contemplativa, representado, entre otros, por Rothko y Lucio Fontana. <i style="font-weight: bold;">Mark Rothko </i>(1903-1970) prefiere las superficies de colores fuertemente contrastados que tratan de sugerir una atmósfera especial, silenciosa y plácida muy alejada de lo que nos proponía Pollock, una cuarta dimensión. <i style="font-weight: bold;">Lucio Fontana </i>(1899-1968) llega aún más lejos rasgando los lienzos con cortes limpios y nítidos, lo que representa una opción absolutamente nueva y nunca antes empleada en el arte.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhr17WOa9u8tZDPizy22dks90vmxLve3xxjr3lMVWwtl2b6vpuWuLCs9hGS0li7Eb0aO4fwy4Y5F_QWdzvEsn-mdcFdOLg3o7Ap8cdXW_lsz4g5mH-uLaLH6tqPJr3KZUCfsdys1wT0JmM/s1600/ro.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhr17WOa9u8tZDPizy22dks90vmxLve3xxjr3lMVWwtl2b6vpuWuLCs9hGS0li7Eb0aO4fwy4Y5F_QWdzvEsn-mdcFdOLg3o7Ap8cdXW_lsz4g5mH-uLaLH6tqPJr3KZUCfsdys1wT0JmM/s640/ro.jpg" width="556" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Rothko: <i style="font-weight: bold;">Rojo y azul sobre rojo. </i>MOCA. Los Ángeles</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">3.2. La nueva figuración</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Pese a que la tendencia más generalizada fue la de aproximarse a una arte abstracto, en Europa podemos encontrar una serie de pintores que reivindican el arte figurativo. Lo hacen desde una óptica bien diferente a la de la pintura figurativa hasta el momento, por ello recibe la denominación de pintura neofigurativa. Éste es el caso del irlandés <i style="font-weight: bold;">Francis Bacon</i> (1909-1996). Le interesaba la parte más oscura del ser humano, su lado más negativo, el que refleja en los rostros monstruosamente deformados. A menudo se inspiró en cuadros de grandes pintores de los que hizo una personalísima versión. Este es el caso del <i>Inocencio X </i>de Velázquez. Es posible establecer un paralelismo entre la obra de Bacon y la de otros pintores como Van Gogh o Munch, ambos muy próximos al Expresionismo.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i style="font-weight: bold;">Jean Dubuffet </i>(1901-85) representa la pintura neofigurativa en Francia. Reaccionó bruscamente contra el arte tradicional. Creó un espacio en el arte para las manifestaciones de los enfermos mentales y los niños.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">3.3. <i>Pop-art </i>y <i>Op-art</i></span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><i><br /></i></span></b>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b>El </b><i style="font-weight: bold;">Pop-art </i>(abreviación del término <i>Popular art </i>creado por el crítico británico Lawrence Alloway) nace en los años cincuenta como reflejo de la sociedad de consumo en la que se acumulan los objetos sin sentido, objetos que en realidad no se necesitan. El arte pop se nutre de un lenguaje puramente publicitario.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">El más sobresaliente de los artistas pop ingleses es </span><i style="font-weight: bold;">Hamilton </i>(1922-2011), quien recurrió en múltiples ocasiones a las fotografías de electrodomésticos y automóviles. En Estados Unidos destaca <i style="font-weight: bold;">Andy Warhol </i>(1930-1987), quien reprodujo hasta la saciedad fotografías coloreadas de las latas de sopa Campbell o la Coca-Cola, así como de Marilyn Monroe, Elvis Presley o Elizabeth Taylor. <i style="font-weight: bold;">Jasper Johnes </i>(1930) prefirió objetos simples como la bandera de los Estados Unidos, dianas, etc. <i style="font-weight: bold;">Oldenburg </i>(1929) reproduce alimentos (<i>Mesa con comida, madera y cartón</i>). Por último nos ocuparemos de <i style="font-weight: bold;">Roy Lichtenstein </i>(1923-1997) que incorpora al arte el lenguaje del cómic con todos sus elementos, incluyendo los "bocadillos" en los que se encierra el texto.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6uMirAL00tiTPunAC_mKnjdDO3tKsNhwchGlJbhmJjpXi-w-RSC-neStFKvHGOdnfww7NQl3U6zemxKeXiBxEd-Ym0FkSiK0s6gfieCaT0V3hSq2fN1WPbuWlSE2nfpBT9BZ9z2drhoE/s1600/200.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="362" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6uMirAL00tiTPunAC_mKnjdDO3tKsNhwchGlJbhmJjpXi-w-RSC-neStFKvHGOdnfww7NQl3U6zemxKeXiBxEd-Ym0FkSiK0s6gfieCaT0V3hSq2fN1WPbuWlSE2nfpBT9BZ9z2drhoE/s640/200.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Andy Warhol: <i style="font-weight: bold;">200 latas de sopa Campbell (Detalle). </i>Colección particular. Colorado</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgz3D24xngyuhpickv-y74s_dPOgA8v8UzvUk8F2G8b0ZeLX1-vqDmhTQLQMQzDk-Qfp0o9N-iZvQwyRbp374eB5R9jYW9-vMeMKmcoE_jyxwVImHiz5JB86W76_QCL_EE2PfQ1-i7bWzA/s1600/m.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="636" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgz3D24xngyuhpickv-y74s_dPOgA8v8UzvUk8F2G8b0ZeLX1-vqDmhTQLQMQzDk-Qfp0o9N-iZvQwyRbp374eB5R9jYW9-vMeMKmcoE_jyxwVImHiz5JB86W76_QCL_EE2PfQ1-i7bWzA/s640/m.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Roy Liechtenstein: <i style="font-weight: bold;">M-Maybe. </i>Museo Ludwig. Colonia</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>El </b><i style="font-weight: bold;">Op-art</i>, también llamado <i>Optical art</i>, se basa en la voluntad de crear en el espectador fenómenos de ilusión óptica, en concreto, se consigue desencadenar la sensación de movimiento. El <i>Op-art</i> se caracteriza por estar fundamentado en rigurosos estudios de carácter científico, por rechazar la figuración y basarse en el color y la forma. El creador de esta corriente, <b>Victor Vasarely</b> nacido en Hungría en 1908 y fallecido en 1997, estuvo siempre muy preocupado por aproximar la obra de arte a la gran mayoría del público. Consiguió plasmar en sus pinturas la sensación de movimiento gracias a profundos estudios acerca del color. Otro importante representante del arte cinético es el venezolano <i style="font-weight: bold;">Jesús Rafael Soto </i>(Ciudad Bolívar, 1923 - París, 2005), quien sobre el plano colocar varillas metálicas e hilos, de tal manera que el espectador al desplazarse por delante de la obra obtiene una mayor sensación de movimiento.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El arte cinético tiene en la escultura un representante de excepción: <i style="font-weight: bold;">Alexander Calder </i>(1898-1976). Aunque es de origen estadounidense, vivió durante gran parte de su vida en París, en donde conoció a Duchamp con quien empezó a hacer los primeros móviles. Los móviles son láminas metálicas de diferentes colores, formas y tamaños que se suspenden de varillas para que sean movidas por las corrientes de aire (este tipo de obra hoy nos resulta absolutamente doméstica, hasta el punto de que resulta difícil concebir una habitación infantil en la que no haya un móvil). El movimiento puede ser controlado relativamente por el escultor. Más tarde, otros artistas se servirán de otros recursos para producir el movimiento.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiILd73iV00MahW0eN04cvjYkpLpvoWDYec2wtGm2itGOPAsAdUcjpphvZIdQvi9VrklqBqNZZgyijH5qyggFKXuX2NWOMbCRQcuoI4dSe1OWEhO-vaqokXGhgjKiZ9opdHKGo90xVDTyE/s1600/ca.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiILd73iV00MahW0eN04cvjYkpLpvoWDYec2wtGm2itGOPAsAdUcjpphvZIdQvi9VrklqBqNZZgyijH5qyggFKXuX2NWOMbCRQcuoI4dSe1OWEhO-vaqokXGhgjKiZ9opdHKGo90xVDTyE/s640/ca.jpg" width="552" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Calder: <i>móvil </i><b style="font-style: italic;">Ordinary. </b>Park Avenue. Nueva York</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">3.4. El arte como concepto: el <i>Happening</i>, el <i>Land Art</i> y el <i>Arte Povera</i></span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><i><br /></i></span></b>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">El término <i style="font-weight: bold;">happening </i>es de origen inglés y significa acontecimiento. Designa precisamente eso, un acontecimiento artístico que tiene mucho de teatral y que se desarrolla en un espacio concreto. No debemos pensar que es un acto totalmente improvisado, aunque se pueda calificar como una manifestación artística abierta sino que es, en gran medida, una escenificación premeditada que pretende implicar al espectador. Para ello se recurre a todo tipo de elementos verbales, olfativos o visuales que no dejan indiferente a quien lo observa y siente. En este sentido estaría dentro de lo que se denomina <b>arte conceptual</b>, que englobaría a todas las tendencias que analizamos aquí. Esto quiere decir que el arte se aleja de la materialidad y se reivindica la importancia de la idea, independientemente de su soporte, que es algo de lo que estos artistas pueden y quieren prescindir. El arte y la vida se aproximan cada vez más. Pues ocurrir en cualquier lugar (estaciones, supermercados, la calle, etc.) y en cualquier momento. El <i>happening </i>lleva implícita una importante dosis de provocación, algo que ya también se percibe en el Futurismo, Dadaísmo y Surrealismo. <b>El Grupo de Acción Viena</b> recurría en sus <i>happenings</i> a la sangre y las vísceras de animales.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">En <b>el </b><i style="font-weight: bold;">Land art</i> se pretende hacer arte con la naturaleza, es decir, se trata de un arte ecológico en el que el artista ve con buenos ojos las transformaciones que la naturaleza opera en su obra. Solamente ella culmina las obras. En este caso el "concepto" y lo efímero están muy presentes. Tan sólo a través de la fotografía podemos conocer manifestaciones artísticas realizadas de <i>Land art</i> con anterioridad. Dentro de esta corriente sobresale <b>Robert Smithson</b>, quien en 1970 trazó una inmensa espiral de quinientos metros en el lago salado de Utah, y <b>Walter de María </b>que hizo una línea de un kilómetro en el desierto de Nevada. En esta misma dirección se encuentran las acciones del búlgaro <b>Christo Jaracheff </b>que convierte el embalaje en un arte; envuelve objetos de muy diversas características haciéndolos de este modo más enigmáticos.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaW2XbTuG9s3bGOullOkcOjLJeWMJLMMg61vCDXZua1Hc7j2ulEOA5g5OnTd9oqQyXmZdxhUajJKHcXlUSA3w9b_bTZ_kh358XP7JDPqkT0K35JZHmfxkcS27EsJvH0STz9j7dL8Jh4Ls/s1600/en.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaW2XbTuG9s3bGOullOkcOjLJeWMJLMMg61vCDXZua1Hc7j2ulEOA5g5OnTd9oqQyXmZdxhUajJKHcXlUSA3w9b_bTZ_kh358XP7JDPqkT0K35JZHmfxkcS27EsJvH0STz9j7dL8Jh4Ls/s640/en.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Christo: <i style="font-weight: bold;">Bundestag envuelto. </i>Berlín</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">L'arte povera </i>o arte pobre nace en Italia tras una exposición realizada en el año 1967. Se utilizan materiales pobres y, al mismo tiempo toscos, como la tierra, la madera o la hierba. Celant dijo algo que define bastante bien esta corriente: "El arte pobre, arte actual, antiformal, conceptual, <i>earthwork </i>o arte imposible, tiene un enfoque básicamente anticomercial, precario y vulgar, que se refiere, en primer lugar, a las cualidades físicas del medio y a la mutabilidad de los materiales.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>3.5. El Hiperrealismo</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">A finales de los años setenta aparece en Estados Unidos una corriente, tanto pictórica como escultórica, que pretende representar con absoluta fidelidad la realidad hasta en sus más mínimos detalles. En este sentido, la pintura hiperrealista no tiene ningún reparo en imitar a la fotografía, incluso algunos pintores parten de fotografías muy ampliadas para pintar sus cuadros. En muchos sentidos, el Hiperrealismo enlaza con el Arte Pop, sobre todo en el caso norteamericano, puesto que los dos movimientos ven la fotografía como un importantísimo punto de partida. Pero, a diferencia del Arte Pop, el Hiperrealismo carece de una intención crítica y se limita a reflejar la realidad con absoluta objetividad.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>KIRCHNER Y EL EXPRESIONISMO</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i>"La evolución de Kirchner es, en este sentido, ilustrativa y dramática. Pocos fueron los artistas que, como él, se lanzaron a una tan clara destrucción del lenguaje tradicional; una destrucción a "hachazos", una ruptura del ritmo lingüístico que permitía la articulación armoniosa de un mundo natural integrado (y en el que se integraban los seres humanos), optimista y gozoso, ahora sincopado y quebrado, hasta lograr que las figuras resaltaran desplazadas de su medio, alienadas de él, y este de ellas, convertido el escaparate _lo que se mira pero no puede cogerse_ en una metáfora de la distancia insalvable y consciente que es rasgo fundamental del expresionismo".</i></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i><br /></i></span></div>
<div style="text-align: right;">
<span style="font-size: medium;">(BOZAL, V. <i>Los primeros diez años, 1900-1910</i>, 1991)</span></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>A FONDO</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><i>DOBLE RETRATO CON VASO DE VINO</i></b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>MARC CHAGALL</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Uno de los pintores más fascinantes de nuestro siglo es, indudablemente, Marc Chagall, al que hemos incluido dentro de la Escuela de París junto con otros artistas como Modigliani o Brancusi. Es muy difícil ubicar a Chagall dentro de una corriente pictórica, por lo que siempre resulta más fácil analizarlo como artista libre que tomó aportaciones de diferentes movimientos, anteriores o contemporáneos a él, para crear un estilo propio y muy personal.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Chagall nació en Rusia, en el seno de una familia judía profundamente religiosa, hecho que marcará su particular manera de enfrentarse a la vida. Sus primeros años como pintor transcurren en su país, en el taller de Pen, en Vitebsk. Más tarde, en 1930, cuando contaba con veintitrés años viajó a París, donde permaneció una temporada. Allí conoció el Cubismo, el Fauvismo, la obra de Van Gogh, Gauguin, Seurat y Matisse. También estuvo en España, donde se interesaría por la obra de El Greco, y en Italia, lugar en el que estudiaría a los maestros de la escuela veneciana.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Tras este breve apunte de la biografía de Chagall, importante para entender su producción artística, nos enfrentaremos al análisis de una obra de la que Breton dijo lo siguiente: "No hay nada que presente un encanto tan claro como esta obra, cuyos maravillosos colores prismáticos acogen y transforman la inquietud moderna y, sin embargo, conservan la antigua inocencia al expresar lo que en la naturaleza anuncia el principio del encanto gozoso: las flores y la expresión del amor". Este cuadro, que se conserva en el Musée National d'Art Moderne de París, es un autorretrato en el que aparece acompañado de su musa y esposa, Bella Rosenfeld, con quien se casó en 1915 y a la que retrató en repetidas ocasiones (<i>Bella con clavel, Doble retrato, Mi novia con guantes negros</i>). En esta pintura, Chagall quiso que se condensase todo el inmenso amor que sentía por esta mujer, de la misma que también lo hizo en <i>El cumpleaños</i>, en el que ambos vuelan en una habitación, al tiempo que Chagall en una posición imposible besa a Bella. En <i>El doble retrato con vaso de vino</i> la composición es claramente vertical y, al mismo tiempo, sugiere una leve oscilación que nos invita a pensar cómo los cuerpos de Bella y Chagall se balancean en su ascenso. El pintor ha querido transmitir al espectador la idea de que el gran amor que se profesan los dos protagonistas del cuadro les hace sentirse como si sus pies no estuviesen en la tierra. Esta línea ascensional culmina en la copa que Chagall sostiene por encima de su cabeza; un brindis por la felicidad que le proporciona el amor de Bella y, finalmente, en una especie de ángel que sobrevuela la escena. Este pro</span>fundo amor se refleja en la siguiente afirmación de Chagall refiriéndose a Bella: "Su silencio es el mío. Sus ojos, los míos. Es como si Bella me conociera desde hace mucho tiempo, como si lo supiera todo de mi infancia, de mi presente, de mi futuro. (...) Sentí que ella era mi mujer. Su tez pálida, sus ojos. ¡Qué grandes son, profundos y negros! Son mis ojos, mi alma". Al fondo se puede ver una ciudad sobre un río que atraviesa un puente, como aquellas que tantas veces había representado Chagall y que forman parte de su particular iconografía. Los brillantes colores, bastante planos, están intensamente contrastados y se distribuyen en áreas muy bien delimitadas, que nos remiten inmediatamente al Cubismo, como también esta referencia es más que evidente en su obra <i>París desde la ventana</i>. La intensidad de los colores y la manera de organizarlos están, sin embargo, bastante más próximos a la obra de Macke, Marc, e incluso del propio Delaunay, quien se inspirará frecuentemente en los cuadros a Chagall. A este pintor, tal y como podemos observar aquí, no le interesa reproducir la realidad _aunque en este caso ha puesto mayor interés en los retratos de lo que es habitual en sus obras, tanto en el suyo como en el de su esposa, ambos sonrientes_, ni siquiera está preocupado por seguir unas pautas que pudieran enmarcarle en una determinada corriente. Tan sólo quiere recrear en sus lienzos los hechos tal y como él los siente, pasados por el tamiz de la fantasía, de la ingenuidad, de su experiencia vital y sus recuerdos en un pequeño pueblo ruso y en el seno de una familia judía, que rememora incansablemente con infinita nostalgia y afecto, fundiendo la realidad con la fantasía. En ocasiones sus cuadros pueden resultar irracionales y difícilmente explicables, como son algunos de los detalles de este cuadro: Chagall tapa con su mano un ojo de Bella, mientras que el otro permanece descubierto, negro y profundo, como lo describía el propio pintor. Para enfrentarnos al análisis de un cuadro de Chagall lo mejor que podemos hacer es seguir su propio consejo: "Mis cuadros son coordinaciones de imágenes interiores que me poseen".</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUOPuVwk38tCprBmMbUBZBj6V7cHCo-hh6It-c82eegbJbpWXRbzxpZGR9mY3ALyKohZKeoFEWJm6QOeXh0owZBkw5hUNrOiSCqnseyYSRlEDAHMD3esYa7DpxjOa4gYoVd1R06VALXIs/s1600/do.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUOPuVwk38tCprBmMbUBZBj6V7cHCo-hh6It-c82eegbJbpWXRbzxpZGR9mY3ALyKohZKeoFEWJm6QOeXh0owZBkw5hUNrOiSCqnseyYSRlEDAHMD3esYa7DpxjOa4gYoVd1R06VALXIs/s640/do.jpg" width="368" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>CITAS</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i>"El pintor ya no necesita preocuparse por detalles insignificantes, pues para eso está la fotografía, que lo hace mucho mejor y más rápido. Ya no es misión de la pintura representar acontecimientos históricos; éstos se encuentran en los libros".</i></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b>Henri Matisse</b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>"Mi pasión me impulsaba a todas las audacias contra lo tradicional en la pintura. Ansiaba provocar una revolución en las costumbres, en la vida cotidiana, mostrar la naturaleza sin ataduras, liberarla de las vetustas ataduras y del Clasicismo".</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Maurice Vlaminck</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>"Me paré y me apoyé contra la verja, casi muerto de cansancio. Nubes rojas como la sangre y lenguas de fuego suspendidas sobre el fiordo azul y negro. Mis amigos me habían dejado y, solo, temblando de angustia, me di cuenta del inmenso, infinito grito de la naturaleza".</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Munch</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>"El pintor transforma la obra de arte en la concepción de su experiencia. Con un continuo ejercicio aprende a usar sus medios. No hay reglas fijas para esto. Las reglas para una sola obra se forman durante el trabajo y a través de la personalidad del creador".</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Emilde Nolde</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>"Yo no elijo conscientemente la forma, la forma se elige ella sola, dentro de mí".</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Kandinsky</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>"Lo que diferencia al Cubismo de la pintura antigua es que no se trata ya de un arte de imitación, sino de un arte de concepción que tiende a elevarse hasta la creación".</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Guillaume Apollinaire</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>"El Cubismo no se diferencia de otras escuelas pictóricas. Todas tienen en común los mismos principios y los mismos elementos. El hecho de que el Cubismo no fuese entendido durante mucho tiempo y de que todavía haya personas que no vean nada en él, no significa nada".</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Picasso</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>"No las entiendo en absoluto. No son literatura. Son sólo combinaciones pictóricas de las imágenes que me obsesionan. Las teorías que podría inventar para explicarme a mí mismo, y las que otros elaboran en relación con mi obra no tienen sentido (...) mis pinturas son mi razón de ser, mi vida, y eso es todo".</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Chagall</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>"En el Suprematismo ya no puede hablarse de pintura. La pintura fue superada hace tiempo, y el pintor es un prejuicio del pasado".</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Malévich</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>"Me gustaría que mis cuadros fueran vistos como si un ser humano hubiese pasado sobre ellos, (...) dejando una huella de su humana presencia".</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Bacon</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>GLOSARIO</b></span><br />
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b><i>Improvisaciones </i>de Kandinsky</b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
Conjunto de obras pictóricas que se agrupan bajo una técnica común y que el propio Kandinsky define así: <i>"expresiones inconscientes espontáneas del carácter interior, de naturaleza inmaterial".</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Henri Rousseau</b></div>
<div style="text-align: justify;">
Henri Rousseau (1844-1910), "el aduanero", era un pintor de origen parisino que imprimió a todas sus obras un primitivismo y una ingenuidad que va a caracterizar al arte <i>naïf</i>, que él representa a la perfección. Fue admirado por muchos pintores como Gauguin, Delaunay, Picasso y Braque. Una de sus obras más importantes y significativas es <i>La gitana dormida</i> (1897).</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><i>Collage</i></b></div>
<div style="text-align: justify;">
Técnica que consiste en pegar sobre un soporte, generalmente un lienzo, elementos de diferente procedencia o materiales tradicionalmente considerados extrapictóricos. Será bastante frecuente encontrar papel en los collages, llamado también "papier collé". Esta técnica es empleada por muchos movimientos de la primera mitad del siglo XX.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Orfismo</b></div>
<div style="text-align: justify;">
Término acuñado por Apollinaire que dividía el Cubismo en cuatro categorías; las otras eran científica, física e instintiva.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><i>Macchiaioli</i></b></div>
<div style="text-align: justify;">
Así se denomina a los impresionistas italianos de entre los que sobresalieron Signorini, Fattori y Cecioni. Este término procede de la palabra italiana <i>macchia</i> que significa mancha.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><i>Ready-made</i></b></div>
<div style="text-align: justify;">
Marcel Duchamp recurrió frecuentemente a él. Como su propio nombre indica, es algo previamente hecho. La novedad radica en que es sacado del contexto para ser colocado en otro en el que habitualmente es bastante improbable encontrarlo. Por ejemplo, Duchamp toma un urinario y lo convierte en una obra de arte que más tarde estará en un museo. En este sentido, con una gran dosis de provocación, descontextualiza el objeto.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><i>Frottage</i></b></div>
<div style="text-align: justify;">
Este término fue creado por Marx Ernst. Se refiere al acto de pasar un lápiz por encima de un papel que está colocado sobre una superficie rugosa como la madera o un tejido.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Automatismo</b></div>
<div style="text-align: justify;">
Consiste en pintar de modo incontrolado sin pensar en lo que se está haciendo, de tal modo que sea algo en lo que ha tenido parte decisiva el subconsciente. Después el pintor lo retoca realizando un cuadro absolutamente personal.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><i>Dripping</i></b></div>
<div style="text-align: justify;">
Este término procede del inglés, en concreto de la palabra <i>drop</i>, que significa gota. El pintor deja que la pintura gotee sobre el lienzo.</div>
</div>
GreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-42273129121633230202016-04-27T16:36:00.001-07:002016-04-28T14:15:17.049-07:00La arquitectura en el siglo XX<div style="text-align: justify;">
<b>Tras el desarrollo del Modernismo se abre un nuevo horizonte para el arte de construir. La arquitectura intenta ser la respuesta antes las necesidades que plantea la nueva sociedad aprovechando al máximo el espacio, un bien preciado en las superpobladas urbes de nuestro siglo, y creando espacios dignos y habitables en los que se desterrará definitivamente cualquier referencia al pasado, algo a lo que contribuyó notablemente el Racionalismo. En este sentido, podemos afirmar que la arquitectura del siglo XX es autorreferencial.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Sólo a partir de los años 70-80 se vuelven a plantear profundas necesidades estéticas que, en algunos casos, se traducen en una vuelta al pasado y una revisión un tanto particular e irónica de la arquitectura clásica.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-KPF4wupfUdL8-79svVNyOKra1vouXnNgRotHZecQJ4Y3fRIFvIzAeJY7zFdFVl28qqruopRS-BwCa2B3kdCoEcW_LFHWeUmBMshPq-YnL6qjgJNDYJjojiTI-wXoEa0JDuIVQRF6qq0/s1600/w.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-KPF4wupfUdL8-79svVNyOKra1vouXnNgRotHZecQJ4Y3fRIFvIzAeJY7zFdFVl28qqruopRS-BwCa2B3kdCoEcW_LFHWeUmBMshPq-YnL6qjgJNDYJjojiTI-wXoEa0JDuIVQRF6qq0/s640/w.jpg" width="538" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Frank Lloyd Wright: <i style="font-weight: bold;">La Casa de la Cascada. </i>Pensilvania</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>1. LOS RETOS DE LA ARQUITECTURA EN EL SIGLO XX</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Son muchos los cambios que se van a producir en la arquitectura de este siglo. Algunos de ellos hunden sus raíces en hechos acaecidos en el siglo anterior, como la II Revolución industrial, que generó un tipo de sociedad diferente con nuevas necesidades que la arquitectura del siglo XX va a intentar solventar.</div>
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<br /></div>
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La gran mayoría de la población vive en <b>las ciudades</b>. La planificación de las mismas es uno de los objetivos de nuestro siglo. De este modo nacerán proyectos urbanísticos como el de <b>Tony Garnier</b>, el primer arquitecto que afrontó seriamente el crecimiento y la planificación conjunta de la ciudad y la arquitectura. En sus proyectos se empleaban los nuevos materiales que la industria había aportado al mundo de la construcción. No descarta la posibilidad de que la ciudad industrial sea un espacio fundamentado en el orden. Algunas de sus ideas se llevaron a la práctica en <i>la ciudad de Lyon</i> con bastante éxito. <i>La ciudad de Brasilia </i>proyectada por Niemeyer y Lucio Costa, es otra interesante prueba de la importancia que tuvo <b>el urbanismo</b> a principios de siglo.</div>
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<br /></div>
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Otro de los problemas que trae consigo el desarrollo de las ciudades es el importante <b>crecimiento de la población</b> y los problemas para encontrar una <b>vivienda</b>. La solución eran <b>los rascacielos</b>, que surgen a finales del siglo XIX en Estados Unidos y que se continúan construyendo a lo largo del XX. Con el rascacielos se consigue concentrar a un gran número de personas en un espacio relativamente reducido que podía reunir perfectamente condiciones de vida dignas. Con idéntica finalidad nacen las <b>unidades de habitación</b>, como las diseñadas por <b>Le Corbusier</b>. De lo anteriormente expuesto llegamos a una conclusión obvia: la forma ha de subordinarse a la función. Lo importante de un edificio es que sea funcional, que cumpla de la mejor manera posible la función para la que ha sido diseñado.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La aparición de <b>nuevos materiales</b> y su empleo en el mundo de la arquitectura seguirá avanzando. El muro tradicional será desplazado por el muro-cortina y la arquitectura tratará de alcanzar las formas transparentes y dinámicas.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Además, en el siglo XX se llega a algo que se había preludiado en el XIX durante el furor modernista: <b>la ruptura con la tradición</b>. Se pretende romper las cadenas que ligan al arquitecto al pasado y crear un nuevo lenguaje caracterizado por la libertad absoluta. Se rechaza cualquier referencia a estilos anteriores. Esto confiere a la arquitectura del siglo XX un carácter universal y autorreferencial: un edificio no deberá hacer referencia a nada, tan sólo a sí mismo. Éste es un aspecto que marcará, sobre todo, a la arquitectura racionalista de la que hablaremos a continuación.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>2. LA ARQUITECTURA RACIONALISTA</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2.1. El Racionalismo: significado y antecedentes</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">El Racionalismo plantea la búsqueda de una arquitectura basada en la Razón que se adecue perfectamente a la función para la que ha sido pensada. Es, por tanto, una manera de interpretar la arquitectura, en la que lo ornamental no tiene cabida. Se fundamenta en las formas puras y geométricas. Se prescinde de cualquier jerarquía o referencia al pasado. Si quisiéramos encontrar un antecedente de la arquitectura racionalista deberíamos remontarnos hasta el <b>Neoclasicismo</b> y, más concretamente, a su vertiente utópica, representada por Boullée y Ledoux. El antecedente más directo es el de la arquitectura de finales del siglo XIX y principios del XX en Estados Unidos, donde se comienzan a construir los primeros <b>rascacielos</b>, que encajarían perfectamente dentro de las características que perfilan la arquitectura racionalista como ya hemos visto. <b>La </b><i style="font-weight: bold;">Sezession</i> vienesa también debe ser considerada otro punto de partida para el Racionalismo, más que cualquier otra forma de Modernismo, dado el predominio que existe en ella de líneas rectas y formas geométricas simplificadas.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">En Europa, arquitectos como Adolf Loos, Peter Behrens y Auguste Perret, configuran lo que se puede denominar <b>Protorracionalismo</b>, preludio de la arquitectura puramente racionalista. <i style="font-weight: bold;">Adolf Loos </i>(1870-1933), de origen austriaco, estuvo en contacto con notables representantes de otras manifestaciones artísticas, como el pintor y escenógrafo Kokoschka, el escritor Tristan Tzara o el músico Alban Berg. La mayor parte de sus obras fueron para la ciudad de Viena. Estaba totalmente en contra de la ornamentación en la arquitectura. Ésta ha de ser _según él_ útil, y sus formas y volúmenes han de estar en relación al ser humano. </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_R_6rFkJwo8bBq352eG3GzsFJykriWSjSNUgOwVYSnHO34ehoZFYPk0mPcgBeP8kjrg1s-PUbhH8h6pH4EYWz3MLI7eOXWGqKwkRAIUmCoVSFQFYKY1esjhCfharU0pvBLpfL0l6pClE/s1600/lo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="504" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_R_6rFkJwo8bBq352eG3GzsFJykriWSjSNUgOwVYSnHO34ehoZFYPk0mPcgBeP8kjrg1s-PUbhH8h6pH4EYWz3MLI7eOXWGqKwkRAIUmCoVSFQFYKY1esjhCfharU0pvBLpfL0l6pClE/s640/lo.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Loos: <i style="font-weight: bold;">Casa Steiner. </i>Viena</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9xIrt7Q_ybunFpzUvOqU9KURYFw7N8eedaO1aSQUC1ot5IOb3TmMzZw-X4fdlRH7JN4nbWhKgujmpBFrATxIam0rHtA-zDgIm5BxL26pcHSJp617PnZ-3ZCijKDE84LcM4z5o9arXnFs/s1600/mi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9xIrt7Q_ybunFpzUvOqU9KURYFw7N8eedaO1aSQUC1ot5IOb3TmMzZw-X4fdlRH7JN4nbWhKgujmpBFrATxIam0rHtA-zDgIm5BxL26pcHSJp617PnZ-3ZCijKDE84LcM4z5o9arXnFs/s640/mi.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Loos: <i style="font-weight: bold;">Casa Loos en la Michaelerplatz. </i>Viena</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El arquitecto alemán <i style="font-weight: bold;">Peter Behrens</i> (1868-1940) es, ante todo, un arquitecto de fábricas, como <i>la AEG </i>o <i>la Fábrica de turbinas de Berlín</i> (1909). Aprovechó las cualidades de los diferentes materiales para conseguir la máxima economía y simplificación, características que no están reñidas con la estética. <i style="font-weight: bold;">Auguste Perret</i> (1874-1954) representa el Racionalismo en Francia y es el autor de <i>la Casa Franklin</i> de París (1902-1903), en la que se sirve del cemento armado, uno de los materiales que mayor número de ocasiones empleó, y del cristal.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifAerdnuGW4jdNFqXaOmq8zVwmLH93jKgl29jndRAbXUChKDHdCTmaltY3Zpo70Y89xzqCIfWRYex0RD-VoFWZKCMCWU5IpYi7NRC2Zg4OufT8fFUMnU7eYmxlk1jkYA-Tc64WUFl_rkU/s1600/aeg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="382" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifAerdnuGW4jdNFqXaOmq8zVwmLH93jKgl29jndRAbXUChKDHdCTmaltY3Zpo70Y89xzqCIfWRYex0RD-VoFWZKCMCWU5IpYi7NRC2Zg4OufT8fFUMnU7eYmxlk1jkYA-Tc64WUFl_rkU/s640/aeg.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Behrens: <i style="font-weight: bold;">Fábrica de turbinas AEG. </i>Berlín</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Antes de finalizar este apartado, que pretende ser una breve introducción par el estudio de la arquitectura racionalista, deberemos hacer referencia al urbanismo representado a comienzos de siglo por <i style="font-weight: bold;">Tony Garnier </i>(1869-1948). Garnier nos ha dejado más muestras de su teoría arquitectónica que de construcciones. En 1904 presentó una ciudad industrial para 35.000 habitantes realizada con cemento armado y vidrio. Sus ejemplos más interesantes de arquitectura se hallan en la ciudad de Lyon. Su obra se sitúa en la línea de las utopías socialistas de Owen o Fourier.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2.2. La <i>Bauhaus </i>y sus arquitectos</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">En 1919, mediante la fusión de la Escuela de Artes Aplicadas y la Academia de Weimar, Walter Gropius crea en esta ciudad alemana <i style="font-weight: bold;">la Bauhaus</i>, a la que estuvieron ligados algunos de los más importantes arquitectos del siglo XX. Se trata, en realidad, de un instituto de artes y oficios en el que los alumnos diseñan todo tipo de objetos, con dos pretensiones fundamentales: superar la tradición y tener en cuenta las nuevas tecnologías surgidas como respuesta a las necesidades del individuo, tanto fisiológicas como psicológicas. En 1925 la escuela se traslada a Dessau, a un edificio que se construyó según un proyecto de Gropius. Éste fue el momento más interesante y productivo de la <i>Bauhaus</i>, el momento en el que más racionalistas se mostraron sus integrantes. Entre ellos se encontraban el propio Gropius y Meyer (este último sucedería a Gropius en la dirección de la academia). Fue clausurada en 1932, aunque se intentó reconstruir en Berlín bajo la dirección de Mies van der Rohe. Durante aquellos años se comercializó la producción industrial de modelos, alfombras, tejidos, etc.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Dentro de esta escuela se encuentran algunos de los más destacados arquitectos de nuestro siglo:</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li><i style="font-weight: bold;">Walter Gropius </i>(1883-1969) se formó en el estudio de Peter Behrens. Su primera obra importante fue <i>la Fábrica Fagus </i>(1911), concebida como una hermosa combinación de vidrio y hierro. Su gran obra es <i>el edificio de la Bauhaus </i>en Dessau, en donde colaboraron tanto los estudiantes como los docentes. La planta está formada por tres brazos que se extienden con libertad y que multiplica los puntos de vista. Los muros son de cemento armado y vidrio. En 1937 se trasladó a los Estados Unidos, en donde montó un estudio con Breuer. Su arquitectura supone el triunfo de la razón en un momento en el que las guerras representan la irracionalidad más absoluta.</li>
</ul>
<ul>
<li><i style="font-weight: bold;">Adolf Meyer </i>(1881-1929) fue un importante colaborador de Gropius y profesor de la <i>Bauhaus</i> entre los años 1919 y 1925.</li>
</ul>
<ul>
<li><i style="font-weight: bold;">Mies van der Rohe </i>(1886-1969) era hijo de un cantero y sus primeros pasos en el mundo de la arquitectura los da de la mano de Behrens. Conocía a Le Corbusier y a Gropius, al tiempo que admiraba la obra del arquitecto neoclásico Schinkel. La primera obra de este autor que podemos considerar revolucionaria data de 1919: <i>el edificio de oficinas de la Friedrichstrasse </i>de Berlín, tres torres unidas en el centro donde se situaron las escaleras y los ascensores. En 1923 y 1924 proyecta dos casas de campo y en 1929 <i>el Pabellón de Alemania de la Exposición Universal de Barcelona</i>, en el que demuestra que su arquitectura se fundamenta en el adecuado manejo de los materiales como el acero, el cemento armado y el vidrio, en los volúmenes nítidos y en el empleo del muro-cortina que sustituye al muro tradicional. En 1938 se vio obligado a emigrar a los Estados Unidos. Allí realizó <i>el Illinois Institute de Technology de Chicago </i>(1950-1956) y un importante número de rascacielos que parecen grandes cajas de cristal en los que se puede percibir la devoción que Mies siente por las formas puras.</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6RO1SeVF4HwYwO1WyO_LbG_KDobZBZMoxzywTuXo46zZjv_Gz2dfGn2aiecJec20NMtsZeM3FNcQ3tFRvxrux3tSFrfGCh9zt8IY3WMOES_l9IWuJhDaazDnYAsrTEG_CqQFW3Z54YSo/s1600/al.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6RO1SeVF4HwYwO1WyO_LbG_KDobZBZMoxzywTuXo46zZjv_Gz2dfGn2aiecJec20NMtsZeM3FNcQ3tFRvxrux3tSFrfGCh9zt8IY3WMOES_l9IWuJhDaazDnYAsrTEG_CqQFW3Z54YSo/s640/al.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Mies van der Rohe: <i style="font-weight: bold;">Pabellón de Alemania de la Exposición Universal de Barcelona. </i>Reconstruido en 1986</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2.3. Le Corbusier</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i style="font-weight: bold;">Charles Edouard Jeanneret </i>(1887-1965) como se llamaba en realidad Le Corbusier, nació en Suiza aunque la mayor parte de su obra se desarrolló en Francia. Trabajó en los estudios de Behrens, Perret y Hoffmann. Con ellos, especialmente con Perret, aprende a utilizar el hormigón armado. Uno de sus primeros proyectos es el de <i>Las casas Dom-Ino</i>, en las que ya se contempla la posibilidad de que se reprodujesen en serie. Le Corbusier fundó junto con Ozefant y su primo, Pierre Jeanneret, un estudio del que salieron las primeras propuestas urbanísticas (proyecto para una ciudad de tres millones de habitantes). En 1926 realiza una de sus obras más conocidas: <i>La Villa Savoye </i>(1929-1931), en Poissy (Francia) que consiste en una estructura de hormigón armado encalada (estuvo durante toda sus carrera influido por la arquitectura mediterránea) que se fundamenta en los cinco puntos que reúne su arquitectura:</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li><b>Empleo de <i>pilotis</i>: </b>el edificio no se asienta directamente sobre el suelo. Se trata de que esté lo más separado posible de la tierra, y se consigue, además, que este espacio sea transitable.</li>
</ul>
<ul>
<li><b>Terraza jardín</b>: es factible gracias al uso del hormigón, con el que se realizan techos planos. Las uniones del techo de hormigón se rellenan con arena que protege de las oscilaciones térmicas.</li>
</ul>
<ul>
<li><b>La fachada libre.</b></li>
</ul>
<ul>
<li><b>Multiplicación indefinida de los vanos</b>: los ventanales corridos están divididos por varillas metálicas y tienen mayor tamaño, llegan a invadir el muro, puesto que éste ya no tiene la función tradicional de actuar como muro de carga.</li>
</ul>
<ul>
<li><b>La planta libre</b>: al variar la función tradicional del muro, tal y como hemos apuntado anteriormente, las plantas son muchísimo más libres.</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzy_mlgJ5chH1zt3xhOLRXPKr4me66Z-RMgp6HH7teYl_wd3zEWbMhDb8FeiyUOj2y7subR8fr8hMHq_THj1TjfL7CosfkUljSAhMJDPWhhyphenhyphenTrEWtkC3EDYHSMXzfqshuWkUJVx56Ly7M/s1600/sab.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="312" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzy_mlgJ5chH1zt3xhOLRXPKr4me66Z-RMgp6HH7teYl_wd3zEWbMhDb8FeiyUOj2y7subR8fr8hMHq_THj1TjfL7CosfkUljSAhMJDPWhhyphenhyphenTrEWtkC3EDYHSMXzfqshuWkUJVx56Ly7M/s640/sab.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Le Corbusier: <i style="font-weight: bold;">Villa Savoye. </i>Poissy</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En 1948 publica una especie de tratado, <i>Le modulor</i>, en el que se recogen todas sus propuestas urbanísticas. Le Corbusier fue un gran teórico, pero no de carácter utópico, sino que la mayor parte de sus teorías se aplican en sus obras. Por ejemplo, en <i>Le modulor</i> estudiaba los movimientos de un hombre de 1,83 m de alto e intentaba que sus arquitecturas estuviesen realizadas a una escala humana y sirviesen para ajustarse adecuadamente a sus necesidades. Estas teorías tuvieron una aplicación inmediata en la <i>Unidad de Habitación de Marsella </i>(1946-1952), conjunto destinado a familias obreras, en el que se busca sobre todo la habitabilidad y la calidad a bajo precio. En ella, los bloques que la integran se disponen espaciosamente sin interferirse unos a otros y sin quitarse la luz.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEia9kE4z0G2MLeBlRk4a2FlVyBI-POfUco52ZB45uyKX1ooBvt28e5cpZAtqPQQ8ZZ4UBjsPA4p_KC1mX5vOAoR0ndsKVG5ydMlpun_5_QI_oEkhWy1AurCHvCRqjV40kBRXlRC1CtznXM/s1600/mar.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEia9kE4z0G2MLeBlRk4a2FlVyBI-POfUco52ZB45uyKX1ooBvt28e5cpZAtqPQQ8ZZ4UBjsPA4p_KC1mX5vOAoR0ndsKVG5ydMlpun_5_QI_oEkhWy1AurCHvCRqjV40kBRXlRC1CtznXM/s640/mar.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Le Corbusier: <i style="font-weight: bold;">Unidad de Habitación. </i>Marsella</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En 1950 se produce un importante cambio en la trayectoria de Le Corbusier. Se suaviza su Racionalismo y se aproxima al Organicismo. En 1955 realiza una de sus obras maestras: <i>La iglesia de Notre-Dame du Haut</i> en Ronchamp. Su planta es irregular y ondulante y los muros están ligeramente inclinados. Este edificio está cubierto con un gran elemento curvado que parece una inmensa hoja. En este caso, Le Corbusier recurre a la propia naturaleza para inspirarse. Distribuidas libremente a lo largo del muro se encuentran pequeñas ventanas de vidrios de colores que concentran la luz en puntos muy concretos del suelo. Parece, más que una arquitectura, una escultura gigantesca, en la que la exaltación de la materia y la búsqueda del dinamismo son los aspectos fundamentales. Existe mucho del Expresionismo en esta obra.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6UpxXWm4BDoQXbzztYqF6OiNiroUGbXA69TG3TSZ_ZvRPhURq961OgfdCiWv6vGYngDsu8vg73CTGq6izXi41-G5PKAaB3DXBOjJCU5L5sy6m_f1DAjLwEKUid_rWuWlb6sFlit-h6Ms/s1600/ron.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="436" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6UpxXWm4BDoQXbzztYqF6OiNiroUGbXA69TG3TSZ_ZvRPhURq961OgfdCiWv6vGYngDsu8vg73CTGq6izXi41-G5PKAaB3DXBOjJCU5L5sy6m_f1DAjLwEKUid_rWuWlb6sFlit-h6Ms/s640/ron.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Le Corbusier: <i style="font-weight: bold;">Iglesia de Notre-Dame du Haut. </i>Ronchamp</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>3. EL ORGANICISMO: FRANK LLOYD WRIGHT</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Por arquitectura orgánica debemos entender todas aquellas manifestaciones arquitectónicas que tratan de adecuarse y aliarse con la naturaleza. Esta idea la podemos encontrar en la arquitectura desde tiempos muy remotos, pero la verdadera formulación teórica del Organicismo la hace <i style="font-weight: bold;">Frank Lloyd Wright </i>(1869-1959), tal y como la indica Bruno Zevi:</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li>El sentido de lo interior como realidad.</li>
</ul>
<ul>
<li>La planta libre como flexibilidad y continuidad de ambientes.</li>
</ul>
<ul>
<li>La unidad entre el exterior y el interior.</li>
</ul>
<ul>
<li>El uso de materiales naturales.</li>
</ul>
<ul>
<li>La casa como protección.</li>
</ul>
<div>
Con las aportaciones a la arquitectura de Wright, el Racionalismo comienza a ser olvidado y se ensayan nuevos caminos para la arquitectura. Él se encarga se oponer la curva a la línea recta, característica del Racionalismo.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
Wright, desde muy pronto, se interesó e investigó las relaciones entre el hombre y la arquitectura, y de ésta última con la Naturaleza. Este arquitecto era de origen norteamericano, viajó por Europa entre 1909 y 1911 y trabajó en Tokio, donde conoció la arquitectura japonesa que le fascinaba, lo mismo que los templos mayas de Yucatán. De esto podemos deducir que la formación de Wright es cosmopolita y amplia. En la segunda mitad de los años treinta realizó la <i>Casa Kaufmann </i>o <i>Casa de la Cascada</i> (1936), bella simbiosis entre arquitectura y naturaleza.</div>
<div>
<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiY6Dc57fkHuR7I9-0rTy4LyXAvUYFwBsO-rlDgwoSJFB_AH0cNANGnxDVp4jtfQDG4bTTfouW13AnlKQR2dP4VdSBjovdrF2cJH4KL9FaYLCyMIRFCkq3LERxAvYb-hbS1aLmN_EQK2R4/s1600/llo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiY6Dc57fkHuR7I9-0rTy4LyXAvUYFwBsO-rlDgwoSJFB_AH0cNANGnxDVp4jtfQDG4bTTfouW13AnlKQR2dP4VdSBjovdrF2cJH4KL9FaYLCyMIRFCkq3LERxAvYb-hbS1aLmN_EQK2R4/s640/llo.jpg" width="480" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Frank Lloyd Wright: <i style="font-weight: bold;">La Casa de la Cascada. </i>Pensilvania</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En los últimos años de su vida experimentó con las formas curvas e imaginativas en las plantas como demostró magistralmente en <i>el Museo Guggenheim </i>de Nueva York (1943-1958). En este caso se esforzó por dotar al museo de dos aspectos fundamentales. En primer lugar, se encargó de que fuese un lugar luminoso en el que sobresaliese una luz controlada que no se refleje sobre la superficie de los cuadros. Por otro lado, quiso que fuese un espacio para disfrutar, un espacio agradable, que se recorre ascendiendo por una rampa y de un modo continuo que permite que el museo se transmite sin rupturas, como algo progresivo.</div>
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<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkbOcB0Ch_vXGTi29dxDE-rY4m9Zon62dA3Daqp4irWolW8H3UpgFlHLOGquZFz7DDaU11N7PGb30dlcByUAWIehKIu_EdO4GysgYKPFz4peYmqK0XNP2ZjB8v1UeeAhbPVRbPjjUV16Q/s1600/gu.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="376" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkbOcB0Ch_vXGTi29dxDE-rY4m9Zon62dA3Daqp4irWolW8H3UpgFlHLOGquZFz7DDaU11N7PGb30dlcByUAWIehKIu_EdO4GysgYKPFz4peYmqK0XNP2ZjB8v1UeeAhbPVRbPjjUV16Q/s640/gu.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Frank Lloyd Wright: <i style="font-weight: bold;">Museo Guggenheim. </i>Nueva York</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>4. LA ARQUITECTURA EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>4.1. Los años 50</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">A partir de la segunda mitad del siglo XX la nota que mejor define la arquitectura va a ser la <b>diversidad</b>.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Aparece en escena una serie de arquitectos que, siguiendo el ejemplo dado por Le Corbusier en sus últimas obras, interpretan <b>la arquitectura como si de un objeto escultórico</b> se tratase.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Este es el caso de <i style="font-weight: bold;">Pierluigi Nervi </i>(1891-1979), ingeniero de origen italiano que colaboró con <b>Gio Ponti </b>en <i>la Torre Pirelli </i>(1955-1959, Milán), un verdadero rascacielos de gran altura en el que se emplea el muro-cortina. Esta obra, no será, sin embargo, una de las que mejor represente su manera de interpretar la arquitectura. Basará la mayor parte de sus creaciones en tres aspectos: la cúpula esférica, la bóveda cilíndrica y los pilares inclinados en forma de "Y".</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyxKMdlbeDbbRdPA0PM4iS9DbwAgRJg72gSeOeewjSVf2NdDYarMhic8ZR_N60dk8Irt3kfqk2Z36YoA8Hlk8s4WmYV2-owOD2U2KNWDqRmRsiu8JIdPoddr54rJFHG556ImdD8Ibqx0k/s1600/tu.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyxKMdlbeDbbRdPA0PM4iS9DbwAgRJg72gSeOeewjSVf2NdDYarMhic8ZR_N60dk8Irt3kfqk2Z36YoA8Hlk8s4WmYV2-owOD2U2KNWDqRmRsiu8JIdPoddr54rJFHG556ImdD8Ibqx0k/s640/tu.jpg" width="500" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Pierluigi Nervi: <i style="font-weight: bold;">Palacio de Exposiciones. </i>Turín</div>
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<br /></div>
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En esta línea se encuentra <i style="font-weight: bold;">Félix Candela</i>, nacido en Madrid en 1910, pero afincado en Méjico, en donde realizó la mayor parte de sus obras, en las que recurre continuamente a las formas parabólicas.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Jorn Utzon</i>, nacido en Copenhague en 1918, es el autor de <i>la Ópera de Sydney</i> (iniciada en 1957) tras ganar el concurso internacional de proyectos convocado a la sazón. Este edificio está realizado con inmensos cascarones blancos prefabricados de cemento armado colocados sobre una plataforma que avanza hacia el mar.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Eero Saarinen </i>(1910-1961) realizó <i>la Terminal aérea de TWA </i>en el Kennedy Airport de Nueva York, obra inspirada en un gran pájaro con las alas desplegadas. Algunas de las primeras obras de <b>Kenzo Tange</b> se encuentran en esta misma línea (<i>Piscina olímpica de Tokio</i>, 1964).</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBPljFRYNHTwi4DLbqLAtemH4zE9wHduv4MroRJStlX2Lip8vFOEccVpyhUgcbmEha19JEW6YbUSxPc9ynCjS8ykYFn-z9Zgt0tnbPhP-41JE6Pzf7NpWo1brL6pwXw-dBzILzN_nTwSA/s1600/tan.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBPljFRYNHTwi4DLbqLAtemH4zE9wHduv4MroRJStlX2Lip8vFOEccVpyhUgcbmEha19JEW6YbUSxPc9ynCjS8ykYFn-z9Zgt0tnbPhP-41JE6Pzf7NpWo1brL6pwXw-dBzILzN_nTwSA/s640/tan.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Kenzo Tange: <i style="font-weight: bold;">Estadio Olímpico. </i>Japón</div>
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<br /></div>
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<b>El Nuevo Brutalismo </b>surge a partir de 1954 de la mano de los arquitectos ingleses <b>Allison </b>y <b>Peter Smithson</b>. El Brutalismo es, ante todo, una exaltación de los materiales y de su capacidad expresiva. La primera obra importante que podemos considerar brutalista es <i>la Escuela de Hunstanton </i>(1951-1954), en la que se dejan a la vista el ladrillo y el acero, así como las instalaciones (tuberías, conductos, etc.). En Estados Unidos estuvo representada por <b>P. Rudoph </b>y <b>Louis Kahn</b>. Sobre <i style="font-weight: bold;">Kahn </i>(1901-1974), artífice del <i>Palacio de la Asamblea de Dacca </i>en Pakistán, o el <i>Centro para la comunidad judía de Trenton</i>, dice Josep María Montaner: "La voluntad de trascendencia y permanencia que expresa su arquitectura se ve ligada a su influencia del pensamiento de Platón y Heiddeger, es expresión de su convencimiento de que la recuperación de la dignidad humana se va a producir a través de la dignificación de la arquitectura de las instituciones humanas".</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En <b>Italia </b>encontramos gran variedad en el panorama arquitectónico. Sobresalen ejemplos como <i>la Torre Velasco </i>(1958) del <b>grupo B.B.R.P. </b>Se trata de una revisión del Racionalismo pero contemplando, al mismo tiempo, la tradición, puesto que está inspirada en la arquitectura medieval italiana, y exaltando la potencia matérica. Por otro lado, destaca la arquitectura de los barrios de la ciudad de Roma recogida en las películas del Neorrealismo italiano, y representada por arquitectos como <b>Ridolfi </b>o <b>Vittorio Gregotti</b>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Alvar Aalto </i>(1898-1976) representa la arquitectura finlandesa de este momento. En sus obra se funde el espíritu racionalista con la tradición popular y los materiales tradicionales, preferentemente madera. Son edificios cálidos y adecuados a la dimensión del ser humano, en los que es posible percibir la influencia de Wright. Realizó con éxito varios edificios de exposiciones.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnqiY8AZ_J-3wtVXUhwH9I174pbh2vfz_y97KkYqhYiktEpWD0NB8sajUUAeutmT7Frr1pDzSMoX00qzY3kz4yGJ3aiISElUKjfjiQuJO86yLhENxMaHbH-LlcHR3NlK1h4UIkZEJN1fM/s1600/hel.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="472" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnqiY8AZ_J-3wtVXUhwH9I174pbh2vfz_y97KkYqhYiktEpWD0NB8sajUUAeutmT7Frr1pDzSMoX00qzY3kz4yGJ3aiISElUKjfjiQuJO86yLhENxMaHbH-LlcHR3NlK1h4UIkZEJN1fM/s640/hel.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Alvar Aalto: <i style="font-weight: bold;">Edificio del Ayuntamiento. </i>Helsinki</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>4.2. Los años 60</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Los años 60 son tiempos de revolucionarios y de utópicas propuestas, dentro de las que sobresalen las de arquitectos japoneses, los más creativos e innovadores del momento. Ellos son quienes pondrán en funcionamiento las novedades tecnológicas que habían aparecido en aquellos años.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b>El urbanismo</b> experimenta un extraordinario, pero sobre todo, revolucionario cambio. Se revisan los modelos urbanísticos vigentes en Occidente y se buscan soluciones alternativas. Una de las propuestas más interesantes y sorprendentes es la del <i style="font-weight: bold;">Grupo Archigram</i>, de origen inglés, procedente de la estética pop y del mundo del cómic, que llegó a diseñar una ciudad que se podía mover gracias a las patas de las casas que se asemejan a grandes naves espaciales.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b>Japón</b> va a desempeñar un papel fundamental en estos años, realizando aportaciones extraordinarias. Uno de los arquitectos más interesantes es <i style="font-weight: bold;">Kenzo Tange</i>, que junto con <b>Korokawa</b> y <b>Arata Isozaki</b>, representan lo que se ha venido denominando <b>Metabolismo</b> que se fundamenta en los siguientes aspectos: </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li><b>Las megaestructuras</b>: torres formadas por diversas células prefabricadas con forma de cubos o módulos que se van agregando a un eje central (<i>Torre-cápsula de Nagakin </i>de Kurosawa).</li>
</ul>
<ul>
<li><b>Vigas voladizas </b>como elementos horizontales volados que refuerzan la sensación de horizontalidad de algunos edificios.</li>
</ul>
<ul>
<li><b>Mallas colgantes</b> utilizadas sobre todo por un arquitecto alemán llamado Frei Otto (<i>Pabellón de la República Federal Alemana </i>en la Exposición Universal de 1967 en Montreal).</li>
</ul>
<ul>
<li>Se construyen edificios como grandes <b>cajas cúbicas</b> cerradas por muro cortina.</li>
</ul>
<div>
Este último elemento seguirá siendo esencial en la elevación de <b>rascacielos</b>, que durante estos años se van a continuar construyendo como fruto de las investigaciones, tanto tecnológicas como formales, que se estaban alcanzando en este terreno. Especialista en este tipo de construcciones es el <b>Grupo S.O.M.</b>, autores del <i>John Hanckock Center </i>de Chicago. Ellos se encargaron de estudiar los mecanismos necesarios para dar mayor estabilidad a los rascacielos en caso de movimientos sísmicos.</div>
<div>
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKcZ5vIfqGkhd0H7kwzz8PF888ttJM9zLymB3OV10tzdzcZ0u0inB6DxK3sxHbJp8uRsfRNlocUKKaZfk9gssfpTv0VPftyPsnmjTGpDLRIEHY2AdTx25yKTOEdHKc5mcuwPh2YelyMuY/s1600/se.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKcZ5vIfqGkhd0H7kwzz8PF888ttJM9zLymB3OV10tzdzcZ0u0inB6DxK3sxHbJp8uRsfRNlocUKKaZfk9gssfpTv0VPftyPsnmjTGpDLRIEHY2AdTx25yKTOEdHKc5mcuwPh2YelyMuY/s640/se.jpg" width="426" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Grupo S.O.M.: <i style="font-weight: bold;">Torre Sears</i>, Chicago.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Antes de finalizar nos referiremos a <i style="font-weight: bold;">Richard Fuller </i>(1895-1983) que, en 1967, hizo el pabellón de los Estados Unidos en la Exposición de Montreal. Se trata de un espacio cubierto con una imponente cúpula geodésica que le llevó muchos años de investigación.</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>4.3. La arquitectura posmoderna</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b>Charles Jencks </b>se encargó de codificar y de resumir los aspectos fundamentales de la arquitectura posmoderna. En su obra <i>El lenguaje de la arquitectura posmoderna </i>traza un árbol genealógico de la misma y establece los elementos que dan paso a la Posmodernidad. Durante los años 80 se revitaliza un tema que había permanecido olvidado prácticamente desde los comienzos del siglo XX: la pervivencia de la arquitectura clásica.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Venturi y Aldo Rossi son dos de los arquitectos más representativos de la Posmodernidad. <i style="font-weight: bold;">Robert Venturi </i>nació en Filadelfia en 1925. Está muy próximo al <i>Pop-art </i>y al <i>Archigram</i> y absolutamente opuesto al movimiento Moderno. Sus obras son eclécticas, ambiguas e irónicas y demuestran su preocupación por la relación función-forma. Entre sus creaciones más interesantes se encuentra <i>la Venturi House </i>(1962), en Chesnut Hill.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Aldo Rossi </i>(1923-1997) fue redactor de la revista italiana <i>Casabella</i>. La mayor parte de sus edificios se caracterizan por la simplicidad, el orden simétrico de las fachadas, la pureza de sus líneas, incluso, podemos hablar de Clasicismo dado que respeta las leyes clásicas de la composición. También se le ha considerado un neorrealista. Su arquitectura se debe relacionar con la pintura metafísica de Giorgio de Chirico, que en sus cuadros pinta arquitecturas muy similares a las que hizo Rossi: arcos de medio punto, edificios rojizo que es la misma tonalidad que tienen algunas de las obras de Rossi al utilizar el ladrillo, etc. A través de la clasificación de la arquitectura posmoderna en los años 80 que hizo Jencks, arquitecto y teórico norteamericano, podemos ir citando y conociendo a algunos de los arquitectos más interesantes de este momento y su postura con respecto a la arquitectura clásica:</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li><b>Irónico</b>: se emplean elementos clásicos sueltos, inconexos, deslabazados, con una gran dosis de ironía. En este caso se encuentran Graves (<i>Ayuntamiento de Portland</i>) y Moore (<i>Plaza de Italia</i> en Nueva Orleans).</li>
</ul>
<ul>
<li><b>Latente</b>: del Clasicismo toman los principios de organización de los elementos, pero no los elementos en sí ni su vocabulario formal.</li>
</ul>
<ul>
<li><b>Fundamentalista</b>: se trata de extraer los elementos geométricos esenciales, la esencia misma del Clasicismo, sus rasgos fundamentales. Dentro de este grupo están Aldo Rossi y el arquitecto español Rafael Moneo.</li>
</ul>
<ul>
<li><b>Canónico</b>: la postura más retardataria de todas ellas. Es la que más cercana está de todas al <i>revival</i>. Tiene gran incidencia en países como Reino Unido y Estados Unidos. Ricardo Bofill es un buen ejemplo de ello.</li>
</ul>
<ul>
<li><b>Moderno</b>: dentro de esta línea se plantea que lo clásico es un ideal permanente que se puede compatibilizar con nuevas teorías en una especie de eclecticismo.</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXOyrsOyD55pfeleW11RO1nl6eQwrh7MlCbRHl-o8OsYNFxKvrdoTMsC6Jr5tUQf-9cgEWSj2cxkxf5Bb698cMyB8vpl29M7kILfTF0H9KPXtXuJDe356bm5UEEqeHH7PS8aYb3mj25VI/s1600/se.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="474" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXOyrsOyD55pfeleW11RO1nl6eQwrh7MlCbRHl-o8OsYNFxKvrdoTMsC6Jr5tUQf-9cgEWSj2cxkxf5Bb698cMyB8vpl29M7kILfTF0H9KPXtXuJDe356bm5UEEqeHH7PS8aYb3mj25VI/s640/se.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Rafael Moneo: <b><i>Aeropuerto de Sevilla</i></b></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>5. LAS ÚLTIMAS PROPUESTAS: DECONSTRUCCIÓN Y <i>HIGH TECH</i></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><i><br /></i></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">En el grupo de los <i>Five Architects</i>, formado por Meier, Hejduk, Tafuri y Graves, se incluye <i style="font-weight: bold;">Peter Eisenman</i>, uno de los arquitectos más revolucionarios e interesantes de nuestro siglo. Es el punto de partida de la <b>Deconstrucción</b>, que propone la disgregación del edificio. La función se separa definitivamente de la forma. Por este motivo, Eisenman realiza arquitecturas que son puras formas en las que no existe un eje o un punto central, sino que éstas se diseminan libremente en el espacio, no teniendo por qué estar dotadas de función alguna. Él se preocupa, única y exclusivamente, de experimentar con las formas, en las que introduce el color. En el año 88 se celebra una exposición en el MOMA de Nueva York sobre la Deconstrucción, de la que formaban parte varios autores, entre ellos Frank Gehry (autor del edificio que acoge la colección de la Fundación Guggenheim en Bilbao, 1997), quien está bastante relacionado con el Arte Pop y es el autor de edificios realizados con materiales poco nobles y de grandes volúmenes superpuestos.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b>El </b><i style="font-weight: bold;">High Tech</i>, otra de las propuestas arquitectónicas más recientes, está basado en el uso de tecnología punta, de los más nuevos adelantos tecnológicos. Esta corriente está representada por <i style="font-weight: bold;">Renzo Piano </i>y <i style="font-weight: bold;">Richard Rogers</i>; juntos realizaron el <i>Centro de Arte Contemporáneo Georges Pompidou</i> de París en el que se emplean materiales muy sofisticados y no se ocultan los elementos estructurales (las escaleras metálicas van por el exterior del edificio). <i style="font-weight: bold;">Norman Foster</i> (nacido en 1935) también se encuentra en esta línea, pero no hace tanta ostentación d ella tecnología. Se decanta por la utilización de volúmenes limpios y muros de cristal, en los que durante el día se refleja el entorno del edificio. <i style="font-weight: bold;">Jean Nouvel </i>(Fumel, Francia, 1945), autor del <i>Instituto del Mundo Árabe</i> (1981-1987), participa de las ideas de los arquitectos que utilizan las nuevas tecnologías.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNvpKiwAHEyXjYaw3DoB4_BH6lyejV9H9hiKpygdsBYP7Y1rG1nGKLj9ZP5YtBrzM70Y_wEaVDxGkcTtDvdttRFG1Nvf06y1FnDptddMo2Ch1WGEACrkzB0Yze4KkFSdnypWOhqFj1Sg0/s1600/ge.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNvpKiwAHEyXjYaw3DoB4_BH6lyejV9H9hiKpygdsBYP7Y1rG1nGKLj9ZP5YtBrzM70Y_wEaVDxGkcTtDvdttRFG1Nvf06y1FnDptddMo2Ch1WGEACrkzB0Yze4KkFSdnypWOhqFj1Sg0/s640/ge.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Rogers y Piano: Fachada del <i style="font-weight: bold;">Centro de Arte Contemporáneo Georges Pompidou</i>. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRQK48qJBH5HXTJLp0wzyR-aoLYZ_ihss1ScA1X1AU-IzQXVc6ExtyuIvwL-UYjCrcmuKEExTkmoPulcqGpgr6pk1QVbMfdqE72Z0nw8pVsn5X0-X_bAHrTtXJOW5GiDkvWcOqkWHT7Dg/s1600/ar.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRQK48qJBH5HXTJLp0wzyR-aoLYZ_ihss1ScA1X1AU-IzQXVc6ExtyuIvwL-UYjCrcmuKEExTkmoPulcqGpgr6pk1QVbMfdqE72Z0nw8pVsn5X0-X_bAHrTtXJOW5GiDkvWcOqkWHT7Dg/s640/ar.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Jean Nouvel: <i style="font-weight: bold;">Instituto del Mundo Árabe. </i>París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>LAS CONSTRIBUCIONES DE LA BAUHAUS A LA ARQUITECTURA DEL SIGLO XX</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i>"La paradoja que surge de la historia turbulenta de la Bauhaus es que aunque fue fundada con un espíritu que reconocía una importancia suprema en el edificio, durante los primeros ocho años, no se estudió la arquitectura en su justo lugar. A pesar de todo, todavía se hace sentir su influencia en la utilización de componentes prefabricados producidos en masa y en el diseño funcional de muchas de las nuevas viviendas de hoy. La Bauhaus también contribuyó a cambiar la manera en que se enseña arquitectura, sobre todo en los Estados Unidos, al ofrecerles a los estudiantes un entretenimiento práctico en las artes y los oficios, favoreciendo que el Modernismo fuese una de las materias que se impartieran en las clases".</i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
(PEEL, L. <i>Arquitectura del siglo XX, </i>1989)<i> </i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>A FONDO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><i>EL MUSEO GUGGENHEIM </i>DE BILBAO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>FRANK O. GEHRY</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b> </b><br />
<div style="text-align: justify;">
Frank O. Ghery nace en Toronto, Canadá, en 1929 y cursa estudios de Arquitectura en la Universidad de Southern California. Desde 1991 es miembro de la Academia americana de Artes y Ciencias. Sus obras se reparten por Estados Unidos, Europa y Japón y, en todas ellas, la creatividad y la desbordante fantasía son la nota predominante.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En Octubre de 1993 se inicia la construcción del <i>Museo Guggenheim </i>de Bilbao. Para llevar a cabo este proyecto se invierten, aproximadamente, unos 140 millones de euros. Se trata de un espacio que alberga una parte de la colección Guggenheim, una colección privada formada por obras de arte de finales del siglo XIX y de todo el siglo XX. Las otras sedes de la colección se encuentran en Nueva York, en un edificio que es obra de Frank Lloyd Wright, y en Venecia.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Los materiales fundamentales utilizados para su construcción son la piedra, parte de la cual es una piedra caliza bastante compacta de color ocre traída desde Granada, el cristal, los tubos metálicos, que constituyen el esqueleto de esta colosal obra y 33.000 placas de titanio, cuyo peso es de unas sesenta toneladas. Estas placas revisten la superficie del museo y se unen unas a otras mediante grapas. Para llegar al museo se debe atravesar el puente de La Salve que cruza la ría del Nervión. Una vez en el interior del mismo los puntos más importantes son:</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li style="text-align: justify;"><b>El atrio</b>: un área acristalada que se eleva más de 30 metros por encima de la ría. El punto de referencia que Gehry tomó para su realización es la película <i>Metrópolis</i> de Fritz Lang, a la que se alude en la unidad 27.</li>
</ul>
<ul>
<li style="text-align: justify;"><b>El Palio</b>: es una immensa columna de hormigón.</li>
</ul>
<ul>
<li style="text-align: justify;"><b>La "bota"</b>: en su interior están las escaleras del atrio.</li>
</ul>
<ul>
<li style="text-align: justify;"><b>El jardín acuático</b>: en el que está programada la realización de <i>La fuente de fuego</i>, una creación de Yves Klein consistente en tres surtidores de los que saldrán llamas de colores.</li>
</ul>
<ul>
<li style="text-align: justify;"><b>La galería 202</b>: un espacio de 300 metros cuadrados.</li>
</ul>
<ul>
<li style="text-align: justify;"><b>Área de oficinas y administración <i>Potemkin.</i></b></li>
</ul>
<ul>
<li style="text-align: justify;"><b><i>Fish </i>o Volumen M3: </b>en el que tendrán lugar las exposiciones temporales.</li>
</ul>
<ul>
<li style="text-align: justify;"><b>La Torre</b>: se trata de un elemento decorativo y simbólico carente de funcionalidad. No está recubierta, como la mayor parte de la superficie del museo, por placas de titanio, sino que el esqueleto estructural de tubos está revestido con láminas de piedra caliza.</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2eBui6hv7rY-1uSFBMA8X7U35BZ93e_tn6Xyfe1Knd-Gaq5myCo9WUQCDLG70VFusJIIU71-0tROYOJ7XVwnCJpY-goNKu5tae-kiuUJqKxFVuOMDump0N_a8sFR_9o_8CEheOXVQnlE/s1600/bi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2eBui6hv7rY-1uSFBMA8X7U35BZ93e_tn6Xyfe1Knd-Gaq5myCo9WUQCDLG70VFusJIIU71-0tROYOJ7XVwnCJpY-goNKu5tae-kiuUJqKxFVuOMDump0N_a8sFR_9o_8CEheOXVQnlE/s640/bi.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
La iluminación, uno de los elementos clave en un museo, está cuidada con esmero. La mayor parte de las galerías están dotadas de lucernarios en los que la cantidad de luz deseada se puede regular gracias a unas cortinas motorizadas.</div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
El aspecto exterior del museo es el de una inmensa escultura de formas ondulantes y dinámicas que invitan a pensar en el arte futurista y en la arquitectura de la Deconstrucción.</div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
Desde el momento en que se idea hasta su inauguración, en octubre de 1997, mucho se ha escrito sobre él. Una de las interpretaciones, entendemos, más interesante, es la expresada por Rafael Moneo, uno de los arquitectos españoles más importantes y creador del Museo de Arte Romano de Mérida, tomada del diario <i>El Mundo </i>del 18 de octubre de 1997: "Con el Guggenheim, la arquitectura se convierte en espejo de la sociedad, probando que un edificio es capaz de asumir una forma simbólica, que puede representar un ambicioso programa. (...) Pero no sólo se trata de subrayar el modo en que el edificio de Gehry cumple con el deseo de dar forma a la esperanza. <i>El Guggenheim</i> de Bilbao muestra, una vez más, el talento de Gerhy para enfrentarse a los problemas específicos y, en particular, su talento como urbanista: Gerhy ha pretendido que el Guggenheim fuese un nexo de unión, más allá de lo simbólico, en la fragmentada ciudad que hoy es Bilbao al provocar desde el interior una visión cruzada de la ciudad que nos hace sentir que el <i>Museo Guggenheim</i> va a ser, en efecto, el nuevo corazón, el centro de gravedad de un Bilbao renovado". Esta obra demuestra que uno de los principales objetivos de la arquitectura del siglo XX y, al mismo tiempo, uno de sus principales campos de experimentación son los espacios museísticos.</div>
</div>
<div>
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5Jmop4Ltnc6ibuHf1-5zb_1uFrpTB0hIjWZq0vAoxIqYtjkMCjV-lzdvD2lssncFlLPV6KE2Qndjz5FT3OPSFgH2J4ldWZUhMVwXO5zAgLWpyIHv_oLIQogzgXlAP6XgmsRAoiFJU2i0/s1600/gu.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="358" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5Jmop4Ltnc6ibuHf1-5zb_1uFrpTB0hIjWZq0vAoxIqYtjkMCjV-lzdvD2lssncFlLPV6KE2Qndjz5FT3OPSFgH2J4ldWZUhMVwXO5zAgLWpyIHv_oLIQogzgXlAP6XgmsRAoiFJU2i0/s640/gu.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>CITAS</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><i>La Fábrica Fagus</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Su proyecto supera netamente al de Behrens para la AEG. Sólo algunos detalles de las ventanas muestran la influencia de aquél. Por primera vez se concibe la fachada entera de vidrio".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Pevsner</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"No puede comprenderse el fenómeno brutalista sin darse cuenta de que la nueva historiografía artística ha penetrado en profundidad en el pensamiento arquitectónico progresivo y en los métodos de enseñanza, así como en el propio lenguaje adoptado en las relaciones entre arquitectos y críticos".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Banham</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"La forma de un edificio no se desarrolla a partir de las condiciones materiales de un objetivo. Un edificio no tiene por qué revelar su función utilitaria, no es expresión de una estructura y de una construcción, no es refugio ni cobertura. Un edificio es él solamente".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Venturi</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>GLOSARIO</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Muro-cortina</b></div>
<div style="text-align: justify;">
A partir de el momento en que el muro pierde, en cierta manera, la función sustentante, los materiales tradicionales pueden ser sustituidos por otros más ligeros, generalmente, vidrio. De esta manera el muro-cortina es una simple separación entre el interior y el exterior del edificio.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Cúpula geodésica</b></div>
<div style="text-align: justify;">
Son grandes esferas realizadas con pequeños tetraedros de aluminio, bastante económicas al tiempo que livianas y resistentes. Permitían cubrir grandes espacios con pocos puntos de apoyo.</div>
</div>
GreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-48226207052578155472016-04-26T20:32:00.004-07:002016-04-26T20:32:44.637-07:00El Modernismo<div style="text-align: justify;">
<b><span style="font-family: inherit;">El paso arquitectónico del siglo XIX al XX está representado por la arquitectura modernista. Ésta encarna a la perfección las ideas de personajes que, como Morris o Ruskin, pedían una transformación de las artes. La clave de tal regeneración podía estar en la Edad Media y en el regreso a un arte bello y personalizado, alejado de las producciones industriales vulgares, deshumanizadas y poco refinadas. Esto no significó un rechazo ante las aportaciones de los nuevos materiales y técnicas, sino que condicionaron un cambio en los criterios y en la actitud estética.</span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><span style="font-family: inherit;"><br /></span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><span style="font-family: inherit;">La arquitectura modernista supuso, además, la liberación estilística. Los arquitectos no desean seguir mirando al pasado y buscar edificios libres de referencias historicistas. En este sentido, se preludia algo que culminará, con grandes esfuerzos, en la arquitectura del siglo XX.</span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><span style="font-family: inherit;"><br /></span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheus0rOM9CQ1hRtpPF7bDoLO3i0ZZq7vXLd9ta7l_BIwdUv5_ULaylGsh1q4RO_Ia71mjOXz-4K167-R0423qMAGYDRNM3FHVcgaeDuF97LMBeLtfTVGtZaeA5YmSDYl8U6HNKxcc7i8s/s1600/may.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="336" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheus0rOM9CQ1hRtpPF7bDoLO3i0ZZq7vXLd9ta7l_BIwdUv5_ULaylGsh1q4RO_Ia71mjOXz-4K167-R0423qMAGYDRNM3FHVcgaeDuF97LMBeLtfTVGtZaeA5YmSDYl8U6HNKxcc7i8s/s640/may.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Wagner: <i style="font-weight: bold;">Casa de las Mayólicas. </i>Viena</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>1. ¿QUÉ ES EL MODERNISMO?</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Con el término Modernismo se designa un movimiento surgido entre finales del siglo XIX y principios del XX en Europa y en los Estados Unidos, que afectó especialmente a la arquitectura y a las artes decorativas.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Los orígenes y las causas de la aparición de este movimiento se encuentran en la Revolución Industrial, contra la que reaccionaron ardientemente personajes como William Morris _muy vinculado al movimiento prerrafaelita_. Morris creó el <i>Arts and Drafts </i>(Artes y Oficios) puesto que él, dada su adhesión al pensamiento Socialista utópico (recordemos a Saint Simon, a Fourier o a Robert Owen), estaba convencido de la necesidad de un profundo cambio social. El regreso al <b>trabajo artesano </b>era, para él, la mejor manera de combatir la alienación del trabajo capitalista. Los productos que salían de la industria eran feos e impersonales. Estas afirmaciones no suponían que rechazase la máquina, pero sí que se debatiese sobre el enfrentamiento arte-industria.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La consecuencia lógica de la producción artesanal de los objetos y de las obras de arte fue un notable encarecimiento de sus precios, siendo estos inaccesibles para la mayor parte de la población. El Modernismo se convierte, así, en el arte de <b>la burguesía</b> urbana y cosmopolita, lejos del alcance de la mayor parte de las clases populares.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El Modernismo busca la <b>belleza aplicada a todos los órdenes de la vida</b>. Este planteamiento afectó, no sólo a la arquitectura, escultura y pintura, sino que también se realizaron bellísimos diseños de <b>objetos que forman parte de la vida cotidiana </b>como el papel pintado que decoraría las casas, las vajillas, el mobiliario, jarrones, joyas y ropa.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhv8zXKaMiS7nBcrud27rwaSTHdunsUxmAp-l2_868ABoOBTRGntN_soDicNuKHm8zdfqPxE_SKZPzeWTDVw2heRVO2SjVGsg8wmvH2yToPY5t4AzzXHHP3mWvOczqB3um52dOCioOvLl4/s1600/pau.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhv8zXKaMiS7nBcrud27rwaSTHdunsUxmAp-l2_868ABoOBTRGntN_soDicNuKHm8zdfqPxE_SKZPzeWTDVw2heRVO2SjVGsg8wmvH2yToPY5t4AzzXHHP3mWvOczqB3um52dOCioOvLl4/s640/pau.jpg" width="460" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Paul Nicolas: <i style="font-weight: bold;">Jarrón. </i>Casa Lis. Salamanca</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Se buscaba, como ya se haba hecho en momentos anteriores, el arte total, la unificación de todas las manifestaciones artísticas, y que éstas quedasen englobadas bajo la arquitectura, en la que no se renunció al empleo de los nuevos materiales que la Revolución industrial había aportado. De esta manera, los modernistas, más que un enfrentamiento entre el arte y la industria, lo que perseguían era una alianza entre ambos, una unión que permitiese alcanzar la belleza en todos los ámbitos de la vida. La arquitectura modernista nunca enmascara los elementos estructurales, sino que aparecen al descubierto, como ya se ha hecho y como se seguirá haciendo a lo largo de todo el siglo XX.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El Modernismo reacciona además contra la arquitectura que se va imponiendo como mayoritaria en el siglo XIX, que se caracterizaba por una constante búsqueda de la inspiración en el pasado. Asimismo, se interesa por <b>la naturaleza y sus formas</b>, de las que acentúan el carácter metamórfico y las grandes posibilidades decorativas que estas ofrecen. Determinados animales (libélulas, cisnes, mariposas, etc.) y las flores son los motivos decorativos preferidos por los modernistas.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIalARqk1km7uj2opH7nduH5SeHeXFc6rfNjgdaReHJd5ayGeDgT8oFFvIMw9X3MMeP5Dc8f1vHLTQn6jsUWx6r-g30qLfil8EleeINO95k_8ajesAFW-nQTuz84Qcbf-0noM1X3WhOKU/s1600/galle.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIalARqk1km7uj2opH7nduH5SeHeXFc6rfNjgdaReHJd5ayGeDgT8oFFvIMw9X3MMeP5Dc8f1vHLTQn6jsUWx6r-g30qLfil8EleeINO95k_8ajesAFW-nQTuz84Qcbf-0noM1X3WhOKU/s640/galle.jpg" width="480" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Gallé: <i style="font-weight: bold;">Jarrón. </i>Casa Lis. Salamanca</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En la arquitectura modernista cabe destacar la presencia de <b>dos tendencias</b>. Por un lado, surge una arquitectura más expresiva, en la que se prefiere la <b>línea curva </b>y las formas ondulantes (Bélgica y Francia), mientras que existe una segunda vertiente en la que se opta por la <b>línea recta</b>, la simplificación y la geometrización que la aproximan a la arquitectura racionalista, de la que nos ocuparemos más adelante (Gran Bretaña y Austria).</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Modernismo </b>es el término que se ha establecido para hablar genéricamente de este movimiento, puesto que es el nombre que recibió en España, pero lo cierto es que adoptó diferentes nombres según el país en el que se manifestara. En Francia se le llamó <i>Art Nouveau</i>, en Bélgica el <i>Velde Stile</i>, en Italia <i>Liberty</i> o Estilo floral, en Gran Bretaña <i>Modern Style</i>, en Alemania <i>Jugendstil </i>y en Austria <i>Sezessionstil</i>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El Modernismo se difundió, en gran medida, a través de las <b>Exposiciones Universales</b>, en este sentido, una de las más importantes fue la de Turín de 1902. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2 . MODERNISMO ONDULANTE: FRANCIA Y BÉLGICA</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Analizaremos conjuntamente el Modernismo en Francia y en Bélgica, puesto que en ambos casos se produce un predominio de la línea curva y una exaltación de los valores expresivos sobre cualquier otra cosa. Esta manera de interpretar la arquitectura será recuperada por los expresionistas, por Wright y por Le Corbusier en algunas de sus obras.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Victor Horta </i>(1861-1947) es quien mejor encarna el Modernismo en <b>Bélgica</b>. Aunque era de origen belga, realizó sus primeros estudios en París. En 1892 ejecutó la que es su obra más emblemática, <i>la Casa Tassel </i>en Bruselas. Dentro del mismo podemos admirar su bella escalera de hierro visto que decoró con elementos vegetales del mismo material que, con un ritmo ondulante, recorren las superficies. Esta obra se convirtió en el punto de referencia obligado para muchos arquitectos modernistas. Su siguiente obra es <i>la Casa Solvay</i> (1895-1900) y, más tarde, la que es considerada su obra maestra, <i>la Casa del Pueblo</i> (1896-1899), realizada para albergar las oficinas del sindicato socialista y que, desgraciadamente, fue destruida años más tarde. En ella, Horta consiguió algo que buscaron otros muchos arquitectos modernistas, transmitir al exterior la forma y los volúmenes del interior del edificio, poner de manifiesto la estructura del mismo. Modificó el sentido del muro tradicional, no sólo por el empleo masivo del vidrio y el hierro que venían a sustituir a materiales que se habían utilizado de una manera sistemática a lo largo de la Historia de la arquitectura, sino también por las ondulaciones de la fachada, que introducen el dinamismo como pieza clave de este arte. Además, consiguió que este nuevo edificio no fuese discordante en su entorno, realizado muchos años antes.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxSFCMI_ldjrPHsFEmJNl8EaAKUIAuHwm2gnzv9nod8lwiwWjvc9hhB1lgW_CkstTLx_-RQalZ_NXYkxdPeYvo5xl1Kl0YdmYpbvpl8eORA29kchk4-GGpUdeN_pJWgroRIXGVC_UV14g/s1600/ca.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxSFCMI_ldjrPHsFEmJNl8EaAKUIAuHwm2gnzv9nod8lwiwWjvc9hhB1lgW_CkstTLx_-RQalZ_NXYkxdPeYvo5xl1Kl0YdmYpbvpl8eORA29kchk4-GGpUdeN_pJWgroRIXGVC_UV14g/s640/ca.jpg" width="504" /></a></div>
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Victor Horta: <i style="font-weight: bold;">Casa del arquitecto. </i>Bruselas</div>
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<br /></div>
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El otro gran arquitecto del Modernismo en Bélgica fue <i style="font-weight: bold;">Henri van de Velde </i>(1863-1957) que sobresalió como arquitecto y diseñador. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Amberes y más tarde en París, donde conoció a un buen número de pintores impresionistas y simbolistas y a Gauguin, quien causó gran impacto en él. Siguió fervientemente las teorías de Ruskin y, especialmente, las de William Morris. A diferencia de éste, consideraba que la máquina era una pieza clave en el arte que podía ayudar notablemente a una regeneración del mismo. En 1896 realizó su primera creación arquitectónica: <i>la Casa Bloemenwerf </i>(1896), para la que también diseñó el mobiliario. Dos exposiciones, en París y Dresde, contribuyeron a difundir su fama. En 1898 fundó su propio taller de artes aplicadas. </div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Hector Guimard </i>(1867-1927) es el arquitecto más interesante del <b>Art Nouveau francés</b>. En París construyó el <i>Castel Béranger </i>(1897-1898), un complejo de casas de alquiler que recuerdan a las obras de Victor Horta (1902) y <i>las entradas del metro parisino</i>.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAzyhDOTxjf7uU1A2F-3Oc6iX682dUF9Y7ne2gFKY_BO-r7fqWihZyzwEuJV-4HfN94T8qzY-81EhodGE31yn861yFeab-liOcPHAavFEfr10wmNBsYdZh_roLk6l0TBOJvXVvd4ImVaE/s1600/metr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAzyhDOTxjf7uU1A2F-3Oc6iX682dUF9Y7ne2gFKY_BO-r7fqWihZyzwEuJV-4HfN94T8qzY-81EhodGE31yn861yFeab-liOcPHAavFEfr10wmNBsYdZh_roLk6l0TBOJvXVvd4ImVaE/s640/metr.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Guimard: <i style="font-weight: bold;">Boca del metro. </i>París</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>3. MODERNISMO "RACIONALISTA": GRAN BRETAÑA Y AUSTRIA</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
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Tanto en Gran Bretaña como en Austria, el Modernismo se decanta por el predominio de la línea recta que anuncia la arquitectura racionalista de los años veinte y treinta.</div>
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<br /></div>
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El mejor representante del <i>Modern Style </i>es <i><b>Charles Rennie Macintosh </b></i>(1868-1928) quien, contradiciendo la voluntad de su padre, decidió estudiar arquitectura en la Academia de Arte de Glasgow. En 1896 ganó el concurso para la realización del nuevo edificio de la escuela de Arte de esta ciudad. Ejecutó una obra de líneas puras y limpias en la que el predominio de la geometría es total, sin que ello suponga un detrimento de la creatividad. La planta es rectangular y compacta, los materiales autores y simples y los volúmenes netos. Estaba influido por los castillos y las casas solariegas escocesas. Sus diseños de muebles eran conocidos entre los arquitectos europeos del momento como Hoffman y Olbrich. </div>
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<br /></div>
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En Austria el Modernismo, conocido con el nombre de <i>Sezession</i>, estuvo representado por un nutrido número de arquitectos entre los que sobresale <i style="font-weight: bold;">Otto Wagner</i> (1841-1918) quien estudió en Viena y Berlín, pero siempre en ambientes estrictamente académicos. En 1894 llegó a ser profesor de la Academia de Viena, en donde pronunció un discurso de ingreso que reflejaba cuáles eran sus ideas con respecto a la arquitectura: ésta debía ser racional, adecuarse a la función para la que es concebida y, al mismo tiempo, separase de todo lo hecho hasta este momento, romper con la tradición. Era muy amigo de Olbrich, con quien trabajó durante casi cinco años. En 1889 construyó <i>la Casa de las Mayólicas</i>.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFIXm0VpI-H01OwTpmod6zuYM0KJ8l5yhB2RijVwetlz8byDetp5HseFG9esrLXdTduaBjetW7F_nF8QJgSQHOhayLUnfk1ox_3OsXYd_rM8vrh_5NCKf9gAMfW1c3yWH1Gxf3KCoVidE/s1600/may.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="520" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFIXm0VpI-H01OwTpmod6zuYM0KJ8l5yhB2RijVwetlz8byDetp5HseFG9esrLXdTduaBjetW7F_nF8QJgSQHOhayLUnfk1ox_3OsXYd_rM8vrh_5NCKf9gAMfW1c3yWH1Gxf3KCoVidE/s640/may.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Wagner: <i style="font-weight: bold;">Casa de las Mayólicas. </i>Viena</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Joseph Maria Olbrich </i>(1867-1908) fue un estrecho colaborador de Wagner. Ambos compartían muchas ideas sobre la arquitectura. Estudió en la Academia de Viena y años más tarde ganó el premio de Roma, de donde regresó para trabajar al lado de Wagner. Olbrich realizó en 1897 <i>el edificio de la Sezession</i>. Con él colaboraron un grupo de jóvenes artistas integrado, entre otros, por el pintor Klimt y el arquitecto Hoffman. Se trataba de un edificio de planta cuadrada cubierto por una cúpula calada y dorada hecha de láminas metálicas, un espacio de formas limpias que le granjeó gran fama y a resultas del cual le comenzaron a hacer muchos encargos como <i>el monumento fúnebre de la familia Von Klarwill </i>(1898).</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzfP6V1U0VDKorg9EGOy8_ARd62bNKzvTyecznaHXTIjpq2WoCVyJ-jx-LTH9eFqzSvdzGNxhQ2bMnK6z4vgsLA4IjDnobZ69R5YlY6PlFpduowBcffLBbB-pA2vRm5FMJYfKkf96rD5M/s1600/sez.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzfP6V1U0VDKorg9EGOy8_ARd62bNKzvTyecznaHXTIjpq2WoCVyJ-jx-LTH9eFqzSvdzGNxhQ2bMnK6z4vgsLA4IjDnobZ69R5YlY6PlFpduowBcffLBbB-pA2vRm5FMJYfKkf96rD5M/s640/sez.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Olbrich: <i style="font-weight: bold;">Edificio de la Sezession. </i>Viena</div>
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<br /></div>
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El tercer gran representante de la arquitectura modernista austriaca es <i style="font-weight: bold;">Joseph Hoffman </i>(1870-1956). Se formó como discípulo de Wagner. Se le conoce como arquitecto, además de ilustrador y decorador. Como arquitecto demostró gran interés por las formas geométricas y el contraste entre el blanco y el negro. Además de colaborar en la construcción del <i>edificio de la Sezession</i>, realizó el <i>Palacio Stocklet </i>de Bruselas, su obra más conocida. En ella empleó mármoles blancos, ventanas sin molduras, elementos que, en general, pueden ser calificados como de máxima modernidad. El interior está decorado con mosaicos de Klimt del que hablaremos a continuación.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4. GUSTAV KLIMT Y OTROS PINTORES PRÓXIMOS AL MODERNISMO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El pintor Gustav Klimt estuvo a lo largo de su vida bastante vinculado al Modernismo en Austria, no en vano fue el primer presidente de la <i>Sezession</i> y, aunque es bastante difícil pretender etiquetar su obra, es, quizá, está corriente estética a la que más se aproxima.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Gustav Klimt </i>(1862-1918) era hijo de un orfebre y grabador. Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Viena y, hasta 1879, participó con su hermano en diversos trabajos de decoración.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Durante cierto tiempo, tras abandonar la pequeña empresa familiar, su obra pictórica fue escasa, hasta que, en 1897, volvió a entrar en contacto con el arte formando, junto a otros artistas de los que ya hemos tenido ocasión de hablar, la <i>Sezession </i>vienesa, de la que fue uno de los miembros más destacados.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Viajó por gran parte de Europa; en Italia, más concretamente en Rávena, aprendió la técnica del mosaico. Uno de sus encargos más importantes es el de <i>los murales para la Universidad de Viena</i>, conjunto en que representó los ciclos decorativos de la Filosofía, la Medicina y la Jurisprudencia y <i>El friso de Beethoven </i>para la exposición de la <i>Sezession </i>de 1902. En este último podemos apreciar las influencias de la obra de Mackintosh.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La cumbre de su estilo es, quizá, la decoración del <i>Palacio Stocklet </i>de Bruselas para la que realizó <i>El árbol de la vida</i>. De 1905 es su obra <i>Las tres edades de la mujer </i>que exhibió en la Exposición de Arte de 1908 junto a <i>El beso</i> en la que emplea materiales muy ricos que cuida con esmero y en la que los elementos decorativos ocupan un lugar preponderante.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYnEt7c0hc9Jq2c-xtVHv-bchbTIwo63dNcQch1wj0Cn1jLtClFnUWiLOoIttWoWXqmgjK2rCQiSgb1l5OBZAoqZGkouBE5NfvoVIkuGcf9SOEh3E1t-0cda3mUIF5mFcPzBtxWlHw3so/s1600/3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYnEt7c0hc9Jq2c-xtVHv-bchbTIwo63dNcQch1wj0Cn1jLtClFnUWiLOoIttWoWXqmgjK2rCQiSgb1l5OBZAoqZGkouBE5NfvoVIkuGcf9SOEh3E1t-0cda3mUIF5mFcPzBtxWlHw3so/s640/3.jpg" width="638" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Klimt: <i style="font-weight: bold;">Las tres edades de la mujer. </i>Galería Nacional. Roma</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0PeWmwrlRdE1DpT-pt_SyD-eEoRxSByTFK2fxi4SB6TiJ4r-s27BKE2fASWdhLODdAHAWnnOGacuKbNk8p267_l2ei8ZXdYF5aqcobM10PKH7CKxdNWMTmkFwrwo3dMs1ViAgXHMSfQU/s1600/kiss.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0PeWmwrlRdE1DpT-pt_SyD-eEoRxSByTFK2fxi4SB6TiJ4r-s27BKE2fASWdhLODdAHAWnnOGacuKbNk8p267_l2ei8ZXdYF5aqcobM10PKH7CKxdNWMTmkFwrwo3dMs1ViAgXHMSfQU/s640/kiss.jpg" width="630" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Klimt: <i style="font-weight: bold;">El beso. </i>Österreichische Galerie. Viena</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Pintó algunos paisajes que se caracterizan por un fuerte sentido de lo geométrico y retratos de enorme belleza, especialmente los femeninos, de entre los que sobresale el de <i>Judith</i>.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPp3NSvEKfHr3tZqBRo6Eci1LnnRQHYHAlO9659kESmbLHBYz1mOUoODThS4mLSMG6CThFfILt7ZXgyzAJwe4YFxVb9T3aQ8uijAiGiZt3DtQpBfidtDSTmm1C2xFIFnWeTLYkrmevOn4/s1600/jud.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPp3NSvEKfHr3tZqBRo6Eci1LnnRQHYHAlO9659kESmbLHBYz1mOUoODThS4mLSMG6CThFfILt7ZXgyzAJwe4YFxVb9T3aQ8uijAiGiZt3DtQpBfidtDSTmm1C2xFIFnWeTLYkrmevOn4/s640/jud.jpg" width="334" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Klimt: <i style="font-weight: bold;">Judith I. </i>Österreichische Galerie. Viena</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Klimt conocía e intercambiaba experiencias artísticas con otros artistas como Oskar Kokoschka y <i style="font-weight: bold;">Egon Schiele </i>(1890-1918). Este último es un pintor bastante próximo a Klimt desde el punto de vista estilístico. En los personajes de sus obras se refleja la angustia y la desesperación, sensaciones capturadas por un vigoroso dibujo. También destacó como paisajista. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>5. EL MODERNISMO ESPAÑOL</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>5.1. Aspectos y autores del Modernismo español</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En nuestro país convivieron las dos tendencias del Modernismo que hemos visto en otros países. Dentro del panorama artístico español de este momento brilla con particular protagonismo la figura de Antoni Gaudí. Cataluña es el lugar en el que el Modernismo alcanzó una mayor fuerza e interés, aunque esto no quiere decir que no aparezcan relevantes ejemplos modernistas en otros lugares.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Lluís Domènech i Montaner </i>(1850-1923) estudió arquitectura en Barcelona. Entre sus primeros trabajos se encuentran, por un lado, una serie de edificios en el ensanche barcelonés y, por otro, la participación en varios concursos. En 1888, con motivo de la Exposición Universal celebrada en Barcelona, hizo el café-restaurante <i>El Castells des Tres Dragons</i>, hoy museo de Zoología. El edificio está dentro de un estilo claramente neogótico pero bastante racionalista y severo, en el que predominan las líneas rectas. En 1905 recibe el encargo de construir <i>la Casa Lleó-Morera </i>y en 1905-1908, la que es considerada su obra maestra: <i>El Palacio de la Música</i>, espacio en el que pretendió reflejar la esencia cultural de Cataluña. Está decorado con elementos vegetales que recuerdan al Modernismo de Horta. Juega con la curva y la contracurva, con las posibilidades expresivas de los nuevos materiales como el hierro y el vidrio, que no se molesta en ocultar. Exalta la riqueza de las tradiciones y de los objetos realizados artesanalmente. Las vidrieras son obra de la firma Rigalt, Granell & Cía., las esculturas de Eusebi Arnau y los bustos interiores de Clavé. Beethoven y un grupo de walkirias pertenecen al escultor Pablo Gargallo. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicBjiybQsIRAfuGoyfLr5M6I1w_jgea866IEIC2dYA_m7du_I8-nB_JzRWKfzHFK1Hfehv9uxw4acBWDY2npK4J0yB-3EePZgJTuWpxzZdqUKPi11UYPSq-yJPTBiQHVS1vpwdfuudToA/s1600/lleo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="366" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicBjiybQsIRAfuGoyfLr5M6I1w_jgea866IEIC2dYA_m7du_I8-nB_JzRWKfzHFK1Hfehv9uxw4acBWDY2npK4J0yB-3EePZgJTuWpxzZdqUKPi11UYPSq-yJPTBiQHVS1vpwdfuudToA/s640/lleo.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Domenech i Montaner: <i style="font-weight: bold;">Casa Lleó-Morera. </i>Barcelona</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhh9SiRrDvHz7RAgZrHRU0dHmCSm4YOjKhWL25SBKhZzF85WhsaUwSog036INJ9NALgn8pcMN3W04na0tSz0g5AknYMewQkMLcjRkCCyBRWoeiRs-xxz1xX8sZqx5OTUHcLxRJLlsxA2mo/s1600/pal.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhh9SiRrDvHz7RAgZrHRU0dHmCSm4YOjKhWL25SBKhZzF85WhsaUwSog036INJ9NALgn8pcMN3W04na0tSz0g5AknYMewQkMLcjRkCCyBRWoeiRs-xxz1xX8sZqx5OTUHcLxRJLlsxA2mo/s640/pal.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Domenech i Montaner: <i style="font-weight: bold;">El Palacio de la Música. </i>Barcelona</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Josep María Puig i Cadafalch </i>(1867-1956) era un gran conocedor de la tradición arquitectónica de nuestro país que combinó, en una misma arquitectura, el Románico, el Mudéjar, el Barroco, el Plateresco y el Gótico. No en vano sobresalió como historiador del arte, en calidad de lo cual nos dejó su obra <i>La arquitectura románica en Cataluña</i>, obra que, aún hoy, es considerada referencia fundamental para conocer la arquitectura catalana del citado estilo. Entre sus más importantes obras se encuentra <i>la Casa Amatller </i>(1899), con una fachada extremadamente plana y alejada de la arquitectura de Gaudí, más voluminosa y dinámica.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjk5RzIkeuEokzdICqH0f955e00o3z3sezVojBdlZE64EU4_aZq3y76myZuB99bUaC9p8wMpRsAFRLQFGM5aLif4odfuVV9y2TFZJLHELGRaN7yRrVHo61wkws6aH_O89TNFI8G228FHNw/s1600/ama.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjk5RzIkeuEokzdICqH0f955e00o3z3sezVojBdlZE64EU4_aZq3y76myZuB99bUaC9p8wMpRsAFRLQFGM5aLif4odfuVV9y2TFZJLHELGRaN7yRrVHo61wkws6aH_O89TNFI8G228FHNw/s640/ama.jpg" width="480" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Puig i Cadafalch: <i style="font-weight: bold;">Casa Amatller. </i>Barcelona</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Joan Martorell i Montells </i>(1833-1906) y <i style="font-weight: bold;">Jujol i Gibert </i>(1879-1949) formaron parte de este brillante grupo de arquitectos modernistas catalanes. Martorell conoció muy bien las ideas de Viollet-le-Duc, lo que le valió ser uno de los grandes representantes del Neogótico en Cataluña. Jujol colaboró estrechamente con Gaudí cuidando con detalle todos los elementos decorativos de sus edificios. Entre su producción destaca la fachada de <i>la Casa Batlló </i>(1907) y las barandillas de <i>la Casa Milá</i>. También intervino en algunos proyectos de restauración como el del <i>Monasterio de Pedralbes</i>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En Madrid se conserva un bellísimo ejemplo de lo que fue el Modernismo fuera de Cataluña: <i>el Palacio Longoria </i>(actual sede de la Sociedad General de Autores), de <b>José Grases Riera</b>. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAE8GkPJzMWtZCxT_UdMvqf88VMRBiJbyBxk2Y73YY6yP2Sx2xsGpLOH9em7mAie-KTbmxrxX5-El0XbryPx2UR8yj4PtBIuEf_P-upeOW0jy9jLXlEZwRHz1c-QMUEMuwSnhnmIxbFQ8/s1600/lon.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="428" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAE8GkPJzMWtZCxT_UdMvqf88VMRBiJbyBxk2Y73YY6yP2Sx2xsGpLOH9em7mAie-KTbmxrxX5-El0XbryPx2UR8yj4PtBIuEf_P-upeOW0jy9jLXlEZwRHz1c-QMUEMuwSnhnmIxbFQ8/s640/lon.jpg" width="640" /></a></div>
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Grases Riera: <i style="font-weight: bold;">Palacio Longoria. </i>Madrid</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>5.2. Antoni Gaudí</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<i style="font-weight: bold;">Gaudí </i>(1852-1926) es el más original y, también, el más importante de los arquitectos modernistas de nuestro país. Su creatividad ha rebasado nuestras fronteras convirtiéndolo en uno de los arquitectos españoles más conocidos. Sus primeros estudios los realiza en las Escuelas Pías de San José de Calasanz (Escolapios). Más tarde se marcha a Barcelona desde Reus, su ciudad natal, para estudiar en la escuela de Arquitectura. Desde un primer momento se interesó por las ideas de Ruskin y Morris, impulsor este último de un arte total, objetivo prioritario, también, de la obra gaudíana.</div>
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<br /></div>
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Las primeras obras de Gaudí se desarrollan bajo la influencia del historicismo y de la arquitectura de Viollet-le-Duc, asimismo manifestó una visión muy personal del Mudéjar y del Gótico. Entre sus primeras creaciones sobresalen <i>la Casa Vicens</i> (1883-1888) _mandada hacer por el fabricante de azulejos Manuel Vicens Montaner, en la que se funden las influencias mudéjares y lo oriental, y se comienza a preocupar por dar a cada material el tratamiento oportuno_, y <i>el Capricho </i>de Comillas, (1883-1885, Cantabria), que recuerda a un minarete musulmán. En 1886 comienza a construir <i>el Palacio Güell</i>, en 1889 <i>el Palacio Episcopal </i>de Astorga (León), de clara inspiración neogótica, y el <i>Colegio de las Teresianas</i> _también en Barcelona_, realizado en piedra y ladrillo. En esta obra, las dificultades y la escasez económica se compensan con la creatividad y la originalidad de los arcos parabólicos y la modernización del lenguaje mudéjar. También es neogótica <i>la Casa Botines</i>, en León, encargada en 1892 por una empresa catalana dedicada al comercio de tejidos. En el exterior, se puede admirar una escultura de san Jorge alanceando al dragón, un tema muy medieval y, al mismo tiempo, muy catalán.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSvqDQvYuwJoE-RbZIZd-5_rufdDspVP9H_wKqupftYwv1XM3WTfUlzeuIdwY8-ebqj8NV5_x8c7LJ9r0UlRkElHxNf3f4NuI2eIsVqMhWSQ7AiuDdM1Yxw9W8M0VsVU1hCQqd9N1S2Wk/s1600/vic.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="438" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSvqDQvYuwJoE-RbZIZd-5_rufdDspVP9H_wKqupftYwv1XM3WTfUlzeuIdwY8-ebqj8NV5_x8c7LJ9r0UlRkElHxNf3f4NuI2eIsVqMhWSQ7AiuDdM1Yxw9W8M0VsVU1hCQqd9N1S2Wk/s640/vic.jpg" width="640" /></a></div>
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Gaudí: <i style="font-weight: bold;">Casa Vicens. </i>Barcelona</div>
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Tras un largo período, influido por el Neomedievalismo, decide abandonar este camino y comienza a interesarse por las formas orgánicas. Esto sucedería entre los años 1900 y 1917, el periodo más creativo de su carrera. En estos momentos inicia <i>el Parque Güell </i>(1900-1914). Güell fue para Gaudí una especie de mecenas contemporáneo que le hizo un gran número de encargos, entre ellos el de una colonia urbana que nunca se llegó a finalizar. En la entrada al parque empleó colosales columnas pétreas inclinadas que se disponen unas muy próximas de las otras, como si de una moderna sala hipóstila se tratara. Emplea cubiertas de formas bulbosas y originales chimeneas. En este caso persigue la fusión entre la arquitectura y la naturaleza que le inspira. Construyó <i>la Casa Batlló </i>entre 1904 y 1906. Esta obra no es íntegramente suya sino que es la reforma de una casa ya existente en el paseo de Gracia que Enric Batlló, industrial textil y dueño del inmueble, encomendó a Gaudí. Hizo algunas modificaciones en la distribución interior de la misma y recubrió la fachada con <i>trenzados</i>, para lo que contó con la inestimable ayuda de Jujol, con el que colaboró en múltiples ocasiones. En 1906 se enfrentó a la realización de <i>la Casa Milá</i>, también conocida como <i>la Pedrera</i> por los barceloneses, nombre originalmente despectivo que reflejaba que no era muy del agrado del público, aunque hoy sea considerada una de sus obras más geniales. En ella se ensayaron soluciones constructivas de una gran originalidad: se cambiaron los muros de carga por el entramado metálico, elementos ambos que permiten crear una planta libre de formas ondulantes. En la parte superior se situaron chimeneas de formas bulbosas. Igualmente ingeniosa es <i>la iglesia de la colonia Güell</i>, que podría ser tomada como obra perteneciente a la arquitectura expresionista o incluso al Brutalismo por la exaltación del material que Gaudí hace en ella. Las vastas columnas monolíticas, que recuerdan al arte prehistórico, confieren al conjunto un aspecto global de rusticidad. </div>
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<br /></div>
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<i>La Sagrada Familia </i>fue un encargo de la asociación de devotos de san José después de que, en 1908, Francisco de Paula y Villar decidiese abandonar la obra que, en principio, le había sido encomendada. Hoy está inacabada puesto que Gaudí sólo llegó a construir una pequeña parte de la misma. Las influencias del Gótico son innegables, pero también es muy cierto que ha sido revisada bajo el personal estilo de Gaudí. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCSf0BIX3Tlz2m_4AH5XfJJmPYMy1PtUdvFb3CBKSwNrDFN9WDZ_7l1vaxFggCtFhJipIeaCRx6qG0AyMFKFVfrkyFxXFOwn_8MQ2YWp3wSycYIiU7hYgLy-4jZnhR_Z0SRSOTewG013s/s1600/sa.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCSf0BIX3Tlz2m_4AH5XfJJmPYMy1PtUdvFb3CBKSwNrDFN9WDZ_7l1vaxFggCtFhJipIeaCRx6qG0AyMFKFVfrkyFxXFOwn_8MQ2YWp3wSycYIiU7hYgLy-4jZnhR_Z0SRSOTewG013s/s640/sa.jpg" width="466" /></a></div>
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Gaudí: <i style="font-weight: bold;">La Sagrada Familia. </i>Barcelona</div>
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<span style="font-size: large;"><b>LA OBRA DE GUIMARD</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<i>"El mayor exponente de todos ellos fue Hector Guimard (1867-1942), diseñando las entradas para el sistema de metro de París, así como un gran número de casas destacadas. Su Castel Béranger, acabado en 1898, desarrollaba motivos florales que recordaban a Horta y, de hecho, era posterior a una visita a Bélgica. A pesar de ello, Guimard trabajaba con hierro fundido y también con hierro forjado, a diferencia de Horta: éste había facilitado el material básico para las numerosas entradas de metro y las taquillas que Guimard diseñaría a partir de 1900. Las entradas constituían inspirados trabajos de fantasía, consistentes en una abertura sobre la que pendía el signo metropolitano y a cada lado, unos tubos gigantes acabados en lámparas florales. El contraste que dichos trabajos suponían con la dignidad histórica de los edificios situados enfrente enfurecía a muchos". </i></div>
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<i><br /></i></div>
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(GARRET, A. <i>Introducción a la arquitectura del siglo XX, </i>1989)</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>A FONDO</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><i>EL PARQUE GÜELL... </i>BARCELONA</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b>ANTONIO GAUDÍ</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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El <i>Parque Güell </i>es una de las obras maestras de este genial catalán. En este caso, Gaudí crea una nueva arquitectura que se aparta definitivamente de todo lo que había hecho con anterioridad. Rompe con las referencias historicistas para sumergirse de lleno en un estilo muchísimo más personal y creativo que marcará un hito.</div>
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<br /></div>
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Este jardín fue mandado construir por Eusebi Güell, que desempeñó el papel de mecenas en la vida de Gaudí. Es posible que Güell conociese el concepto de ciudad-jardín durante uno de sus viajes por Inglaterra y trató de que Gaudí lo recrease en el <i>Parque Güell</i>. Esta idea de la ciudad-jardín es muy característica de las ciudades en las que la Revolución industrial había alcanzado un importante desarrollo. En estos casos se planteaba la necesidad de humanizar las ciudades, de revalorizar la vida en el campo. Así, Robert Owen impulsó la idea de crear comunidades en las que se pudiese disfrutar de las ventajas tanto del campo como de la ciudad, comunidades que fuesen autosuficientes pero manteniendo siempre una relación armónica con la naturaleza. En Francia, estas ideas cristalizan en la aparición de <i>jardins ouvriers</i>, mientras que en España el ejemplo más significativo es el <i>Parque Güell</i>.</div>
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<br /></div>
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En el año 1899, el industrial catalán compró unos terrenos en el término de Gràcia y en 1902 adquirió otra finca de 15 hectáreas en la que, con anterioridad, había existido un monasterio medieval. Allí planeó la revalorización de una ciudad-jardín cerrada por un muro perimetral, a la que se podía acceder por una puerta principal y otras tres secundarias. El espacio estaba dividido en sesenta parcelas que albergarían a idéntico número de familias. Finalmente, tan sólo Güell, Gaudí y Martín Trías llegaron a establecerse aquí. En 1925, el ayuntamiento de Barcelona compró el parque para destinarlo a jardín público de la ciudad de Barcelona.</div>
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<br /></div>
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Para la realización del parque se contó con la colaboración de Francesc Berenguer y de Josep Jujol, que trabajaban de manera habitual con Gaudí.</div>
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<br /></div>
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Todo el espacio está rodeado por un muro aparejado con piedra y revestido con cerámica. En él es posible ver medallones en los que se lee "Park Güell", en inglés, por sugerencia de Eusebi Güell. La entrada está flanqueada por dos pabellones diferentes entre sí pero con tratamiento similar, uno para los guardeses y otro para la administración, los teléfonos y la sala de espera. De aquí se pasa a una gran escalinata con doble entrada que se adapta a la irregularidad del terreno y que nos lleva a la sala hipóstila. En el centro de la escalera hay una fuente decorada con fragmentos cerámicos irregulares y de intensos colores culminada por un dragón, pieza clave de la iconografía medieval catalana. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5D_ZUvzuiPa0yXTl8y5SHU0eJcGe8L9kpRaXS0d63DJX2yRuJiGg5pjBmXpDTZiFkYfXVq7VLlWUgLo8tt6S8ypp_mGjuGLFzItIg-Iu0uXBq0CG5TzbLrL6g-JPCeaVqhtq_L3MQ_l0/s1600/p.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="296" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5D_ZUvzuiPa0yXTl8y5SHU0eJcGe8L9kpRaXS0d63DJX2yRuJiGg5pjBmXpDTZiFkYfXVq7VLlWUgLo8tt6S8ypp_mGjuGLFzItIg-Iu0uXBq0CG5TzbLrL6g-JPCeaVqhtq_L3MQ_l0/s640/p.jpg" width="640" /></a></div>
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<br /></div>
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La sala hipóstila rinde un tributo a Güell, apasionado de la arquitectura clásica que será revisada desde el particular punto de vista gaudíano. Sobre las toscas columnas se sitúa el mirador, limitado por un banco corrido que describe una línea ondulante, "un golpe de látigo" en el que se juega con la curva y la contracurva, recubierto con fragmentos cerámicos que van desde los colores fríos a los cálidos. El color y la integración de la obra arquitectónica en el entorno natural son las preocupaciones esenciales de Gaudí en este conjunto.</div>
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<br /></div>
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En algunas partes del parque es posible percibir, no sólo la ruptura con el pasado que supone la independencia con respecto a la tradición clásica, sino el anuncio de nuevas maneras de entender la arquitectura. La fuerte exaltación matérica nos habla de la proximidad del Brutalismo y la simbiosis perfecta entre naturaleza y arquitectura, la voluntad de no querer alterar las formas caprichosas del entorno natural, sino de conocerlas y respetarlas, nos permite relacionar esta obra con el Organicismo de Wright.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsf5Wb28oLBQFhLLlubXYGJ03VQ4CerfSEhz_BkvIX-40OJngxfjmChdIcGQywBQIY9iidNWdwCGj2Okz_pRc0Ct_Dl8qzIdOKvJgV9HF3fU4v9sHcR7BV-p7tKbNBiTkbROraaqLCBvI/s1600/ban.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="450" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsf5Wb28oLBQFhLLlubXYGJ03VQ4CerfSEhz_BkvIX-40OJngxfjmChdIcGQywBQIY9iidNWdwCGj2Okz_pRc0Ct_Dl8qzIdOKvJgV9HF3fU4v9sHcR7BV-p7tKbNBiTkbROraaqLCBvI/s640/ban.jpg" width="640" /></a></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>CITAS </b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Observo los movimientos corporales de las montañas, el agua, los árboles y las flores. Todo evoca movimientos similares a los del cuerpo humano, parecidos a las alegrías y las penas en las plantas".</i></div>
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<b>Schiele</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b>GLOSARIO</b></span></div>
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<br /></div>
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<b>Louis Comfort Tiffany</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Fue un diseñador estadounidense que creó piezas de vidrio, especialmente lámparas y joyas de una gran belleza que han pasado a la Historia del Arte y que, en la actualidad, son muy cotizadas en el mundo de los anticuarios. Están inspiradas en las formas caprichosas de la naturaleza y poseen una extraordinaria creatividad.</div>
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<br /></div>
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<b>Las entradas del metro parisino</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Son algunas de las obras que más fama han dado a este arquitecto. De ellas sobresalen las balaustradas y los apoyos de las lámparas, que adquieren formas vegetales y animales muy imaginativas y caprichosas. No fueron diseñadas como simples elementos decorativos, sino que desempeñan un papel estructural. Son muy similares a las que podemos encontrar en la <i>Casa Tassel</i> de Victor Horta.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Mayólica</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Es un tipo de cerámica recubierta de un esmalte hecho a base de estaño. Es posible que el término hace referencia a la isla de Mallorca desde donde salían los barcos que iban a Italia con cerámicas realizadas, probablemente, en Valencia. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><i>Las tres edades de la mujer</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En esta obra de Klimt se contrapone la maternidad con la idea de la decrepitud física. Este tema es afrontado por el pintor en otras obras como <i>Esperanza</i>, el desnudo de una mujer gestante.</div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-family: inherit;"><br /></span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><span style="font-family: inherit;"><i>El beso</i></span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">Es una de las obras más conocidas y, al mismo tiempo, más bellas de Klimt. El dorado se apodera de los fondos y sobre él, los colores relucen como piedras preciosas. En el centro de la composición un hombre sujeta el rostro de una mujer al tiempo que la besa. Ambos forman un todo de líneas ondulantes, un mosaico de colores, en el que es difícil delimitar el cuerpo de cada uno.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<b style="font-family: inherit;"><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b style="font-family: inherit;">El ensanche de Barcelona</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">Se lleva a cabo a finales del siglo XIX y es la consecuencia del </span>crecimiento<span style="font-family: inherit;"> natural de esta ciudad. Su autor fue el ingeniero Ildefons Cerdá. Tras derribarse las antiguas murallas, se amplió la ciudad para lo que se realizaron cuadrículas de manzanas con edificios achaflanados en los ángulos. Se podía construir en dos de los lados de cada manzana, en los otros dos se llevaron a cabo jardines.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<b style="font-family: inherit;"><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b style="font-family: inherit;">Trencadís</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">Técnica que consiste en emplear fragmentos rotos de cerámica para disponerlos libremente sobre una superficie con la finalidad de obtener efectos decorativos. Se trata de una labor de carácter artesanal a la que frecuentemente recurrió Gaudí.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<b style="font-family: inherit;"><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b style="font-family: inherit;">Casa Milá</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">La </span><i style="font-family: inherit;">Casa Milá </i><span style="font-family: inherit;">es el tercero, el último y </span>posiblemente el más genial de los edificios de viviendas construidas por Gaudí. Su apariencia insólita no fue del agrado de los barceloneses, que le pusieron el mote despectivo de La Pedrera y dio lugar numerosos a chistes (...)</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><b>Cristina y Eduardo Mendoza</b> </span><b style="font-family: inherit;"> </b></div>
GreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-48105189496016411592016-04-26T10:00:00.002-07:002016-04-26T10:00:20.065-07:00El Impresionismo y sus consecuencias <div style="text-align: justify;">
<b><span style="font-family: inherit;">El Impresionismo significó la ruptura definitiva, tantas veces ensayada anteriormente, con la tradición; de ahí su especial importancia. Es un fenómeno que convulsiona al mundo artístico desde sus raíces y que, en sus inicios, contó con la más firme oposición de la mayor parte de los sectores sociales. Esta corriente artística cuestiona lo que durante mucho tiempo se había convertido en objetivo prioritario de la pintura, la realidad, y reinventa el papel que en su percepción desempeñará la pintura. Los pintores impresionistas rescatan aquellos aspectos que habían permanecido en un segundo plano y les conceden un protagonismo absoluto. </span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><span style="font-family: inherit;"><br /></span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Con el paso del tiempo y, ante la aparente decadencia del Impresionismo y los impresionistas, el testigo de éstos será recogido por los neoimpresionistas y los postimpresionistas como Van Gogh, _que hace de la pintura un medio de expresión_ Cézanne, _que descompone la realidad en figuras geométricas como más tarde hará el Cubismo_ Toulouse-Lautrec _que será el creador del </span></b><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><b>cartelismo_ y Gaugin _que utilizará los colores con una libertad absoluta inspirando el nacimiento del Fauvismo_. Las bases de la pintura del siglo XX se sientan precisamente ahora.</b></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEim54IsqWFLlitWPiYXMdo7ghem2YB72XxYUXtZdU1-qt4Mxd6MiSGjoQuOd_hG5Dbwy-M95AN79SuCZ325s65NZD63MyI1pr09WRUZWbq8RSrdBTQencyadO6Zzx7GtqBrA5nFJFEtnZY/s1600/im.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="488" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEim54IsqWFLlitWPiYXMdo7ghem2YB72XxYUXtZdU1-qt4Mxd6MiSGjoQuOd_hG5Dbwy-M95AN79SuCZ325s65NZD63MyI1pr09WRUZWbq8RSrdBTQencyadO6Zzx7GtqBrA5nFJFEtnZY/s640/im.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Monet: <i style="font-weight: bold;">Impresión: sol naciente. </i>Museo Marmottan. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>1. EL IMPRESIONISMO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b>1.1. Características generales del Impresionismo</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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El Impresionismo, uno de los movimientos pictóricos más interesantes de la Historia del Arte, surgió en torno a 1860, pero se venía anunciando desde mucho tiempo antes. Es la creación de un grupo de pintores que se conocen entre sí y que tienen la voluntad consciente de llevar a cabo determinados cambios dentro de la pintura oponiéndose a la de corte tradicional y académico. Se reunían de un modo más o menos regular para intercambiar sus propias experiencias artísticas.</div>
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<br /></div>
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<b>Los primeros antecedentes </b>se encuentran en la Escuela veneciana, en la que el color constituía una auténtica prioridad y la pincelada era suelta y ligera. Asimismo, Frans Hals, Rembrandt, Ruysdael, Velázquez, Goya, Turner, Constable y los componentes de la Escuela de Barbizon son algunos de los pintores que, con su estilo, anunciaron la llegada del Impresionismo, especialmente los de esta última que comenzaron a pintar directamente del natural. Existen varios elementos a los que necesariamente nos deberemos referir para comprender este movimiento pictórico: </div>
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</div>
<ul>
<li>El tema más repetido de la pintura impresionista es <b>el paisaje</b>, que hasta ese momento había sido considerado un tema secundario, excepto en la pintura holandesa. Éste constituía el pretexto idóneo para analizar los cambios de luz y la incidencia de la misma sobre los objetos. Las representaciones del paisaje se hacían directamente del natural. Esto se denominó pintura <i><b>à pelón air</b></i>. El pintor se traslada con el caballete al lugar que quiere pintar para captarlo en un instante concreto, en un momento particular del día que no puede recrear en su estudio.</li>
</ul>
<ul>
<li><b>La luz </b>es uno de los elementos fundamentales de la pintura impresionista. Se busca trasladar al lienzo las sensaciones que se producen cuando la materia es acariciada por la luz. El hecho de que la luz sea protagonista de la obra impresionista lleva a que se represente en varias ocasiones un mismo motivo, con la finalidad de captar cómo los cambios de luz transforman ese elemento. Esta es la explicación de por qué Monet pintó varias veces la catedral de Ruán: para mostrar cómo la luz tiene la capacidad de transformarla. Buscó con esto establecer una relación entre la luz, el tiempo y el espacio.</li>
</ul>
<ul>
<li><b>La pincelada impresionista es suelta, rápida y vigorosa. </b>El pintor debe trabajar a gran velocidad. La técnica está dictada por la prisa. Generalmente se emplea gran cantidad de materia pictórica.<b> </b></li>
</ul>
<ul>
<li>La llamada <b>teoría de los colores</b>, que sostiene que existen colores primarios y colores complementarios, era conocida y utilizada por los impresionistas. Éstos estaban al tanto de los estudios del químico Eugène Chevreul, de Helmholtz y Rood, y por supuesto, de Newton, quien había estudiado cómo se descomponía la luz al atravesar un prisma. La retina del espectador es la que se encarga de mezclar los colores al mirar el cuadro a una distancia conveniente, por tanto, el pintor no los mezcla en la paleta, sino que los yuxtapone en el lienzo. Por otro lado eliminaron los contornos y, consecuentemente, el dibujo perdió la gran importancia que había tenido hasta ese momento. <b>La sombra</b> nunca es negra en un cuadro impresionista, sino del color complementario correspondiente.</li>
</ul>
<ul>
<li><b>Los impresionistas no fueron bien acogidos por la sociedad que los vio nacer. </b>Tan sólo una minoría, entre la que se encontraba el escritor y crítico de arte Émile Zola que les apoyaba desde sus críticas, los miraba con agrado. Zola afirmó lo siguiente sobre los impresionistas: "Pintores que aman a su propia época desde el fondo de sus mentes y de sus corazones artísticos (...). Interpretan su tiempo como hombres que lo sienten palpitar dentro de sí, que están poseídos por él y contentos de estarlo. Sus obras tienen vida propia porque ellos las han arrancado de la misma vida y las han pintado con todo el amor que sienten por los temas modernos". Incluso <b>el término Impresionismo </b>conlleva una fuerte carga negativa. Éste fue acuñado por el crítico de arte Louis Leroy a raíz de la exposición del cuadro <i>Impresión: sol naciente</i>, de Monet.</li>
</ul>
<ul>
<li><b>La fotografía </b>ejerció una gran influencia sobre la pintura impresionista. La función que desempeñaba este arte venía, en gran medida, a sustituir algunos de los cometidos tradicionalmente atribuidos a la pintura: documentar los acontecimientos. Las nuevas técnicas fotográficas permitieron que la pintura se desligase de su propio pasado y alcanzase una libertad inusitada. La cámara fotográfica daba ángulos de visión absolutamente originales que tratarán de imitarse en los cuadros impresionistas. Se estableció una cierta relación entre los pintores del Impresionismo y algunos fotógrafos como <b>Nadar</b>, quien actuó como su protector al acoger en su casa la primera exposición de este grupo de pintores.<b> </b> </li>
</ul>
<br />
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<span style="font-size: large;"><b>1.2. El precursor del Impresionismo: Édouard Manet</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<i style="font-weight: bold;">Édouard Manet </i>(1832-1883) podría ser considerado el eje alrededor del cual se formó el grupo de los impresionistas. Nació en París en el seno de una familia acomodada. Desde su niñez mostró un especial interés por el dibujo. Más tarde intentó, con escaso éxito, ingresar en la Escuela Naval. Finalmente decidió dedicarse por entero a la pintura, su verdadera vocación. Gracias a sus primeras obras consigue el reconocimiento de la crítica y el interés de algunos jóvenes artistas. Poco a poco se produce un cambio en su obra que le lleva a preferir temas de la vida cotidiana (<i>Música en las Tullerías</i>, 1860). </div>
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<br /></div>
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<span style="font-family: inherit;">En 1863 expone </span><i style="font-family: inherit;">Déjeuner sur l'herbe </i><span style="font-family: inherit;">en el Salón de los rechazados, inspirada en un grabado de Rafael. Este cuadro fue muy criticado por la manera en que abordó un tema tradicional y por la técnica poco convencional en que la pincelada es bastante suelta. Igualmente que también fue muy criticada por su </span><i style="font-family: inherit;">Olimpia</i><span style="font-family: inherit;">, pintada en 1863 y que sí fue admitida en el Salón de 1865. En esta obra, la piel nacarada y la blancura de la cama contrastan con el fondo oscuro, de la misma manera que la piel de la criada lo hace con sus vestiduras y con el ramo, predominantemente blanco, que lleva entre sus manos. En el </span><i style="font-family: inherit;">Café Guerbois</i><span style="font-family: inherit;"> se reunía con un buen número de artistas y escritores: Zola, Degas, Monet, Cézanne, Renoir, Pisarro y Sisley. </span></div>
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<span style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwSUjABc7QkCo6rvbAlc7HzI_sRafQ7-bXlLFDH0dHxu-g1cAbA4YYY1kRHdqxCJ2iKyzEVzAmHemH31YE8xFbePYmuL7667t7qF0L0UAKf45zkZAQudvX4NRAvv7O_bRPa8ungwlTyc0/s1600/dej.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="496" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwSUjABc7QkCo6rvbAlc7HzI_sRafQ7-bXlLFDH0dHxu-g1cAbA4YYY1kRHdqxCJ2iKyzEVzAmHemH31YE8xFbePYmuL7667t7qF0L0UAKf45zkZAQudvX4NRAvv7O_bRPa8ungwlTyc0/s640/dej.jpg" width="640" /></a></div>
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Manet: <i style="font-weight: bold;">Déjeuner sur l'herbe. </i>Museo d'Orsay. París</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgY6JhPMIJKphRhX0_bje4ChGvCgRVBZUMHc2FaGU8fpTu15oJJ5vBBgV4MvHRg9bbz-O1G7EDhbDcwXzQeSxj-M-6Hu3cDQkxnXWNH_zKB3xuTFrZVfOfJMav2fMi-JBYv35OK63xiEek/s1600/ol.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="432" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgY6JhPMIJKphRhX0_bje4ChGvCgRVBZUMHc2FaGU8fpTu15oJJ5vBBgV4MvHRg9bbz-O1G7EDhbDcwXzQeSxj-M-6Hu3cDQkxnXWNH_zKB3xuTFrZVfOfJMav2fMi-JBYv35OK63xiEek/s640/ol.jpg" width="640" /></a></div>
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Manet: <i style="font-weight: bold;">Olimpia. </i>Museo d'Orsay. París</div>
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<br /></div>
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En 1865 realizó un viaje por España de gran trascendencia por múltiples razones, entre otras cosas, porque conoció al importante crítico Théodore Duret y, además, porque pudo estudiar de modo directo las obras de Velázquez y Goya, artistas a los que admiró profundamente y que ejercerán una gran influencia sobre él. Esta visita a nuestro país le inspiró varios temas de carácter claramente español como <i>Lola de Valencia</i>, en la que la pose del personaje recuerda a los protagonistas de las obras de Goya.</div>
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<br /></div>
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En 1874, gracias a las aportaciones de Manet, los pintores que se reunían en el café Guerbois organizan la exposición en el estudio de Nadar y comienzan a ser conocidos bajo el nombre de impresionistas.</div>
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<br /></div>
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Una de sus obras más interesantes es <i>El pífano</i>, rechazada en el Salón de 1866. En esta obra la figura se encuentra en medio de un fondo neutro al que se liga gracias a su propia sombra, como ya lo había hecho Velázquez en algunos de sus retratos de bufones. En <i>El pífano</i> la planitud de la figura retratada nos remite inmediatamente a las estampas japonesas. <i>El retrato de Émile Zola</i> fue una especie de agradecimiento por todo el apoyo que el escritor le brindó. La silueta del escritor se recorta sobre algunas de las que constituyeron las fuentes fundamentales de inspiración para Manet: el grabado japonés y <i>Los borrachos </i>de Velázquez, muestra de su admiración por este pintor: <i>El bar del Folies-Bergère </i>fue exhibido con gran éxito en el Salón de 1882. En él, la camarera posa mirando al espectador apoyada en la barra, al tiempo que su imagen se refleja en el espejo que hay a sus espaldas. Se produce de este modo una sensación de confusión entre lo real y lo irreal, entre la imagen de la camarera en primer término y su reflejo en el espejo que parece no corresponder a la misma persona. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitCjRHxtitLcXtgyCNlXd7-6rFG98o1sJYpZ3ljF7YZrFuebwYVtEd_30IF6JcOkvKMLu7j9SVB648JVYnzq7Cj6psn8J-7kHQCThnvWDprD9f6NgLNMpzA1Tlqm5hsINPEmwmpEpesfs/s1600/elpifano.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitCjRHxtitLcXtgyCNlXd7-6rFG98o1sJYpZ3ljF7YZrFuebwYVtEd_30IF6JcOkvKMLu7j9SVB648JVYnzq7Cj6psn8J-7kHQCThnvWDprD9f6NgLNMpzA1Tlqm5hsINPEmwmpEpesfs/s640/elpifano.jpg" width="372" /></a></div>
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Manet: <i style="font-weight: bold;">El pífano. </i>Museo d'Orsay. París</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisNwB3jq07gx1lSIyAiGJFHB2UbYyvBFG-7A7u6qlMHtuIXBe-TXcmURE7BDIxiUXyak9FC-2u1ZO8Ic9LiZsLvxEOOjGPCRAzFE_p8V6IQ4caYxFXpYWnE3Rh_ULjcnUSrNu7U1W7K0c/s1600/gr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="464" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisNwB3jq07gx1lSIyAiGJFHB2UbYyvBFG-7A7u6qlMHtuIXBe-TXcmURE7BDIxiUXyak9FC-2u1ZO8Ic9LiZsLvxEOOjGPCRAzFE_p8V6IQ4caYxFXpYWnE3Rh_ULjcnUSrNu7U1W7K0c/s640/gr.jpg" width="640" /></a></div>
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Grabado japonés</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Manet: <i style="font-weight: bold;">El bar del Folies-Bergère. </i>Courtlaud Institute Galleries. Londres</div>
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<br /></div>
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En líneas generales, la pintura de Manet se caracteriza por su persistente utilización del rojo, blanco y negro, color poco frecuente en la paleta del resto de los pintores impresionistas, la firmeza de su dibujo y la proximidad, en cierto modo, a la pintura realista. </div>
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<br /></div>
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<span style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b>1.3. El Impresionismo puro: Claude Monet</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: medium;">El más puro de los impresionistas es <i style="font-weight: bold;">Monet </i>(1840-1926). Nació en París pero se crió en la localidad costera de Le Havre, adonde se mudó con su familia en 1845. Su iniciación en el mundo artístico llegó de mano de la caricatura. En 1860 entra en el estudio de Gleyre en París, conoce a Renoir y Sisley. Más tarde entra en contacto con Manet y comienza su dedicación a la pintura <i>à pelón air</i>. Sintió, sobre todo durante sus primeros años, una gran admiración por los pintores de la Escuela de Barbizon, al igual que por Manet y Courbet. En 1869 pinta junto a Renoir en Grenouillère. Más tarde va a Londres y Holanda. A su regreso a Francia se instala en Argenteuil, y es a partir de ese momento cuando comienza a pintar paisajes fluviales. En 1890 se compra una pequeña casa con jardín en Giverny en la que se establecerá de modo definitivo. Allí está su reducto artístico. En la casa de Giverny había un pequeño estanque con ninfeas y un puente japonés que pintó hasta la saciedad en sus últimos años. Ese fue el lugar en el que vivió hasta su muerte y en el que el Impresionismo alcanza su punto culminante.</span></div>
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<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUk1DOclety4xrDGrUq_JmlgOdh0UlUyM2jbwp-b-LoVrEp5WoVojypFdrPnUZhLujy0Fpe9EEetgBUSk_41tuZCdrpKLSZECLsivzzK6HeBwgWEriu7j2w2-1Nd3dYr4kiM3PrfxVzb0/s1600/nin.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="522" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUk1DOclety4xrDGrUq_JmlgOdh0UlUyM2jbwp-b-LoVrEp5WoVojypFdrPnUZhLujy0Fpe9EEetgBUSk_41tuZCdrpKLSZECLsivzzK6HeBwgWEriu7j2w2-1Nd3dYr4kiM3PrfxVzb0/s640/nin.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Monet: <i style="font-weight: bold;">Ninfeas. </i>Museo de Bellas Artes André Malraux. El Havre</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
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Durante los primeros años demuestra tener un especial interés por la figura humana que, más tarde, será sustituida por los paisajes.</div>
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<br /></div>
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En su obra <i>Almuerzo campestre </i>(1865) inaugura el problema de las sombras coloreadas que tanta importancia tuvo en los cuadros impresionistas. En <i>Mujeres en el jardín </i>(1867) hace un análisis de la luz que traspasa la sombrilla y las hojas de los árboles para reflejarse en el suelo, algo que también sabrá captar de una manera magistral Renoir.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El género más frecuentemente tratado por Monet es el paisaje, en el que su paleta se va aclarando paulatinamente y las pinceladas se hacen más cortas y rápidas, los objetos se deshacen gracias a la luz y el dibujo pierde interés. En 1872 pintó <i>Impresión: sol naciente</i>, obra que dio nombre al movimiento impresionista. Sin duda alguna éste es el cuadro más sobresaliente de la primera exposición impresionista que se celebró en 1874. En ella el sol se ha convertido en un disco intensamente rojo que se refleja en el mar, atrayendo nuestra atención de una manera especial dentro del nebuloso espacio de tonalidades rosadas y azules que es el cuadro. Esta obra fue pintada desde la ventana de la casa familiar que poseía en El Havre. Argenteuil es uno de los lugares más frecuentemente representados por Monet en los años setenta.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJYrlihXcRSCmQ-odxacA9p3sQ90wUP_NgzUUflQaQmZIW30mV9B2bfc3f1y42GnQXE52C7j0ZTwXbAgOubfb8J6Bh-woszTh5XTzTx6IwRVqkhTfdLcA4mWGONcse6iL-vE98r87-_Z0/s1600/ar.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="486" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJYrlihXcRSCmQ-odxacA9p3sQ90wUP_NgzUUflQaQmZIW30mV9B2bfc3f1y42GnQXE52C7j0ZTwXbAgOubfb8J6Bh-woszTh5XTzTx6IwRVqkhTfdLcA4mWGONcse6iL-vE98r87-_Z0/s640/ar.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Monet: <i style="font-weight: bold;">El puente de Argenteuil. </i>Museo d'Orsay. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>La estación de San Lázaro </i>(1877) recuerda notablemente la obra de Turner, de similar tema. En ella, las grandes masas de vapor ocultan los objetos que se traducen en imágenes desleídas.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixy79_Mf2kcvau6arVBwJnoVeOswxvQvJLYVnZstET36r0swTnLFGprq9OtP_roLUilTfcYBvvoA9DuvQgfi3CHnr3POBAPbKixBD1LHSRLc9XSrWsTxtKhZLQwG7Ek2grLUIdN7Bn1rY/s1600/laz.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="496" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixy79_Mf2kcvau6arVBwJnoVeOswxvQvJLYVnZstET36r0swTnLFGprq9OtP_roLUilTfcYBvvoA9DuvQgfi3CHnr3POBAPbKixBD1LHSRLc9XSrWsTxtKhZLQwG7Ek2grLUIdN7Bn1rY/s640/laz.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Monet: <i style="font-weight: bold;">La estación de San Lázaro. </i>Museo Marmottan. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En Venecia, Monet se enamora de la luz dorada de esta ciudad y su paleta se aclara considerablemente. Entre sus series más importantes se encuentra la que hizo de la catedral de Ruán (1892-94). Se complacía en estudiar la luz en las diferentes horas del día y los diferentes estados atmosféricos. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifIwDjoTaGQnDoeIhgWhgI8JjkRMK5qljOM5gKAYk1YXqdooQLbx6OuM7fZeAsVgnVBkyzM94WUf15mfv6Y8DxgcdBaLfe0kJ3UwPGhyei9nuUznL1qgTxyytWOY2tiGFwxG8fHpU1LO0/s1600/rou.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifIwDjoTaGQnDoeIhgWhgI8JjkRMK5qljOM5gKAYk1YXqdooQLbx6OuM7fZeAsVgnVBkyzM94WUf15mfv6Y8DxgcdBaLfe0kJ3UwPGhyei9nuUznL1qgTxyytWOY2tiGFwxG8fHpU1LO0/s640/rou.jpg" width="434" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Monet: <i style="font-weight: bold;">Catedral de Ruán. </i>París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Monet se adhirió al Impresionismo con una fidelidad absoluta, sin abandonarlo en ningún momento de su trayectoria artística, representando como nadie los objetos que se reflejan en el agua.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>1.4. Otros pintores impresionistas: Renoir, Degas, Pisarro y Sisley</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit; font-size: medium;">Junto a Manet, el precursor del Impresionismo, y Monet, el impresionista puro, aparece otra serie de importantes pintores que forman parte de este movimiento. Entre estos se halla <i style="font-weight: bold;">Pierre Auguste Renoir </i>(1841-1919), pintor nacido en Limoges. Pronto ingresa en la Escuela de Bellas Artes y, al mismo tiempo, en el taller de Gleyre.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><span style="font-family: inherit;">Cuando éste cierra su academia se traslada con sus amigos al pueblo de Chailly, próximo al bosque de Fontenaibleau, donde entabla amistad con los pintores de la Escuela de Barbizon y se inicia en la pintura </span><span style="font-family: inherit;"><i>à plein air</i>. </span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><span style="font-family: inherit;"><br /></span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><span style="font-family: inherit;">Estuvo fuertemente influido por la obra de Courbet, la pintura pompeyana, que conoció directamente gracias a su viaje a Italia, y la obra de Rafael. </span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><span style="font-family: inherit;"><br /></span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><span style="font-family: inherit;">Se podría decir que Renoir es el más optimista y vital de todos los pintores de esta corriente, demostró una verdadera pasión por la vida. Representó incansablemente figuras femeninas redondeadas y desnudas, que se inspiran en Tiziano y Rubens. La figura humana fue siempre la preocupación central de su obra. </span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><span style="font-family: inherit;"><br /></span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNKGBOe0AiR7tVfKvwv1Mzt4RyclKwrxGDXTan_lay9_ECG7envwT2bYTa5tVrJoM_VGjm5RglbsBeyW0lDH9HAKsRHNjhkETihynifYWkbsV0OtH0qHSyWWHtzE2GJhsYl4cZWcXnPVc/s1600/rem.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="532" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNKGBOe0AiR7tVfKvwv1Mzt4RyclKwrxGDXTan_lay9_ECG7envwT2bYTa5tVrJoM_VGjm5RglbsBeyW0lDH9HAKsRHNjhkETihynifYWkbsV0OtH0qHSyWWHtzE2GJhsYl4cZWcXnPVc/s640/rem.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Renoir: Detalle de <i style="font-weight: bold;">Los remeros. </i>Art Institute. Chicago</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Su obra más célebre es <i>El baile en el Moulin de la Galette </i>(1876), exhibida en la tercera exposición impresionista de 1877 y criticada en su momento por considerarse una obra caótica y desordenada. En esta obra los personajes son cuidadosamente distribuidos en grupos desde un primer plano, en el que charlan animadamente, hasta el fondo en que aparecen bailando transmitiendo, de este modo, la alegría de vivir.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTbzG2OYiiCs4swBYLyXVib3msii5BYv5Ikx23rmcG_2woup5ULv6SGRQD5oyJXQe-jl6XAWXiWLzr3cJk1K0vrdGjrsznbVx-q9lLglWXfjkd92IDEjdiNeO-qf4a6gytuyw3B2TXwmI/s1600/gal.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="476" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTbzG2OYiiCs4swBYLyXVib3msii5BYv5Ikx23rmcG_2woup5ULv6SGRQD5oyJXQe-jl6XAWXiWLzr3cJk1K0vrdGjrsznbVx-q9lLglWXfjkd92IDEjdiNeO-qf4a6gytuyw3B2TXwmI/s640/gal.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Renoir: <i style="font-weight: bold;">El baile en el Moulin de la Galette. </i>Museo d'Orsay. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Supo representar extraordinariamente la luz que se filtra a través de las hojas de los árboles y se refleja sobre los objetos y sobre el suelo.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjup8G8ISP25tREeiCUGje57uZ1cJ8o8xi3ZcEcWwjuPqKiSTw5aKPu3coJ9MC3YVIV0-euIJkNAi5uS2Dbc-SDHr9ykv10n4rPEsrozNXarJEF88ze5o9aBxmq528m_dJHIE4ZNmgKY7Q/s1600/col.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjup8G8ISP25tREeiCUGje57uZ1cJ8o8xi3ZcEcWwjuPqKiSTw5aKPu3coJ9MC3YVIV0-euIJkNAi5uS2Dbc-SDHr9ykv10n4rPEsrozNXarJEF88ze5o9aBxmq528m_dJHIE4ZNmgKY7Q/s640/col.jpg" width="488" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Renoir: <i style="font-weight: bold;">El columpio. </i>Museo d'Orsay. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Otra de sus obras fundamentales es <i>Las grandes bañistas</i>, presentada en el salón de 1887, en la que es posible percibir una preocupación por la forma que está presente de manera constante en su obra tras los años iniciales de su Impresionismo.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">Este</span> tema caus<span style="font-family: inherit;">ará un fuerte impacto en pintores como Cézanne.</span></div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Hilaire-Germin Edgar Degas </i>(1834-1917) era miembro de una familia de banqueros y comenzó sus estudios en la escuela de Bellas Artes. Más tarde fue a Italia donde hizo copias de Pontorno, Leonardo, etc. Desde este momento demostró tener unas aptitudes excepcionales para el dibujo que permanecerán intactas a lo largo de toda su obra. En él, la influencia de la fotografía fue más fuerte que en cualquier otro miembro del grupo impresionista. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1GiJqPxtys1rcGdbsTfaPQrR7Dv61Ty_M15ug2AErZOKf2hkKXt-fCcyo3PjOnBOkTvHDkYpnuFKASTEILkE1_hPOZMwM-xn4KQmOPDCodeB7e_Z1mdh-3uHJKTy8TEFPbtPo780UEPw/s1600/som.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="576" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1GiJqPxtys1rcGdbsTfaPQrR7Dv61Ty_M15ug2AErZOKf2hkKXt-fCcyo3PjOnBOkTvHDkYpnuFKASTEILkE1_hPOZMwM-xn4KQmOPDCodeB7e_Z1mdh-3uHJKTy8TEFPbtPo780UEPw/s640/som.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Degas: <i style="font-weight: bold;">En la sombrería. </i>Art Institute. Chicago</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En <i>Las carreras</i>, pintado entre 1869 y 1872, el ángulo desde que el pintor ve los caballos, la pista y la tribuna requiere una gran capacidad técnica que le iguala en muchos aspectos a algunos pintores renacentistas como Paolo Uccello, por su riguroso estudio de la perspectiva. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Algunos de los temas por los que demostró sentir un gran interés fueron los hipódromos, el ballet, la ópera y el teatro. En ellos la luz es interior y artificial, consiguiendo separar la escena de la realidad. Son especialmente conocidas sus bailarinas, que no interesan en sí mismas, sino como pretexto para estudiar el modo en que la luz artificial se refleja en sus cuerpos y en los tules con los que están vestidas.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCj9nv5smFE8Eybbxgy2zoqeE_vPNFcWKns8Gy9BFhFLgqWhjzClNW8W-UvjirQhjnYkRhnb8TAU62Hud-jxox70zBHKywqzEQ2yi8IrKSsh64pwqE1MilZ5vSkBhz5gp51rw8-xFlpBA/s1600/aj.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCj9nv5smFE8Eybbxgy2zoqeE_vPNFcWKns8Gy9BFhFLgqWhjzClNW8W-UvjirQhjnYkRhnb8TAU62Hud-jxox70zBHKywqzEQ2yi8IrKSsh64pwqE1MilZ5vSkBhz5gp51rw8-xFlpBA/s640/aj.jpg" width="460" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Degas: <i style="font-weight: bold;">La absenta </i>o <i style="font-weight: bold;">Los bebedores de ajenjo. </i>Museo d'Orsay. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjreuDvAAtG01RuQcatOiL5ARtrcj8V08rnT7Gipcg4Ldlo8jRfmkfwoxOD4pTxZXhPVvZ31rYahrmOAvOJVgz8PoXpixMmHVV_VXGvinfChMSg8z8gH14Q_a5XJDf_k89kMcV4kGpd7es/s1600/dan.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjreuDvAAtG01RuQcatOiL5ARtrcj8V08rnT7Gipcg4Ldlo8jRfmkfwoxOD4pTxZXhPVvZ31rYahrmOAvOJVgz8PoXpixMmHVV_VXGvinfChMSg8z8gH14Q_a5XJDf_k89kMcV4kGpd7es/s640/dan.jpg" width="574" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Degas: <i style="font-weight: bold;">La clase de danza. </i>Museo d'Orsay. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El antillano <i style="font-weight: bold;">Camille Jacob Pissarro </i>(1830-1910) llega a París en 1855 para convertirse en pintor. Desde un primer momento demuestra una gran admiración por Delacroix y toma lecciones junto a Corot. Una de las figuras que más impresión le causó fue Monet, con quien mantuvo una estrecha relación y a quien apoyó incondicionalmente. En 1870 se desata la guerra Franco-Prusiana y se ve obligado a marchar a Inglaterra. Influyó decisivamente en Cézanne, quien decía de él: "Fue como un padre para mí. Era la clase de hombre a quien se puede consultar cualquier cosa, una especie de Dios, el padre". Sus paisajes son más consistentes que los de otros pintores impresionistas. En ellos predominan las tonalidades terrosas. La mayor parte de ellas corresponden a Pontoise y Louvenciennes y los caminos parecen perderse en el fondo, las composiciones son muy cerradas y la línea del horizonte muy alta. Pissarro pasó también por una etapa puntillista o neoimpresionista. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Alfred Sisley </i>(1840-1899), pintor británico cuya carrera desarrolló en Francia, está muy próximo artísticamente a Monet, con el que convivió junto a Renoir y Bazille en los bosques de Fontainebleau explorando el paisaje. Tras un análisis de su obra, podemos apreciar cómo su paleta se irá aclarando paulatinamente. En muchas ocasiones se le ha calificado como impresionista lírico. Con su obra se encargó de exaltar la naturaleza de la que le atraían las sensaciones más sutiles. Prefirió los temas de evanescencias: el agua, el cielo, la bruma y la nieve en los que predominaban los colores irisados, los violetas y los rosas (<i>Inundación en Port Marley</i>, 1876). </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3Daba5Rc4QDPp5bvE8PMzzsXQFICx5F-KoJ6xktScibCH8Mu_X1wzgwkC3-_FpH5krWutDLxlynRHuk0ymyeH0DoCNJ1wY1w2U5U9FRLl1yVr3If14W9mmjjWIni8v2dh4DDgdchlmMQ/s1600/lou.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3Daba5Rc4QDPp5bvE8PMzzsXQFICx5F-KoJ6xktScibCH8Mu_X1wzgwkC3-_FpH5krWutDLxlynRHuk0ymyeH0DoCNJ1wY1w2U5U9FRLl1yVr3If14W9mmjjWIni8v2dh4DDgdchlmMQ/s640/lou.jpg" width="524" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Sisley: <i style="font-weight: bold;">Nieve en Louveciennes. </i>Colección Philips. Washington</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2. LA PINTURA NEOIMPRESIONISTA</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Para comprender la pintura neoimpresionista (término empleado por primera vez por Félix Feneon, crítico literario y artístico francés) es necesario conocer las aportaciones de <b>Chevreul</b>, del que ya hemos hablado, de <b>Sutter</b>, de <b>Rood</b>, y de <b>Charles Blanc</b>. Este último consideraba que el color, igual que la música, al estar controlado por leyes fijas, podía ser enseñado. Quien mejor recogió las enseñanzas y los estudios acerca del color fue <i style="font-weight: bold;">Georges Seurat </i>(1859-1891), creador de lo que él mismo llamó Divisionismo o Puntillismo. Si se coloca la pintura en pequeños puntos de color puro, es el ojo del espectador el que los mezcla, como si de un mosaico de pequeñas pinceladas se tratase. Organiza la superficie del lienzo en áreas de color. Es posible apreciar en las obras de estas características una marcada tendencia a la geometrización. Esta teoría quedó perfectamente reflejada en su obra <i>Domingo por la tarde en la isla de la Grande Jatte </i>(1886), caracterizada por un notable estatismo del que se desprende un gran efecto tranquilizador. Para pintar este cuadro debió hacer antes veinte dibujos preliminares y cuarenta bocetos; es un trabajo de casi dos años. Sus cuadros son fríos y están construidos a partir de un cuidadoso proceso de análisis.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMm1vhNu6jlW0Rqt3ZsJOBJEWSfjzi2qAyVr3yxC_Br3wjmnAah6nHATHuM2BRBqiUqBzPfWQx0eW-cfRZCX7pQmLbqiu84ay-l8rydaYAOR6e4m__XyTcB2TMjZpsycCQZLPSYT4Cbpk/s1600/as.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="430" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMm1vhNu6jlW0Rqt3ZsJOBJEWSfjzi2qAyVr3yxC_Br3wjmnAah6nHATHuM2BRBqiUqBzPfWQx0eW-cfRZCX7pQmLbqiu84ay-l8rydaYAOR6e4m__XyTcB2TMjZpsycCQZLPSYT4Cbpk/s640/as.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Seurat: <i style="font-weight: bold;">Bañistas en Asnières. </i>National Gallery. Londres</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Paul Signac </i>(1863-1935) fue un fiel seguidor de las teorías de Seurat y trabajó con él. Viajó por toda Europa y volvió con un gran número de cuadros en los que había representado, bajo las premisas neoimpresionistas, algunos puertos europeos (<i>Puerto de Marsella</i>). En el caso de Signac, la pincelada es más grande y redondeada que la de otros autores puntillistas. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Entre el Impresionismo y el Neoimpresionismo se establece una especie de contradicción, puesto que la pintura impresionista lo que pretende es borrar los contornos, que en la pintura neoimpresionista son bastante nítidos y claros, de igual modo que el Impresionismo defiende la inmediatez y la espontaneidad, frente a la premeditación, la frialdad y el análisis que caracteriza al Neoimpresionismo.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"> </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>3. EL POSTIMPRESIONISMO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>3.1. Los principales pintores postimpresionistas</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">El Impresionismo, tras arraigar con fuerza en Francia alrededor de 1880, comenzó a extenderse fuera de estas fronteras y, no sólo esto, sino que también aparecen una serie de pintores que revisan el Impresionismo. Lo toman como punto de partida para llegar a una evolución personal que tendrá gran trascendencia en la pintura del siglo XX. Agrupados bajo la denominación de postimpresionistas, los más significativos serían Cézanne, Toulouse-Lautrec, Gauguin y Van Gogh.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i style="font-weight: bold;">Paul Cézanne </i>(1839-1906) nació en Aix-en-Provence y fue compañero de estudios de Zola. Admiraba especialmente la obra de Delacroix, lo que se refleja en sus primeros cuadros. Su formación artística se completó en la Academia Suiza (1861) en la que conoce a Guillaumin y Pissarro, con los que trabará una sólida amistad. En 1862 regresa a París, donde reanuda sus relaciones con Monet, Manet y Renoir, en otras palabras, con todos aquellos que se reúnen en el Café Guerbois. Las naturalezas muertas junto con el paisaje, son los temas más frecuentes de la obra de este artista. En 1872 se instala en Auvers-sur-Oise, cerca de Pontoise, donde pinta en compañía de Pissarro. Desde este momento se percibe en su obra una tendencia a la pincelada ancha y cuadrada, que desembocará en un gusto por las formas geométricas en las que descompone todos los elementos.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmCNV8NA4hv4i4lb1ADMnJmVtbbysW9PuGhTv2m_YKmw98grpvCyEKVo-NL9OHt670UR2SxPVVSAXIH8N9ad55TbTH_fM_-NVg6d2DZkXqxIysdgr3YaTGOpn0Hk14MFEaPnSJHLRqV8k/s1600/bod.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="494" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmCNV8NA4hv4i4lb1ADMnJmVtbbysW9PuGhTv2m_YKmw98grpvCyEKVo-NL9OHt670UR2SxPVVSAXIH8N9ad55TbTH_fM_-NVg6d2DZkXqxIysdgr3YaTGOpn0Hk14MFEaPnSJHLRqV8k/s640/bod.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Cézanne: <i style="font-weight: bold;">Bodegón con manzanas y naranjas. </i>Museo d'Orsay. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En este sentido, es el más obvio precursor del Cubismo. Si tomamos como ejemplo <i>La mujer de la cafetera</i>, advertiremos que la figura de la mujer, la taza y la cafetera están reducidas a sus volúmenes primarios, a formas geométricas que preludian los retratos precubistas de Picasso.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Podemos decir que su pintura es más intelectual y elaborada, menos inmediata que la pintura impresionista. No está tan interesado en la captación del natural como en la elaboración y en el análisis de la obra en el taller del artista. Durante mucho tiempo Cézanne fue un pintor ignorado, incomprendido y poco valorado.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHhPZhncgADvZA0pN_BE8lWkDvTY5sVvLiS-NwkYUd4xtSRUIOeOe4oXivDRcNllqCdbwgRwxyiM2flgrIpILkKSYn4nofF7MCv15ShUbbINS1SgS8Wfwp1D_pNOCZT9NSKbyVTFhSK3c/s1600/ju.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="534" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHhPZhncgADvZA0pN_BE8lWkDvTY5sVvLiS-NwkYUd4xtSRUIOeOe4oXivDRcNllqCdbwgRwxyiM2flgrIpILkKSYn4nofF7MCv15ShUbbINS1SgS8Wfwp1D_pNOCZT9NSKbyVTFhSK3c/s640/ju.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Cézanne: <i style="font-weight: bold;">Los jugadores de cartas. </i>Museo d'Orsay. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiH3ekxBMOOP-fUZMGtk9YiQ9MdVyXwpW2DpbvmlXwQI_ZM8o7jH2zHp5FERGxdPxOY9yaTCiV6LNyhl3zOzSGqElC8qpC6yMLsIR5YK_9xLVHY2d2kgqcUNCGspIzPXInajyER0L0nYos/s1600/aut.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiH3ekxBMOOP-fUZMGtk9YiQ9MdVyXwpW2DpbvmlXwQI_ZM8o7jH2zHp5FERGxdPxOY9yaTCiV6LNyhl3zOzSGqElC8qpC6yMLsIR5YK_9xLVHY2d2kgqcUNCGspIzPXInajyER0L0nYos/s640/aut.jpg" width="522" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Cézanne: <i style="font-weight: bold;">Autorretrato. </i>Bayerisches National Museum. Munich</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Henri de Toulouse-Lautrec </i>(1864-1901) procede de una familia noble, una de las más antiguas de Francia, afincada en Albi. La ruptura de las dos piernas en un accidente de caballo, acompañado de una gran deficiencia en la calcificación, fue lo que impidió el normal crecimiento y desarrollo de las extremidades inferiores de su cuerpo. En 1883 entra en la Academia de Cormon donde conoce a Van Gogh, al que queda unido por una profunda amistad. Durante estos años de formación, comienza a frecuentar los ambientes de los cabarets que tantas veces reflejó en sus obras. Toulouse es el creador del cartel. Sus primeros carteles son los que hace para el Moulin Rouge, inaugurado en 1889, a los que seguirán otros muchos.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVESUOOqOkOVvOvrtR2gxpU3eInZ7-VDZ5bOhqwejyhkHClnX2OZV8q_nzAAy3a3-sf1-zXzB9j25S5vtM1NXtehnmun_2QED0rjgBjpkam9AtwXcT2M9mDceVn3EHRqmQ2a8_6DA-B7w/s1600/m.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="442" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVESUOOqOkOVvOvrtR2gxpU3eInZ7-VDZ5bOhqwejyhkHClnX2OZV8q_nzAAy3a3-sf1-zXzB9j25S5vtM1NXtehnmun_2QED0rjgBjpkam9AtwXcT2M9mDceVn3EHRqmQ2a8_6DA-B7w/s640/m.jpg" width="640" /></a></div>
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Toulouse-Lautrec: <b><i>En el Moulin Rouge</i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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Este hábil dibujante, lo mismo que lo había sido Degas, recrea en su obra su universo personal poblado por una serie de personajes que se repiten incesantemente: la bailarina Jane Avril, Chocolat, la payasa Cha-U-kao, La Goulue _nombre que le viene por su afición a los dulces_, Valentin le Désossé _el "deshuesado", llamado así por su increíble agilidad_, etc. Lo más característico de su pintura es su dibujo rápido, que produce sensación de abocetamiento, de obra no concluida, que nos permite establecer un paralelismo con Degas. Al igual que Van Gogh, fue un gran conocedor de la estampa japonesa que influyó decisivamente en su obra. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXoLTOwoHf4uCt3BEkb_GL26VBeBJs5wtN_r8l5ez4iy3YKyTo6pljzTalI9SsSNitvGY89vtcKqZBvoyNa7JgzZiz4N7yQH9yxWOg1dqh5_YKsDVstjh1n1_chLJ5vn5lZyAc1-31kJQ/s1600/t.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="490" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXoLTOwoHf4uCt3BEkb_GL26VBeBJs5wtN_r8l5ez4iy3YKyTo6pljzTalI9SsSNitvGY89vtcKqZBvoyNa7JgzZiz4N7yQH9yxWOg1dqh5_YKsDVstjh1n1_chLJ5vn5lZyAc1-31kJQ/s640/t.jpg" width="640" /></a></div>
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Toulouse-Lautrec: <i style="font-weight: bold;">Bailando en el Moulin Rouge. </i>Museo Toulouse-Lautrec. Albi</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxsyKFWLXuVnAf3QVBwsxNe19MPJKPCw0k7qnw1_B3nN9PdZ6BDSREgQcCm4dO7EKjYE4zrIFRiDtD3G5xqbYBV14fFar_S8xsVsYyrZkYtiAAnLFAkKV0W-kvu2oUev8oj-mxriPkfB0/s1600/mu.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxsyKFWLXuVnAf3QVBwsxNe19MPJKPCw0k7qnw1_B3nN9PdZ6BDSREgQcCm4dO7EKjYE4zrIFRiDtD3G5xqbYBV14fFar_S8xsVsYyrZkYtiAAnLFAkKV0W-kvu2oUev8oj-mxriPkfB0/s640/mu.jpg" width="496" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Toulouse-Lautrec: <b><i>Mujer en su toilette.</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Paul Gauguin </i>(1848-1903) posee una agitada biografía. Nace en París pero los seis primeros años de su vida los pasa en Perú. El interés por conocer otras tierras fue una constante en su vida. En 1883 decide dedicarse definitivamente a la pintura. Se traslada a un pueblo de Bretaña (Francia) en el que conoce a Émile Bernard, un joven pintor con el que intercambia opiniones artísticas. De esta primera etapa es <i>La visión después del sermón</i>. En 1887 se va a Panamá y, más tarde, a la Martinica con la clara intención de "ser un salvaje, volver al origen y liberarse de las ataduras del Impresionismo".</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-bnRTPwhkRZwSSA0ClYbpZvW4JZ4Mim-0lFf9KZ7Yxggwcqht-cViqM3Xypvuoid8SLunjCzvg0B1SAa4F_TenHovGSnm6UVFUZMCsxpggaW3GcG6uLrEwhxv-YT57zZNbNc5gVIKFCo/s1600/au.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-bnRTPwhkRZwSSA0ClYbpZvW4JZ4Mim-0lFf9KZ7Yxggwcqht-cViqM3Xypvuoid8SLunjCzvg0B1SAa4F_TenHovGSnm6UVFUZMCsxpggaW3GcG6uLrEwhxv-YT57zZNbNc5gVIKFCo/s640/au.jpg" width="460" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Gauguin: <i style="font-weight: bold;">Autorretrato. </i>Colección particular</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Una grave enfermedad le obliga a regresar a Francia. En este momento conoce a Van Gogh con quien inicia una turbulenta amistad que les lleva, incluso, a vivir juntos (véase el apartado dedicado a Van Gogh). En 1891 se marcha a Tahití, en donde pinta una serie, quizá sus obras más conocidas, sobre las mujeres de este lugar (<i>Mujeres de Tahití</i>). Tras un corto intervalo de tiempo de estancia en París, vuelve a Tahití en 1895.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhb0ehwvqhZc6Cqj1T-cfoMtl4nz9uUkfwhAqw6PwdEE9Fdw-MdMNi20QPY5sXg56T3LKAyDDlTR7mF2W5KhLhLiSOY3q9Q3AFJId7EuIZWKzWxkTAc60gfDgq8gKlc3FtICmhp0KnLpbw/s1600/cu.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhb0ehwvqhZc6Cqj1T-cfoMtl4nz9uUkfwhAqw6PwdEE9Fdw-MdMNi20QPY5sXg56T3LKAyDDlTR7mF2W5KhLhLiSOY3q9Q3AFJId7EuIZWKzWxkTAc60gfDgq8gKlc3FtICmhp0KnLpbw/s640/cu.jpg" width="482" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Gauguin: <i style="font-weight: bold;">¿Cuándo te vas a casar? </i>Colección Rudolf Staechelin. Basilea</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Gauguin pone de manifiesto en su obra la importancia que da al color, un elemento que utiliza arbitrariamente en amplias zonas planas claramente delimitadas por la línea, sin necesidad de atenerse a las normas que impone la realidad ni interesarse por los problemas derivados de la perspectiva. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Este será el rasgo esencial de una corriente pictórica que aparecerá poco tiempo después: el Fauvismo. La obra de Gauguin ha de ser interpretada como un canto al color y una exaltación de lo primitivo que, durante el siglo XX, experimentará una creciente revitalización. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhySnFvQFbSOytj1-kGsx1yLl60Aof_dJQtTSPmA8hFnEVSmGembajf9zmOid83Q8tee49QlonumNT19Du05NMAQwjwCu7WpDkkRq_n1AKLBZl6C809bPJaSJPb4s8okpm58DjuHJqXzbU/s1600/cab.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhySnFvQFbSOytj1-kGsx1yLl60Aof_dJQtTSPmA8hFnEVSmGembajf9zmOid83Q8tee49QlonumNT19Du05NMAQwjwCu7WpDkkRq_n1AKLBZl6C809bPJaSJPb4s8okpm58DjuHJqXzbU/s640/cab.jpg" width="408" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Gauguin: <i style="font-weight: bold;">El caballo blanco. </i>Museo d'Orsay. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>3.2. Vincent Van Gogh</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i style="font-weight: bold;">Van Gogh </i>(1853-1890) merece un análisis algo más pormenorizado por la dimensión casi legendaria que, en nuestros días, ha alcanzado su figura. Si comparamos su fama y la difusión de su obra en la actualidad con el desprecio y el desconocimiento de la misma en su época, dos sentimientos nos asaltan irremediablemente, la paradoja y la tristeza. Estamos ante uno de los pintores que más incidencia han tenido en el desarrollo de la pintura durante todo el siglo XX, y ante el artista cuyas obras hoy alcanzan los precios más altos en las subastas de todo el mundo.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Su turbulenta biografía está inexorablemente ligada a su producción artística, de tal manera que resulta verdaderamente difícil estudiarlas por separado. Toda su vida ha quedado fielmente reflejada en las cartas que Vincent enviaba a su hermano Theo, uno de los ejes fundamentales de su vida. Nació en un pequeño pueblo holandés y era hijo de un pastor protestante. Entre 1873 y 1875 vivió en Londres, para trasladarse más tarde a La Haya. En estos primeros años de su carrera, su interés se centra en los más pobres, los mineros, la Biblia, la pintura de Rembrandt, Daumier y Millet. Tras la repentina muerte de su padre se dirige a Amberes y, finalmente, a París, en donde se pone en contacto con el efervescente mundo artístico del momento. Ésta será una experiencia decisiva para él. En el verano de 1888 revela a su hermano Theo la firme decisión de ser pintor en una carta escrita desde Arlés, en Provenza, adonde se dirigió siguiendo el consejo de Toulouse-Lautrec. Allí se siente deslumbrado por el sol, que constituye una fuerza regeneradora para él, lo mismo que los intensos colores y la exuberancia del paisaje.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCA03iHfePsFdlxWfbaTmy066MNJQDfasBO4htC1-D9q-J_VQmJ5iITcMhFD1U1ZeAwMQEslaULfsPFonwrw8EyXucvTk60uPOCGZY83qhf-B6JRYPD7hpD2mOTWE3964Zcw9G-D0hR3I/s1600/hab.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="496" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCA03iHfePsFdlxWfbaTmy066MNJQDfasBO4htC1-D9q-J_VQmJ5iITcMhFD1U1ZeAwMQEslaULfsPFonwrw8EyXucvTk60uPOCGZY83qhf-B6JRYPD7hpD2mOTWE3964Zcw9G-D0hR3I/s640/hab.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Van Gogh: <i style="font-weight: bold;">La habitación. </i>Museo d'Orsay. París</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Vivió con Gauguin durante un tiempo, aunque pronto, los diferentes y difíciles caracteres de ambos artistas hacen que aparezcan las divergencias. El 23 de diciembre tiene lugar el famoso incidente en que Van Gogh se corta la oreja. En 1889 ingresa, consciente de su mala salud mental, en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy que abandonará un año más tarde para dirigirse a Auvers-sur-Oise, donde el doctor Gachet ha aceptado tomarlo bajo su cargo. El 27 de julio de 1890 muere, tras dos días de agonía, al lado de su hermano Theo y del doctor Gachet, a consecuencia de un disparo en el corazón. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
De entre <b>sus primeras obras</b>, la más representativa es <i>Los comedores de patatas</i> (1885), en la que demuestra hasta qué punto estaba influido por el realismo de la escuela holandesa, por el claroscuro y por la temática de carácter social. En esta obra intenta reflejar el ambiente mísero de los obreros: "Con mi trabajo he procurado dar a conocer a estas pobres gentes que, a la luz de la lámpara, comiendo sus patatas, tomando el plato con las manos, las mismas que han cavado la tierra en la que han crecido las patatas...".</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhW3OYyqc9112IIdtTwTx65E50zRysGDb8T3tSZoqm0MbMF6ohX33x0Dp4kwOCSj6Gl8tJXq_qGBgIDPrCgDuAQUV_ffjah68zOoZTuGCKX1CKdbF_PRm7t8AK6-0-Vpn42yHuprpX17pw/s1600/co.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="456" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhW3OYyqc9112IIdtTwTx65E50zRysGDb8T3tSZoqm0MbMF6ohX33x0Dp4kwOCSj6Gl8tJXq_qGBgIDPrCgDuAQUV_ffjah68zOoZTuGCKX1CKdbF_PRm7t8AK6-0-Vpn42yHuprpX17pw/s640/co.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Van Gogh: <i style="font-weight: bold;">Los comedores de patatas. </i>Museo Van Gogh. Amsterdam</div>
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<br /></div>
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Van Gogh siente una profunda fascinación, al igual que le sucedía a Rembrandt, por <b>su propio rostro</b>. Es uno de los pintores que en más ocasiones se ha autorretratado. A través de las diferentes imágenes de su rostro podemos averiguar su situación psicológica y su evolución artística: "Se dice _yo así lo creo_ que es difícil conocerse a uno mismo". A medida que pasa el tiempo su paleta se aclara, su pincelada se hace más vigorosa y emplea mayor cantidad de masa pictórica. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnK0mIYL0vFU31HrJtrz6k9mh4TqOEwgEYXTDMkHgJMQqiHh7UPJNAlev3nkko___BFM6cwUkHg5AW-FJfWg0XhWkKyqvh04OSo6lhed2il9oxuxhFC5GM4dQEL-Z31KzzjlFoD6xndGQ/s1600/au.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnK0mIYL0vFU31HrJtrz6k9mh4TqOEwgEYXTDMkHgJMQqiHh7UPJNAlev3nkko___BFM6cwUkHg5AW-FJfWg0XhWkKyqvh04OSo6lhed2il9oxuxhFC5GM4dQEL-Z31KzzjlFoD6xndGQ/s640/au.jpg" width="534" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Van Gogh: <i style="font-weight: bold;">Autorretrato. </i>Museo de Van Gogh. Amsterdam</div>
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<br /></div>
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De igual modo, <b>los paisajes </b>nos revelan su estado mental. Existen algunos serenos, plácidos y en definitiva, más equilibrados como <i>La llanura del Crau </i>(1888), bañada por la luz dorada de la Provenza. Otros, como <i>Los dos cipreses</i>, demuestran la inestabilidad psíquica del pintor: los cipreses se agitan como si de llamas se tratase y el cielo y el suelo se nos aparecen inestables.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNu440K7LYwVEFiXlgksBsJC3VXQ3ZdxK0mMnEKs38QVfMp_YsBXqSnbf0dnNbFIY9XnY_Q5tl2_i3Zddwbj_kKj8dtqN3guhkQRjqM2akDFZlTle6pIniywRaw0bByLpzUmUKdZwiY5Q/s1600/lla.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNu440K7LYwVEFiXlgksBsJC3VXQ3ZdxK0mMnEKs38QVfMp_YsBXqSnbf0dnNbFIY9XnY_Q5tl2_i3Zddwbj_kKj8dtqN3guhkQRjqM2akDFZlTle6pIniywRaw0bByLpzUmUKdZwiY5Q/s640/lla.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Van Gogh: <i style="font-weight: bold;">La llanura del Crau. </i>Museo Van Gogh. Amsterdam</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Las naturalezas muertas </b>son otro de los temas importantes de su producción artística. Uno de los más bellos ejemplos y, quizá el más conocido, es <i>Los girasoles </i>(1889), en el que demuestra un gran dominio en el manejo del amarillo, uno de los colores más importantes en su obra al que atribuía un significado místico. <i>Los girasoles </i>simbolizan el ardiente sol del sur de Francia, han dejado de ser simples flores para convertirse en masas ardientes, pura energía y luz. Sobre esta obra escribió a su hermano Theo: "Gauguin me dijo el otro día que había visto un gran cuadro de girasoles de Claude Monet, en un gran jarrón japonés muy bonito, pero que le gustaban más los míos".</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKAaEt0rTFqWZWX819CfUJlqd5bNbVKZ15Ye0fCX2sGfTa61lpoNRhRC1Cic_zCnUvT3b4cQ1vP2-bSxCRBLVbM02QnfMcjLcfb5mHmWbCkKOkBZa0x6KfSBA1wbkiboRfgv4Qplm1wsY/s1600/gi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKAaEt0rTFqWZWX819CfUJlqd5bNbVKZ15Ye0fCX2sGfTa61lpoNRhRC1Cic_zCnUvT3b4cQ1vP2-bSxCRBLVbM02QnfMcjLcfb5mHmWbCkKOkBZa0x6KfSBA1wbkiboRfgv4Qplm1wsY/s640/gi.jpg" width="510" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Van Gogh: <i style="font-weight: bold;">Doce girasoles en un jarrón. </i>Neue Pinakothek. Múnich</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Las personas que le rodearon </b>fueron retratadas por él: <i>El doctor Gachet</i> (1890), apasionado de la pintura que creía firmemente en las posibilidades terapéuticas que este arte podía tener en Van Gogh, y <i>el tío Tanguy </i>(1887) que aparece sobre un fondo de estampas japonesas que tanto le gustaban a Van Gogh: "Todo mi trabajo se basa, por decirlo de algún modo, en los japoneses". Su última obra, <i>Campo de trigo con vuelo de cuervos</i> (1890), demuestra que en el momento en que lo pintó no existía paz en su interior, es el reflejo de la angustia que lo llevó al suicidio. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEij3JAj9f0uOxa_XZgVOHX66l57KiW4HwPzh7yz3V9MtAKcKFDTNrt6Em7ANJDl-Va46hMUSOtk8LL3oI0wAXrs18l-YMJae_qIcTwVgLSqdAEHwnUElq5LvGXB9FXMTLxZc-noMblJfgU/s1600/ga.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEij3JAj9f0uOxa_XZgVOHX66l57KiW4HwPzh7yz3V9MtAKcKFDTNrt6Em7ANJDl-Va46hMUSOtk8LL3oI0wAXrs18l-YMJae_qIcTwVgLSqdAEHwnUElq5LvGXB9FXMTLxZc-noMblJfgU/s640/ga.jpg" width="520" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Van Gogh: <i style="font-weight: bold;">El doctor Gachet. </i>Museo d'Orsay. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La capacidad para expresar a través de su agitada pincelada y de sus intensos colores es lo que le convirtió en el origen de un corriente surgida poco tiempo después: el Expresionismo. Convirtió la pintura en una nueva forma de liberación, de catarsis para toda su angustia interior, un mecanismo de expresión fundamental.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Su pintura se caracteriza por su pincelada corta y vigorosa en forma de coma, los contornos se nos presentan temblorosos, amplias áreas de colores planos que nos remiten a las estampas japonesas y edificios y espacios interiores inestables como reflejo de su propia inestabilidad psíquica.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPUYmNznOpNNHJkGDyV_w49RayiDh-KlRnelM4uNf7axInDSzHU-5jEXCBWfVIEiewY65lJxTVU7hypPChs24jlbBx7jRfGLgbMoQ_XkTecT0cgKIytXF8ns_qBuKn49y9KmY7BHL0yP0/s1600/no.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="518" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPUYmNznOpNNHJkGDyV_w49RayiDh-KlRnelM4uNf7axInDSzHU-5jEXCBWfVIEiewY65lJxTVU7hypPChs24jlbBx7jRfGLgbMoQ_XkTecT0cgKIytXF8ns_qBuKn49y9KmY7BHL0yP0/s640/no.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Van Gogh: <i style="font-weight: bold;">La noche estrellada. </i>Museo de Arte Moderno. Nueva York</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>4. EL CASO ESPAÑOL</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Como se ha comentado, el Impresionismo pronto fue exportado por Francia hacia otros países de su entorno, y España no fue, en este aspecto, una excepción. No podemos hablar de una generación expresamente impresionista en nuestro país, pero sí de pintores que incorporan elementos impresionistas y postimpresionistas a sus obras. El Impresionismo llega a España como una bocanada de aire fresco que rompe con el academicismo decimonónico imperante.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i style="font-weight: bold;">Darío de Regoyos y Valdés </i>(1857-1913) completa su formación artística en París, en donde se puso al corriente de las novedades pictóricas. Del Impresionismo le interesó, sobre todo, el tratamiento de la luz, la atmósfera y el protagonismo del paisaje. En realidad, está más cerca del Puntillismo que del Impresionismo propiamente dicho, como demuestra su obra <i>Atardecer en Irún </i>(1900).</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">El pintor que mejor representa el Impresionismo en España es, sin duda alguna, <i style="font-weight: bold;">Joaquín Sorolla</i> (1863-1927). Estudioso de la pintura de Velázquez y Ribera, será durante sus viajes a París cuando descubrirá el Impresionismo francés. El origen valenciano de Sorolla le convirtió en un gran conocedor de la luz mediterránea que protagoniza constantemente sus cuadros, especialmente aquellos que pinta durante su veraneo en Jávea, donde la luz es analizada en sus más mínimos matices. En ningún momento abandonó su interés por el costumbrismo y su preocupación por los temas sociales, lo que avivó su amistad con el escritor Blasco Ibáñez y fue motivo de alguna de sus obras (<i>¡Y dicen que el pescado es caro!</i>, 1895).</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguC7V7zTVqe5lkXEn3mUmLTmYtAQoCzqzoSpBA4dQRb6xe0_WzSmT4iQbx9vPMUKm-jDjY3FgUz5H-Vo9TkGkpDXQpR6ZqT2jbW6f-kanX0EOXULfXMCZf7uIBoriur-dqLZR-WvWvMdA/s1600/pa.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguC7V7zTVqe5lkXEn3mUmLTmYtAQoCzqzoSpBA4dQRb6xe0_WzSmT4iQbx9vPMUKm-jDjY3FgUz5H-Vo9TkGkpDXQpR6ZqT2jbW6f-kanX0EOXULfXMCZf7uIBoriur-dqLZR-WvWvMdA/s640/pa.jpg" width="616" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Sorolla: <i style="font-weight: bold;">Paseo a la orilla del mar. </i>Museo Sorolla. Madrid</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFfvhm6pkoGNDYYa31BHK5jg6MmTv0xVszdwFv53UxSS9wpa_YUHEWKwSG9P6-rTkshqoFyEGZoWicAUPEML44bmEGSW3WSJ5yclKJ0AjkvMYiFcUGLvM6WNSY0OWkF0RenBN4gIlbX10/s1600/ni.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="392" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFfvhm6pkoGNDYYa31BHK5jg6MmTv0xVszdwFv53UxSS9wpa_YUHEWKwSG9P6-rTkshqoFyEGZoWicAUPEML44bmEGSW3WSJ5yclKJ0AjkvMYiFcUGLvM6WNSY0OWkF0RenBN4gIlbX10/s640/ni.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Sorolla: <i style="font-weight: bold;">Niños en la playa. </i>Casón del Buen Retiro. Madrid</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>5. LA ESCULTURA DE FINALES DEL SIGLO XIX</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>5.1. Los escultores más representativos del siglo XIX</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Las personalidades más destacadas de la escultura a finales del XIX, además de Rodin, son Medardo Rosso y Maillol. </span><i style="font-weight: bold;">Medardo Rosso </i>(1858-1928), de origen italiano, fue un hombre rebelde e inconformista que luchó con todas sus fuerzas contra la tradición y, especialmente, contra el peso que aún seguía teniendo, en el ámbito de la escultura, la obra de Miguel Ángel. Él mismo inventó una nueva técnica: cera sobre escayola. La cera traslúcida se combinaba con la luz y hacía que las formas pareciesen más suaves, más blandas, que se diluyesen tanto que de ellas sólo nos quedase su impresión. En este sentido podemos hablar de escultura plenamente impresionista. El francés <i><b>Aristide Caillol </b></i>(1861-1944) se inició en el arte dentro de la pintura, interesado, sobre todo, por la obra de Gauguin y Bernard. Más tarde, de un modo totalmente autodidacta, comenzó a esculpir. Sus esculturas son, generalmente, robustas figuras femeninas aisladas, de pie o reclinadas, de formas clásicas y contornos suaves (<i>La noche</i>, <i>Pomona</i>). </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;"><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjh6QBbDtsAgQU_aPO0qqVAv_OT7TYRUVFr2u-tm4y2g2BV9D4nfgMPXF3cdiooyt3VtJYexmHA1vtEuRWnlLLSwTt8BpAvP-Evjp_HoUVGhxs671BI3gv4IqpjDiT0qORcOLl-Z3aG9J8/s1600/mai.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjh6QBbDtsAgQU_aPO0qqVAv_OT7TYRUVFr2u-tm4y2g2BV9D4nfgMPXF3cdiooyt3VtJYexmHA1vtEuRWnlLLSwTt8BpAvP-Evjp_HoUVGhxs671BI3gv4IqpjDiT0qORcOLl-Z3aG9J8/s640/mai.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Maillol: <i style="font-weight: bold;">Escultura en el jardín de las Tullerías. </i>París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>5.2. Auguste Rodin</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Es Rodin uno de los artistas que más ha aportado a la escultura. Personaje admirado en su tiempo, es el escultor más valorado desde Bernini. Estaba interesado en investigar todas las facetas del ser humano, aislado o en grupo, así como todos los aspectos de la escultura: el volumen, el espacio, la masa, la textura, el movimiento, la luz, etc. <i style="font-weight: bold;">Auguste Rodin </i>(1840-1917) vio cómo se le negaba el ingreso en la Escuela de Bellas Artes de París por lo que debió asistir a la llamada Petite École, destinada a los artesanos más que a los artistas. Una de sus primeras obras, <i>El hombre con la nariz rota</i>, en la que la imperfección, lo inconcluso y la fealdad también tienen cabida dentro del arte, provocó no pocas detracciones entre la crítica del momento. Su primer gran éxito llega con su obra <i>La edad de bronce</i>. En 1880 le encargaron unas puertas para el Museo de Artes Decorativas que jamás se llegó a construir: <i>Las puertas del infierno</i> que se llamaron así por la temática dantesca que abordan, un colosal trabajo que acaparó veinte años de su vida. En ellas, la figura de Dante, sentado y meditabundo, será el punto de partida para una de sus obras más conocidas: <i>El pensador </i>(1880), de fuerte anatomía influido por <i>Ugolino </i>del escultor francés Carpeaux. Para la realización de estas puertas se inspiró, tanto en las <i>Puertas del Baptisterio </i>de Florencia, como en el <i>Juicio Final </i>de Miguel Ángel. Este escultor fue un importante punto de partida para él, ya que, por un lado, le interesó la <i>terribilitá </i>de algunos de sus personajes y, por otro, el aspecto <i>non finito</i> o inacabado de sus últimas obras (<i>Los esclavos </i>o <i>La pietá Rondanini</i> son algunos de estos ejemplos). Su interés por las superficies rugosas de aspecto indeterminado es una de las claves de su obra y un elemento decisivo para los escultores del siglo XX. <i>El beso </i>(1888), que más tarde realizaría en bronce, inicia un período de gran esplendor en el que ejecutó <i>Balzac </i>(1891-1898) y <i>Los burgueses de Calais </i>(1884-1888), obra que supone una afirmación de la dignidad del hombre. </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6XIaMG-Hrc6J2q0KiD710ElJ8tkTvxTPoWnU0oib9Aoxu2JLGp4JCHYyaK7yuOJ7aPXXZ134TBJIbXMdcc7-ctDkJn2TqyDtDPkJmnfNmMDqFVErya4tOpTsiQSEBZUp5G0f2i3qqtOE/s1600/ca.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6XIaMG-Hrc6J2q0KiD710ElJ8tkTvxTPoWnU0oib9Aoxu2JLGp4JCHYyaK7yuOJ7aPXXZ134TBJIbXMdcc7-ctDkJn2TqyDtDPkJmnfNmMDqFVErya4tOpTsiQSEBZUp5G0f2i3qqtOE/s640/ca.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Rodin: <b><i>Los burgueses de Calais</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhn2uioZAwQpV2AGkzuZ2v5wp_Uu8dc2YFawxiykD1T2Pr5e5pVtZU_8Pma5h_elm0PpEhb5mVmtbOxNAcegW91H88me417f93HgrvcJaN791x8Bhfgid5SFtV5S69o12HbQ9qk3xHNBk0/s1600/crea.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhn2uioZAwQpV2AGkzuZ2v5wp_Uu8dc2YFawxiykD1T2Pr5e5pVtZU_8Pma5h_elm0PpEhb5mVmtbOxNAcegW91H88me417f93HgrvcJaN791x8Bhfgid5SFtV5S69o12HbQ9qk3xHNBk0/s640/crea.jpg" width="424" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Rodin: <i style="font-weight: bold;">La Creación. </i>Museo Rodin. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWxHV3DP-VNILchaKuqTuwTf01blY4-sQ6HmNRRFCbV54smjREzpsPCLYoSD4rqTI5YNfgYCHp2b7_Mb0JNOBouaaYxnBFiBG7O2nlLHtyS5tRbWxcxjTP2l7H6_RljdXGM_C8Pb5Rs5A/s1600/gri.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="428" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWxHV3DP-VNILchaKuqTuwTf01blY4-sQ6HmNRRFCbV54smjREzpsPCLYoSD4rqTI5YNfgYCHp2b7_Mb0JNOBouaaYxnBFiBG7O2nlLHtyS5tRbWxcxjTP2l7H6_RljdXGM_C8Pb5Rs5A/s640/gri.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Rodin: <i style="font-weight: bold;">El grito. </i>Museo Rodin. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En sus esculturas Rodin eliminó algunas partes del cuerpo como recurso expresivo: <i>Iris, mensajera de los dioses </i>carece del brazo izquierdo y de la cabeza.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En la exposición de 1900 Rodin presentó una retrospectiva de toda su obra. A su muerte ya había acordado con el gobierno francés la construcción de un museo en el que se recogiese su obra.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>IMPRESIONISMO: UNA DENOMINACIÓN INCORRECTA</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i>"Monet es el pintor impresionista por excelencia; su posición dentro del mundo artístico fue preferentemente definida por él mismo: "Siempre he sentido horror por las teorías. Yo no he tenido otro mérito que pintar directamente frente a la naturaleza, procurando plasmar mis impresiones ante </i></span><i>los efectos más fugaces, y estoy aterrado de haber sido la causa del nombre dado a un grupo que, en su mayor parte, no tenía nada de impresionista".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>Una definición ciertamente clarificadora, por cuanto que el Impresionismo, en sentido estricto, sólo podría aplicarse a tres pintores _el propio Monet, Pissarro y Sisley_, para quienes el paisaje al aire libre, la luz y la atmósfera fueron su preocupación esencial, su "leit motiv".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
(P. DE MIGUEL. <i>Del Realismo al Impresionismo</i>, 1989)<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>A FONDO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><i>TA MATETE (EL MERCADO)</i></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>GAUGIN</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Paul Gauguin es uno de los más destacados pintores postimpresionistas. Su figura ha permanecido indisolublemente ligada a la de Van Gogh, especialmente tras el conocido enfrentamiento entre ambos que llevó a Van Gogh, en un momento de desesperación, a cortarse una oreja. En las cartas que éste envía a su hermano Theo son muchas las referencias que hace de Gauguin, mostrando abiertamente la gran admiración que sentía por la manera tan particular que tenía de entender la pintura.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Gauguin es uno de los artistas más seguros de sí mismos y de su talento que han existido: "Soy un gran artista y lo sé. Y porque lo soy he tenido que apurar tanto el sufrimiento". Era ambicioso y arrogante. Reivindicó el primitivismo dentro del arte, alejándose de lo que había sido la pintura occidental </span>hasta ese momento.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Conocía muy bien mundos que habían pasado absolutamente desapercibidos para otros artistas y que le cautivaron por ser lugares a los que la corrupción del hombre aún no había llegado. Por ello, a partir del año 1887, decidió abandonar Francia y su acomodada vida burguesa para buscar nuevos ámbitos más puros e inexplorados que diesen un nuevo sentido a su existencia. En 1891 viajó por primera vez a Tahití, en donde se instaló definitivamente en 1895. De allí se vio obligado a huir de las autoridades coloniales refugiándose en las islas Marquesas.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En 1892 pintó <i>Ta Matete </i>(<i>El mercado</i>) en Tahití, obra que actualmente se puede visitar en el Oeffentliche Kunstsammlung de Basilea. En medio de estos paisajes de intensísimos colores, descubre al hombre y a la Naturaleza y, al mismo tiempo, se inspira en el arte egipcio, que consideraba el más interesante de todo el arte antiguo y uno de los más importantes del mundo occidental: "El arte primitivo más sabio de todos es el egipcio". Es fácil percibir esta influencia en la disposición de las figuras, inmóviles, que se yuxtaponen de perfil, de la misma manera que aparecían en las pinturas y relieves egipcios. En el Museo del Louvre se conserva un relieve egipcio que guarda un parecido asombroso con esta obra. Las mujeres de este cuadro, cuyos gestos están llenos de candor y dulzura, apenas parecen tener corporeidad. Se recortan, casi planas, sobre el fondo. Lo más sobresaliente es la explosión del color, especialmente intenso y granuloso en los vestidos de las mujeres sentadas en el banco. El naranja, el amarillo, el violeta y el verde, todos ellos habituales de la paleta de Gauguin, destacan sobre el fondo. El color se extiende uniformemente por las superficies precisamente delimitadas por el dibujo, que algunos pintores contemporáneos a él y conocedores de su obra _muy poco aceptada por la mayoría de los críticos y el público de la época_ llamaban <i>cloisonnisme</i>, puesto que recuerda, en cierta medida, a la técnica con que se trabajaba el esmalte, al separar el color en áreas muy claramente definidas. En la elección del color es posible hablar ya de una cierta arbitrariedad, puesto que no se ajusta a los colores reales de las cosas, sino que emplea otros que le sugiere su propia imaginación. Éste es el caso de los troncos de los árboles, que son azules, o el suelo que podemos ver en primer término, anaranjado.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWkR6Qf9Kf7Mx7-myQ8IlpamiiWN9g5dSv1NM7PORFMbZRy0zN4pwDxWHhqLE8ZqhS9IzzOPid5xt73KxtH9MCQ3j9J2_XHFHSUnq8MPHGSm9jbyXOxi02lRzA3Syk2buYnSthDah-ji8/s1600/ma.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="494" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWkR6Qf9Kf7Mx7-myQ8IlpamiiWN9g5dSv1NM7PORFMbZRy0zN4pwDxWHhqLE8ZqhS9IzzOPid5xt73KxtH9MCQ3j9J2_XHFHSUnq8MPHGSm9jbyXOxi02lRzA3Syk2buYnSthDah-ji8/s640/ma.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En este sentido, Gauguin recrea en su mente una imagen diferente de la que la realidad le ofrece. La pintura no tiene por qué ser ya un fiel reflejo de lo que nos rodea, puesto que esa función la está desempeñando la fotografía. El arte ha de ser libertad, o al menos así lo entiende este pintor. Gauguin estaba, de esta manera, dando pie a un modo totalmente diferente de entender el arte.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Esto inspiró afirmaciones como la de Maurice Denis, un pintor que integró el grupo de los Nabis: "Un cuadro, antes que un desnudo femenino, un caballo de batalla o cualquier otra anécdota es, esencialmente, una superficie plana cubierta de colores dispuestos en un cierto orden". Estamos acercándonos a la abstracción a pasos agigantados: "El arte es una abstracción que hay que sacar de la Naturaleza, soñando frente a ella".</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La serenidad de esta obra contrasta notablemente con el desenfreno de la vida parisina tan fielmente reflejada en las pinturas de Toulouse-Lautrec. Esa frescura, que Europa había perdido hacía mucho, Gauguin la reencuentra en estos mundos vírgenes para el hombre occidental que también despertaron el interés de artistas posteriores como Picasso, Modigliani, Matisse o Brancusi. Con su obra, Gauguin abrió nuevos caminos para la pintura. En él se inspiraron los expresionistas y, sobre todo, los fauvistas.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>CITAS</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i>"Tres golpes de pincel al natural valen más que dos días de trabajo de caballete"</i>.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b>Boudin</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i>"Existen más de treinta lienzos de <b>ninfeas</b>. En ellos, Monet se ocupa de captar la manera en la que la luz las va transformando llegando, en algunos casos, a rozar los límites de la pintura abstracta. En cualquier caso podemos afirmar que son una importante fuente de inspiración para la pintura posterior".</i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i><br /></i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i>"(...) Courbet vino a visitarnos para ver el cuadro de Monet, que le ha encantado. Además, vinieron más de veinte pintores, y todos han quedado admirados, aunque todavía le falte mucho para acabarlo". </i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b>Bazille </b>a propósito de <i>Desayuno en la hierba</i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i><br /></i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i>"Cézanne esperó cuarenta años antes de ser reconocido, aunque su pintura renovará las tradiciones perdidas, ahora no cesa de nutrir a casi toda la Francia artística actual".</i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b>Parkine</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i><br /></i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i>"¿Quién es? Es Gauguin, el salvaje que detesta una civilización incómoda, una especie de titán que, celoso de su Creador, en sus ratos libres hace su propia criatura (...), el que reniega y desafía y prefiere ver el cielo rojo que azul como los demás".</i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b>August Strindberg</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i><br /></i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i>"No sabría decir lo que me encierra, lo que me aprisiona, lo que me parece que me sepulta, pero tengo una sensación como de barrotes, grilletes, muros..."</i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b>Vincent Van Gogh</b><i> </i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>GLOSARIO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b>Chevreul</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Sus teorías habían sido publicadas antes de que los impresionistas empezasen a pintar. Los científicos y los artistas se mueven en una misma línea que les lleva a pensar que los colores no eran, como afirmaron Leonardo y Alberti, realidades inmutables, sino que dependían de la percepción individual, es decir, que formaban parte del universo de la luz.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b>El grabado japonés</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Despertó un gran interés en la mayor parte de los pintores impresionistas. Se realizaba en madera y en él tenía especial importancia el color plano distribuido en amplias áreas claramente delimitadas por la línea, así como las insólitas perspectivas, tan poco comunes en la pintura occidental.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><i>Bañistas en Asnières</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Es una obra de Seurat que se encuentra en la National Gallery de Londres. Los personajes solitarios aparecen sentados en la orilla izquierda del Sena. Esta obra fue presentada al Salón de 1884 donde fue rechazada.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><i>Bailando en el Moulin Rouge</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Es una de las obras en las que podemos ver a la Goulue. Esta bailarina presentó, por aquel entonces, un nuevo espectáculo y por ello pidió a Toulouse que pintara algunos carteles para decorarlo. En éste se ve a la Goulue bailando con Valentin el "deshuesado".</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><i>La llanura del Crau</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Es un cuadro pintado por Van Gogh en Arlés, en junio de 1888 y que actualmente se puede contemplar en el Rijksmuseum de Amsterdam. En él es posible comprobar la predilección que este autor sentía por los paisajes, en los que es posible percibir su estado emocional.</div>
GreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-88312327316401566672016-04-22T10:40:00.000-07:002016-04-22T10:40:43.867-07:00Las artes plásticas del siglo XIX hasta la llegada del Impresionismo<div style="text-align: justify;">
<b>La reacción al Neoclasicismo y el dominio de la Razón no se hizo esperar. Esta transformación en la estética y en los ideales de la época vienen de la mano del Romanticismo, movimiento artístico que está encarnado por una serie de pintores que representan exactamente lo contrario a lo que había imperado hasta entonces. La exaltación de la fantasía, el color, el sentimiento, la revalorización de lo individual, la búsqueda de las raíces de los pueblos y la defensa de sus derechos son algunas de las muestras del cambio de mentalidad acaecido. La visión subjetiva de los hechos, e incluso la cara menos agradable de los mismos, sustituye a la pretensión neoclásica de ofrecer una visión idealizada y ejemplarizante en las representaciones. El artista romántico se rebela y renuncia al papel que le había sido atribuido tradicionalmente; se niega a ser simplemente un instrumento en manos del poder político y reivindica su derecho a ser libre y a representar las cosas tal y como él las entiende y siente. </b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>El siglo XIX será, además, testigo de la aparición de otras nuevas corrientes artísticas como el Realismo, interesado en captar con extrema fidelidad la situación del trabajador, bien sea en las ciudades tal y como hizo Daumier, o en el campo como hará Millet.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3R5d7gVbGFWZloxQcqLfBhPKO6FBLxY7oJmOeVtHyVkcxpcCD5yuNjBtxd7UmVuQ7tDEIQ3dpGGbAGQi5ZjczzyKIYyrlh1-OgS7HQodhwtdfXfoTZeZ7z6kuBc-hfq7brEED9f4FI9w/s1600/costurera.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3R5d7gVbGFWZloxQcqLfBhPKO6FBLxY7oJmOeVtHyVkcxpcCD5yuNjBtxd7UmVuQ7tDEIQ3dpGGbAGQi5ZjczzyKIYyrlh1-OgS7HQodhwtdfXfoTZeZ7z6kuBc-hfq7brEED9f4FI9w/s400/costurera.jpg" width="314" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Millet: <i style="font-weight: bold;">La costurera. </i>Museo d'Orsay. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>1. ASPECTOS GENERALES DE LA PINTURA ROMÁNTICA</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
El movimiento que conocemos como Romanticismo es difícil de calificar desde un punto de vista estilístico ya que carece de una sistematización como la que podíamos encontrar en el Neoclasicismo. Algunos autores han considerado oportuno definirlo como la tendencia artística que sigue al Neoclasicismo, lo que no es más que un modo un tanto simplista de solventar el asunto recurriendo a la ubicación cronológica. Sobre la complejidad del problema, Fritz Novotny afirma: "El Romanticismo es uno de aquellos términos utilizados en la Historia del Arte cuyos límites son particularmente difíciles de definir. Esto no se debe únicamente al hecho de que el significado de un concepto se amplía hasta el punto de hacerse impreciso, sino también a que los elementos del Romanticismo aparecen en numerosas anticipaciones antes de asumir la concentración y determinación de una tendencia puramente estilística". Sin embargo, sí podemos afirmar que la Pintura es uno de los campos artísticos en el que mejor se expresa al espíritu romántico y en el que podemos apreciar una serie de características que nos servirán para delimitarla y facilitar su estudio:</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li>El Romanticismo supone, ante todo, la <b>exaltación de los sentimientos</b> frente a la razón que tan defendida fue por el Neoclasicismo. Las apreciaciones subjetivas de los hechos, generalmente marcadas por el pesimismo, interesan más que la verdad de los mismos.</li>
</ul>
<ul>
<li>Como consecuencia de lo anterior, la mayor parte de los pintores románticos siente un profundo <b>amor por el color</b>. Frente a la predilección por el dibujo, característica de Neoclasicismo, en estos momentos triunfa la devoción por el cromatismo. La mancha sustituye a la línea como vehículo para poder expresar los sentimientos exaltados y favorecer los <b>dramáticos contrastes lumínicos</b>. </li>
</ul>
<ul>
<li><b>Las composiciones son bastante desequilibradas </b>y complejas en la mayor parte de los casos, y se contraponen a las composiciones neoclásicas, mucho más organizadas. El espíritu romántico se caracteriza por su turbulencia y exaltación, lo que le aproxima, técnicamente hablando, al Barroco, estilo este último profundamente despreciado por los neoclásicos. </li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCcEDBQNv-PVwoHFz9sVmTzmbj7fJhuqbooqLThzineYMoq3mUvJR1SlOhQXs5t-qlDn-bFtWUNsOcjqgykfbVfcYdh3XNHKTW_Z0u-OU2ht2bMlLjv9jXpySP-dLKoJi-3IgR8-EHNkc/s1600/mat.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCcEDBQNv-PVwoHFz9sVmTzmbj7fJhuqbooqLThzineYMoq3mUvJR1SlOhQXs5t-qlDn-bFtWUNsOcjqgykfbVfcYdh3XNHKTW_Z0u-OU2ht2bMlLjv9jXpySP-dLKoJi-3IgR8-EHNkc/s640/mat.jpg" width="540" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Delacroix: <i style="font-weight: bold;">La matanza de Quíos. </i>Museo del Louvre. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li>Los temas son muy variados y entre ellos destacan los <b>históricos </b>y <b>literarios</b>. La Edad Media es un punto de referencia vital que permite encontrar las raíces y la propia identidad de cada pueblo. Otro aspecto muy novedoso de la pintura romántica es que se pretende captar el aspecto dramático del hecho y el patetismo del mismo, más que la victoria o el triunfo. <b>Los lugares exóticos</b> resultan bastante atractivos para la mayor parte de los pintores románticos quienes, gracias al espectacular avance de los medios de transporte, pudieron conocerlos directamente. <b>El retrato </b>y <b>el paisaje </b>son otros de los temas más importantes de la pintura romántica. <b>La naturaleza </b>no aparece como un elemento sometido por el ser humano, sino como una fuerza contra la que éste ha de luchar y que se representa, en ocasiones, con un cierto aire bucólico. </li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYlrPxCkuNOoSOSCDpNIuCugHFEB4QnyF0d9ewTcvg-HAJFvcJWFPMfg-NH3YevaJFbeyCytiNIZ1OWKp4MGxCn8DD8IMd94WIpJbdarC4GvWeNs7RGT3XedWjXDcfDGqRc5gHeLjD83U/s1600/cab.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="460" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYlrPxCkuNOoSOSCDpNIuCugHFEB4QnyF0d9ewTcvg-HAJFvcJWFPMfg-NH3YevaJFbeyCytiNIZ1OWKp4MGxCn8DD8IMd94WIpJbdarC4GvWeNs7RGT3XedWjXDcfDGqRc5gHeLjD83U/s640/cab.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
John Constable: <i style="font-weight: bold;">El caballo blanco. </i>Frick Collection. Nueva York</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2. ROMANTICISMO FRANCÉS</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2.1. Géricault y Delacroix</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
El Romanticismo francés sigue, casi con absoluta fidelidad, las características que hemos enumerado anteriormente. Es en este país donde encontramos a los dos artistas que, en la pintura, mejor se ajustan al espíritu romántico.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Jean-Louis-Théodore Géricault </i>(1791-1824), contemporáneo de Jacques-Louis David, se alejó absolutamente de él en lo que a materia pictórica se refiere. Su tormentosa biografía se ha puesto en relación inevitablemente con la de Caravaggio. Viajó a Roma y allí estudió en profundidad la pintura de Miguel Ángel. También estuvo en Inglaterra, donde pudo comprobar las transformaciones sufridas en este país durante la Revolución industrial y donde entró en contacto con la obra de Constable. Géricault puede ser definido como un colorista que imprime a sus pinturas una gran energía y furor. Su obra más conocida es <i>La balsa de la Medusa</i>, exhibida en 1818 provocando una escasa aceptación, tanto en el público como entre los críticos. En ella se recoge un hecho que sucedió dos años antes de que se pintase el cuadro: el motín y naufragio de una fragata francesa frente a las costas de África. El artista elige un episodio histórico que no sirve para exaltar ni enaltecer un momento de gloria, sino que prefiere plasmar en su pintura un hecho lamentable, trágico e incluso patético. Géricault estuvo siempre muy interesado por los temas orientales así como por los caballos, una de las pasiones de su vida. A esta temática corresponden <i>Oficial de Húsares a caballo </i>y <i>La carrera de caballos libres en Roma</i>. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUxfJusFy8ysT3rYOEKqaZIJIso-p3Spvxk6_gyn5cpLZAAPNsePT_h8sVDSNBAWisLHOuarIayPtnxHnn7cB9IPtrBswYTEFIhbq3e83PBROsPiwXb-5RA_UKpTceGTzlXs-N6mTpHtQ/s1600/husar.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUxfJusFy8ysT3rYOEKqaZIJIso-p3Spvxk6_gyn5cpLZAAPNsePT_h8sVDSNBAWisLHOuarIayPtnxHnn7cB9IPtrBswYTEFIhbq3e83PBROsPiwXb-5RA_UKpTceGTzlXs-N6mTpHtQ/s640/husar.jpg" width="490" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Géricault: <i style="font-weight: bold;">El oficial de Húsares a caballo. </i>Museo del Louvre. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El otro gran pintor romántico francés es <i style="font-weight: bold;">Eugène Delacroix </i>(1798-1863). Perteneciente a una ilustre familia burguesa, tuvo desde muy pronto una sólida formación humanística. Conoce a Géricault, al que admira, sobre todo, por haber sido capaz de hacer una obra tan impactante como <i>La balsa de la Medusa</i>. Uno de los hechos más le marcó en su vida fue el padecimiento de una grave enfermedad que le obligó a permanecer en casa durante bastante tiempo. Su concepto de la pintura se basa en Rubens, Veronés y Velázquez, entre otros; se trata de una pintura colorista y sensual. <i>La libertad guiando al pueblo </i>(1830) es, quizá, la obra por la que es inmediatamente identificado. En ella refleja la insurrección de 1830 (conocida como Revolución de Julio) que tiene lugar en París y que pone fin a la restaurada monarquía borbónica. La libertad es, en esta obra, una mujer que recuerda a la <i>Victoria de Samotracia </i>y que lleva en una de sus manos la bandera tricolor francesa. La escena, tal y como sucedía en <i>La balsa de la Medusa</i>, se organiza de abajo a arriba. La huella de este cuadro que tanto impresionaba a Delacroix también se puede apreciar en <i>La barca de Dante</i> (1822). </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7J67OToslMRMCy_ns-eKHON5DdaOytYplHGLqLkSrLsk87p8Zm9dgmLnucsg0auo3TmfiyN1p-78V8W-uUTkqeTE9XnI6rQh3ytD1JgFsrBd2X9ytOy_34LoI5xjm1LVWvjDzZrOiY1E/s1600/lib.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="506" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7J67OToslMRMCy_ns-eKHON5DdaOytYplHGLqLkSrLsk87p8Zm9dgmLnucsg0auo3TmfiyN1p-78V8W-uUTkqeTE9XnI6rQh3ytD1JgFsrBd2X9ytOy_34LoI5xjm1LVWvjDzZrOiY1E/s640/lib.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Delacroix: <i style="font-weight: bold;">La libertad guiando al pueblo. </i>Museo del Louvre. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhk6vFadptYckAw8gpUPM3H3f-nZ7HKDyP-1WCPWOA_AewYG2seOP8HD6sNHobcgDx5w4figuBPM2BRIazjiPadQmSDF8pcilCKzM4EANXUE7HiiIMQWtLQTmSSOYvxJEAQmsv8XBX1Z4/s1600/da.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="478" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhk6vFadptYckAw8gpUPM3H3f-nZ7HKDyP-1WCPWOA_AewYG2seOP8HD6sNHobcgDx5w4figuBPM2BRIazjiPadQmSDF8pcilCKzM4EANXUE7HiiIMQWtLQTmSSOYvxJEAQmsv8XBX1Z4/s640/da.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Delacroix: <i style="font-weight: bold;">La barca de Dante. </i>Museo del Louvre. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La pintura histórica tendrá una gran relevancia dentro del Romanticismo. Delacroix es un gran cultivador de este género, tal y como podemos comprobar en su obra <i>La matanza de Quíos </i>(1824) que, lo mismo que <i>Grecia expirando en las ruinas de Missolonghi</i>, pretende rendir tributo a los griegos que en estos momentos están luchando por su independencia frente al poder otomano (recordemos que, precisamente en Missolonghi en 1824, fallece a causa de la peste el escritor romántico Lord Byron). </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiJp7rxldCNvxLmmnV8gmxO4tw8g8QHlNzwApy5e6eUZCWJdtdxF4AqPxK2L8mONxZB5HiT11dFxRCCvB7eM0JrT8wt3NTcNOQ-6aF09yxxV2vCp5ZRA7Rc04MXp15HElvbMdFVKoWjCI/s1600/mat.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiJp7rxldCNvxLmmnV8gmxO4tw8g8QHlNzwApy5e6eUZCWJdtdxF4AqPxK2L8mONxZB5HiT11dFxRCCvB7eM0JrT8wt3NTcNOQ-6aF09yxxV2vCp5ZRA7Rc04MXp15HElvbMdFVKoWjCI/s640/mat.jpg" width="540" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Delacroix: <i style="font-weight: bold;">La matanza de Quíos. </i>Museo del Louvre. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>La muerte de Sardanápalo </i>(1827-1828) es una de sus más bellas creaciones en la que se narra el trágico momento que vivió este monarca asirio, el cual se vio obligado a matar a sus esposas y caballos antes de ver cómo eran asesinados por las tropas persas. En este cuadro, Delacroix demuestra ser un buen conocedor de la obra de Rubens.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En 1832 viaja a España y Marruecos por espacio de seis meses y se pone en contacto con un mundo que le fascina, pleno de sensualidad, luz y colorido, queda atrapado por el encanto de lo exótico y de lo desconocido que tanto interés despertó en la mayor parte de los artistas románticos.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2.2. La Escuela de Barbizon y Camille Corot</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
En Francia la pintura de paisaje está representada por la <b>Escuela de Barbizon </b>también llamada de Fontainebleau, nombre por el que se conoce a un grupo de artistas afincados en este bosque de Francia. Entre ellos destacan pintores como <b>Theodore Rousseau</b>, <b>Charles François Daubigny</b> y <b>Jean François Millet</b>. Para muchos autores, la Escuela de Barbizon supone el antecedente más inmediato del Impresionismo, puesto que muchos de los integrantes de esta escuela se trasladaban con su caballete para pintar directamente del natural, aspecto esencial de la pintura impresionista. Otros, sin embargo, creen que son demasiados los nexos de unión que estos mantienen con la pintura tradicional como para hacer esta afirmación. De lo que no cabe duda es de que nos encontramos frente a un arte muy próximo al Realismo y que en todos estos artistas el común denominador es que el paisaje, armónico y sereno, se convierte en el protagonista de sus composiciones.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
El más emblemático de todos estos autores es <i style="font-weight: bold;">Théodore Rousseau </i>(1812-1867) _no debe confundirse con el también pintor Henry Rousseau, "el aduanero"_ y es, además, quien asume el papel de director del grupo. Empieza a pintar a una edad muy temprana dentro de un estilo clasicista. En su obra podemos apreciar la debilidad que siente por los árboles aislados de grandes dimensiones. Admiró y coleccionó grabados japoneses en madera como harán muchos de los pintores impresionistas. Algunas de sus obras más interesantes son <i>En el confín del bosque de Fontainebleau </i>(1847) y <i>Efecto temporal: vista desde la llanura de Montmartre </i>(1850). </div>
<div style="text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;"><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifT3lHwucFMJV-LyFT_7r7HNgtR4Is64DLYpVENj5FhiDgd9snQNtOSghaYGdLDm4G7W_EiINTRhS-hPDJmb2Lrk706Ibp0vVAjHmysbPRx068W-eRb69bmtjXy4gt_gY_ehV3CkCvun4/s1600/ca.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="378" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifT3lHwucFMJV-LyFT_7r7HNgtR4Is64DLYpVENj5FhiDgd9snQNtOSghaYGdLDm4G7W_EiINTRhS-hPDJmb2Lrk706Ibp0vVAjHmysbPRx068W-eRb69bmtjXy4gt_gY_ehV3CkCvun4/s640/ca.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Théodore Rousseau: <i style="font-weight: bold;">Grupo de cabras en Apremont. </i>Museo del Louvre. París</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Camille Corot </i>(1796-1875) nace en París en el seno de una familia burguesa. Desde muy joven da muestras de su gran vocación artística. Se forma en los estudios de Michallon y Bertin. Viaja a Italia en varias ocasiones para convertirse, tras su regreso a Francia, en un pintor reconocido que recibe distinciones y encargos oficiales. Utiliza una pincelada suelta para representar ambientes íntimos y tranquilos que son acariciados por una luz dorada. Sus paisajes son bucólicos, líricos y poéticos. Se enfrenta a su interpretación de un modo radicalmente diferente a otros pintores del momento: "No importa el lugar o el objeto; sometámonos a la impresión primera. Si estamos realmente tocados por ella, la sinceridad de nuestra emoción pasará a los otros". Esta manera de concebir la pintura inaugura algo que van a seguir empleando los impresionistas: el contacto directo con la naturaleza. Corot se convierte así en una importante fuente de la que bebieron muchos de los pintores impresionistas. Su conocida predilección por el paisaje no implica que no cultive otros géneros, entre los que destaca su gran calidad como retratista. <i>La catedral de Chartres </i>(1830), <i>La lectura interrumpida </i>o las múltiples obras que realizó durante su estancia en Italia son algunas de sus más bellas creaciones.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxJdsc2gDelP87NqtNXVh3BJHJRuIXIpyegmY1_YAfGNhChXU60blAx799AYyocbProw-3VXmEq_BrN4YRJHbuhVIGHsqYjZJ1AURKL6GM9BzQg3O4F_Jq-YeI4-JCEzOLS3hJOowJTxs/s1600/agostina.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxJdsc2gDelP87NqtNXVh3BJHJRuIXIpyegmY1_YAfGNhChXU60blAx799AYyocbProw-3VXmEq_BrN4YRJHbuhVIGHsqYjZJ1AURKL6GM9BzQg3O4F_Jq-YeI4-JCEzOLS3hJOowJTxs/s640/agostina.jpg" width="468" /></a></div>
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Corot: <i style="font-weight: bold;">Agostina. </i>Galería Nacional. Washington</div>
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<br /></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Corot: <i style="font-weight: bold;">La catedral de Chartres. </i>Museo del Louvre. París</div>
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<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>3. ROMANTICISMO INGLÉS</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>3.1. La pintura fantástica inglesa</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
En Inglaterra, la pintura del momento se va a caracterizar por una oposición al academicismo y por el gusto por los temas del Romanticismo, aunque basados formalmente en el dibujo. Los pintores ingleses eligen una iconografía fantástica, onírica, delirante y surrealista, en la misma línea de algunas de las últimas pinturas y grabados de Goya y muy próxima a la obra de El Bosco o Brueghel.</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Heinrich Füssli </i>(1774-1840) nace en el seno de una familia culta en Zúrich, pero la mayor parte de su vida se desarrolla en Inglaterra. De formación autodidacta, sus primeras "obras" son copias de dibujos coleccionados por su padre, en las de un principio, un interés especial por la literatura y por los temas relacionados con la muerte, lo sobrenatural y lo truculento. Estuvo en Italia, donde conoció la obra de Miguel Ángel de la que le impresionaron especialmente las titánicas anatomías, el heroísmo y la tensión de extrema de sus figuras. En el cuadro <i>Titania </i>(1887-90) recurre a <i>El sueño de una noche de verano </i>de Shakespeare como fuente esencial de inspiración. <i>Las pesadillas </i>son visiones demoníacas de íncubos que se aparecen bajo formas de diversos animales ante mujeres que se desmayan por el pánico que éstos les producen.</div>
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<br /></div>
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Füssli: <b><i>Aquiles y Patroclo</i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Füssli: <i style="font-weight: bold;">Titania. </i>Kunsthaus. Zurich</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">William Blake </i>(1757-1827) es contemporáneo de Füssli. Desde muy pequeño siente una gran curiosidad por todo lo que tuviera relación con la religión. Su primer contacto con el arte se produce a través de un grabador que fue su maestro y que le mandó copiar un buen número de esculturas que decoraban la catedral de Westminster. Su obra como pintor está indisolublemente vinculada al libro <i>El paraíso perdido </i>de Milton. Blake se acomoda muy bien dentro del perfil de artista solitario, aislado de la sociedad y con serios problemas para relacionarse con el mundo que le rodea. Su pintura se fundamenta en un dibujo potente, posiblemente por su formación de grabador, y en el que se refleja el conocimiento de lo clásico. Su paleta está integrada por colores atornasolados e irreales. Blake fue un auténtico visionario que se adelantó considerablemente a su tiempo. Ilustró <i>la Biblia </i>y <i>La Divina Comedia </i>de Dante (1824-1827). En la representación de un paisaje de la misma, Beatriz, situada en un carro tirado por un grifo, habla con Dante; la escena se desarrolla en medio de torbellinos y cortinajes. En resumen, podemos decir que la imaginación es el elemento que preside toda su creación como un valioso y original mecanismo para transmitir un mensaje religioso. Rechaza con todas sus fuerzas el arte oficial y, especialmente, al pintor inglés Reynolds.</div>
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<br /></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Blake: <i style="font-weight: bold;">El Purgatorio. </i>Museo Asmolean. Oxford</div>
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<br /></div>
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Otro de los pintores ingleses que integran esta corriente es <i style="font-weight: bold;">John Flaxman </i>(1755-1826) que empezó trabajando en la realización de modelos para la fábrica de cerámica de Wedgwood.</div>
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<br /></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>3.2. Los paisajistas ingleses: Constable y Turner</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">El pintor romántico inglés abandona su taller para pintar directamente del natural anunciando, de esta manera, la proximidad del Impresionismo. La técnica que más se empleó fue la acuarela que permite pintar con rapidez y reflejar las distintas condiciones lumínicas.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i style="font-weight: bold;">John Constable </i>(1776-1837) no manifestó ninguna voluntad por ir a Italia, algo que se había convertido en un imperativo para la mayor parte de los artistas, especialmente durante el período de formación. Desde un primer momento, captar del natural los paisajes de la verde Inglaterra se había convertido en una de sus máximas ambiciones. La técnica a la que recurre con mayor frecuencia es la acuarela. Maneja el color con gran agilidad, aplicándolo en ocasiones directamente sobre el lienzo con espátula. Es el gran pintor de las nubes y de las tormentas inminentes. Entre sus obras más importantes se encuentran <i>La catedral de Salisbury </i>(1823) y <i>El carro de heno </i>(1821). En estas obras, Constable se aleja de la tradicional visión idealizada de la naturaleza, prefiriendo los aspectos más concretos de la misma y su representación en momentos precisos del día con unas condiciones de luz particulares. </span></div>
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<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
John Constable: <b><i>Castillo y molino de Avundel</i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<i style="font-weight: bold;">Joseph Mallord William Turner </i>(1775-1851) convirtió la Naturaleza y los cambios de luz en el núcleo de su obra, de la misma manera que lo hizo Constable. Aparte de esta coincidencia, entre ellos existe un buen número de aspectos que les diferencian. La principal divergencia es que, para Constable, la luz se refleja en los objetos, mientras que en la pintura de Turner, la luz penetra en el objeto y lo deshace. Este pintor nace en Londres y, a la edad de veintisiete años, ingresa en la Royal Academy. A diferencia de Constable, adquirió gran fama bastante pronto. Se le consideró un revolucionario e inconformista. En sus cuadros podemos seguir los pasos de su profunda evolución artística: en un primer momento se siente atraído por un tipo de paisaje y una pintura, en líneas generales, bastante academicista. Más tarde, su pincelada se vuelve más suelta (<i>El incendio del Parlamento</i>, 1835) lo que produce una sensación de abocamiento. Viajó a Italia y conoció la ciudad del Impresionismo, Venecia, en donde la luz es particularmente dorada, color que se va a convertir en el protagonista de sus lienzos. En su cuadro <i>Lluvia, vapor y velocidad </i>(1844) la luz se filtra a través del vapor del ferrocarril, el cual ha perdido su definición y protagonismo. Al artista le interesa más el comportamiento de la luz ante determinados fenómenos atmosféricos que el objeto en sí mismo. La carencia de definición de las formas que representa delata la cercanía al Impresionismo (no en vano muchos expertos han considerado este cuadro como el antecedente más directo de <i>La estación de Saint Lazare </i>de Monet). En sus últimas obras, Turner realiza una producción más inconcreta e inmaterial llegando a rozar en algunos casos la abstracción. Este autor parte de la admiración que siente por pintores de la talla de Poussin o Claudio de Lorena, para llegar a la consecución de un estilo tremendamente personal. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigHb4JugW9lZFVGSlYH5ZnYkTawAgJFXPltfSI5X2tS271AAiJ7D2GRmcOQAf5YSkoHPjXj1S9-5W_KVxc6ld16OVOT2EIptJ6EDSJih7k2JtUVzMrsaDlgC4HJACllr07huKqZOPclZ4/s1600/tol.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="422" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigHb4JugW9lZFVGSlYH5ZnYkTawAgJFXPltfSI5X2tS271AAiJ7D2GRmcOQAf5YSkoHPjXj1S9-5W_KVxc6ld16OVOT2EIptJ6EDSJih7k2JtUVzMrsaDlgC4HJACllr07huKqZOPclZ4/s640/tol.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Turner: <b><i>Vista de la ciudad de Venecia. </i></b>Toledo Museum of Art. Ohio</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWwfzE4ZLu9GwI_NBfOjMWbsqs_8XIOGVTRLpcBjGwaL4ATA_2wadcV7kN9bz4kztdv0_wN9Hu8lO4fJIvwZQGfDCsvw1CnoZ36Gwp2stMNXmTMgwqeaj4mLs-P1l5TWykP-dLKTweQs4/s1600/fu.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWwfzE4ZLu9GwI_NBfOjMWbsqs_8XIOGVTRLpcBjGwaL4ATA_2wadcV7kN9bz4kztdv0_wN9Hu8lO4fJIvwZQGfDCsvw1CnoZ36Gwp2stMNXmTMgwqeaj4mLs-P1l5TWykP-dLKTweQs4/s640/fu.jpg" width="595" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Turner: <i style="font-weight: bold;">Funerales en el mar del pintor sir David Walkie. </i>Tate Gallery. Londres</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>4. LA PINTURA ROMÁNTICA ALEMANA</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Uno de los elementos que confieren mayor unidad a la pintura romántica alemana es la fuerte irrupción de la religiosidad, algo que afectó a la mayor parte de los pintores alemanes de este momento.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i style="font-weight: bold;">Caspar David Friedrich </i>(1774-1840) es el mejor representante de la interpretación del paisaje desde un punto de vista místico-religioso. En sus obras, el pintor otorga a la naturaleza connotaciones alegóricas y la convierte en un símbolo de religiosidad. Esta identificación le sirve, además, para reflejar el concepto de lo sublime de Kant.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i style="font-weight: bold;"><br /></i></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Friedrich nació a orillas del mar Báltico y estudió en Copenhague. Más tarde se dirige a Dresde, importante foco del Romanticismo, donde se establece definitivamente y donde muere pobre, solo y abandonado. Fue un artista que no conoció una marcada evolución en su arte; durante toda su carrera mantiene un peculiar estilo y una misma manera de entender la pintura. Representó, sobre todo, atardeceres y amaneceres en los que se recortan las siluetas de las ruinas que evocan el esplendor de un pasado ya perdido. Si su obra se observa con detenimiento, advertimos que el ser humano aparece casi siempre de espaldas situado en inmensos escenarios naturales; es un ser absolutamente insignificante en medio de la inmensidad, lo que produce sensaciones como la melancolía, la tristeza o la soledad. Son especialmente interesantes y significativos sus inmensos paisajes de hielo de entre los que sobresale su obra <i>Mar glacial</i>. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i style="font-weight: bold;"><br /></i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdUvbMqKxkUlMoIPSNUKdjq01CqsHNU2_ycjmNPp0pDEPTCrZeWCUGXK8OMghfNv6QFFqHry7FNOwqOH-Uo1Yu_Z0jyVRRug-T_MxBiXQ43519KctidtJjlgtIyl2jQBV6aeZ0kAgk_xc/s1600/hie.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="478" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdUvbMqKxkUlMoIPSNUKdjq01CqsHNU2_ycjmNPp0pDEPTCrZeWCUGXK8OMghfNv6QFFqHry7FNOwqOH-Uo1Yu_Z0jyVRRug-T_MxBiXQ43519KctidtJjlgtIyl2jQBV6aeZ0kAgk_xc/s640/hie.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Friedrich: <i style="font-weight: bold;">Mar glacial. </i>Hamburger Kunsthalle. Hamburgo</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Otto Runge </i>(1777-1810) nace en Pomerania y estudia en Copenhague. Sobresalió, no sólo como pintor, sino también como escultor. De él nos quedan algunos grabados y escenas religiosas como <i>La huida a Egipto</i>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqNQOvbnep5la6b7J1r6WovtCvHD9Lg30rI6VCEujv-IfomBqgYJ-7GCDi2oAhSuj-e0SFP0MYg6vjqV08Lqky0luuwUl6JQwwcDN6qvLc9YBckhy3GbX1ull4cjda7iHEq7YuPUYpThI/s1600/run.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqNQOvbnep5la6b7J1r6WovtCvHD9Lg30rI6VCEujv-IfomBqgYJ-7GCDi2oAhSuj-e0SFP0MYg6vjqV08Lqky0luuwUl6JQwwcDN6qvLc9YBckhy3GbX1ull4cjda7iHEq7YuPUYpThI/s640/run.jpg" width="524" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Otto Runge: <i style="font-weight: bold;">Autorretrato. </i>Galería de Arte. Hamburgo</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Los Nazarenos </b>son un grupo de pintores alemanes que trabajan en Roma, han nacido hacia 1785, viven en comunidad y tienen un elemento común: su oposición a las enseñanzas académicas.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Los artistas a los que recurren para buscar su inspiración son Fra Angelico, Rafael, Perugino, Durero, algunos pintores del Barroco clasicista o el arte clásico. Los temas que prefieren son los de carácter religioso y rescatan la pintura al fresco que había caído en desuso. Ellos van a influir considerablemente en el nacimiento del Prerrafaelismo en Inglaterra. Dentro de este grupo de pintores sobresalen <b>Johan Friedrich Overbeck</b>, <b>Franz Pforr</b>, <b>Peter Cornelius</b> y <b>Joseph von Furich</b>. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNaklX1OF6Fxx9gaH_co5AxESjmrus2Vctm13Db7hsfUtnSK20dylLSEqjAquZWftJ0Rruwvktb4kFCxhmMp9SSb6G99wDAtNaIFExaGKljr_JvWejceo97UojxXkTArsUoC6-Ywe-wBk/s1600/jo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="518" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNaklX1OF6Fxx9gaH_co5AxESjmrus2Vctm13Db7hsfUtnSK20dylLSEqjAquZWftJ0Rruwvktb4kFCxhmMp9SSb6G99wDAtNaIFExaGKljr_JvWejceo97UojxXkTArsUoC6-Ywe-wBk/s640/jo.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Peter Cornelius: <i style="font-weight: bold;">José reconocido por sus hermanos. </i>Galería Nacional. Berlín</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Las obras más representativas son los frescos que pintaron colectivamente en <i>la Casa Bartholdi </i>en Roma. <span style="text-align: center;"> </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"><i style="font-weight: bold;"> </i> </span></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>5. LA PINTURA REALISTA FRANCESA</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Frente a la fantasía característica de los pintores románticos, surge en Francia durante los años 50 y 60 un grupo de pintores que pretenden reflejar la realidad social _en concreto, la realidad del pueblo oprimido en un momento de ascenso de la burguesía_ con la mayor fidelidad y, al mismo tiempo, con la mayor simplicidad posible, sirviéndose de la pincelada firme que origina formas precisas alejadas ya de la exaltación cromática del Romanticismo. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">La pintura no quiso sustraerse de <b>la lucha de clases</b>, claramente asociada a la Revolución industrial, que protagonizaría el pensamiento de uno de los filósofos más influyentes de nuestra Historia Contemporánea, Karl Marx.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Uno de los pintores más representativos del Realismo es <i style="font-weight: bold;">François Millet</i> (1814-1875) quien acudió a Barbizon en un intento por reencontrarse con la naturaleza, cansado del modo de vida que trajo consigo la Revolución industrial. Millet quiere, antes que cualquier otra cosa, exaltar la figura del ser humano y dignificar su trabajo. Es el pintor de los campesinos, de los humildes conscientes de su situación ante la que han sabido resignarse.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Aspectos como la sencillez, la calma y la serenidad son perceptibles en la mayoría de sus obras (<i>Las espigadoras</i>, 1857, <i>El Ángelus, </i>1858-1859).</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgURT8wiKzi-UIe4bao4pTYt7pxjxMR6d5RqPhkiSkaveyn96NrR9-W1KRC3DIeFoAVXfHbVZSeDynwy9s2J45UVlAcXn1Z58s2y9AlrmXYDxpaBWy5Z26gQEv-BwGiAHUQf374m01fmhU/s1600/ang.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="530" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgURT8wiKzi-UIe4bao4pTYt7pxjxMR6d5RqPhkiSkaveyn96NrR9-W1KRC3DIeFoAVXfHbVZSeDynwy9s2J45UVlAcXn1Z58s2y9AlrmXYDxpaBWy5Z26gQEv-BwGiAHUQf374m01fmhU/s640/ang.png" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Millet: <i style="font-weight: bold;">El Ángelus. </i>Museo d'Orsay. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Gustave Courbet </i>(1819-1877) nació en Ornans, ciudad a la que siempre se sintió muy apegado, en el seno de una familia de terratenientes acomodados. Su padre había pensado para él en una profesión bien diferente a la que más tarde escogería. Prefería que su hijo fuese ingeniero o abogado antes que pintor y para ello le mandó a París a estudiar. Se identificó con el Socialismo, lo que le trajo no pocos problemas. Siempre se desafió a la tradición y quiso que su obra fuera para el pueblo.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Eligió temas bastante poco convencionales, sobre todo escenas de la vida cotidiana que se desarrollan en el contexto rural que le es propio. En muchas ocasiones, estas pinturas son sólo testigos de la realidad y no pretenden transmitir ningún mensaje, como <i>Sobremesa en Ornans </i>y <i>El encuentro</i>, (también conocido como <i>Buenos días señor Courbet</i>) en la que el artista se autorretrata paseando por el campo y saludando a un cliente. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEic_mnZ2W6dHgRQdD1U-lqwmC3breDXkv3ScFYp-07OhPksvP32-ekGxIa9AgdVSLFz3u71tVu3xVoKOc-4jGq6Uo5w1VAyQ2lMaruUyDq2nbHfxzQkjJKbc0MIXqaUNG1DX7wX98yQse8/s1600/cour.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="552" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEic_mnZ2W6dHgRQdD1U-lqwmC3breDXkv3ScFYp-07OhPksvP32-ekGxIa9AgdVSLFz3u71tVu3xVoKOc-4jGq6Uo5w1VAyQ2lMaruUyDq2nbHfxzQkjJKbc0MIXqaUNG1DX7wX98yQse8/s640/cour.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Courbet: <i style="font-weight: bold;">Buenos días, señor Courbet. </i>Museo Fabré. Montpellier</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Fue un gran retratista del que se conservan algunos autorretratos en los que aparece cara al espectador con una mirada clara, directa e inquisitiva, que transmite la idea de que estamos ante un hombre de fuerte personalidad. Pintó también un buen número de paisajes.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Sus dos obras más importantes y, al mismo tiempo, dos de las más criticadas son <i>El entierro en Ornans </i>(1849), bella descripción de la sociedad rural con un realismo y una veracidad aplastante, y <i>El estudio del pintor </i>(1885), obra de gran formato en la que aparece pintado un paisaje junto a una mujer desnuda, su musa, bajo la atenta mirada de un niño, rodeado por una nutrida representación de los personajes de su tiempo entre los que se encontraban buena parte de sus amigos.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7nTkwzBUh_Yt8Plk6mmlNCEnhK3G57pSWQBYAsLWsM7kbW-CAH1KJM3CSPbmxnnF9ZJxYemuQkVQBeP58i4Q8sCggSgtFWxJUn6K308ixk6pEK8wwcRWh084HSJts5qZUfAhZfbynLso/s1600/ent.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="294" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7nTkwzBUh_Yt8Plk6mmlNCEnhK3G57pSWQBYAsLWsM7kbW-CAH1KJM3CSPbmxnnF9ZJxYemuQkVQBeP58i4Q8sCggSgtFWxJUn6K308ixk6pEK8wwcRWh084HSJts5qZUfAhZfbynLso/s640/ent.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Courbet: <i style="font-weight: bold;">Entierro en Ornans. </i>Museo d'Orsay. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKYMn6v5UeH11KDLZiGMTDWsRA1vIuwlXbfszRIhABgkh9k7jtldrTnxSGumIUAfHGCEW0Ph9r8SxTsv2TFfoHovgMuLdVFqqj7LuLdAD-94aO5a5dF6CmSezZHGxllc0_pxhl730ws4M/s1600/est.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="372" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKYMn6v5UeH11KDLZiGMTDWsRA1vIuwlXbfszRIhABgkh9k7jtldrTnxSGumIUAfHGCEW0Ph9r8SxTsv2TFfoHovgMuLdVFqqj7LuLdAD-94aO5a5dF6CmSezZHGxllc0_pxhl730ws4M/s640/est.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Courbet: <i style="font-weight: bold;">El estudio del pintor. </i>Museo d'Orsay. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Honoré Daumier </i>(1808-1879) tuvo la capacidad de despertar una gran curiosidad entre sus contemporáneos. Poseía un ácido espíritu crítico comparable al de Goya. Dotado de un gran carácter satírico, hizo un buen número de caricaturas políticas de gran mordacidad para la prensa; no en vano, su primer trabajo fue para el periódico <i>La Caricature </i>de Charles Philipon. En este mismo medio publicó una caricatura del rey Luis Felipe de Orleans que le costó seis meses de cárcel. Sus personajes son gente sencilla del pueblo e incluso marginales que sufrían las opresiones de las clases poderosas, gente que vive en la más absoluta de las miserias. Daumier puede ser calificado como un gran dibujante que supo traspasar esta habilidad al grabado, pero especialmente a la pintura, tal y como demuestra en su obra <i>El vagón de tercera</i>, realizada con hábiles trazos y vigorosas líneas. Es uno de los artistas que más se va a valorar posteriormente. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgcQgH5U3S-j8G8J-ckN4yBRrE4L4bstOFIeWVKK7ho_047om4wSSK4toHW5ms8vF1cC0iH89K36bGejHSqRS9VzXxxYQL06t9TIWPqwSOqgcqUTofH9OnpE_aTPg3kDAI3qGAB7QO75I/s1600/cr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="482" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgcQgH5U3S-j8G8J-ckN4yBRrE4L4bstOFIeWVKK7ho_047om4wSSK4toHW5ms8vF1cC0iH89K36bGejHSqRS9VzXxxYQL06t9TIWPqwSOqgcqUTofH9OnpE_aTPg3kDAI3qGAB7QO75I/s640/cr.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Daumier: <i style="font-weight: bold;">Crispín y Scarpín. </i>Museo d'Orsay. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXfdsVBMVQevLzCA_ExGcG1m6L34tRFS60udPp0XCsf-Rx3wVYg7vfvK9CV2mrCjBdYFdq-cb2oUMf4yQKALB66NciHiA4mv40kMX68Fc5R5B9uQbasT3ivqG2zN_3qN8YEfdYuKm-drs/s1600/va.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXfdsVBMVQevLzCA_ExGcG1m6L34tRFS60udPp0XCsf-Rx3wVYg7vfvK9CV2mrCjBdYFdq-cb2oUMf4yQKALB66NciHiA4mv40kMX68Fc5R5B9uQbasT3ivqG2zN_3qN8YEfdYuKm-drs/s640/va.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Daumier: <i style="font-weight: bold;">El vagón de tercera. </i>Metropolitan Museum. Nueva York</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>6. INGLATERRA: LA HERMANDAD PRERRAFAELITA</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">En el año 1848 aparece en Inglaterra una serie de pintores que advierten la gran destrucción que la industria, con gran desarrollo en este país, está causando sobre la naturaleza: los <b>Prerrafaelitas</b>. Su manera de reaccionar contra este hecho es exaltándola y reflejándola con absoluta fidelidad en su pintura y buscando un primitivo estado de pureza, ya perdido, que encontraron en la Edad Media y en la revalorización del trabajo artesanal frente a la industrialización. En este sentido, existe una fuerte conexión entre William Morris y el movimiento prerrafaelita. Contaron con el valioso apoyo de Ruskin, muy afán también a las ideas de Morris. Tanto Prerrafaelitas como Nazarenos (véase el epígrafe dedicado a los artistas alemanes) pretenden volver al arte anterior a Rafael. Los temas preferidos por estos pintores se mueven entre la leyenda y la religiosidad, en ambientes de ensueño que nos remiten al mundo mágico del Medievo. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i style="font-weight: bold;">Dante Gabriel Rossetti </i>(1828-1882) se dedicó tanto a la pintura como a la escultura y, en este sentido, se reveló como un artista polifacético. Entre sus obras más divulgadas se encuentra <i>Ecce ancilla Domini </i>(1850), escena que representa la anunciación del ángel a la Virgen. Las mujeres que aparecen en sus cuadros tienen casi siempre un mismo aspecto; jóvenes de sugerentes cabelleras rojizas, tal y como podemos observar en <i>La Ghirlandata</i>.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxaqPXXBZx5F-awpV2g2yoTimRTEhMyIrwWUoBxgbApg1l3tKHhDUV9ERI9wmxSO42FJ-uL1fz40yuWhacEn2dkpvcZRTB7Hlwk7nPUYRouTisSQg5VK-KI3_cSYK7EfoH5-LFeaYnB28/s1600/gh.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxaqPXXBZx5F-awpV2g2yoTimRTEhMyIrwWUoBxgbApg1l3tKHhDUV9ERI9wmxSO42FJ-uL1fz40yuWhacEn2dkpvcZRTB7Hlwk7nPUYRouTisSQg5VK-KI3_cSYK7EfoH5-LFeaYnB28/s640/gh.jpg" width="430" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Dante Gabriel Rossetti: <i style="font-weight: bold;">La Ghirlandata. </i>Galería de Arte Guilhall. Londres</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Edward Burne-Jones </i>(1833-1898) será uno de los más importantes seguidores de Rossetti y reflejará los objetos con una fidelidad casi fotográfica.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">John Everett Millais </i>(1829-1896) llegó a ser presidente de la Royal Academy que, en un principio, había rechazado la Hermandad de los Prerrafaelitas, como ellos mismos se denominaban. Él fue su fundador en 1848 junto a Holman Hunt. Tiene un marcado interés por los temas cotidianos y por lo anecdótico. Algunas de sus obras más interesantes son <i>Cristo en la casa de sus padres, Ofelia </i>y <i>Mariana</i>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSq7anmX_0GL59Ttb6df8Aj5YlPHP_1UPH7q_nUS9CKP28pRjy8-v9hfvnp5dJ-iM9BVhiEWwnu_uGT_DZs9WgwcSqAbaBO6GVhBb4B6VpIhaRwQSP6FkRVnBHIFEnUL9msYUj8SOlWcc/s1600/mariana.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSq7anmX_0GL59Ttb6df8Aj5YlPHP_1UPH7q_nUS9CKP28pRjy8-v9hfvnp5dJ-iM9BVhiEWwnu_uGT_DZs9WgwcSqAbaBO6GVhBb4B6VpIhaRwQSP6FkRVnBHIFEnUL9msYUj8SOlWcc/s640/mariana.jpg" width="522" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
John Everett Millais: <i style="font-weight: bold;">Mariana. </i>Colección Makins. Washington</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>7. LA ESCULTURA DURANTE EL ROMANTICISMO Y EL REALISMO</b></span><br />
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">La inexistencia de claros elementos cohesionados en esta época hace que resulte complicado realizar una clasificación de la escultura. La escultura romántica como tal se desarrolló de un modo casi exclusivo en Francia y será precisamente en este país donde nazca uno de los más interesantes escultores del siglo XIX: <i style="font-weight: bold;">François Rude </i>(1784-1855), al que algunos autores consideran el nexo de unión entre el Neoclasicismo y el Romanticismo. Rude fue partidario de Napoleón, lo que motivaría que, tras la caída de éste, huyera a Bruselas. Su obra más importante son <i>los relieves del Arco del Triunfo de l'Étoile </i>de París (1833-1836) de entre los que sobresale <i>La marcha de los voluntarios</i>, también conocido como <i>la Marsellesa</i>, composición llena de heroicidad y dinamismo. Su otra obra magistral es el monumento de bronce del <i>Despertar de Napoleón</i>, que se encuentra situado en un parque en una pequeña localidad próxima a Dijon. Rude demostró una gran capacidad para el retrato en obras como la estatua en bronce del matemático e ingeniero <i>Gaspard Monge</i>.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwkphKowYGZl4KhWr6KC-ckUN8M84YzDDB0EPgtHnKDW0gB0tUp31k-pN9XsjceBxNihidiSZpQp0rMsaFWCxaJfCI_mRqjmrwwwPo-AKB-JybltrF9BlZ31wYHCPaQSgVUa0QfiB-mmk/s1600/mar.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwkphKowYGZl4KhWr6KC-ckUN8M84YzDDB0EPgtHnKDW0gB0tUp31k-pN9XsjceBxNihidiSZpQp0rMsaFWCxaJfCI_mRqjmrwwwPo-AKB-JybltrF9BlZ31wYHCPaQSgVUa0QfiB-mmk/s640/mar.jpg" width="398" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Rude: <i style="font-weight: bold;">La Marsellesa. </i>Arco del Triunfo de l'Étoile. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Jean-Baptiste Carpeaux </i>(1827-1875) se formó en el círculo de Rude. En su estancia en Roma estudió en la Academia Francesa de esta ciudad, lugar en el que descubrió, como ya lo habían hecho otros muchos, la obra de Miguel Ángel.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Sus primeras esculturas están dentro del más claro academicismo. De este primer momento su obra más importante es <i>Ugolino y sus hijos</i> (1882), en la que hace gala de su gran dominio de la técnica, sobre todo en la magistral representación de las anatomías, posiblemente influido por el propio Miguel Ángel.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Su obra más importante es el grupo escultórico <i>La danza </i>(1869) que forma parte del conjunto que decora la fachada de <i>la Ópera </i>de París, y que le fue encargado por el arquitecto de ésta, Tony Garnier, quien defendió quien defendió la obra frente a las airadas críticas que despertó y que la consideraban vulgar e indecorosa (en el relieve de Carpeaux puede verse un grupo de bacantes que bailan desnudas en torno a un genio alado).</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVE4KBTv-nl9PTKQ7EgppsrmsM8uttTnV_kxgX0JFUI4P2E0wch9mqXpxZzbPAUybL-4glb6YoswLUIb24K9wb2hPpZCS5aFeoZgWEmS7VQkvgwqHl4AY4-X_cN5Dx6hOggSxFYuKUN5c/s1600/dan.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVE4KBTv-nl9PTKQ7EgppsrmsM8uttTnV_kxgX0JFUI4P2E0wch9mqXpxZzbPAUybL-4glb6YoswLUIb24K9wb2hPpZCS5aFeoZgWEmS7VQkvgwqHl4AY4-X_cN5Dx6hOggSxFYuKUN5c/s640/dan.jpg" width="412" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Carpeux: <i style="font-weight: bold;">La danza. </i>Teatro de la Ópera. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Más tarde se le encargó la realización de una escultura para una de las fuentes de los jardines próximos al Observatorio de Luxemburgo. El tema eran los cuatro continentes que interpretó de la siguiente manera: cuatro figuras desnudas alusivas a los cuatro continentes sujetan conjuntamente una esfera con los doce signos del zodíaco.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En Bélgica encontramos a otro gran artista del momento: <i style="font-weight: bold;">Constantin Meunier </i>(1831-1904), pintor, escultor y uno de los mejores intérpretes de la vida obrera. Realista exacerbado, prefirió la utilización del bronce antes que otros materiales. Sus personajes solitarios y de gran fortaleza física encarnan a toda una clase social. Se podría establecer un paralelismo entre la pintura de Millet y la escultura de Meunier, puesto que, en ambos casos, los artistas comparten la preocupación por la dignificación del hombre y su trabajo. Su fascinación por las temáticas realistas permite incluir a Meunier dentro de esta corriente artística, si bien su obra también estuvo muy influida por artistas posteriores como Rodin. </div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>EL PROCESO CREATIVO DE COROT</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<i>"El pintor se levanta hacia las tres de la madrugada, y sale a los campos a sentarse, y espera debajo de un árbol. Bien poco puede distinguir aún. Y de pronto, la atmósfera empieza a temblar, y se levanta una brisa que hace despertar las cosas. Un rayo de sol: después otro. Las flores se abren y los pájaros empiezan sus trinos... nada se veía, y de pronto, el mundo entero estará allí para el pintor. El sol se levanta mientras él toma sus notas; a lo lejos se pierden en el éter las siluetas de las colinas; los pájaros vuelan de un lado a otro; pasa un campesino montado en un blanco jamelgo, y desaparece por el sendero. El pintor sigue anotando, pero pronto habrá ya demasiada luz, percibirá demasiadas cosas... El artista vuelve a la granja; todos trabajan y él descansa y sueña con lo que ha sentido al amanecer. ¡Mañana ejecutará ya su sueño!"</i></div>
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<i><br /></i></div>
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(MOREAU-NÉLATON, E. <i>Corot raconté par lui-même</i>, 1924)</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>A FONDO</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><i>LA BALSA DE LA MEDUSA</i></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>GÉRICAULT</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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Géricault es un pintor de biografía atormentada e intensa, como corresponde a un verdadero romántico. Igualmente conflictivo y espinoso es el tema que elige para este cuadro pintado en 1818 que, actualmente, se puede visitar en el Museo del Louvre, y que se expuso aquel mismo año en el Salón entre fuertes polémicas. Más tarde fue llevado a Inglaterra, donde volvió a ser objeto de vivos debates.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1n9PKDPW9IpUySqY0jLGeJ07ib_Ufh02xzZF-wxA8QzY4hyphenhyphen3kS1WD9mv37rtI-qoAbmLMEsXJcvp9IvFOu0f08Yr7I7-gojN1MBZqoObG2YUMqchfNYWmSopVxukPVi1lnqWhZh9tnG4/s1600/det.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="530" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1n9PKDPW9IpUySqY0jLGeJ07ib_Ufh02xzZF-wxA8QzY4hyphenhyphen3kS1WD9mv37rtI-qoAbmLMEsXJcvp9IvFOu0f08Yr7I7-gojN1MBZqoObG2YUMqchfNYWmSopVxukPVi1lnqWhZh9tnG4/s640/det.jpg" width="640" /></a></div>
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<br /></div>
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El hecho que se toma como punto de partida e inspiración del cuadro sucedió realmente. En 1816, un barco gubernamental llamado <i>Medusa </i>naufraga en las costas africanas. Lo más llamativo de este hecho, que en un principio puede parecer intrascendente, es que el capitán del barco abandonó a su tripulación haciendo uso de una barca salvavidas. Los demás ocupantes del <i>Medusa</i> _se cree que en él había alrededor de 150 personas_ se vieron obligados a hacer una balsa con los restos del barco. De éstos, tan sólo 15 sobrevivieron. Quizá de esta desgracia, no especialmente infrecuente en aquella época, lo que realmente convulsionó a la opinión pública francesa es la posibilidad _nunca aclarada del todo_ de que los escasos supervivientes se vieran obligados a practicar el canibalismo para subsistir. Este hecho, que conmovió a la población francesa en su momento, es tomado por Géricault como punto de partida para hacer una alegoría de la situación política que atravesaba Francia tras la caída de Napoleón (1814).</div>
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<br /></div>
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El naufragio es un tema que ha sido tocado en varias ocasiones a lo largo de la historia de la pintura, pero nunca antes se había plasmado con tanta veracidad la situación de angustia y sufrimiento de aquellos que, a la deriva en una balsa, esperan que un barco les rescate. Géricault quería que en esta obra todo se reflejase con la máxima fidelidad posible, que se recogiesen los hechos tal y como acaecieron aquel verano de 1816. Con este fin, encargó una réplica de la balsa para su estudio y visitó a los supervivientes en el hospital afin de hacerse una idea más precisa de su situación y de sus lesiones. Se cree que, incluso, fue a un depósito de cadáveres en el que había cuerpos en descomposición y analizó concienzudamente las cabezas de criminales ajusticiados. Antes de enfrentarse definitivamente a esta obra hizo múltiples dibujos y bocetos preliminares, de los que se conservan algunos. También se pudo inspirar en los estudios anatómicos de Miguel Ángel, cuya obra conocía sobradamente tras su estancia en Roma y a quien admiraba profundamente. </div>
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<br /></div>
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La composición del cuadro está estructurada en dos pirámides. La base inestable de ambas está constituida por los cadáveres hacinados. Por encima de ellos encontramos a los supervivientes, de entre los que sobresale el hombre que, reflexiva y apesadumbradamente, sujeta con un brazo el cuerpo sin vida de su hijo. Mira al vacío ensimismado, como si de alguna manera considerase inútil el esfuerzo, como si se resignase a sufrir la misma suerte que los tripulantes que yacen muertos en primer término. La cúspide de la pirámide la integran aquellos que luchan por sobrevivir y se encaraman a lo alto de la balsa, los que aún mantienen viva la esperanza. A lo lejos se divisa una nave que uno de los personajes señala con su mano, pero muy a lo lejos, lo cual permite que quede suspendida en el aire la posibilidad de que se acerque o de que se aleje sin percatarse de las señales que los náufragos le están haciendo con telas.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En medio de esta angustiosa situación, todavía es posible la esperanza que, en forma de luz, se abre entre los nubarrones e ilumina la balsa, y más concretamente a aquellos que todavía albergan alguna confianza y alzan su mirada hacia el horizonte.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Géricault, como corresponde a un pintor romántico, ha preferido un hecho trágico y nada halagador _algo que nunca habría hecho un pintor neoclásico_ en el que el hombre se ve subyugado por la fuerza incontenible de la naturaleza contra la que, en determinadas ocasiones _ésta es una de ellas_ es absurdo luchar. Géricault no quiso evitar uno de los aspectos más polémicos de este hecho, es decir, la posibilidad de que los náufragos para subsistir se viesen obligados a llegar a la antropofagia. Esta idea se sugiere a través de un hacha ensangrentada, que se puede observar en el ángulo inferior derecho del lienzo. </div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El artista estuvo siempre muy ligado al círculo de Napoleón y sus partidarios, que se reunían en el estudio de Guerin, del que fueron alumnos David y el propio Géricault. Es debido a estas convicciones que <i>La balsa de la Medusa</i> se suele interpretar como una alegoría a propósito de la lamentable situación en que se encuentra la Francia de la Restauración borbónica. Otros autores, como Lorenz Eitner, entienden que esta obra posee, además, otra dimensión, y que se trata de una metáfora contemporánea de las trágicas condiciones del hombre moderno.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgu8ha2yI2ZcNMRzf1jgSRKoV5UDQDLBF5JEIHvgkKhwtFw_H4Ran_-mvZbBmKfHNAT_ka3T-X3dTf92UNwNc0H5DnSiPI5DkRMKP94P6a2kaXO6RRwo5IpcbuLQxm26iSa5gjy2llCg5U/s1600/med.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="436" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgu8ha2yI2ZcNMRzf1jgSRKoV5UDQDLBF5JEIHvgkKhwtFw_H4Ran_-mvZbBmKfHNAT_ka3T-X3dTf92UNwNc0H5DnSiPI5DkRMKP94P6a2kaXO6RRwo5IpcbuLQxm26iSa5gjy2llCg5U/s640/med.jpg" width="640" /></a></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>CITAS</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Ni la poesía ni la pintura podrán jamás hacer justicia al horror y la angustia de los hombres de la balsa". </i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Théodore Géricault</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Llega Rubens, que ya ha olvidado las tradiciones de la gracia y la simplicidad. A fuerza del genio, restablece un ideal. Lo extrae de su propia naturaleza. Es la fuerza, los efectos impresionantes, la expresión llevada hasta el límite".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Eugène Delacroix</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"La belleza no es meramente una cualidad imaginaria, sino una esencia real, que puede ser deducida desde la armonía del universo, y la perfección de sus partes maravillosas. Podemos entenderla a partir de toda naturaleza circundante". </i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Flaxman</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>Los paisajes desiertos de Friedrich se han llegado a comparar con la música de Schubert y los paisajes orientales en los que la figura humana no aparece o bien es de pequeño tamaño y pasa prácticamente desapercibida. Mientras que el hombre desaparece, la naturaleza permanece ahí, inmóvil con el paso del tiempo.</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>GLOSARIO</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b><i>La lectura interrumpida</i></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Esta obra de Corot se conserva en el Art Institute de Chicago. En ella se puede ver a una muchacha que detiene su lectura dejando caer el libro sobre su falda para mirar distraída y ensimismada al vacío. Las pinceladas son anchas y ágiles y los colores terrosos dan una gran armonía a la obra.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b><i>Aníbal cruzando los Alpes </i>de Turner</b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Se expuso en 1812. En él se retrata la gesta de los ejércitos de Aníbal cruzando los Alpes con elefantes, pequeñas siluetas que se dibujan en el fondo del cuadro, en medio de una fuerte tormenta. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b>Lo sublime en Kant</b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Partiendo de este concepto, según lo había interpretado Burke, Kant considera que es sublime aquello que por su grandeza produce en nosotros un terror tal que paraliza nuestros sentidos y que, sólo nuestra razón es capaz de afrontar.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i style="font-weight: bold;">Entierro en Ornans </i><span style="font-weight: bold;">de Courbet</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Es un lienzo de enormes dimensiones en el que se refleja a los habitantes de su pueblo asistiendo a un funeral. Los personajes se alinean a lo largo del cuadro produciendo una intensa sensación de horizontalidad, que contrasta notablemente con otro de los entierros más famosos de la Historia del arte, <i>El entierro del conde de Orgaz</i> en el que existe una clara proyección vertical. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><b><i>Ugolino y sus hijos </i></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Según un paisaje extraído de <i>La Divina Comedia</i>, se narra la historia de un conde que es encerrado en una torre junto a sus hijos con el fin de que murieran de hambre. Ugolino terminó devorando a sus propios hijos. </span></div>
</div>
GreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-20743883379098342812016-04-19T17:32:00.001-07:002016-04-19T17:32:23.502-07:00La arquitectura del siglo XIX<div style="text-align: justify;">
<b>El siglo XIX se caracterizará por la heterogeneidad en las artes plásticas, y lógicamente, la arquitectura no iba a ser una excepción. En esta se comenzó recurriendo a los ejemplos del pasado para finalizar con una exaltación de los nuevos materiales sin tener en cuenta las referencias historicistas. De esta manera se pondrían las bases para lo que habría de ser la arquitectura del siglo XX. Ésta, por primera vez, dejó de ser la expresión y el instrumento del poder político para atender a las nuevas necesidades de la población surgidas con la Revolución industrial. Además, el hombre del siglo XIX tomó conciencia de que había heredado un importante patrimonio artístico que debía preservar. De esta manera se iniciaron las primeras restauraciones y, por otro lado, la arquitectura descubrió e incorporó a su vocabulario artístico un mundo prácticamente desconocido hasta entonces gracias al colonialismo.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2dVzrYi2CzQxqpxAfCwYEPBFZwNKnoiuwaItiZv0N6rZrsRdlf0ssueBVfLNMmMkKo9U6UXbjwVGMTpwkJtDS5RwH1UX_dkNjTazVZdjHVUAYDDkb7re2e7sp_OMdG9l0htLUCYFSEuM/s1600/pavi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="532" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2dVzrYi2CzQxqpxAfCwYEPBFZwNKnoiuwaItiZv0N6rZrsRdlf0ssueBVfLNMmMkKo9U6UXbjwVGMTpwkJtDS5RwH1UX_dkNjTazVZdjHVUAYDDkb7re2e7sp_OMdG9l0htLUCYFSEuM/s640/pavi.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
John Nash: <i style="font-weight: bold;">Royal Pavillion. </i>Sussex, Brighton</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>1. ALGUNOS ASPECTOS SOBRE LA ARQUITECTURA DEL SIGLO XIX</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La arquitectura neoclásica fue indiscutible protagonista del primer tercio del siglo XIX, pero aún había mucho que construir y muchas ideas que desarrollar. Durante este siglo se van a poner las bases sobre las que habrá de crecer la arquitectura del siglo XX. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En un principio aparecerán los <b><i>revivas</i></b>, es decir, la resurrección de estilos ya desaparecidos, como solución adoptada por el arquitecto del momento que se encuentra ante el gran dilema de hallar una forma apropiada a todos los cambios que se habían producido. La mentalidad romántica vuelve los ojos al pasado, pero este caso, el punto de referencia no va a ser el mundo clásico, sino la Edad Media. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg96uKGOzlRRKCUL4bJd5DmPvK1KuWWes5qg2aYxaxJ5eesPf9uA1vRIZZs_xfKx2LTXWg0TjA6ZCgmW-GTefAe8SaWeK5-HQlXtAx14LScpQtFL2ChhHO_YHp2ifBnWAMe_e-9sUgeA7c/s1600/par.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="424" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg96uKGOzlRRKCUL4bJd5DmPvK1KuWWes5qg2aYxaxJ5eesPf9uA1vRIZZs_xfKx2LTXWg0TjA6ZCgmW-GTefAe8SaWeK5-HQlXtAx14LScpQtFL2ChhHO_YHp2ifBnWAMe_e-9sUgeA7c/s640/par.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Barry y Pugin: <b><i>Parlamento de Londres</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
A esto hay que unir los mundos lejanos y exóticos que se conocieron gracias al <b>colonialismo</b>. El reparto de África y Asia por parte de las potencias europeas tuvo, indudablemente, aspectos más que cuestionables, cuando no claramente negativos, aunque sirvió para dar a conocer culturas absolutamente ignoradas hasta entonces. Lo exótico para el hombre romántico representa lo pintoresco, un concepto que se manejará con bastante frecuencia. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Más tarde hará su irrupción la arquitectura de los nuevos materiales, que tiene su primera expresión en Estados Unidos. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>La exaltación nacionalista </b>es otro de los motivos por los que el arquitecto del siglo XIX ahonda en el pasado para encontrar el estilo que mejor caracteriza a un pueblo: el modelo nacional. Así es como surgen el Neogótico, el Neorrománico o el Neomudéjar, entre otros muchos estilos. Esto supuso una investigación y una reflexión sobre los mismos, la verdadera valoración de estilos que hasta el momento habían sido prácticamente ignorados y despreciados.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Junto al <i>revival </i>debemos hablar de <b>eclecticismo</b>, consistente en mezclar diferentes períodos artísticos en una misma obra en un intento de fusionar lo mejor o lo más representativo de cada uno de ellos. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Las nuevas necesidades de la sociedad </b>hacen que se construyan nuevos tipos de edificios. Se producirá una reorganización de las ciudades, que atraen hacia sí la mayor parte de la población dado el importante crecimiento que ésta experimentó con la Revolución industrial. Los edificios se adaptan a las nuevas necesidades y costumbres de esta sociedad. Se construyen espacios destinados a albergar las Exposiciones Universales, estaciones de ferrocarril (éste se utiliza en Inglaterra desde 1825), puentes, fábricas, bibliotecas, museos y grandes mercados.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjb3MsjGF4E8HARROsVLKn8229gxNI8JU9SG8HRIP6FgnKTKoAoejJM7dM47vaduhP3LwY4sJ8HptLsZ1ON10MTzKJPCYUKaTE4GxWMekAiuDFgTZFpmqgUSF-68QLBqvME5DN0UMtSjfk/s1600/or.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjb3MsjGF4E8HARROsVLKn8229gxNI8JU9SG8HRIP6FgnKTKoAoejJM7dM47vaduhP3LwY4sJ8HptLsZ1ON10MTzKJPCYUKaTE4GxWMekAiuDFgTZFpmqgUSF-68QLBqvME5DN0UMtSjfk/s640/or.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<i style="font-weight: bold;">Estación d'Orsay, </i>actualmente convertida en museo. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La Revolución industrial trajo consigo diferentes elementos que contribuyeron a dar un giro a la arquitectura: uno de ellos fue el descubrimiento de <b>los nuevos materiales</b>. Las principales aportaciones fueron <b>el hierro colado</b>, <b>el vidrio</b> y <b>el cemento armado</b>. Se crean arcos más amplios y los muros tradicionales son sustituidos por el vidrio, lo que permite construir espacios más amplios y claros que se adecuan mejor a la función que debe cumplir un museo o una biblioteca, donde la luz es un elemento esencial. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Las primeras iniciativas sobre <b>la restauración de edificios antiguos</b> es otro de los aspectos que caracterizaron este siglo XIX. Aparecen figuras como Ruskin o Viollet-le-Duc que aportan teorías y criterios de restauración que perviven hasta nuestros días.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b> </b> </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2. LOS ARQUITECTOS HISTORICISTAS Y SUS PRINCIPALES OBRAS</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">El <b>historicismo </b>es la corriente que se desarrolló en Europa durante gran parte del siglo XIX. En ella se tendía a una revalorización de estilos del pasado, especialmente medievales, hasta tal punto que se tomarán como punto de partida en la nueva arquitectura.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;">Entre los arquitectos historicistas, el estilo que más aceptación tuvo fue el Gótico, especialmente en Inglaterra. El intento por rescatar este estilo se debe fundamentalmente a que los pueblos habían comenzado a sentir la necesidad de buscar sus raíces en el curso de la Historia, de buscar el momento en que se configuran como nación.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><i style="font-weight: bold;">John Nash </i>(1752-1835) demostrará su interés, no sólo por la arquitectura gótica, sino también por la india, sobre todo tras la colonización de este país por parte de los ingleses, e incluso la china. Él será uno de los más importantes defensores del concepto de lo pintoresco. En la realización de su ingente obra, disfrutó de la libertad propia de lo pintoresco a la hora de combinar elementos pertenecientes a diferentes estilos. Una de sus obras más importantes es el <i>Royal Pavillion</i> (1815-1823), edificio que puede ser definido como un extraordinario conjunto oriental en el que se funden elementos bizantinos, góticos, chinos e islámicos. Realizó, además, un buen número de edificios públicos en el centro de Londres.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
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<span style="font-size: medium;"><i style="font-weight: bold;">James Wyatt </i>(1747-1813) se formó en Italia. Demostró, al igual que Nash, su fascinación por el arte oriental al construir una réplica de la iglesia de <i>Santa Sofía </i>de Constantinopla en Londres: <i>el Panteón de Regent Street </i>(hoy destruido). La fama que alcanzó esta obra hizo que recibiese muchos más encargos. Sus obras neogóticas están dotadas de una delicadeza que pocas veces se llegó a alcanzar, este es el caso de <i>la abadía de Fonthill </i>(1795-1807). También intervino en la restauración de algunas catedrales inglesas, lo que le valió el apelativo de "Wyatt el destructor".</span></div>
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<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
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<span style="font-size: medium;"><i style="font-weight: bold;">Augustus Welby Pugin </i>(1812-1852) era de origen francés pero se trasladó a Inglaterra con su padre, con el que colaboró en la restauración del <i>Castillo de Windsor</i>. Comenzó a trabajar como delineante en el taller de Nash y más tarde se convirtió en un amplio ilustrador de libros de arquitectura gótica, sobre la que escribió un importante número de ensayos. Uno de los grandes obstáculos a los que se enfrentó su arquitectura era la carencia material. </span></div>
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<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgT0fyUgSthREd5YRZdPplKn94msmbZlC5B6Ik8s_nzum5hrMYZ8doJyVjv4dOO_O4No2s8HA1zAkPXQiqT3ftLgXRp5fOi1FcUwIOOjg5Bh9aLFsJBtDvb5_R2MkQ250N5DlSo25sN41Y/s1600/windsor.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgT0fyUgSthREd5YRZdPplKn94msmbZlC5B6Ik8s_nzum5hrMYZ8doJyVjv4dOO_O4No2s8HA1zAkPXQiqT3ftLgXRp5fOi1FcUwIOOjg5Bh9aLFsJBtDvb5_R2MkQ250N5DlSo25sN41Y/s640/windsor.jpg" width="640" /></a></div>
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Augustus Welby Pugin: Restauración del <i style="font-weight: bold;">Castillo de Windsor. </i>Condado de Berks</div>
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<br /></div>
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Sus magníficos edificios, dotados de una gran creatividad, carecieron de medios para poder materializarse adecuadamente. Trabajó en las <i>Casas del Parlamento </i>junto con <b>sir Charles Barry</b>. </div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">John Ruskin </i>(1819-1900) no llevó a cabo ninguna obra arquitectónica pero, a través de su teoría sobre este campo artístico, aportó grandes ideas a la Arquitectura y, más concretamente, a la restauración de edificios. Su obra <i>Las siete lámparas de la arquitectura</i> (1949), que escribió tras su estancia en Venecia, es una apología de los materiales de buena calidad, de los volúmenes limpios y poderosos y de la belleza como algo que está inspirado en la naturaleza. Ruskin consideraba que el edificio es como un ser humano, que se va deteriorando con el paso del tiempo, y que el hombre no debe intervenir en este proceso como lo hacía Viollet-le-Duc, es decir, falseando la identidad del mismo. Fue uno de los primeros que dio valor a la ruina como materialización de lo pintoresco. No le interesaba demasiado el mundo que había nacido a partir de la Revolución industrial, ya que trató de revalorizar la labor de los hombres como hombres, el trabajo manual frente al mecánico.<i> </i></div>
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<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
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<span style="font-size: medium;"><i style="font-weight: bold;">Eugène-Emanuel Viollet-le-Duc </i>(1814-1879) se negó a asistir a la Academia de Bellas Artes y prefirió, sin embargo, ir a Italia para estudiar de forma individualizada determinados edifcicios. Era amigo personal de Prosper de Mérimée (autor de la novela de ambiente español <i>Carmen </i>y director de la Comisión de Monumentos Históricos) y del escritor Víctor Hugo. Desde muy pronto se dedicó a la restauración de edificios con unos criterios bien diferentes a los de Ruskin. </span></div>
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<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
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<span style="font-size: medium;">Los conocimientos de Viollet-le-Duc sobre la arquitectura gótica eran verdaderamente asombrosos. Se planteaba la arquitectura de este período como algo plenamente racional, con estructuras comparables a las que habían surgido en el siglo XIX gracias a las aportaciones de la Revolución industrial. Todo su saber quedó condensado en una obra titulada <i>El diccionario razonado de la arquitectura </i>(1854-1868). Las restauraciones que llevó a cabo Viollet-le-Duc son reconstrucciones ideales de los edificios, generalmente góticos, que no respetan demasiado las aportaciones o anexiones que se les hayan hecho con el paso del tiempo. Apenas realizó obras de nueva planta, mientras que trabajó en numerosas restauraciones como la de <i>La Magdalena </i>de Vézelay y <i>Notre-Dame </i>de París. </span></div>
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<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b>3. LA ARQUITECTURA DE LOS NUEVOS MATERIALES. EL NACIMIENTO DE LAS NUEVAS TIPOLOGÍAS ARQUITECTÓNICAS</b></span></div>
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<br /></div>
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La población en el siglo XIX había crecido considerablemente y requería que la arquitectura, mediante el empleo de nuevos materiales, solventara las necesidades que había acarreado la Revolución industrial y el enorme desarrollo de las ciudades. Se crearon estaciones de ferrocarril, mercados, nuevas viviendas, puentes, etc. Este tipo de construcciones arquitectónicas pueden ser consideradas racionalistas, dado que la forma se ha de identificar con la función. Las principales aportaciones materiales de este siglo XIX son <b>el hierro fundido</b>, <b>el vidrio </b>y aparece <b>el cemento armado</b>. Las ventajas que suponía su utilización eran las siguientes:</div>
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<ul>
<li>Se producían en grandes cantidades y a bajo costo.</li>
<li>Eran fácilmente transportables en forma de módulos prefabricados. Desde la fábrica iban directamente al lugar de la obra donde tan sólo había que montarlos. </li>
<li>Son recuperables. Si en algún caso el edificio se desmonta, los elementos se pueden reutilizar. </li>
<li>Se podían cubrir amplios espacios con menos puntos de apoyo. Esto da lugar a formas más atrevidas y arcos considerablemente más amplios. </li>
</ul>
<div>
Se construyó un buen número de <b>puentes </b>de luces cada vez mayores caracterizados por la simplicidad y la eficacia. Se podía hacer un puente de 200 metros con tan sólo dos puntos de apoyo de escaso grosor. Entre los más importantes se encuentran <i>el de Coalbrookdale</i> en Shronpshire de <b>Farnolls Pritchard </b>y los llevados a cabo por <b>Thomas Telford</b> (1757-1834), arquitecto e ingeniero británico en cuyo haber figuran proyectos como el <i>London Bridge</i> (1801). </div>
<div>
<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXB4LhZQvtcF8eIOFIAcLCbm1TachPDPlS0IqNkebw1_rGrLjGb5A_2NJb1cB0FwpCNB-l96flAlZ00DP0pdKsLyhHoBQY5a_KPI4JdOGuqp_CEt3OB30x4hQq_7j9aeihyKD2mLPi-EU/s1600/clifton.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXB4LhZQvtcF8eIOFIAcLCbm1TachPDPlS0IqNkebw1_rGrLjGb5A_2NJb1cB0FwpCNB-l96flAlZ00DP0pdKsLyhHoBQY5a_KPI4JdOGuqp_CEt3OB30x4hQq_7j9aeihyKD2mLPi-EU/s640/clifton.jpg" width="640" /></a></div>
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Brunel: <i style="font-weight: bold;">Puente Clifton </i>sobre el río Avon. Bristol</div>
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<br /></div>
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Otro tipo de construcción frecuentemente repetido es el de <b>los invernaderos</b>, algunos de ellos realmente bellos por la simplicidad de sus formas. En la mayor parte de los casos se rehusa el empleo de elementos decorativos y se exalta la simplicidad de las formas. Tal es el caso del invernadero realizado por <b>Charles Rohault de Fleury </b>en <i>el Jardin des plantes </i>de París, <i>el Palm Stove </i>de <b>Decimus Burton</b> o los del arquitecto británico <b>sir Joseph Paxton</b>. Se trata de esqueletos de metal que se separan del exterior a través de grandes placas de vidrio. <b>Las estaciones de ferrocarril </b>son otro ejemplo frecuente de la arquitectura del momento. De la primera que se hizo, <i>la de Crown Street </i>de Liverpool, no queda nada, aunque debemos suponer que se trataba de una modesta estructura que pudo inspirar modelos más complejos como la de <i>Temple Mids </i>en Bristol, de <b>Brunel</b>, <i>la Estación del Norte </i>de París o la <i>Station de Derby </i>de <b>Robert Stephenson</b>. </div>
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<br /></div>
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El paradigma de utilización de los nuevos materiales con grandes dosis de creatividad es <i><b>Henri Laboraste </b></i>(1801-1875). Labrouste ganó el Grand Prix de Roma y estuvo en esta ciudad durante seis años, en los que tuvo tiempo para estudiar la arquitectura romana y proyectar restauraciones, algunas de ellas muy interesantes. Entre 1843 y 1850 trabajó en <i>la Biblioteca de Santa Genoveva </i>de París, pero su obra maestra es <i>la sala de lectura de la Biblioteca Nacional </i>(París), iniciada en 1868 y terminada después de su muerte. En ella, las livianas cúpulas de cristal se alzan sobre arcos y columnas metálicas muy finas que proyectan una sombra mínima. Desde la sala de lectura se pueden ver los depósitos con capacidad para 900.000 volúmenes, a través de una pared de cristal. El resultado es un espacio dilatado y con gran abundancia de luz, elementos ambos indispensables en una biblioteca. La luz es también pieza clave del <b>museo</b>, de tal modo que bajo esta premisa se construyó el <i>Museo de la Ciencia de Oxford </i>(de Deane y Woodward) que, además de incorporar nuevos materiales, puede ser etiquetado como una arquitectura ecléctica en la que conviven elementos que van desde lo islámico a lo gótico. Las esbeltas columnas de hierro sostienen la cubierta de vidrio sobre un enrejado de hierro. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiD_78M-8sMyZEZOsc89mT2bKWODfhmOg9d6kojCZxEUrp4uDDJRSISbp1VXPx6kKwepAocVbW_zpFNrWnPUbBCIPKaSZjd6aHNwDIwJqsy8e79Fcpa-ayznaMCRzhiWN6TANKkqtZ7PVg/s1600/santagenoveva.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="502" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiD_78M-8sMyZEZOsc89mT2bKWODfhmOg9d6kojCZxEUrp4uDDJRSISbp1VXPx6kKwepAocVbW_zpFNrWnPUbBCIPKaSZjd6aHNwDIwJqsy8e79Fcpa-ayznaMCRzhiWN6TANKkqtZ7PVg/s640/santagenoveva.jpg" width="640" /></a></div>
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Labrouste: Interior de la <i style="font-weight: bold;">Biblioteca de Santa Genoveva. </i>París</div>
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Labrouste: <i style="font-weight: bold;">Sala de lectura de la Biblioteca Nacional. </i>París</div>
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<br /></div>
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También se levantaron en esta época algunos <b>teatros </b>y <b>óperas </b>entre las que sobresale por su belleza la <i>Ópera de París </i>que realizó <b>Charles Garnier</b> y que se finalizó en 1875. Garnier supo organizar los espacios magistralmente. Uno de los puntos más hermosos del edificio es la escalera, que supera en barroquismo a otros edificios puramente barrocos. <i>La Ópera de París</i> (1861-1875) inspiró la creación de otros edificios como <i>El Casino de Montecarlo </i>(1878). </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhf9W9jESqr7mu_Icpqdv_PvZp0C_RqVzfDLbCqVyD96PEoKVntafuWbNlu-M7_BKw37VrlyrhedSQ6EJRA-dTBl-nkt8lwX5UjLiNYMIIGb-hVohkl7HwyYJHL9Jdglnszb3qBQ4-Ttfk/s1600/garnier.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="430" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhf9W9jESqr7mu_Icpqdv_PvZp0C_RqVzfDLbCqVyD96PEoKVntafuWbNlu-M7_BKw37VrlyrhedSQ6EJRA-dTBl-nkt8lwX5UjLiNYMIIGb-hVohkl7HwyYJHL9Jdglnszb3qBQ4-Ttfk/s640/garnier.jpg" width="640" /></a></div>
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Garnier: <i>La Ópera. </i>París</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
<br />
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<span style="font-size: large;"><b>4. LAS EXPOSICIONES UNIVERSALES</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Las Exposiciones Universales tenían la finalidad de mostrar periódicamente al mundo los adelantos tecnológicos, industriales e incluso artísticos que se habían producido. Las primeras Exposiciones eran de ámbito nacional y resultaban un mecanismo para proteger la economía de cada país y presentar los productos propios frente a los llegados de fuera. Más tarde, a partir de 1850, se hacen internacionales, de tal modo que entra en juego la comparación entre los productos propios y los llegados de otros lugares del mundo. Para la realización de estas Exposiciones se construyen arquitecturas efímeras, es decir, que duran el tiempo que dura la Exposición y una vez finalizada ésta se desmontan. Esta fugacidad imposibilita la conservación de alguna obra que pudiera ilustrar la concepción arquitectónica del momento. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhk-aoGV9h1bvk5e6uDY1v6qRvNNwb0CaGp2FFECmdSvRGLKezbcCtN7G7GMhdgYSIeoDowcHzEOyj9jJPOzj-9RnNrbFl2XHBwwx-i5tQQ2KZ9405Lwb2nF8rpdGLmSuKA-pxjWjgGt3Y/s1600/cr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="428" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhk-aoGV9h1bvk5e6uDY1v6qRvNNwb0CaGp2FFECmdSvRGLKezbcCtN7G7GMhdgYSIeoDowcHzEOyj9jJPOzj-9RnNrbFl2XHBwwx-i5tQQ2KZ9405Lwb2nF8rpdGLmSuKA-pxjWjgGt3Y/s640/cr.jpg" width="640" /></a></div>
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Paxton: <i style="font-weight: bold;">Palacio de Cristal. </i>Londres</div>
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<br /></div>
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Para la Exposición Universal que se celebró en 1851 <i style="font-weight: bold;">sir Joseph Paxton </i>(1801-1865), presentó un proyecto que consistía en un palacio de hierro y cristal (<i>Crystal Palace</i>) del que se podían recuperar algunos elementos una vez que la Exposición se clausurase. Éstos eran prefabricados y se montaban directamente sobre el terreno. Era un edificio de 600 m de largo, realizado íntegramente con cristal y hierro, dotado de una gran amplitud y luminosidad gracias a la incorporación de galerías a diversas alturas. </div>
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<br /></div>
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En 1855 se celebra en París otra Exposición Universal promovida por Napoleón III. Para ello se diseña un edificio que tenga unos muros "tradicionales" pero que emplee el hierro y el vidrio en la cubierta. Era el llamado <i>Palacio de la Industria</i>, que se utilizó durante algún tiempo después y que fue definitivamente demolido en 1900. En 1889 se volvió a elegir París como escenario de la Exposición Universal para conmemorar el centenario de la Revolución Francesa. Para esta fecha se construyeron una serie de edificios en el Campo de Marte. El palacio, en forma de U, fue llevado a cabo por <b>Contamin </b>y <b>Dutert</b>. Se cubría con arcos con tres articulaciones que permitían abarcar un espacio vastísimo sin necesidad de recurrir a un apoyo intermedio. Se instalaron dos puentes móviles que fueron derribados en 1910.</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Gustave Eiffel </i>(1832-1923) levantó la famosísima <i>Torre Eiffel </i>en pleno centro de la ciudad de París para la Exposición de 1889. Se trata de una estructura de 330 m de altura que, hasta que se construyó <i>el Edificio Chrysler </i>era el edificio más alto del mundo. Está realizada con hierro forjado y colado y no se revistió con ningún otro material. Se sustenta sobre grandes arcos parabólicos y carece de funcionalidad alguna (en la actualidad está coronada por una antena de comunicaciones) por lo que debemos interpretar esta obra como una exaltación de la nueva arquitectura, del progreso y un intento por extraer todas las cualidades estéticas posibles de un material como el hierro. Estamos ante la expresión de una mentalidad claramente progresista.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmI82FZLfo9TcTRcVn4iaAUoSfT7g9JyV-8Ryeu0YjkE9Z6MdcWlkNJZ0tjckAiZaLuY6K-d79uEqtpQ7P3OmxduV23sueLU7ifkjXaIWWfDN-AtQsLno9ONo9leyo6Gr9V4X9p_2fgJw/s1600/eiffel.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="430" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmI82FZLfo9TcTRcVn4iaAUoSfT7g9JyV-8Ryeu0YjkE9Z6MdcWlkNJZ0tjckAiZaLuY6K-d79uEqtpQ7P3OmxduV23sueLU7ifkjXaIWWfDN-AtQsLno9ONo9leyo6Gr9V4X9p_2fgJw/s640/eiffel.jpg" width="640" /></a></div>
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Eiffel: <i style="font-weight: bold;">Torre Eiffel. </i>París</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>5. LA ESCUELA DE CHICAGO</b></span></div>
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<b><br /></b>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Se trata de la primera vanguardia americana, surgida hacia 1871 a raíz de la destrucción por un incendio de la ciudad de Chicago. Dentro de su planteamiento estético se cuestionan los métodos de la arquitectura tradicional y se propone incorporar los nuevos materiales de construcción. Chicago, ciudad de poco más de 300.000 habitantes, verá durante los años posteriores a su reconstrucción aumentar vertiginosamente su población gracias al fuerte desarrollo que experimentó su industria. Sobre los restos de la ciudad se comienzan a construir viviendas, edificios comerciales, hoteles y oficinas en los que se ensayaban los nuevos sistemas constructivos. El trazado urbanístico era el de cuadrícula, es decir, el mismo que existía antes del siniestro. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
El creador de esta escuela es <i style="font-weight: bold;">William Le Baron Jenney </i>(1832-1907). Estudió en París y trabajó como ingeniero durante la guerra civil, decidiéndose en 1868 a abrir un estudio de arquitectura en Chicago. De este estudio salieron los más importantes proyectistas del momento, entre los que destacó Sullivan. Le Baron Jenney aportó una serie de innovaciones técnicas que se van a utilizar durante bastante tiempo y que revolucionan la arquitectura en Estados Unidos. Incorporó a la arquitectura nuevos métodos de cimentación, se comienza a utilizar el cemento armado, los edificios están constituidos por esqueletos de acero que permiten aumentar notablemente la altura y abrir grandes ventanales que preludian la utilización del muro-cortina que tanto empleó Mies van der Rohe, uno de los más grandes arquitectos de nuestro siglo. Otro elemento decisivo que permitió el nacimiento del rascacielos es la aparición del <b>ascensor</b> en 1864, creado por Otis, que en sus orígenes funcionaba a vapor. En 1870 será sustituido por el ascensor hidráulico y en 1887 por el eléctrico.<br />
<br />
El edificio más importante de Le Baron Jenney es el <i>Home Insurance Building</i>, en el que se reflejan todas sus aportaciones teóricas al mundo de la arquitectura. El muro está recorrido por una serie de vanos dispuestos de forma reticular. Éste es uno de los aspectos que más va a preocupar a los arquitectos que realicen rascacielos: tratar de romper la monotonía que supone la disposición reticular de los vanos. Para ello varían los ritmos y la dimensión de los mismos incluyendo voladizos, etc.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLOKCuSfuxYxynLpaE9tpFOMr6e7K2rFATPoX0WBoDlwm-Tba-XDRsccK8o-fd6MdxJJxfjs58R2S8W-75ykQ1RlHtuZpgw5coxL9KZyR1r6PXAvTTg7U9KpZqB5iQqu8AiOw58XszZ3Y/s1600/ins.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLOKCuSfuxYxynLpaE9tpFOMr6e7K2rFATPoX0WBoDlwm-Tba-XDRsccK8o-fd6MdxJJxfjs58R2S8W-75ykQ1RlHtuZpgw5coxL9KZyR1r6PXAvTTg7U9KpZqB5iQqu8AiOw58XszZ3Y/s640/ins.jpg" width="478" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
William Le Baron Jenney: <i style="font-weight: bold;">Home Insurance Building. </i>Chicago</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Henry Hobson Richardson </i>(1838-1886) estudió arquitectura en París. Luego regresó a su país y ganó una serie de concursos para realizar diversos edificios. A partir de este momento, parece ser que empezó a gozar de consideración como arquitecto creativo. Estaba interesado en diferentes estilos, entre ellos el Románico, que conoció tras viajar por Francia y España, pero valoró sobre todas las cosas en la arquitectura, la funcionalidad. Siempre pretendió que el edificio se adaptase a la función para la que había sido concebido. Su obra más importante es <i>Los almacenes Marshall </i>(Chicago), una obra que impactó a otros muchos arquitectos del momento. Se trata de un edificio de ocho pisos, agrupados en cuatro zonas diferentes mediante arcos de medio punto y para los que emplea el almohadillado rústico.</div>
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<i style="font-weight: bold;">Louis Henry Sullivan </i>(1856-1924) trabajó durante cierto tiempo con Jenney. Más tarde fue a París y de nuevo regresó a los Estados Unidos para establecerse en Chicago. Allí construyó uno de los edificios más importantes de la ciudad: <i>El auditorio</i> con capacidad para más de 4.000 personas. En él juega con las posibilidades expresivas de los materiales e introduce elementos decorativos que le aproximan al <i>Art Nouveau</i>. A partir de 1890 se dedicará a los rascacielos: <i>Guaranty Building </i>de Buffalo y <i>los Almacenes Carson</i>. Para la Exposición de Chicago de 1893 diseñó el <i>Transportation Building</i>. Uno de sus más ilustres alumnos fue Wright, arquitecto clave en el panorama del siglo XX.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2ow0cu68JPUB0i8xoeSxQQpGB78_q_5seejE-4QiHrZNnVSfzoHvBwE8N5V-qqbnE7GIp4PUJFzMDbXM80D8ERlGBxP8zm9pYtu8syHdIym3DK3yoeyS9IHT7Ban5flhcc12HO3zLnOY/s1600/car.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2ow0cu68JPUB0i8xoeSxQQpGB78_q_5seejE-4QiHrZNnVSfzoHvBwE8N5V-qqbnE7GIp4PUJFzMDbXM80D8ERlGBxP8zm9pYtu8syHdIym3DK3yoeyS9IHT7Ban5flhcc12HO3zLnOY/s640/car.jpg" width="464" /></a></div>
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Sullivan: <i style="font-weight: bold;">Almacenes Carson. </i>Chicago</div>
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<span style="font-size: large;"><b>REACCIÓN A LA CONSTRUCCIÓN DE LA TORRE EIFFEL</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<i>"Nosotros, escritores, pintores, escultores, arquitectos, apasionados amantes de la belleza de París, hasta ahora intacta, protestamos enérgicamente en nombre del gustó francés, con el cual no se ha contado, contra la erección, en pleno corazón de nuestra capital, de la inútil y monstruosa Torre Eiffel, que el público maligno, inspirado a menudo por el sentido común y el espíritu de justicia, ha bautizado ya con el nombre de Torre de Babel. ¿Seguirá asociándose la ciudad de París a la imaginación barroca y mercantil de una construcción (o de un constructor) de máquinas, para ensuciarse irremediablemente y deshonrarse? Porque la Torre Eiffel, que no desearía para sí ni siquiera la comercial América, es la deshonra de París, no lo dudéis. Es necesario para poderse dar cuenta de lo que se nos prepara, figurarse por un instante una torre vertiginosa y ridícula que domine París, como una gigantesca y oscura chimenea de fábrica; todos nuestros monumentos humillados, todas nuestras arquitecturas disminuidas hasta desaparecer en este sueño estupefaciente".</i></div>
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<i><br /></i></div>
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MEISSONNIER y otros. <i>Carta de protesta al comisario de la Exposición de París</i>, 1889)</div>
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<span style="font-size: large;"><b>A FONDO</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><i>EL PARLAMENTO DE LONDRES</i></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b>BARRY Y PUGIN</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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En el año 1834 se produce el incendio del <i>Palacio de Westminster</i>, lo que plantea la necesidad de construir un nuevo edificio que lo sustituya. Desde un primer momento se especificó que el estilo para llevar a cabo su levantamiento sería el Gótico: una arquitectura que representa a Inglaterra, que es su emblema. Con esta finalidad se convocó un concurso del que salieron elegidos dos arquitectos: Charles Barry y August Welby Pugin. Los dos eran grandes conocedores del Gótico, el estilo que mejor podía definir y caracterizar a este país, especialmente Pugin que era hijo de uno de los arquitectos que más obras neogóticas construyó en Inglaterra: Auguste Charles Pugin, con el que colaboró en la restauración <i>del Castillo de Windsor</i>. Para él la arquitectura gótica era el ideal supremo de la verdad estética y la coherencia constructiva. En Inglaterra la arquitectura gótica, no sólo fue de una excelente calidad, sino que además pervivió durante más tiempo que en el resto de los países de Europa, donde pronto éste fue reemplazado por el Renacimiento. La única parte del primitivo edificio que se conservó tras el devastador incendio fue el <i>Great Hall</i>, que quedó perfectamente integrado dentro del nuevo proyecto concebido por estos dos artistas.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjt_dnPxmSU5hLrmdXjlqKRPhneZMBWhFeZGRvu3ckjOQ3yD3K2s5szzWzWbj1fk4lJExFE5bUSElcMO4wq2E5FTSyQb5eJOAxVTqAfXnQzUqRy95laVnPlrOagujTfDLbSyrEbJrphLX8/s1600/pa.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjt_dnPxmSU5hLrmdXjlqKRPhneZMBWhFeZGRvu3ckjOQ3yD3K2s5szzWzWbj1fk4lJExFE5bUSElcMO4wq2E5FTSyQb5eJOAxVTqAfXnQzUqRy95laVnPlrOagujTfDLbSyrEbJrphLX8/s640/pa.jpg" width="640" /></a></div>
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La estructura y la distribución del nuevo edificio fue idea de Barry, mientras que la decoración y los detalles ornamentales correrían a cargo de Pugin quien, en ese sentido, defendió la sobriedad al afirmar que no estaba interesado en los excesos decorativos que pudiesen enmascarar la belleza de las formas góticas. La Revolución industrial trajo consigo grandes aportaciones, no sólo materiales, sino también en la manera de construir: guías móviles, andamios, etc, que se emplearon en esta obra. Además, se analizaron en profundidad algunas construcciones góticas y sus soluciones constructivas para que la fidelidad con este estilo fuese la mayor posible y se garantizase en esta nueva arquitectura la misma perdurabilidad de aquellas. </div>
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<i>El Parlamento </i>se extiende sobre una plataforma de hormigón a lo largo de casi 3 hectáreas al borde del río Támesis. Los muros son de ladrillo y piedra, materiales bastante tradicionales que se aliaron con otros más nuevos, como el hierro fundido del que estaban hechas algunas columnas necesarias para sustentar algunas columnas necesarias para sustentar las cubiertas cuando los espacios a cubrir eran demasiado amplios. Las cubiertas también se realizaron con nuevos materiales como el hierro fundido. Esto tenía una intención evidente: aligerar el peso de las mismas, así como hacerlas más resistentes al fuego y evitar, de este modo, que un nuevo incendio pudiese destruir <i>El Parlamento</i>. </div>
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La primera impresión que se obtiene cuando uno observa el edificio es la de estar ante una obra de una tremenda horizontalidad que tan sólo se interrumpe por la presencia de las torres. Los elementos se repiten ordenada y rítmicamente, al tiempo que mantienen su fidelidad al estilo Gótico. </div>
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<br /></div>
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Una de las torres más importantes es <i>la de la Victoria </i>que mide algo más de 100 metros. En el medio se erige la torre central que sirve para ventilar el edificio y, por último, la <i>Torre del Reloj </i>o <i>Big Ben</i>, nombre que recibe popularmente. Esta última es la que más profusamente se ha decorado de todas ellas.</div>
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En el interior del edificio, además de otras muchas estancias, se encuentran las dos cámaras parlamentarias, la de los Lores y la de los Comunes.</div>
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<br /></div>
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El Parlamento de Pugin y Barry se ha convertido ya en todo un símbolo de la ciudad, con su elegante y digna silueta recortándose entre la niebla londinense a orillas del Támesis. Encarna la perfecta unión entre la función y la forma más representativa de esta función. En este caso, ¿qué mejor estilo que el Gótico, durante cuyos siglos se gestó el Parlamentarismo, para un edificio como las <i>Casas del Parlamento</i>? La Inglaterra victoriana, temerosa por la posible pérdida de su poder, se aferra a uno de los momentos más esplendorosos de su historia.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfXjP38lJcoc2Mg43F_1Wupr-Dk42tkezfFX7aW7TFwTv2kATxZeAKeh0SeLtEU6bTjT4ZLfnYuvXwOmItAH_qpgwL20S41FpW_qyx9LuNbHCnrCzvxZ4354cE_8S1-w51WGKT6mN_3mU/s1600/parl.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfXjP38lJcoc2Mg43F_1Wupr-Dk42tkezfFX7aW7TFwTv2kATxZeAKeh0SeLtEU6bTjT4ZLfnYuvXwOmItAH_qpgwL20S41FpW_qyx9LuNbHCnrCzvxZ4354cE_8S1-w51WGKT6mN_3mU/s640/parl.jpg" width="640" /></a></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>CITAS</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Si comparamos las obras arquitectónicas de los últimos tres siglos con las medievales, la maravillosa superioridad de las últimas conmueve inevitablemente al observador atento, y la mente es conducida a reflexionar sobre las causas que determinaron este importante cambio".</i></div>
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<b>Pugin</b></div>
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<i><br /></i></div>
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<i> En el pensamiento de Ruskin subyace la teoría de William Morris, creador del Arts and Crafts, que pretendió volver a un trabajo artesanal y dejar a un lado las aportaciones de la Revolución industrial en lo que a materia artística se refiere.</i></div>
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<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"El estilo adecuado para una iglesia no lo sería para una habitación privada: es el estilo relativo; pero una casa permite ver la huella de una expresión del arte (igual que un templo o un cuartel) independientemente del objeto y perteneciendo al artista o, mejor, al principio que se ha tomado como generador de este estilo.</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Violet-le-Duc</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
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<b><span style="font-size: large;">GLOSARIO</span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Pintoresco</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En un principio este término se aplicó a un paisaje o edificio que recordará a una pintura del estilo de Claudio de Lorena o de Poussin. Más tarde se precisó su significado y se definió como una cualidad estética entre lo sublime y lo hermoso. En la arquitectura estaba representado por una interesante disposición asimétrica de las formas y gran variedad de texturas.</div>
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<br /></div>
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<b>Hierro fundido</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Más tarde será sustituido por el hierro forjado y, finalmente, por el acero. Sir Henry Bessemer inventa un método para producir acero en cantidad de tal manera que se pueda emplear para elementos grandes de la construcción. Antes del acero se empleaba el hierro fundido, también denominado colado, que contiene gran cantidad de carbono y por eso pesa menos. El hierro forjado es hierro dulce trabajado a forma.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<b>Cemento armado</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Este material constructivo se consigue tras mezclar cal apagada y arcilla previamente calcinadas en el horno y machacadas. Se refuerza con varillas de hierro, de ahí su denominación de armado.</div>
</div>
</div>
GreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-54494917380704182802016-02-19T07:25:00.005-08:002016-02-19T07:25:58.211-08:00El Neoclasicismo<div style="text-align: justify;">
<b>En esta especie de movimiento pendular que es la Historia del Arte, de la misma manera que al sensato Renacimiento siguió la "locura" del Barroco, éste tenía, a su vez, que ser enterrado por una nueva búsqueda de "sensatez" que, entre finales del siglo XVIII y principios del XIX, dio lugar al Neoclasicismo. La Razón, a la que en tantas ocasiones apelaron los ilustrados, es considerada en este momento como el arma más valiosa de la que se puede valer el ser humano, y lleva a poner en tela de juicio cosas en las que el hombre barroco creía ciegamente. Sólo la Razón podrá ofrecer la serenidad y el equilibrio que tanto interesa a los neoclásicos.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Durante estos años tienen lugar las primeras excavaciones arqueológicas que permitieron un conocimiento más real de lo que pudo ser el mundo clásico. En este sentido, la recreación del arte clásico, en la que personajes como Napoleón pusieron un empeño especial, está más cerca de la realidad de lo que lo estuvo el arte corolingio o el Renacimiento.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLa7UkD6k_1XXB2v2avtrMnq9SNFx-KsT9dyfnPlly4Yebwzk5N6bFpM5L3ae-I9ECkjiPijjZaErlSfldj4Dw0oLpUdGNQMCuXsrMbiX1AHSfB_kyl-2vvSAkb1Q_g5MaeM7uc_2qHrY/s1600/edipo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLa7UkD6k_1XXB2v2avtrMnq9SNFx-KsT9dyfnPlly4Yebwzk5N6bFpM5L3ae-I9ECkjiPijjZaErlSfldj4Dw0oLpUdGNQMCuXsrMbiX1AHSfB_kyl-2vvSAkb1Q_g5MaeM7uc_2qHrY/s640/edipo.jpg" width="484" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Ingres: <i style="font-weight: bold;">Edipo explica el enigma a la esfinge. </i>Museo del Louvre. París</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>1. CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL NEOCLASISCISMO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El Neoclasicismo es un estilo artístico surgido en torno a 1750 que debe ser interpretado, ante todo, como una reacción contra el decorativismo y la exuberancia que caracterizó al Rococó. Como hemos tenido ocasión de ver, la vuelta al mundo clásico es algo que ya se ha producido en momentos anteriores de la Historia del Arte, pero fue en el Renacimiento cuando este retorno al pasado se produce con mayor veracidad. Existe una serie de factores que es necesario señalar para poder comprender adecuadamente lo que implica el Neoclasicismo:</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li><b>El mundo clásico y el nacimiento de la arqueología</b></li>
</ul>
<div>
En estos momentos están teniendo lugar las primeras excavaciones arqueológicas que permitieron un conocimiento más profundo de la Antigüedad clásica. Carlos III, antes de abandonar su reino de Nápoles para convertirse en rey español, promueve las excavaciones de Pompeya y Herculano y se descubren los magníficos templos dóricos de Sicilia en muy buen estado de conservación. </div>
<div>
<ul>
<li><b>La Ilustración</b></li>
</ul>
<div>
Aparece un movimiento intelectual caracterizado por la confianza en la Razón y el deseo de reorganizar la sociedad a través de ella. Esto condujo, entre otras cosas, a poner en tela de juicio la autoridad de la Monarquía Absoluta que ejercía el poder de modo tiránico sin respetar los derechos individuales. El pensamiento ilustrado confía plenamente en el ser humano y en sus posibilidades y defiende a las clases medias en ascenso que proclaman la Democracia. Para ello, se toman como ejemplo fragmentos de la historia antigua. Estamos, por tanto, ante un nuevo Humanismo y una visión optimista de la historia que confía en el progreso y en el avance del ser humano.</div>
<div>
<ul>
<li><b>Los viajes</b> </li>
</ul>
<div>
Se crean, sobre todo en Inglaterra, sociedades de amigos de la Antigüedad que organizan viajes a lejanos lugares. Algunos de estos viajeros hacen bocetos de las ruinas que contemplan durante sus estancias. Son especialmente interesantes los que realizó <b>Piranesi</b> de la arquitectura romana. Estos dibujos, no sólo ejercieron una gran influencia en su tiempo, sino que también van a ser decisivos después de su muerte.</div>
</div>
</div>
<div>
<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTimf5_YSTHlE6cHa4fO-Fy_Kuiqfg20ocSNEw1qCy5ceWGuq6Qf9iPZLTm9LyuMS90TDPm0CcyL1KVfYGqbLQshtaaDmuuhBeFT1lxkyvCi5UZAE6BccVQjY_zQW2YNLB0pc8m9kjF8s/s1600/piranesi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="318" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTimf5_YSTHlE6cHa4fO-Fy_Kuiqfg20ocSNEw1qCy5ceWGuq6Qf9iPZLTm9LyuMS90TDPm0CcyL1KVfYGqbLQshtaaDmuuhBeFT1lxkyvCi5UZAE6BccVQjY_zQW2YNLB0pc8m9kjF8s/s640/piranesi.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Piranesi: <b><i>Bocetos</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li><b>Winckelmann y la Historia del Arte. Las academias</b></li>
</ul>
<div>
Winckelmann será el creador de un estudio de la Historia del Arte entendida como el desarrollo histórico de los estilos. Se encargó de analizar sistemáticamente un grupo de obras y se interesó de modo especial por el arte clásico y, más concretamente, por el griego. Publicó un libro titulado <i>La Historia del Arte</i> <i>antiguo</i>. Defendió con vehemencia la estética del mundo clásico y la opuso a la del Barroco. Por otro lado, surgen las academias que se encargarán de dar uniformidad al gusto de la época y de buscar un arte único que se debe inspirar en el arte griego, al que consideraban el más perfecto de todos y, por tanto, insuperable, especialmente la arquitectura dórica.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
<ul>
<li><b>Renacimiento/Neoclasicismo </b></li>
</ul>
<div>
En ambos casos se vuelven los ojos al mundo clásico, pero mientras que en el Renacimiento se prefiere el arte romano, en el Neoclasicismo se decantarán por el griego.<br />
<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2. LA ARQUITECTURA NEOCLÁSICA</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2.1. La arquitectura neoclásica en Francia</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
Para el estudio de la arquitectura neoclásica en Francia es necesario señalar que existieron dos líneas bien diferentes basadas en dos concepciones arquitectónicas distintas. Por un lado, una que imita el <b>Clasicismo </b>y que sirve para simbolizar el poder y, por otro, una corriente más <b>funcional</b> y <b>regenerativa</b>, representada por los que han sido denominados "arquitectos revolucionarios".</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Jacques-Germain Soufflot</i> (1713-1780) es uno de los principales arquitectos neoclásicos franceses. Fue a Italia y allí visitó Paestum con la intención de conocer el arte clásico. Su obra maestra es la iglesia de <i>Santa Genoveva </i>(1791), panteón de hombres ilustres, que está inspirada en <i>San Pedro de Roma </i>y en <i>San Pablo de Londres</i>. Laugier dijo de ella que se trataba del "primer ejemplo de arquitectura perfecta". Sobre la planta de cruz griega se erige una inmensa cúpula rodeada de columnas. En la parte frontal encontramos un pórtico culminado por un frontón triangular decorado con relieves.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Pierre Vignon </i>(1726-1828) es famoso por ser el arquitecto que diseñó la <i>Madeleine</i> de París, edificio inspirado en la <i>Maison Carrée</i>. Se trata de un imponente templo corintio erigido sobre un alto podio. En él confluyen dos de las premisas fundamentales de la arquitectura neoclásica: la simplicidad y la pureza de líneas.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjfLQds22vBQe59hZkLPV-sOGKRaMzN3SifNNp0ThLDOkt1foe7UFVyd2TVc0t-lYz9hytbjki0nFko1EMVMf6SIqRWgXGkJW9Jhfz9tdwffPn321Cmhv8mPaXmc3YIPWu75-NBu0DQ5M/s1600/madeleine.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="458" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjfLQds22vBQe59hZkLPV-sOGKRaMzN3SifNNp0ThLDOkt1foe7UFVyd2TVc0t-lYz9hytbjki0nFko1EMVMf6SIqRWgXGkJW9Jhfz9tdwffPn321Cmhv8mPaXmc3YIPWu75-NBu0DQ5M/s640/madeleine.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Pierre Vignon: <i style="font-weight: bold;">La Madeleine. </i>París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Durante este siglo se construyeron en París algunos <b>arcos del triunfo </b>de los que tan sólo se conservan dos, el más conocido es el <i>Arco del Triunfo del Carrusel</i> de <b>Percier </b>y <b>Fontaine</b>, dos arquitectos que fueron elegidos expresamente por Napoleón para llevar a cabo este proyecto. Este arco marcaba la entrada al Palacio de las Tullerías recreando, no sólo la sobriedad del mundo griego, sino también la fastuosidad de Roma.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhD2zkuuk7r4fF0zYz3jHAQaX7fQ1nK7JiWHIZBMcoTiHWMJ8jQFrhr99NA6NSPEIlvbFKb9MpeFeycJp7vkrAbxFcISlWbkNrGIan6eKkTWTENr5lSBP0-9UUWF5pEOtr7OiCqM6uOn9w/s1600/carrusel.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="478" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhD2zkuuk7r4fF0zYz3jHAQaX7fQ1nK7JiWHIZBMcoTiHWMJ8jQFrhr99NA6NSPEIlvbFKb9MpeFeycJp7vkrAbxFcISlWbkNrGIan6eKkTWTENr5lSBP0-9UUWF5pEOtr7OiCqM6uOn9w/s640/carrusel.jpg" width="640" /></a></div>
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Percier y Fontaine: <i style="font-weight: bold;">El Arco del Triunfo del Carrusel. </i>París</div>
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<br /></div>
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<b>Ledoux </b>y <b>Boullée </b>han pasado a la historia de la arquitectura como "arquitectos revolucionarios". <i style="font-weight: bold;">Étienne-Louis Boullée </i>(1728-1799) tendrá más trascendencia artística que Ledoux. En realidad, muchas de sus obras, por su marcado carácter utópico, quedaron en simples proyectos que nunca se llegaron a construir. La mayor parte de éstos se caracterizan por la audacia con que maneja las formas geométricas. Entre sus proyectos se encuentran la <i>Iglesia Metropolitana </i>(1783) y el <i>Cenotafio de Newton </i>(1784).</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Claude-Nicolas Ledoux </i>(1736-1806) fue arquitecto del rey Luis XVI. Desde un primer barroquismo evolucionó hacia un modo mucho más innovador de entender la arquitectura. Le sucedió lo mismo que a Boullée, es decir, que sus ideas no llegaron a materializarse por ser demasiado audaces. Le influyeron mucho los dibujos de Piranesi. Trató de que los edificios se adecuasen a la función para la que eran diseñados, así por ejemplo, hace una <i>Casa para cuatro familias </i>que, si bien desde el exterior transmite sensación de unidad, en el interior permite que cada familia tenga su espacio propio e independiente del resto. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtphzNwAjNgCONr0pl2-yjegx8-axhDwL3A0o5_xY7CKxQFlbkAHAluTPosMn4OqXLhHWpbMlm2az4DTAr5d7TRF679OS9YCjqwNaG3_OhBzUs2GpWIslmlgqfOgt0YxOB8Vk4d_SCA0E/s1600/proyecto.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="410" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtphzNwAjNgCONr0pl2-yjegx8-axhDwL3A0o5_xY7CKxQFlbkAHAluTPosMn4OqXLhHWpbMlm2az4DTAr5d7TRF679OS9YCjqwNaG3_OhBzUs2GpWIslmlgqfOgt0YxOB8Vk4d_SCA0E/s640/proyecto.png" width="640" /></a></div>
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Ledoux: <i><b>Proyecto</b></i></div>
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<i><b><br /></b></i></div>
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<i><b><br /></b></i></div>
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<b><span style="font-size: large;">2.2. Arquitectura neoclásica en Alemania</span></b></div>
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<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
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El edificio más característico de la arquitectura neoclásica alemana es la simbólica <i>Puerta de Brandenburgo </i>(1789-1794) en la ciudad de Berlín, de <i style="font-weight: bold;">Carl Gotthard Langhans</i> (1732-1808), su obra más importante, que recuerda tremendamente a los <i>propíleos </i>de Atenas. Este tipo de entrada ceremonial se va a repetir en Europa a lo largo del siglo XIX. Langhans es un arquitecto que, antes de establecerse de un modo más o menos definitivo en Alemania, viaja por diferentes países europeos como Italia, Francia, Holanda e Inglaterra. Junto a Langhans sobresale en Alemania <i style="font-weight: bold;">Leo von Klenze </i>(1784-1846), artista interesado de un modo especial en la arquitectura griega aunque conocía bastante bien otros estilos. Su principal obra es la <i>Gliptoteca de Múnich </i>(1816-1830), ciudad en la que desarrolló la mayor parte de su trabajo. Es el primer edificio de la historia de la arquitectura realizado expresamente para ser un museo, es decir, un lugar de exposición pública de objetos artísticos (en este caso esculturas). Además de la <i>Gliptoteca</i> nos deberemos referir a la fachada meridional de la <i>Residen </i>(1826-1835), inspirada en el <i>palacio Pitti </i>de Florencia.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOnqJFCj0L-EVe5mzn6xzutMpXKMavySx0pk8kyWHEcKG65TmayjTapEamEjZDjExQAGm0O2hl95ylMvZ38dSwIjbLFIuEpDOyI8FR7vd18K_cSOptQBZvwCfyA1BPZB6cQIGNbBwYMOE/s1600/gliptoteca.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="280" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOnqJFCj0L-EVe5mzn6xzutMpXKMavySx0pk8kyWHEcKG65TmayjTapEamEjZDjExQAGm0O2hl95ylMvZ38dSwIjbLFIuEpDOyI8FR7vd18K_cSOptQBZvwCfyA1BPZB6cQIGNbBwYMOE/s640/gliptoteca.jpg" width="640" /></a></div>
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Von Klenze: <i style="font-weight: bold;">Gliptoteca. </i>Múnich</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>2.3. Arquitectura neoclásica en Inglaterra y Estados Unidos</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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El Neoclasicismo tuvo bastante difusión en <b>Inglaterra</b>, en contraste con el escaso interés que había despertado el Barroco. Palladio, tanto aquí como en los Estados Unidos, va a ser el arquitecto más imitado. <i style="font-weight: bold;">Robert Adam </i>(1728-1792) es el mejor arquitecto neoclásico de Inglaterra quien, no sólo sobresalió en la arquitectura, sino también en la decoración de interiores, muebles, etc. Es elegante pero sin afectación y posee un profundo conocimiento de los modelos de la Antigüedad. Viajó a Italia, donde conoció las obras de Piranesi, así como Pompeya y Herculano. Junto a su hermano James, proyectó un gran número de residencias para las clases altas londinenses. Algunas de sus obras más importantes son <i>Kedleston Hall</i> en Derbyshire y la <i>residencia Adelphi</i> (1768) sobre el Támesis, hoy desaparecida. </div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Sir Robert Smirke </i>(1780-1867) es quien mejor supo resucitar el espíritu de la arquitectura griega. Viajó por Italia y Grecia y dibujó los edificios que iba encontrando a su paso por estos países. Sus obras maestras son el <i>Museo Británico </i>de Londres (1823-1847), con una impactante columnata jónica que le da una gran elegancia y dignidad, y la <i>Oficina Central de Correos </i>en esta misma ciudad (1824-1829).</div>
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<i style="font-weight: bold;"><br /></i></div>
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En <b>Estados Unidos </b>el Neoclasicismo se emplea para los edificios del gobierno. <i style="font-weight: bold;">Thomas Jefferson </i>(1743-1826) fue, además de tercer presidente de los Estados Unidos y redactor de la Constitución de ese país, un destacado arquitecto y buen conocedor de la arquitectura palladiana. Entre sus diseños cuenta el <i>Capitolio del Estado de Virginia</i>, inspirado en la <i>Maison Carrée </i>de Nimes. Al mismo tiempo, su figura fue esencial en la planificación de la nueva capital federal: Washington. Su deseo de crear un orden específicamente americano le llevó a idear unos capiteles decorados con mazorcas de maíz. </div>
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<i style="font-weight: bold;"><br /></i></div>
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<i style="font-weight: bold;">Thorton </i>y <i style="font-weight: bold;">Bulfinch</i> son los artífices del <i>Capitolio </i>de Washington, símbolo de la recién nacida democracia americana. Las similitudes con <i>Santa Genovesa </i>de Soufflot son más que evidentes.</div>
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<i style="font-weight: bold;"><br /></i></div>
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<i style="font-weight: bold;"><br /></i></div>
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<span style="font-size: large;"><b>2.4. Arquitectura neoclásica en España</b></span><i style="font-weight: bold;"> </i></div>
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<i style="font-weight: bold;"><br /></i></div>
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España es uno de los países que con más energía luchó contra el Barroco que había alcanzado límites verdaderamente insospechados. El gran baluarte de esta encarnizada lucha fue la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando con Mengs a la cabeza. Instada en un edificio de Churriguera en la calle madrileña de Alcalá, el edificio fue desprovisto en su fachada de todo aquello que los arquitectos neoclásicos van a considerar excesos decorativos. Este organismo se encargó de difundir el arte neoclásico a través de distintos esfuerzos, concediendo, por ejemplo, becas de estudio en Roma.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmGCubVQ4sAkxiB9NPoybmx35mnbOvxrputdzeNOakZE7MAiy-B7-CTLUbbXvSiCfMHB6PIAf8oMKYTF8ltd1IbMOjINczkEOCYDgVgyikhyphenhyphenJSJ3n9kQfvI71-880RQOSL4gxR9z3zPW0/s1600/real.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="430" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmGCubVQ4sAkxiB9NPoybmx35mnbOvxrputdzeNOakZE7MAiy-B7-CTLUbbXvSiCfMHB6PIAf8oMKYTF8ltd1IbMOjINczkEOCYDgVgyikhyphenhyphenJSJ3n9kQfvI71-880RQOSL4gxR9z3zPW0/s640/real.jpg" width="640" /></a></div>
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Fachada de la <i style="font-weight: bold;">Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. </i>Madrid</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Francesco Sabatini </i>(1722-1797) era de origen italiano, y había trabajado ya en la corte de Nápoles para el rey Carlos III, lo que motivó que éste le hiciera venir con él a España. Desde una formación barroca evoluciona hacia el Clasicismo y una mayor simplicidad arquitectónica. Intervino en el <i>Palacio Real</i> de Madrid junto con Juvara y en 1764 inicia la <i>Puerta de Alcalá </i>(1764-1778) en la que todavía se puede hablar de un cierto barroquismo, puesto que juega con las luces y las sombras que proporcionan los elementos salientes de la misma. Aunque hoy en día ha perdido su funcionalidad original, la puerta servía para cerrar la muralla de la ciudad.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-fmS2KJ9Pnk7vYDKLeOCN-G9AGTLgSRP5GvM3uiI9Imnd6lxMVYd8JSuhHwKpoBsCHT_GSudq4qhyIVbGaozteoUfmFMdlABcU8eo6I72WepEdgu_ARwoFGbNBaY4PDaxAL4KNFmvBDQ/s1600/alcala.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-fmS2KJ9Pnk7vYDKLeOCN-G9AGTLgSRP5GvM3uiI9Imnd6lxMVYd8JSuhHwKpoBsCHT_GSudq4qhyIVbGaozteoUfmFMdlABcU8eo6I72WepEdgu_ARwoFGbNBaY4PDaxAL4KNFmvBDQ/s640/alcala.jpg" width="640" /></a></div>
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Sabatini: <i style="font-weight: bold;">La Puerta de Alcalá. </i>Madrid</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Ventura Rodríguez </i>(1717-1785) intervino, al igual que Sabatini, en el <i>Palacio Real </i>de Madrid al lado de Juvara. En las obras de Rodríguez hay todavía muchos elementos barrocos y, para ser más precisos, del Barroco romano de Borromini. Así queda reflejado en la planta de la iglesia de <i>San Marcos </i>de Madrid, parecida a la de <i>Sant'Andrea del Quirinal </i>de Bernini. Paulatinamente se va aproximando al Neoclasicismo con obras como la fachada principal de la <i>Catedral de Pamplona</i> (1738), en la que se adelanta un pórtico coronado por un frontón que se sustenta con cuatro columnas corintias.</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Juan de Villanueva </i>(1739-1811) es el representante más importante del Neoclasicismo en España. Estudió en Roma como becario de la Academia y, a su vuelta a España, conoció la obra de Ventura Rodríguez por el que estuvo influido durante cierto tiempo. Analizó profundamente <i>El Escorial</i>, lo cual se percibe en algunos de sus edificios más importantes como <i>la Casita de Arriba </i>y <i>la de Abajo </i>en <i>El Escorial</i> (1773). Sus dos obras más interesantes son el <i>Museo del Prado </i>(1785) y el <i>Observatorio Astronómico </i>(1790). En el <i>Museo del Prado</i>, creado en un principio para ser un museo de Ciencias Naturales, alterna la piedra con el ladrillo, algo muy característico del Barroco madrileño. La rotonda de este edificio, que se halla en la parte central del mismo, está inspirada en el <i>Panteón </i>de Roma y, como en él, permite que entre una luz cenital a través del óculo. Estamos ante edificios de una pureza inusitada en nuestra arquitectura que desborda la mentalidad tradicional.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhia3ghvtwOfwvwgz-0PTB4TzD1WJHgk-r9bRLNUpW5G-pkG8vp7_RYgDkXjWhl23l0lYBoOSFfMFWSAyIG65jwZygiadMYR9x26Up-u6dJf6C1s661Pf2Bj0JCkw5nsiSX_QUpKIT-F8I/s1600/prado.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="488" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhia3ghvtwOfwvwgz-0PTB4TzD1WJHgk-r9bRLNUpW5G-pkG8vp7_RYgDkXjWhl23l0lYBoOSFfMFWSAyIG65jwZygiadMYR9x26Up-u6dJf6C1s661Pf2Bj0JCkw5nsiSX_QUpKIT-F8I/s640/prado.jpg" width="640" /></a></div>
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Villanueva: <i style="font-weight: bold;">Museo del Prado. </i>Madrid</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>3. LA ESCULTURA NEOCLÁSICA</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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La escultura neoclásica pretende volver al mundo clásico en forma y contenido. En estos momentos resurge con fuerza <b>el relieve </b>(precisamente ahora se trasladan los relieves del <i>Partenón </i>a Londres) aunque también será frecuente que se hagan <b>grupos escultóricos</b>. <b>El retrato </b>romano ejercerá gran influencia en los que se realicen durante este período, puesto que una de las prioridades del mismo es devolver la dignidad y la elegancia al personaje retratado, en definitiva, pretenderá ennoblecerle. El principal material que se va a utilizar es <b>el mármol</b> tratando de que no se produzca ninguna sensación de claroscuro, para lo cual se trabajan muchísimo las superficies. El mármol blanco e inmaculado se prefirió en un intento de imitar la escultura clásica _en ese momento se desconocía que gran parte de las esculturas clásicas eran polícromas y que su actual aspecto, no era más que fruto del lógico deterioro del paso del tiempo_. La sensación que se desprende al contemplar una escultura neoclásica es de increíble perfección técnica pero, al mismo tiempo, de enorme frialdad, ya que se eluden los movimientos bruscos y la teatralidad en favor de la proporción y el orden. Se busca ante todo el equilibrio, el sosiego y la serenidad que, muchas veces, se traduce en expresiones de melancolía.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8bZgEJUBVSCvOjWmvkkwYlE6NaqfiYw-vteGFP5PIu2Mn262R5m4tDsO25226M7YK9IyOeJ44YZE3nka-sL5mZYaHuWIMGShiqYequUnpYjpm3bNISMnF0H0jEtevHA8fBzYY2iiAotU/s1600/venusitalica.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8bZgEJUBVSCvOjWmvkkwYlE6NaqfiYw-vteGFP5PIu2Mn262R5m4tDsO25226M7YK9IyOeJ44YZE3nka-sL5mZYaHuWIMGShiqYequUnpYjpm3bNISMnF0H0jEtevHA8fBzYY2iiAotU/s640/venusitalica.jpg" width="552" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Canova: <i style="font-weight: bold;">Venus itálica. </i>Galería Pitti. Florencia</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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Uno de los más brillantes escultores neoclásicos es <i style="font-weight: bold;">Antonio Canova </i>(1757-1822), artista de origen italiano. Conoció los relieves del <i>Partenón </i>y la escultura griega a través de las copias romanas. Esculpió héroes que representaban. con su enorme dignidad, los más altos valores del ser humano. En sus primeras obras todavía hay resabios de barroquismo (<i>Monumento funerario de Clemente XIII y Clemente XIV</i>) que comienza a superar en una de sus más grandiosas creaciones: <i>El enterramiento de María Cristina de Austria</i> (1798-1805). En ella, un conjunto de personajes forman una especie de escena teatral para entrar en la tumba de María Cristina. Representó un gran número de figuras mitológicas como <i>El Amor y Psyche</i>. Una de las obras de Canova que más fama ha adquirido es el retrato de <i>Paulina Bonaparte</i>, hermana de Napoleón, representada como Venus victoriosa (1804-1808), dotada de una gracia y un encanto que caracterizó a la mayoría de sus retratos y que se debe poner, necesariamente, en relación con el cuadro de David titulado <i>Madame Récamier</i>. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWPPYbesy2_FJi6dcJyUKfqQ-Ll1kGld_ELP8yod3F7nEj9avYQaZUGiT-idoxjClWY-xq7r7sB_JNiPLtAGMfE5mAJ_30bWq0hnQkENWEDlDBPMnqTHFbIekmmJmMgqLIy08WtBodcd0/s1600/pau.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWPPYbesy2_FJi6dcJyUKfqQ-Ll1kGld_ELP8yod3F7nEj9avYQaZUGiT-idoxjClWY-xq7r7sB_JNiPLtAGMfE5mAJ_30bWq0hnQkENWEDlDBPMnqTHFbIekmmJmMgqLIy08WtBodcd0/s640/pau.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Canova: <i style="font-weight: bold;">Paulina Bonaparte como Venus victoriosa. </i>Galería Borghese. Roma</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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De nacionalidad danesa, <i style="font-weight: bold;">Bertel Thörvaldsen </i>(1770-1844) estudió Bellas Artes en Copenhague, donde obtendría una beca para ir a estudiar a Roma. Se sentía profundamente apegado a la escultura clásica griega, incluso se cree que tenía una colección propia y colaboró en la restauración de las esculturas de Egina. Los personajes mitológicos, dioses y héroes de Thörvaldsen poseen una elegancia y majestuosidad que pocos escultores han conseguido plasmar en sus figuras (<i>Jasón y el vellocino de oro </i>[1801], <i>Las tres Gracias </i>[1818], y <i>Ganímides</i>). Hizo un buen número de retratos de importantes personajes como el <i>príncipe Poniatowski </i>(1817) y <i>Maximiliano de Baviera</i>.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTB9MsOpPCim4dczp0snLOWk87MT06DG5hcJCNrkjHLTfnuVz0BF5lXnp6k73MLWzFoys8MQwWJs3vqEgL9teD2h6mKJLOTmhHUzuZXDUUMH_ot6s4oAvev4TW4w5o2vO6AbDFEdADdCQ/s1600/jason.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTB9MsOpPCim4dczp0snLOWk87MT06DG5hcJCNrkjHLTfnuVz0BF5lXnp6k73MLWzFoys8MQwWJs3vqEgL9teD2h6mKJLOTmhHUzuZXDUUMH_ot6s4oAvev4TW4w5o2vO6AbDFEdADdCQ/s640/jason.jpg" width="434" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Thörwaldsen: <i style="font-weight: bold;">Jasón y el vellocino de oro. </i>Museo Thörwaldsen. Copenhage</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Jean-Antoine Houdon </i>(1741-1828) es uno de los mejores retratistas que ha dado la Historia del Arte francés. En él existen todavía algunos elementos procedentes de la escultura rococó, que conviven con aspectos puramente neoclásicos. Conoce Italia a los dieciséis años. A partir de su regreso a Francia inicia la actividad como retratista de los más importantes personajes de su tiempo: <i>Lafayette, Rousseau, Voltaire </i>(1778), <i>Napoleón </i>(1806), etc. Sus retratos están dotados de un gran naturalismo ya que, en ocasiones, utilizaba mascarillas de cera para dar una mayor fidelidad a sus representaciones. Junto a la representación fidedigna de los rasgos físicos del personaje, hay que resaltar la capacidad de Houdon para penetrar en la psicología del retratado. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjHqHstZcO7b6h94DNBhckpyKu6zxtkHowpxUUpO6MQ_P1TPSFmxBnAO7J7RQwQMzharngji6PsJ3ewhFxvkEI59OudXQalKlQO4a-FdOsZ_nPz_Dg1Vlgvf1nPlsBLb6ABvNBRurLFwjQ/s1600/volt.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjHqHstZcO7b6h94DNBhckpyKu6zxtkHowpxUUpO6MQ_P1TPSFmxBnAO7J7RQwQMzharngji6PsJ3ewhFxvkEI59OudXQalKlQO4a-FdOsZ_nPz_Dg1Vlgvf1nPlsBLb6ABvNBRurLFwjQ/s640/volt.jpg" width="472" /></a></div>
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Houdon: <i style="font-weight: bold;">Retrato de Voltaire. </i>Museo Victoria and Albert. Londres</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4. LA PINTURA NEOCLÁSICA</b></span></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4.1. La pintura neoclásica en Francia</b></span></div>
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<br /></div>
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Francia es el país en el que con más fuerza se desarrolló la pintura durante el Neoclasicismo. Fue la manifestación artística en la que los artistas tuvieron que recurrir con mayor frecuencia a la improvisación, debiendo tratar de imaginar cómo pudo ser la pintura clásica, puesto que, exceptuando las pinturas pompeyanas, muy poco es lo que se conserva. Su inspiración estará fundamentalmente en los relieves. Se produce una exaltación del <b>dibujo</b> frente al color. </div>
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<br /></div>
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Una de las figuras fundamentales de la pintura neoclásica es <i style="font-weight: bold;">Jacques Louis David</i> (1748-1825). Su punto de partida fue la estética rococó, de hecho Fragonard le conocía y le había recomendado para decorar la casa de un importante bailarín del momento. Poco a poco irá transformando su arte para aproximarse a las nuevas tendencias y convertirse en un naturalista clasicista. También se aprecia un proceso evolutivo en cuanto a la elección de su temática que, de frívola e intrascendente, pasará a ser más comprometida y a buscar la exaltación de la libertad, la virtud cívica y el heroísmo. En este sentido es un pintor políticamente comprometido con los ideales de la Revolución Francesa y, posteriormente, con el régimen napoleónico. Sus antecedentes artísticos se hallan en la obra de Poussin, especialmente en el gusto por el dibujo que ambos comparten. De su época intermedia destaca <i>El juramento de los Horacios</i> (1784), que se desarrolla sobre un fondo de columnas toscanas donde se sitúan sus personajes de anatomías clásicas. Las líneas rectas, verticales y horizontales contribuyen a dar equilibrio y estatismo a esta obra. <i>Marat asesinado </i>(1793) es una de las obras más sobrecogedoras de este artista. Nos presenta a Marat como alguien que muere por defender una ideología. En su rostro se dibuja una leve sonrisa, como si fuese conocedor de su fatal destino. David fue el pintor de Napoleón (<i>La coronación de Napoleón</i>, 1805-1807 y <i>Napoleón cruzando el puerto de San Bernardo</i>, 1800). <i>El retrato de Madame Récamier </i>(1813) guarda una estrecha relación con la escultura de Canova, <i>Paulina Bonaparte representada como Venus victoriosa</i>, tal y como hemos apuntado antes. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0fgXWLukdOSIeYhxxdwipX03SPn8BHwpfprpzuWLomoL0gOK3N2-wKQrvnFzQEJ4JOWrPA4mBQV2LxZ889It9Q9C2e9ZY9VVY60zg-mhQC-xJ7RzwZGryP80Ir-JknsqoPcxWvhdlVTQ/s1600/marat.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0fgXWLukdOSIeYhxxdwipX03SPn8BHwpfprpzuWLomoL0gOK3N2-wKQrvnFzQEJ4JOWrPA4mBQV2LxZ889It9Q9C2e9ZY9VVY60zg-mhQC-xJ7RzwZGryP80Ir-JknsqoPcxWvhdlVTQ/s640/marat.jpg" width="500" /></a></div>
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David: <i style="font-weight: bold;">Marat asesinado. </i>Museos Reales de Bellas Artes. Bruselas</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjp9uDMDUmnEQLuWBzyVepth-6Q-EhThqYqG7xGscWboK1nyPNRnQtSG8xdj5cUmrBkxezDUtIng_brKx0pLUK_0jRBYe98C9jRH0CsWk5jvy_kz75-0IqoUi2x-NCUKSDxgM9hXQba2AM/s1600/nap.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjp9uDMDUmnEQLuWBzyVepth-6Q-EhThqYqG7xGscWboK1nyPNRnQtSG8xdj5cUmrBkxezDUtIng_brKx0pLUK_0jRBYe98C9jRH0CsWk5jvy_kz75-0IqoUi2x-NCUKSDxgM9hXQba2AM/s640/nap.jpg" width="544" /></a></div>
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David: <i style="font-weight: bold;">Napoleón cruzando el puerto de San Bernardo. </i>Museo de Versalles. París</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwqFovzaMagIFA-X_iuR2YM2xAOA6YTEgWVJKgk-Xhenc9tC4DicP4l2gxvoEzwF7Yy6f5elkeKGIXLLVGwh1PtYme4UeknsuJttaPQYtGSJAFzuxIDkn6hEj9a9vkJ3gZrfx1lS3oOh0/s1600/rec.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwqFovzaMagIFA-X_iuR2YM2xAOA6YTEgWVJKgk-Xhenc9tC4DicP4l2gxvoEzwF7Yy6f5elkeKGIXLLVGwh1PtYme4UeknsuJttaPQYtGSJAFzuxIDkn6hEj9a9vkJ3gZrfx1lS3oOh0/s640/rec.png" width="426" /></a></div>
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David: Detalle de <i style="font-weight: bold;">Madame Récamier. </i>Museo del Louvre. París</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Antoine-Jean Gros </i>(1771-1835) estudió con David y fue uno de sus más importantes discípulos. Pintó muchas de las batallas de Napoleón y se encargó de magnificar su imagen a través de sus cuadros (<i>La batalla de Eylau, </i>1808, <i>Napoleón y los apestados de Jaffa</i>, 1804, y <i>Napoleón joven en el puente de Arcole, </i>1799). El otro gran pintor neoclásico francés es <i style="font-weight: bold;">Jean-Auguste-Dominique Ingres </i>(1780-1867). Fue un hombre muy longevo (vivió ochenta y siete años) que poseía una sólida formación pictórica y musical. Estuvo en Roma y admiró especialmente la obra de Rafael, con el que se le ha llegado a comparar. Fue muy fiel a su estilo que pretendía ser el reflejo de un arte intemporal en el que el dibujo es un elemento fundamental. Conoció el Impresionismo, lo que no provocó en él ningún cambio estilístico. Trató temas mitológicos como <i>La apoteosis de Homero</i> (1827) o <i>La fuente </i>(1856). El dibujo es el elemento fundamental de sus cuadros, la pieza clave de los mismos, mientras que el color desempeña un papel secundario. En <i>La bañista de Valpiçon </i>(1808) refleja un ambiente íntimo, al tiempo que se detiene en la textura de la blanca y aterciopelada piel de la figura desnuda, como también sucede en <i>La gran odalisca </i>(1814). El único elemento de color que introduce es el pañuelo que la protagonista de la obra lleva en su cabeza. Una de sus obras maestras es <i>El baño turco </i>(1862)que pintó a los ochenta y dos años y en la que demuestra su fascinación por el mundo oriental, que más tarde será uno de los temas principales de la pintura romántica. En esta obra los cuerpos voluptuosos se agolpan en medio de un ambiente saturado por el valor magistralmente representado, tanto que casi se puede sentir. <i> </i> </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHYsLjXf1h0-VQLb-K6tJ0z_KvGLepjtmGoXvCYdgP1XolYxnRQnDjASDzirxjJ-urgpsEf2KtdhO81XCiVlYda0T3PSb_z2zFVPhv-fNogfxZqlAaA2wSyqzRX0q0QimgRmsztNl1smE/s1600/Grandeodalisque.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="358" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHYsLjXf1h0-VQLb-K6tJ0z_KvGLepjtmGoXvCYdgP1XolYxnRQnDjASDzirxjJ-urgpsEf2KtdhO81XCiVlYda0T3PSb_z2zFVPhv-fNogfxZqlAaA2wSyqzRX0q0QimgRmsztNl1smE/s640/Grandeodalisque.jpg" width="640" /></a></div>
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Ingres: <i style="font-weight: bold;">La gran odalisca. </i>Museo del Louvre. París</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-W1qcCg_R7JOZ8BPH55U_RuSM_N5d6SWjlVKvMWn2HTmaCn8AEVHa4pseDduTSpXM6sBXBrdqgiIGODD7maYbTPLvkWfUXwRXAsPoNEP6leozMAnk3DYUbMRDXc-Dyg66YBEj8DIOBuA/s1600/ban%25CC%2583.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="632" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-W1qcCg_R7JOZ8BPH55U_RuSM_N5d6SWjlVKvMWn2HTmaCn8AEVHa4pseDduTSpXM6sBXBrdqgiIGODD7maYbTPLvkWfUXwRXAsPoNEP6leozMAnk3DYUbMRDXc-Dyg66YBEj8DIOBuA/s640/ban%25CC%2583.jpg" width="640" /></a></div>
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Ingres: <i style="font-weight: bold;">El baño turco. </i>Museo del Louvre. París</div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4.2. Pintores extranjeros en España durante el Neoclasicismo</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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Cuando Felipe V, primer monarca de la Casa de Borbón, llega a nuestro país (1700), se encuentra con una pintura que no tiene nada que ver con lo que él había conocido en Francia. Por este motivo hizo venir a España a una serie de extranjeros que ensombrecen a muchos de los artistas nacionales. Estamos ante pintores que poseen una <b>fuerte formación académica </b>y que destacan sobre todo en el <b>retrato cortesano</b>, aunque también cultivaron la pintura de género, los temas mitológicos y el paisaje.</div>
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<br /></div>
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El pintor extranjero más importante del Neoclasicismo español fue <i style="font-weight: bold;">Rafael Mengs</i> (1718-1799). Nacido en Bohemia, era hijo de un miniaturista empeñado en que su hijo se convirtiese en un gran pintor. Llegó a España de la mano de Carlos III para decorar los techos de varios salones del Palacio Real de Madrid. Trabajó para las principales cortes europeas: Suecia, Alemania, Nápoles, etc. Fue un férreo defensor del Neoclasicismo que se enfrentó a Tiepolo, el cual representa exactamente lo contrario: la exaltación del color. Gran retratista de la nobleza y la monarquía (<i>Carlos III, María Luisa de Saboya</i>), sus pinturas se caracterizan por la minuciosidad de su pincelada, la palidez de los colores y la frialdad escultórica de los mismos. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0Vv4o9ASUj-xQi0X9Yr0-V7krHKtF6W_UZmdpMs_5fuef3lXoyMmp0gP9CVv3CXbd9YefQWuyiIjYwCmjsa8AjnS6tL6VxIk0L-xoZKxU5eahxhWxxaaial_k46BLswaGnD2QuYQAc9M/s1600/carlosiii.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0Vv4o9ASUj-xQi0X9Yr0-V7krHKtF6W_UZmdpMs_5fuef3lXoyMmp0gP9CVv3CXbd9YefQWuyiIjYwCmjsa8AjnS6tL6VxIk0L-xoZKxU5eahxhWxxaaial_k46BLswaGnD2QuYQAc9M/s640/carlosiii.jpg" width="456" /></a></div>
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Mengs: <i style="font-weight: bold;">Carlos III. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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En España, junto a Mengs, trabajaron otros pintores como el francés <b>Jean Ranc</b>, autor de retratos recargados y ceremoniosos que aprendió de la mano de Rigaud (<i>Fernando VII niño</i>). También se ocupó de temas mitológicos como <i>Vertumo y Pomona</i> en el que las figuras poseen una gran potencia volumétrica. <i style="font-weight: bold;">Luis Miguel van Loo </i>(1707-1771) hizo un retrato de la <i>familia de Felipe V </i>en que los miembros de la misma se encuentran en medio de una grandiosa y clásica escenografía. En una de sus obras mitológicas, <i>El Amor educado por Venus y Mercurio</i>, aborda el desnudo con una libertad absoluta, convirtiéndolo en el elemento prioritario del cuadro. El riguroso dibujo perfila anatomías tan perfectas como frías y sólidas, que parecen verdaderas esculturas que cobran entidad física y volumétrica. </div>
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<br /></div>
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Entre <b>los italianos </b>que encontramos en España se encuentran <b>Jacobo Amiconi </b>y <b>Corrado Giaquinto </b>(bastante próximo al Barroco decorativo aún), pero sobre todo <i style="font-weight: bold;">Giandomenico Tiepolo </i>(1727-1804) que viene a España para pintar algunas estancias del Salón del Trono del Palacio Real de Madrid. Conviven en sus frescos formas muy poco definidas y vaporosas con otras bien perfiladas, dibujadas con una visión muy realista. No olvidemos que es un pintor veneciano y tiene un arraigado sentido del color. Su pintura es, en muchas ocasiones, susceptible de ser definida como impresionista, aspecto que originó, como ya se ha comentado, una fuerte controversia y enfrentamiento con Mengs. </div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4.3. Pintores españoles neoclásicos</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<i style="font-weight: bold;">Francisco Bayeu </i>(1734-1795), cuñado de Goya, estuvo más próximo a los italianos que a Mengs, aunque éste también ejerció cierta influencia sobre él. Fue un importante fresquista que demostró haber asumido un tema que tenía tan poca raigambre en España como el mitológico. Pintó algún que otro paisaje (<i>El paisaje de las Delicias</i>) y cartones para tapices que demuestran la influencia de Goya. Su hermano <b>Ramón Bayeu</b> también se dedicó a la pintura pero sin llegar nunca a superar a Francisco ni, por supuesto, a Goya. </div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Mariano Salvador Maella </i>(1739-1819) estaba rotundamente influido por Mengs. A él pertenece una serie sobre las estaciones del año que se conserva en el Museo del Prado y que da perfecta fe de esta influencia. El gran bodegonista español del siglo XVIII es <i style="font-weight: bold;">Luis Meléndez </i>(1716-1880). Se encuentra muy lejos de Zurbarán, bodegonista español por antonomasia, y se aproxima a los pintores holandeses. En lugar de organizar escrupulosamente los objetos ante los ojos del espectador, permite que estos se agolpen y se repartan en diversos planos.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjh48NTP1ybWQjYFXobAE4S_6GfqZdgtdEyfeA_xe8qln67t6KIt4EfUL2hgjjhPsokiZCRc9e8xXD6OBiCaiOuJ4riizZ0CwJuDMI0zfoKByLFn2jnDmFj9RKfTYgk_O7JwePDA4o2A6w/s1600/bod.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="422" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjh48NTP1ybWQjYFXobAE4S_6GfqZdgtdEyfeA_xe8qln67t6KIt4EfUL2hgjjhPsokiZCRc9e8xXD6OBiCaiOuJ4riizZ0CwJuDMI0zfoKByLFn2jnDmFj9RKfTYgk_O7JwePDA4o2A6w/s640/bod.jpg" width="640" /></a></div>
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Meléndez: <i style="font-weight: bold;">Bodegón. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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Los verdaderos clasicistas llegaron con los primeros años del siglo XIX y se ubicaron en Madrid. Son jóvenes artistas que han conocido en Francia la obra de David y han quedado marcados por ella. <i style="font-weight: bold;">José de Aparicio </i>(1770-1838) es uno de los que mejor representa esta corriente en España. Estudió en Valencia, Madrid y Roma junto a muchos maestros, pero estaba especialmente interesado en la obra de David. Gozó de gran fama en su época. Una vez en Madrid, llegó a ser director de la Academia de Bellas Artes de San Fernando. <i style="font-weight: bold;">José de Madrazo </i>(1781-1859) nació en Santander, pero estudió en Roma y en París, donde fue discípulo de David y de Canova. Para pintar una de sus obras más interesantes, <i>La Muerte de Viriato</i>, se inspiró en <i>El juramento de los Horacios</i>. Las similitudes son realmente grandes, en ambos casos estamos ante una composición excesivamente estudiada que puede resultar un tanto artificiosa. En este cuadro se representa a Viriato muerto en el interior de su tienda. Realiza además un buen número de retratos (<i>Retrato ecuestre de Fernando VII, El conde de Vilches</i>, etc.).</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>LA GÉNESIS DEL NEOCLASICISMO</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Fueron varias las causas que contribuyeron a atraer de nuevo la atención hacia el arte antiguo, a producir un nuevo interés por las formas clásicas, que se valoran entonces de muy distinto modo a como se las había considerado a partir del Renacimiento. Lo que se fragua entonces es una convicción de que el arte antiguo ofrecía posibilidades que jamás habían sido entrevistas. En 1719, eran descubiertas las ruinas de Herculano, sepultadas bajo la lava en la famosa erupción del Vesubio. La dureza de la lava había permitido obtener allí algunos hallazgos pero impidió su prosecución; en cambio, las excavaciones empezadas en Pompeya, en 1748, lograron enseguida un éxito mucho mayor, ya que aquella ciudad había quedado recubierta sólo por cenizas volcánicas: los monumentos no habían sido tan destruidos. y la menor dureza de las capas de recubrimientos facilitaba los trabajos de excavación. Estos habían revelado datos insospechados sobre la vida y el arte entre los antiguos. Y dichos resultados, acogidos con entusiasmo, habían abierto los ojos hacia un nuevo modo de contemplar las ruinas monumentales de Roma".</i></div>
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<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
(PIJOAN, J. <i>La reacción neoclásica</i>, 1973)</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>A FONDO</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><i>LAS TRES GRACIAS</i></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>CANOVA</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Canova es una de las piezas claves del Neoclasicismo. Nace en Possagno (Italia) en 1757 y muere en Venecia en 1822. En un primer momento se encuentra muy influido por uno de los grandes maestros de la escultura italiana: Bernini. Poco a poco, tras el estudio profundo de la escultura clásica en Roma, se va a ir liberando de esta primera influencia. Alcanzó un importante dominio de la técnica que le granjeó la admiración y el respeto de sus contemporáneos, trabajó, incluso, para el propio Napoleón, retratándolo como Marte pacificador. Sus esculturas son de una belleza formal realmente increíble, pero al mismo tiempo, frías e inexpresivas a tenor del espíritu neoclásico. Se busca "lo agradable según la razón" como afirmaba Winckelmann.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>Las tres Gracias</i>, que es el tema que nos ocupa, son deidades menores que acompañaban a Venus. En un primer momento no se especificaba su número concreto pero, con el paso del tiempo, el uso y quizá la comodidad iconográfica, se estableció que eran tres. Existe un texto de Wind que nos precisa más concretamente la valoración que las Gracias han tenido a lo largo de la Historia: "Así como la tríada de las Gracias significaba para los estoicos la liberalidad, para los neoplatónicos era un símbolo de amor que invitaba a las celestes meditaciones". Este mismo tema había interesado a otros muchos artistas anteriores a Canova como Rafael, o el propio Botticelli que las representa magistralmente en su obra <i>La Primavera</i>, como bellas mujeres plenas de encanto que danzan envueltas en telas transparentes.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En 1817 Canova finaliza esta obra. Antes de esculpirla realizó una serie de bocetos preparatorios. En algunos de ellos se pueden observar grupos de diosecillas rodeadas de p<i>utti </i>que danzan. Es casi seguro que, para hacer estos bocetos, se inspirase en relieves y esculturas clásicas, especialmente en las de Fidias. Existen textos que así nos lo confirman, como aquella carta que Canova escribió en 1815 a su amigo Quatremère de Quincy en la que dice lo siguiente: "Así pues, las obras de Fidias son verdadera carne, naturaleza bella. Es carne el Mercurio sin brazos del Belvedere, es carne el Gladiador combatiente, carne las múltiples copias del Sátiro de Praxíteles, carne el Cupido, cuyos fragmentos se encuentran por todas partes, carne la Venus, y además una Venus de este Real Museo es verdadera carne, totalmente verdadera". Algunos de estos estudios previos están realizados sobre un lienzo oscurecido y las figuras se dibujan con rápidos trazos blancos. Este procedimiento responde a la necesidad de prever en este soporte los resultados que podría obtener cuando esculpiese el mármol de un blanco inmaculado. <i>Las tres Gracias </i>es un conjunto escultórico de una impresionante armonía. Las diosas desnudas entrelazan sus cuerpos de equilibradas anatomías, creando un esquema cerrado y un ambiente íntimo. Además de la complicidad de sus miradas, otro elemento al que el escultor ha recurrido para vincularlas, es la delicada tela que las acaricia deslizándose sobre las mórbidas carnes. Ensimismadas, permanecen totalmente ajenas a la presencia del espectador, que se ha de limitar a observar silenciosamente para no romper el encanto de la escena. En ningún momento es invitado a entrar en ella por ninguna de sus protagonistas. Las posturas son elegantes y las superficies, pulidas y blancas, pretenden aproximarse a los ideales escultóricos de la Grecia clásica, demostrándonos de esta manera que el artista del Neoclasicismo ignoraba que la mayoría de las esculturas clásicas estaban policromadas en vivísimos colores. Los perfiles de los rostros nos recuerdan a los relieves griegos, especialmente a los de Fidias que, como ya hemos tenido ocasión de comentar, Canova conocía sobradamente. Todo en ellas es equilibrio, serenidad, estabilidad y perfecta belleza. Frecuentemente, esculturas como estas serán la inspiración para cuadros de la misma época, puesto que se carece de restos pictóricos de la antigüedad griega.</div>
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<i><br /></i></div>
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La importancia de esta escultura ha trascendido a su propio tiempo. La fundación Thyssen-Bornemisza celebró en el año 1998 una exposición temporal en la que se analizaba el panorama europeo durante el siglo XVIII. A sus propios fondos se sumaban los procedentes de otros museos, entre los que se encontraba esta escultura que, además, era elegida como emblema de la misma. Las tres Gracias representan a la perfección el espíritu de una época en la que la Razón es fuente de equilibrio, al tiempo que se opone enérgicamente al exaltado espíritu barroco, reinventando, a su manera, la Antigüedad griega.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg83rnjb1TdK86FVEYCbfGqVie76MTMMnHRSbWOioP0tDsuRllINN_xBojLCnllUq3pYKJhe1-AyvRusZx0XyK7qWj2WCKJMIg_aE4uq0F8SA1P3gWuM_5Fr0fU5qO9UjCldtStBOVYqEk/s1600/tresgr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg83rnjb1TdK86FVEYCbfGqVie76MTMMnHRSbWOioP0tDsuRllINN_xBojLCnllUq3pYKJhe1-AyvRusZx0XyK7qWj2WCKJMIg_aE4uq0F8SA1P3gWuM_5Fr0fU5qO9UjCldtStBOVYqEk/s640/tresgr.jpg" width="436" /></a></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>GLOSARIO</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<b>Ganímides</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Era un joven del que se enamoró Zeus. El dios, bajo la forma de águila, raptó al muchacho y se lo llevó consigo al Olimpo. Una de las representaciones más curiosas del rapto de Ganímides es la que realizó Rembrandt por su personal interpretación del tema mitológico.</div>
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<br /></div>
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<b><i>Marat asesinado</i></b></div>
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El 13 de Julio de 1793 Charlotte Corday asesina a Marat. Se le representa escribiendo en una bañera porque, debido a una grave enfermedad en la piel, Marat debía pasar bastante tiempo dentro del agua. La escena es de un gran dramatismo que se acentúa con la luz que recuerda a las obras de Caravaggio.</div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>CITAS</b></span></div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Diréis que me he figurado las construcciones a mi manera; pero imagináoslas a la vuestra; mostradme diseños de cualquier rigorista, de quien crea haber concebido un maravilloso proyecto para hacer una obra (...)".</i></div>
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<b>Giambattista Piranesi</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"(...) El compás de la razón jamás debe abandonar al ingenio de la arquitectura, que siempre ha de tomar como regla esta bella máxima: no hay belleza</i> <i>sin mesura".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Étienne-Louis Boullée</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"(...) No ignora VMD. que los artistas del día están divididos en dos sectas, las cuales no sólo difieren en opiniones, sino que se baldonan mutuamente por ellas. Puede llamarse a unos idealistas y naturalistas a los otros".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Gaspar Melchor de Jovellanos</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"No se ha dado ningún caso de un gran dibujante que no hubiera encontrado el color exacto y adecuado al carácter de su dibujo".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Ingres</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"(...) su perfección (del dibujo) consiste en la corrección, esto es, en la exacta imitación</i> <i>de todas las formas, y del modo con que se presentan a nuestra vista, y en saberlas dar el carácter que las corresponde, eligiendo de la naturaleza el que conviene al asunto y objeto".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Anton Rafael Mengs</b></div>
</div>
</div>
GreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-77936011070921115482015-12-22T06:16:00.001-08:002015-12-22T06:16:16.241-08:00La pintura y la escultura barroca en España<b>El Barroco español tuvo, como ya hemos tenido ocasión de ver al hablar de la arquitectura, una personalidad propia, consecuencia de la amalgama de aportaciones estilísticas que trae esta nueva corriente, con los rasgos propios de la tradición artística española. El Barroco en las artes plásticas está determinado por personalidades decisivas que imprimen su huella más allá de la duración de esta corriente. De esta manera, Velázquez será fuente de inspiración para otros artistas posteriores de la talla de Manet o el propio Picasso. Será, además, uno de los pocos que tengan la fortuna de viajar y conocer las obras de artistas extranjeros, especialmente italianos. </b><br />
<b><br /></b>
<b>En nuestro país, lo mismo que sucedió en Flandes y en Italia, las artes plásticas son el soporte idóneo para las ideas de la Contrarreforma, ¡qué mejor manera de exponer los dogmas de la fe que las imágenes religiosas de Gregorio Fernández, plenas de patetismo y dolor, o cuadros de Zurbarán, quien supo plasmar como nadie las visiones de los santos!</b><br />
<b><br /></b>
<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyhH_H0h9jPLABzT0ZUmJr5pmv6KKILFasMO3dxWVZ8pYAUd7tRaH-Taf5H8I7RqPa-vGLglpAHZtAneVTv9CoFUNoASXthlFU_16BawLBdE04fF72_sqIiRRcFdXWnp1sGp7W3mbignk/s1600/bac.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyhH_H0h9jPLABzT0ZUmJr5pmv6KKILFasMO3dxWVZ8pYAUd7tRaH-Taf5H8I7RqPa-vGLglpAHZtAneVTv9CoFUNoASXthlFU_16BawLBdE04fF72_sqIiRRcFdXWnp1sGp7W3mbignk/s640/bac.jpg" width="510" /></a></div>
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José de Ribera: <i style="font-weight: bold;">Cabeza de Baco. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>1. LA ESCULTURA BARROCA EN ESPAÑA</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>1.1. Aspectos generales de la escultura barroca</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La escultura del Barroco español posee características bien diferentes a las de otros países, y en concreto a la que se desarrolló en Italia, encarnada principalmente por Bernini. No sólo en cuanto a los materiales utilizados, ya que en España se prefirió la <b>madera policromía</b> frente al mármol o el bronce, sino también por la elección de los temas. Raramente encontraremos iconografías mitológicas o alegóricas, en cambio, se optará por los <b>asuntos religiosos </b>al servicio de la Contrarreforma. Las piezas que no tienen como objeto temas religiosos se solían encargar a artistas extranjeros: tal es el caso de <i>las esculturas ecuestres de Felipe III </i>y <i>Felipe IV</i> realizados por Juan de Bolonia y Pietro Tacca respectivamente. En las imágenes devocionales se valoró especialmente el realismo, lo cual conlleva, en muchos casos, la utilización del vidrio para los ojos y las lágrimas e, incluso, el cabello natural como recurso artístico para favorecer el dramatismo. Muchas de estas imágenes se vestían con telas verdaderas, de tal modo que tan sólo se tallaba el rostro y las manos.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOxJxZrC8fnZjA0PjIHksGmc4R9bF53P0dqrLL5WKt7QSm9N20ynjzE0M3WgqLgf08eGvsnU8CW_h20NH9DXyn2oIPhZ_l1iwRrOJlp5wAa_Bh10uqvjTHsG5dSF1Bv1ztyk60SM8KhZ4/s1600/fr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOxJxZrC8fnZjA0PjIHksGmc4R9bF53P0dqrLL5WKt7QSm9N20ynjzE0M3WgqLgf08eGvsnU8CW_h20NH9DXyn2oIPhZ_l1iwRrOJlp5wAa_Bh10uqvjTHsG5dSF1Bv1ztyk60SM8KhZ4/s640/fr.jpg" width="326" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Pedro de Mena: <i style="font-weight: bold;">San Francisco. </i>Catedral de Toledo</div>
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<br /></div>
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Es precisamente en esta época cuando se produce la aparición de <b>las cofradías </b>y <b>hermandades</b>, cuya finalidad era divulgar y canalizar la fe religiosa del pueblo. Para ellas se hacían los <b>pasos</b> que se sacan en procesión en la Semana Santa. El primer lugar en que se produjo este fenómeno fue Valladolid, núcleo de una de las más importantes escuelas escultóricas del momento. En algunos casos la devoción popular llegó hasta tal límite que en las casas, cobijadas en pequeñas urnas, se guardaban imágenes religiosas de estas características ("imágenes de urna")</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En la escultura barroca española existen <b>dos escuelas</b> fundamentales. Por un lado la escuela castellana y, por otro, la andaluza. Más tarde, Murcia destacará con la presencia de Salzillo.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>1.2. La escuela castellana</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Desde el punto de vista escultórico, Valladolid figura en primer lugar dentro del área castellano-leonesa. Allí trabajará <i style="font-weight: bold;">Gregorio Fernández </i>(1576-1636), artista de origen gallego. Se inició como escultor en el taller de su padre, retablista e imaginero. Conocía la producción artística de Juam de Juni, quien dejó mella en su obra, sobre todo durante los años en los que permaneció en Valladolid. Después se trasladó a la corte, donde, a pesar de su breve estancia en Madrid, tuvo ocasión de ponerse en contacto con los Leoni y de ahondar en el conocimiento de lo clásico, que se refleja en algunas de sus primeras obras.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En Gregorio Fernández se aprecia muy bien la evolución desde un cierto Clasicismo a un naturalismo exacerbado, que va a caracterizar la mayor parte de su producción artística y del que se sirve para conseguir el dramatismo e, incluso, el patetismo en sus creaciones.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En las primeras obras suyas de las que se tiene constancia, se puede observar una preferencia por la anatomía rotunda al estilo miguelangelesco, quizá por influencia de Juan de Juni y de los romanistas (<i>el retablo de Villaverde de Medina </i>y <i>el de Nava del Rey</i>, 1615). En 1613 se produce la beatificación de san Ignacio de Loyola, motivo por el que realiza una talla del santo, en la que ya percibimos elementos que formarán parte de su estilo y que perdurarán a lo largo de muchas de sus obras.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Una vez que comenzó a ser conocido y empezó a recibir encargos de diferentes puntos del país, se vio obligado a formar un taller propio. En muchos de ellos conviven la escultura con la pintura. Una de sus obras más difundidas es <i>El Bautismo de Cristo </i>en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid, que en un principio se hallaba en la iglesia de las Carmelitas Descalzas de esta ciudad.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Además de retablos, realizó un buen número de pasos procesionales marcados por la teatralidad, entre los que destacan por su belleza <i>La Piedad </i>o el del <i>Descendimiento</i>, así como imágenes devocionales, especialmente <i>el Cristo yacente </i>(Convento del Pardo) o el de las Clarisas de Valladolid. Sus Cristos se caracterizan por la anatomía estilizada y correctamente representada, la cabeza inclinada sobre una almohada y la boca y los ojos entreabiertos con una expresión auténticamente agónica. Además del <i>Cristo yacente</i>, realizó un buen número de Cristos atados a una columna, por cuyos cuerpos magullados discurre la sangre, y en cuyos rostros se puede apreciar una mezcla de resignación y dolor. En las crucifixiones, Cristo aparece muerto y se deja caer sobre la superficie de la cruz al tiempo que está cubierto de sangre. Además de estos modelos iconográficos que ya hemos analizado, realizó numerosas Inmaculadas y santos.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgL81vuq17MVyjI8jdJzVxROqGwJY4wMaPV2QecpN8OAemeglk-TCoqpeGxWDBzjKwZXY7pY1z6c9X73E9QG6_DgqBQgJhwzbnxw_S2czDEOEcCdPR_U0o66TbU9uR1pwd4Vze4mhcYPXw/s1600/cr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="344" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgL81vuq17MVyjI8jdJzVxROqGwJY4wMaPV2QecpN8OAemeglk-TCoqpeGxWDBzjKwZXY7pY1z6c9X73E9QG6_DgqBQgJhwzbnxw_S2czDEOEcCdPR_U0o66TbU9uR1pwd4Vze4mhcYPXw/s640/cr.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Gregorio Fernández: <i style="font-weight: bold;">Cristo yacente. </i>Museo Nacional de Escultura. Valladolid</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>1.3. La escuela andaluza</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Existen grandes diferencias entre la escultura castellana y la andaluza. La primera y más evidente es que Andalucía prefirió imágenes más serenas y dulces dentro del dramatismo que caracteriza la escultura barroca de nuestro país y sustituyó la sangre y el dolor por los dorados que se habían empleado profusamente durante el Renacimiento.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El miembro más destacado de la escuela andaluza es <i style="font-weight: bold;">Juan Martínez Montañés </i>(1568-1649). Fue uno de los artistas más admirados de su época e incluso se le llegó a llamar "dios de la madera". Era hijo de un dorador que poseía taller propio, lugar en el que discurrieron los primeros años de la formación artística de este escultor. La mayor parte de su vida habría de transcurrir en Sevilla. La primera obra suya de la que tenemos constancia es el <i>San Cristóbal</i>, que hizo para la cofradía de guanteros y que se encuentra en la iglesia del Salvador de Sevilla. La anatomía del santo es rotunda y los pliegues de sus ropas apretados. Más tarde talló el <i>Cristo de la Clemencia</i>, hoy en la catedral de Sevilla, una de sus obras más interesantes. Las proporciones son bastante clásicas y el rostro, ligeramente inclinado, carece del patetismo característico de la escuela castellana.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Entre las imágenes de devoción encontramos las Inmaculadas (<i>la Inmaculada del retablo de la capilla de los alabastros</i> de la catedral de Sevilla) con las manos unidas sobre el pecho, con una dulce expresión en el rostro y envueltas en amplios ropajes de grandes pliegues.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Juan de Mesa </i>(1587-1627) era de origen cordobés y siguió de cerca el ejemplo artístico de Martínez Montañés, con quien se formó desde un principio, pero imprime a sus obras un dramatismo que estaba absolutamente ausente en la obra de Montañés. Los Cristos de Juan de Mesa se caracterizan por sus potentes anatomías y por los paños de pureza plegados que se sujetan con una gruesa cuerda. Su obra más importante es el <i>Jesús del Gran Poder</i>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Alonso Cano </i>(1601-1667) es uno de los artistas más polifacéticos que ha dado el Barroco español. Era hijo de Miguel Cano, un ensamblador granadino que, siendo Alonso muy pequeño, encomendó su educación a Francisco Pacheco, quien más tarde sería preceptor de Velázquez. El frecuentar estos círculos probablemente favoreció que conociese personalmente a Velázquez y a Montañés, quien le aproximó al campo de la escultura y del que tomó muchos elementos que van a estar presentes en su estilo. A la severidad de Montañés él adhirió la gracia y la dulzura que se refleja, especialmente, en sus figuras femeninas. Así lo demuestra <i>la Virgen de la Oliva </i>del retablo de la iglesia parroquial de Lebrija que lleva en sus brazos al Niño (los niños de Alonso Cano se caracterizan por su suavidad y delicadeza). Siempre prefirió las tallas de pequeñas dimensiones que labraba con primor. En la Catedral de Granada es posible admirar la <i>Inmaculada del Facistol</i>, en la que sigue el esquema que había empleado Montañés: las manos unidas sobre el pecho, los ropajes abultados con numerosos pliegues, la silueta en forma de huso y el rostro sereno y dulce, casi infantil.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgJY1JGRPwi6_fTVrxqsHRsPU62Iro1cmiM80eNpaBnE1jXVEyagyz1di9cGpZvrNhqtgpwlopRq3EV8PZgWbQQe2ROdyeAtdxWoxuvu8ZSintM0o8wnqvVCNcyOwmS4dN3IQfDzAiY7Q/s1600/al.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgJY1JGRPwi6_fTVrxqsHRsPU62Iro1cmiM80eNpaBnE1jXVEyagyz1di9cGpZvrNhqtgpwlopRq3EV8PZgWbQQe2ROdyeAtdxWoxuvu8ZSintM0o8wnqvVCNcyOwmS4dN3IQfDzAiY7Q/s640/al.jpg" width="328" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Alonso Cano: <i style="font-weight: bold;">La Virgen de la Oliva. </i>Iglesia de Nuestra Señora de la Oliva. Lebrija</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Uno de los múltiples seguidores de Alonso Cano es <i style="font-weight: bold;">Pedro de Mena</i> (1628-1688), con quien ya había colaborado. En 1658 recibió el encargo de completar la <i>sillería de coro de la Catedral de Málaga</i>, iniciada por Luis Ortiz de Vargas. Para la Catedral de Toledo hizo un <i>San Francisco </i>de pie con la cabeza cubierta por una capucha y las manos ocultas en las mangas. Realizó muchos <i>bustos de la Dolorosa </i>y del <i>Ecce Homo</i> con lágrimas en el rostro. La obra más hermosa de toda su producción es <i>La Magdalena penitente</i>, que se halla en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid. Está vestida con una estera de palma atada al cuerpo con una cuerda. En la mano sujeta un crucifijo que contempla fijamente y su cabello suelto cae sobre los hombros.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;"><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpwiuZ-03IkRD-sXjwwQuvCqbTEnl_2TjlHXMU-8UDYPXrACU6RMaTR1PeNfZgjfp_RIqvM7xGFP8iHkMjdVRDxPl6vTvaOuxNH16eX1zvvuG51IoITCH8Fl4YrLBobhjNOtf2fcLaEqs/s1600/mag.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpwiuZ-03IkRD-sXjwwQuvCqbTEnl_2TjlHXMU-8UDYPXrACU6RMaTR1PeNfZgjfp_RIqvM7xGFP8iHkMjdVRDxPl6vTvaOuxNH16eX1zvvuG51IoITCH8Fl4YrLBobhjNOtf2fcLaEqs/s640/mag.jpg" width="480" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Pedro de Mena: <i style="font-weight: bold;">La Magdalena penitente. </i>Museo Nacional de Escultura. Valladolid</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>1.4. Murcia: Francisco Salzillo</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Francisco Salzillo </i>(1707-1783) era hijo de Nicolás Salzillo, un escultor de origen italiano, en concreto de Capua, que llegó a Murcia en 1700 y allí se estableció definitivamente.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Francisco Salzillo es un escultor elegante, poseedor de un profundo conocimiento anatómico y un auténtico entusiasta del color. Los pasos de la Pasión de Cristo nos revelan que tenía la capacidad de crear escenas realmente verosímiles.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Son muy importantes las imágenes de <i>San Francisco, Santa Clara</i> y <i>San Jerónimo penitente</i>, actualmente en el Museo Catedralicio de Murcia, de anatomía seca y piel arrugada.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Cuando contaba con cuarenta y cinco años de edad se le propuso la realización de <i>La Oración en el Huerto </i>(1752), que sería seguida por otros magistrales pasos de Semana Santa, como el de <i>La Caída, El Prendimiento </i>y <i>La Santa Cena</i>.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLyo9sxb_p-amP7k38vvjrUwueMOZL4Cb3jS7aGwRLxdi9TGQSxmFz4wS7-Ja0ywJEZcGS2nxWoqJechy3fMixjSHdikQrjarQTFKEuWcuvIeokavjSue77f7DulTlnN35BeMxQCMnFe8/s1600/sal.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLyo9sxb_p-amP7k38vvjrUwueMOZL4Cb3jS7aGwRLxdi9TGQSxmFz4wS7-Ja0ywJEZcGS2nxWoqJechy3fMixjSHdikQrjarQTFKEuWcuvIeokavjSue77f7DulTlnN35BeMxQCMnFe8/s640/sal.jpg" width="468" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Francisco Salzillo: <i style="font-weight: bold;">Oración en el Huerto de los Olivos. </i>Museo Saltillo. Murcia</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Sobresalió, además, como belicista. Sus belenes están formados por pequeñas y vivaces figuras preciosistas que anuncian el Rococó.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2. CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA BARROCA ESPAÑOLA</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La pintura barroca española es de una gran calidad y está dotada de una extraordinaria personalidad que la diferencia e independiza del resto de las manifestaciones pictóricas del siglo XVII en otros lugares de Europa.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En España la situación política, económica, social y religiosa influyen, no sólo en su nacimiento, sino en su posterior desarrollo.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>La Corte</b>, ubicada en Madrid, es el núcleo artístico de máximo interés, en torno al cual se agrupan los más geniales pintores de este momento, y en donde confluyen todas las aportaciones llegadas de otros países europeos.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Como ya hemos señalado en otras ocasiones, los Habsburgo tenían una importante colección de pintura que siguió creciendo a lo largo de este siglo, integrada, tanto por pintura flamenca como italiana, de la que los pintores que trabajaban en círculos próximos a la Casa Real pudieron gozar y, lo que es aún más importante, aprender.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Además de Madrid, existen otros importantes focos como son Sevilla, Valencia, Granada, Zaragoza o Valladolid.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>El concepto de escuela </b>resulta, en cualquier caso, bastante insuficiente, puesto que muchos de los pintores trabajan de manera itinerante y porque apenas encontramos elementos unificadores entre los miembros de una misma escuela, ya que la pintura barroca española se compone de fuertes y brillantes personalidades que evolucionan de un modo independiente. También es cierto, por otro lado, que este criterio es bastante útil a la hora de organiza el estudio de este esplendoroso momento de nuestra pintura.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
España, a diferencia de lo que había sucedido en Holanda, careció de una burguesía que encargase obras de arte que, en la mayoría de los casos, servían para embellecer sus propios hogares, y por consiguiente, no existió la figura del pintor que establecía un taller de forma independiente esperando los encargos de los clientes que le permitiesen vivir de su trabajo.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El mecenazgo corrió a cargo de la <b>Monarquía </b>y de <b>la Iglesia</b>. Se encargaron obras para decorar el interior de los conventos y de los monasterios. Pintores como Zurbarán pasaron casi toda su vida trabajando para esta clientela. Esto hace que abunden <b>los temas religiosos</b>, fuertemente influidos por el espíritu contrarreformista en detrimento de los temas mitológicos, de los que no existe una gran tradición en nuestro país y en los que nuestros pintores no se desenvuelven con demasiada soltura.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBaIHkoEWnlrhmSp2pX9btL2EknoL6-h2buwNzMjYZjIjzlKjAYIal354sqk2Qvx8DIgAOCQVzyqEi1whMrGBZpHX77iFa2xU487cnuyoP6oZCcw1qbgzRlV6E-956tAg1o_ox-euNUjk/s1600/in.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBaIHkoEWnlrhmSp2pX9btL2EknoL6-h2buwNzMjYZjIjzlKjAYIal354sqk2Qvx8DIgAOCQVzyqEi1whMrGBZpHX77iFa2xU487cnuyoP6oZCcw1qbgzRlV6E-956tAg1o_ox-euNUjk/s640/in.jpg" width="436" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Bartolomé Murillo: <i style="font-weight: bold;">La Inmaculada. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Irrumpe con fuerza <b>el bodegón </b>o naturaleza muerta, detrás del cual se suele esconder un fuerte simbolismo de carácter moral e incluso religioso. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgc91iRMZwbvQFr-6K6bI6aW73HDKOl0CSQItl8HVsYr_nVntbI8mrzDj0PO8V6GW4w7Jc3Lro066nVKHg3rn-3hbY1uULyk-oM71cSUteMtRdhoq2Qzmx2O7KrMlennVuuInTqPtHAEeo/s1600/mu.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="498" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgc91iRMZwbvQFr-6K6bI6aW73HDKOl0CSQItl8HVsYr_nVntbI8mrzDj0PO8V6GW4w7Jc3Lro066nVKHg3rn-3hbY1uULyk-oM71cSUteMtRdhoq2Qzmx2O7KrMlennVuuInTqPtHAEeo/s640/mu.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Sánchez Cotán: <i style="font-weight: bold;">Bodegón. </i>Museo de Bellas Artes. Granada</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
También lo hace <b>el retrato</b>, mientras que son muy escasos los <b>paisajes </b>y los asuntos de carácter <b>histórico</b>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En España, a diferencia de otros países, <b>la situación del artista </b>seguía siendo muy injusta. No se pensaba que éste realizase una actividad de tipo intelectual, seguía siendo considerado un simple artesano. El pintor nunca era recompensado con títulos nobiliarios ni con el reconocimiento social.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Uno de los pintores que más incidencia artística tuvo en España fue <b>Caravaggio</b> y, con él, el Tenebrismo. Casi todos los pintores barrocos españoles pasarán, a lo largo de su trayectoria artística, por una fase tenebrista.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>3. LA PINTURA BARROCA DURANTE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XVII</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>3.1. Ribalta y Ribera: miembros de la escuela valenciana</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Francisco Ribalta </i>(1565-1628) es una de las primeras y más importantes figuras de esta escuela. Estuvo durante cierto tiempo pintando con Zuccaro, Tibaldi y Navarrete el Mudo en <i>El Escorial</i>. En 1595 se estableció en Valencia. Su estilo está marcado por los fuertes contrastes de luz que demuestran la influencia de Caravaggio, así como por una gran capacidad para individualizar los rostros. Los temas que con más frecuencia abordó son los de carácter místico-ascético como las visiones y las apariciones. <i>San Francisco confrontado por un ángel </i>(1620) es una de sus obras más divulgadas e interesantes. En ella vemos a un ángel músico que se aparece a san Francisco caracterizado por la presencia de un cordero y por los estigmas de sus manos. Es un cuadro tenebrista en el que el autor se ha detenido en las calidades de los objetos, de tal modo que las ásperas y pesadas telas de las vestiduras del santo contrastan con los ligeros ropajes que envuelven al ángel. <i>Cristo abrazando a san Bernardo</i> muestra con claridad una visión mística. En esta obra existen dos líneas paralelas y diagonales que forman los brazos de Cristo sujetando los del santo. Lo místico no es incompatible con lo tangible como demuestra Ribalta aquí. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjm5cnCjYGFLhjm0HvrbVTbXLq0l2obxBqJnQr_c2aprRLW9HZ8Tv7R63f6hm5L_SbQPHMrNA1aso-oNwq7vR7cEItcQa50gHqPRUXAgUGWmn9mcfGBlEr_RI2xK-j39QcP2n8max2L8c/s1600/ri.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjm5cnCjYGFLhjm0HvrbVTbXLq0l2obxBqJnQr_c2aprRLW9HZ8Tv7R63f6hm5L_SbQPHMrNA1aso-oNwq7vR7cEItcQa50gHqPRUXAgUGWmn9mcfGBlEr_RI2xK-j39QcP2n8max2L8c/s640/ri.jpg" width="450" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Francisco Ribalta: <i style="font-weight: bold;">Cristo abrazando a san Bernardo. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">José de Ribera </i>(1591-1652) es conocido también como <i>Spagnoletto</i>, puesto que, aunque nació en Játiva (Valencia) pasó la mayor parte de su vida en Italia, hasta el punto de que algunos historiadores italianos lo consideran de este país. Se ha valorado la posibilidad de que estudiase en el taller de Ribalta pero es poco probable. A los veinte años está en Italia, en concreto en Roma, donde se puso en contacto con la pintura de Caravaggio, al que admiró profundamente, y con la Antigüedad clásica que conocía muy bien. Luego fue a Parma y en 1616 a Nápoles, donde fue protegido por los virreyes españoles. Durante sus primeros años de estancia italiana pintó la serie de <i>Los cinco sentidos</i>, cinco cuadros de los que se desprenden elementos que van a caracterizar la obra de Ribera: elige modelos de la calle, gente del pueblo tal y como hizo Caravaggio, la luz es tenebrista, la pincelada es apretada, ajustada y minuciosa, aunque evolucionará ligeramente haciéndose más suelta y pastosa. Además de la influencia ejercida por la pintura italiana, es muy fuerte el impacto que le causaron los pintores nórdicos.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Entre sus cuadros de temática religiosa sobresalen <i>La Inmaculada </i>(1635), que pintó para el conde de Monterrey y múltiples representaciones de santos y ascetas, en los que demuestra que sabe captar magistralmente los pliegues de los cuerpos secos y envejecidos de estos personajes, lejos de cualquier idealización. <i>El sueño de Jacob</i> (1639), <i>El martirio de san Felipe </i>(1639?), <i>Ticio </i>(1632) o <i>La cabeza de Baco</i> son algunas de las obras más importantes de su producción. En sus obras mitológicas los dioses carecen de la dignidad de la que deberían de estar dotados, lo mismo que carecen de dignidad los filósofos que pintó y que forman parte de una serie. Tal es el caso de <i>Arquímedes</i> (1630), en el museo del Prado, que no parece un sabio a juzgar por la expresión bobalicona de su rostro, el sucio dedo con el que sujeta el texto en primer término y los harapos con los que está vestido. Se produce una desmitificación del personaje. Ribera no rehuye nunca la verdad, aunque ésta pueda resultar en ocasiones grotesca e incluso desagradable, tal y como podemos advertir en <i>La mujer barbuda</i> (1631) o <i>El patizambo </i>(1642), obra esta última en la que se representa con total veracidad la pierna deformada del protagonista que sonríe mostrándonos sus dientes ennegrecidos.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZO_dytB44HcHbQ1jy6SO2XoMbYZAsEY89KqF31uLwEVOXGUO1_gKoMnT1qjgFESsdrDWKBQbh6rhiCL0HjJ8D1UPzk5yPaZyyxGQLlrmU7dE4GVlqV1JLlRsRuxnnr_L5mQUZVonIOCw/s1600/san.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZO_dytB44HcHbQ1jy6SO2XoMbYZAsEY89KqF31uLwEVOXGUO1_gKoMnT1qjgFESsdrDWKBQbh6rhiCL0HjJ8D1UPzk5yPaZyyxGQLlrmU7dE4GVlqV1JLlRsRuxnnr_L5mQUZVonIOCw/s640/san.jpg" width="480" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
José de Ribera: <i style="font-weight: bold;">San Andrés. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_lmWlworVITTJPCVIAR_kFaUCw3dSAEkOCtfgd5arB4IX5F0lrwcvmaLvNv4LJbFcedfcI3C8UTAqGdTUsrzX1z-d9bOeVVch3gbrVmF6btPffEd0hyphenhyphen-DA4wXIAARasJkewY368fk5lA/s1600/mar.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_lmWlworVITTJPCVIAR_kFaUCw3dSAEkOCtfgd5arB4IX5F0lrwcvmaLvNv4LJbFcedfcI3C8UTAqGdTUsrzX1z-d9bOeVVch3gbrVmF6btPffEd0hyphenhyphen-DA4wXIAARasJkewY368fk5lA/s640/mar.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
José de Ribera: <i style="font-weight: bold;">Martirio de san Felipe. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdyifjGv354GiqFZtdJ13_MrOWiNIh8KLp4xuU2CHFKz1ohgGohEHlfRNslwBcRPw4a3DyaYduhITOStM_99QfWd2efZDnohQ-_U8R4rramu_hBhD9v3hUIuOBeMDe8avIhZE4vxQWluc/s1600/arqui.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdyifjGv354GiqFZtdJ13_MrOWiNIh8KLp4xuU2CHFKz1ohgGohEHlfRNslwBcRPw4a3DyaYduhITOStM_99QfWd2efZDnohQ-_U8R4rramu_hBhD9v3hUIuOBeMDe8avIhZE4vxQWluc/s640/arqui.jpg" width="408" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
José de Ribera: <i style="font-weight: bold;">Arquímedes. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Ribera es, a todas luces, uno de los más importantes pintores barrocos. Demostró que, además de ser un gran pintor, conocía y dominaba la técnica del grabado y que era un buen dibujante de trazo firme y conciso. Su paleta pasará de la oscuridad del Tenebrismo, aprendido de Caravaggio, a un paulatino aclaramiento que es posible percibir en sus últimas obras. La crítica actual ha sabido reconocer que era un hombre más polifacético de lo que en un principio se había pensado, lo cual ha hecho que se le comience a valorar notablemente. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>3.2. Francisco de Zurabarán</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Francisco de Zurbarán </i>nació en Badajoz en 1598 y murió en Madrid en 1664. Tradicionalmente se le inscribe junto a Alonso Cano, Murillo y Valdés Leal dentro de la escuela andaluza, aunque aquí hemos preferido analizar por separado cada una de estas grandes personalidades. Zurbarán se educó en el arte de la pintura en Sevilla, en el taller de Pedro Díaz de Villanueva y conocido de Pacheco y de Velázquez. Fue un pintor esencialmente religioso aunque realizó alguna obra mitológica como <i>Los trabajos de Hércules </i>(1634) para el Palacio del Buen Retiro. Hacia 1626 comienza a pintar sus primeros cuadros importantes. La mayor parte de sus obras fueron encargadas por órdenes religiosas. Pintó <i>La vida de san Pedro Nolasco </i>(a partir de 1628) para el Convento de la Merced, inspirándose en grabados hechos en Roma con motivo de su beatificación, que según Alfonso Pérez Sánchez, podrían pertenecer a Ribera y, una serie de lienzos acerca de la vida de san Buenaventura. Desde estas primeras obras demuestra que es un pintor tenebrista, naturalista e interesado por los colores cálidos y especialmente por el blanco, del que supo extraer y jugar con todas sus tonalidades. Son verdaderamente interesantes <i>las pinturas del Monasterio Jerónimo de Guadalupe</i>, que hoy están repartidas por varios museos.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibiYLFKdekIJ-MRh7_eG_hV0za5qNwf2zkwzU0oKq0h4ZD3PoKSTXhhRhSWXkdA4JFsQ1Q_ij0TsV5ZeboTpG3mN8txOQDUsQyMoNJ43AKY2pTGAojIOvHPEs-Y6AtFqYKZ9FZzA0A2Rg/s1600/pe.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="510" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibiYLFKdekIJ-MRh7_eG_hV0za5qNwf2zkwzU0oKq0h4ZD3PoKSTXhhRhSWXkdA4JFsQ1Q_ij0TsV5ZeboTpG3mN8txOQDUsQyMoNJ43AKY2pTGAojIOvHPEs-Y6AtFqYKZ9FZzA0A2Rg/s640/pe.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Zurbarán: <i style="font-weight: bold;">Visión mística de san Pedro Nolasco. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioK7pSZl-k_GexAC1IDJ1chnRTZEQQRnZBY810e7MGbUS8v-YuOl2IAJA-xPhOFjcLxEdH02xQFVg-sCjrSvnQQZWKswZptasp-Uvmt_FW7TmtICXxZvENxeoJ59hpAfPJyj4GIw_9RqY/s1600/cas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioK7pSZl-k_GexAC1IDJ1chnRTZEQQRnZBY810e7MGbUS8v-YuOl2IAJA-xPhOFjcLxEdH02xQFVg-sCjrSvnQQZWKswZptasp-Uvmt_FW7TmtICXxZvENxeoJ59hpAfPJyj4GIw_9RqY/s640/cas.jpg" width="336" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Zurabarán: <i style="font-weight: bold;">Santa Casilda. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
A partir del año 1639 la situación económica del pintor se complica y se ve obligado a hacer cuadros para América. Además, irrumpe con fuerza la figura de Murillo que le hace la competencia, de tal modo que éste sufrirá un importante giro en su manera de pintar. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Sus temas cambian considerablemente y se aproxima a una religiosidad más dulce, más propia de Murillo que no va demasiado con su estilo (<i>El Niño de la espina </i>y <i>La Virgen-Niña</i>, 1656). Donde sí brilló con luz propia fue en los bodegones, tan sobrios como los de Juan Sánchez Cotán, en los que demuestra la devoción que sentía por los objetos sencillos que emergen silenciosamente de la oscuridad, por la simplicidad que, en definitiva, presidió toda su obra. El bodegón de Zurbarán ejercerá una gran influencia en el Cubismo, al mismo tiempo que contribuyó a una mejor valoración de su producción artística.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIyzg7J2PUOdqthVbk398Tam8B1GsV7bkJSyhchU3TyOZR6l-gJf-a-JyCYXN5nwVsixpfsQmpxWBWqstQ29Hl8e_EEe-38E11bQdl5HgquxLy6r9wyPvB_RLC1UBm-prSl0R1agyVGXA/s1600/bod.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="346" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIyzg7J2PUOdqthVbk398Tam8B1GsV7bkJSyhchU3TyOZR6l-gJf-a-JyCYXN5nwVsixpfsQmpxWBWqstQ29Hl8e_EEe-38E11bQdl5HgquxLy6r9wyPvB_RLC1UBm-prSl0R1agyVGXA/s640/bod.jpg" width="640" /></a></div>
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Zurbarán: <i style="font-weight: bold;">Bodegón. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>3.3. Alonso Cano</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<i style="font-weight: bold;">Alonso Cano </i>(1601-1667) nació en Granada pero se educó artísticamente con Pacheco en la ciudad de Sevilla. Tuvo la capacidad de alternar la pintura con la escultura, e incluso con la arquitectura, puesto que, como ya hemos estudiado, se ocupó de la conclusión de la Catedral de Granada. Su biografía es un tanto turbulenta ya que su mujer fue asesinada y durante cierto tiempo se sospechó que él pudo haber sido el culpable. Es posible que estos avatares supusiesen un freno para el desarrollo de su propia carrera. Realizó, sobre todo, pintura religiosa que abordó desde un punto de vista más clasicista que otros pintores del mismo período. No fue un pintor excesivamente naturalista, prefería las imágenes equilibradas, serenas, dulces y estaba interesado por los colores claros, si bien es cierto que su paleta se irá aclarando y se hará más vibrante e intensa paulatinamente. </div>
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<br /></div>
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Durante sus primeros años se dedicará más a la escultura que a la pintura. En 1638 el conde-duque de Olivares le llama a Madrid, donde conoce la colección real y especialmente la pintura veneciana que constituyó una auténtica revelación para él. Gracias a ésta aprende a pintar edificios más teatrales, ricas vestiduras y a emplear una pincelada más suelta. Allí le hacen dos encargos de vital importancia: por un lado, unos cuadros para decorar la Sala Dorada del Alcázar de Madrid, para la que pintó un <i>Retrato de los Reyes Católicos</i>, que se perdió en un incendio, y por otro los <i>Retratos de los reyes godos</i>. De su etapa madrileña es el cuadro <i>El milagro del pozo </i>(1546-1548), elogiada por el propio Felipe IV. Más tarde regresa a Granada donde realiza las pinturas alusivas a la vida de la Virgen que se ubican en la rotonda de la Catedral de Granada. Una de sus más hermosas obras es el <i>Cristo muerto, sostenido por un ángel </i>(1546) que remite a la amplia representación de milagros y visiones místicas que se hicieron durante el Barroco español. La luz se concentra en el cuerpo de Cristo. Su magnífica anatomía demuestra su formación como escultor y que Alonso Cano es, ante todo, un amante de lo clásico que sigue en muchos aspectos atrapado por la pintura del último Renacimiento, un pintor que busca la belleza serena, sin dramatismos ni fuertes contrastes.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-HOrNbQtNUtr7C9UVByjUSeWdjgbCrDkvtcnreMtOHK1bZNuNuhDvRqCNTuPAKKwzZIDO5uPOaYeLEfGXdd7N9ctunOdkwvGhpb8waP9B_6-guSjDvG2v0cOpuIu-NuDQPBr_t1Vgcqc/s1600/mi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-HOrNbQtNUtr7C9UVByjUSeWdjgbCrDkvtcnreMtOHK1bZNuNuhDvRqCNTuPAKKwzZIDO5uPOaYeLEfGXdd7N9ctunOdkwvGhpb8waP9B_6-guSjDvG2v0cOpuIu-NuDQPBr_t1Vgcqc/s640/mi.jpg" width="480" /></a></div>
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Alonso Cano: <i style="font-weight: bold;">El milagro del pozo. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisSZADseKrYW8NuPl_gkdwQTxmU_tGkKF-eAxHhfvgETmjYzLuSJcEABZgPVE3P1vJprBSfWZZqU_bXnvqpLM2MJ33OUAANh-bx6rYz-UaU69vz8KEtd8sIRozj-xt_Sgjncot8yB16QQ/s1600/cri.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisSZADseKrYW8NuPl_gkdwQTxmU_tGkKF-eAxHhfvgETmjYzLuSJcEABZgPVE3P1vJprBSfWZZqU_bXnvqpLM2MJ33OUAANh-bx6rYz-UaU69vz8KEtd8sIRozj-xt_Sgjncot8yB16QQ/s640/cri.jpg" width="404" /></a></div>
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Alonso Cano: <i style="font-weight: bold;">Cristo muerto sostenido por un ángel. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>3.4. Diego Rodríguez de Silva y Velázquez</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<i style="font-weight: bold;">Velázquez </i>es, posiblemente, el más grande de los pintores que ha dado el arte español. Un hombre que, dotado de un gran talento natural, evolucionó hacia una genialidad absoluta.</div>
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<br /></div>
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Nació en Sevilla en 1599, ciudad de enorme actividad y uno de los lugares más cosmopolitas de España en el siglo XVII. En 1600 comenzó a formarse en el taller de Herrera el Viejo y, más tarde, ingresa en el de Pacheco, mejor teórico que pintor, con cuya hija, Juana Pacheco, se habría de casar años más tarde.</div>
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<br /></div>
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En Sevilla se inició su trayectoria como pintor caracterizándose por el naturalismo, el gusto por las tonalidades terrosas, la pintura de género, los bodegones y la elección de personajes de la calle para protagonizar sus obras.</div>
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<br /></div>
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De este primer momento son <i>La vieja friendo huevos </i>(1618) y <i>El aguador de Sevilla</i> (1620). Ésta última encierra, bajo su aparente simplicidad, un complejo significado. Se trata de una alegoría de las tres edades: la juventud, la madurez y la vejez. El artista se detiene en la captación de las calidades de los diversos objetos que demuestran su interés por el cultivo del bodegón en este primer momento. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9-d6hPKHOkXnJlrnxW5ErUOxPwqjgHFULOnEfMUIpbwUiw9rdIE3zrZoaij4Ue7E4MjK2LtDc_3lu-JZOJdGIjscYWMW02IVmw1FpT-B_dRN1eIwYa213-CXzNAiT2J2j9IQh8QsdwQs/s1600/vi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="544" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9-d6hPKHOkXnJlrnxW5ErUOxPwqjgHFULOnEfMUIpbwUiw9rdIE3zrZoaij4Ue7E4MjK2LtDc_3lu-JZOJdGIjscYWMW02IVmw1FpT-B_dRN1eIwYa213-CXzNAiT2J2j9IQh8QsdwQs/s640/vi.jpg" width="640" /></a></div>
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Velázquez: <i style="font-weight: bold;">La vieja friendo huevos. </i>Galería Nacional de Escocia. Edimburgo</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgB9jLXSe9zTevi1qCDsiBITpoq6X2XJof8qzl1yNtV87xlihKUieIZrxecrQcYyB7AAFrBjoQSNCz1OM9l_3106X_cKXMPXw-PYomklbTzA8tOan5iXDye6y9YMMk6SMCIkvuOqeUCpqo/s1600/agu.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgB9jLXSe9zTevi1qCDsiBITpoq6X2XJof8qzl1yNtV87xlihKUieIZrxecrQcYyB7AAFrBjoQSNCz1OM9l_3106X_cKXMPXw-PYomklbTzA8tOan5iXDye6y9YMMk6SMCIkvuOqeUCpqo/s640/agu.jpg" width="478" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Velázquez: <i style="font-weight: bold;">El aguador de Sevilla. </i>Colección Wellington. Londres</div>
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<br /></div>
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En 1621 va a Madrid y se aproxima a la vida de palacio gracias a una carta de recomendación que le hace Pacheco. Uno de sus primeros encargos en este nuevo ámbito es un <i>Retrato del joven Felipe IV</i>. A partir de este momento inicia el trabajo para la corte que habría de durar toda su vida. Una vez allí comienza a desarrollar su evolución artística, entre otras cosas porque tiene la oportunidad de ver la colección real de pintura.</div>
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<br /></div>
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Le llaman la atención de un modo especial las obras de Rubens, Tiziano, Veronés y Sánchez Coello, lo que motiva que se aclare su paleta y la técnica sea más suelta y vaporosa. Además, en 1628, Rubens visita España y le recomienda que vaya a Italia y, efectivamente, así lo hace en 1629 gracias a un permiso que le concede el conde-duque de Olivares.</div>
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<br /></div>
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En este mismo viaje se encontró con Espínola, protagonista de la rendición de la ciudad de Breda, el cual le contaría los detalles que más tarde le permitirán pintar una obra inspirada en este hecho. Gracias a las cartas que le proporcionó el conde-duque pudo conocer gran parte de las colecciones privadas que existían en Italia, las obras de Miguel Ángel, Rafael, Guercino, Guido Reni, etc.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
A su regreso a España se inicia un nuevo período que cristaliza en la ejecución de <i>La túnica de José </i>(1630) y de <i>La fragua de Vulcano </i>(1630). En esta última obra se evidencia el interés por la anatomía clásica y por las proporciones de la figura humana. En <i>Los borrachos </i>(1629) funde el mundo de lo mitológico con el de los personajes más populares, demostrando que, por un lado, conoce la mitología y el tratamiento del desnudo clásico (la figura de Baco recuerda al <i>Baco </i>de Caravaggio) y, por otro, el mundo que recrean las novelas de pícaros. También hizo retratos del príncipe Baltasar-Carlos, del conde-duque de Olivares, cuadros de caza cuyo fondo es la sierra del Guadarrama y del rey Felipe IV, sobriamente vestido de negro y con su rostro cargado de melancolía y abulia que caracterizaron a los últimos Austrias y que anuncia el fin de esta misma Casa. También pintó retratos de bufones en los que se hace patente la tremenda complicidad que existía entre algunos de estos seres y Velázquez, especialmente en el de <i>Sebastián de Morra </i>(1643-1644), en cuya mirada se refleja toda la resignación y la consciencia de su situación. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWQg1s54zu0L1ElWWrSgK_PPu0Wv0yXcRd-kSUbtsAsYiMu4SMsLah3slflpUPDFkGTh7kjzeQuvE7U-3Cu2EB6AM0R7FLQs4SIcAQpjj8rfFg6ZWxvXht7zbSl19K2pVqR2vgPMsz_l8/s1600/P01171.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="496" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWQg1s54zu0L1ElWWrSgK_PPu0Wv0yXcRd-kSUbtsAsYiMu4SMsLah3slflpUPDFkGTh7kjzeQuvE7U-3Cu2EB6AM0R7FLQs4SIcAQpjj8rfFg6ZWxvXht7zbSl19K2pVqR2vgPMsz_l8/s640/P01171.jpg" width="640" /></a></div>
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Velázquez: <i style="font-weight: bold;">La fragua de Vulcano. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhl_E3fmj3VhVXnwr1VojJhARiNfXz6vhyphenhyphenb7X28uuDqn1FZ7de3JZSy-0MdJ04-vz1kwReqzH7RIkUQamaGjT53jHky-k90njwNX2pMEm5VNTxuaLVM4phbXngAjFWjvXV7Gp0CO0-uclk/s1600/borr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="462" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhl_E3fmj3VhVXnwr1VojJhARiNfXz6vhyphenhyphenb7X28uuDqn1FZ7de3JZSy-0MdJ04-vz1kwReqzH7RIkUQamaGjT53jHky-k90njwNX2pMEm5VNTxuaLVM4phbXngAjFWjvXV7Gp0CO0-uclk/s640/borr.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Velázquez: <i style="font-weight: bold;">Los borrachos. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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En <i>La rendición de Breda </i>vemos a Espínola recibiendo cortésmente la llave de la ciudad sitiada de mano del derrotado. Aquí emplea un recurso que ya había utilizado Paolo Uccello en <i>La Batalla de san Romano</i>: representa un gran número de lanzas para sugerir idéntico número de soldados, sin necesidad de tener que pintarlos.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhS1OMsO4_YdYYt6c95BQWISwb0W4woifwM7iXcpBerbDB9eqBeJ1elS11xNBZpjRUOR_v7L7q6p_a0W_s-fv5Qo1iA8K4ZOSNQUAlJDZfp8xsRQjxiCfo3aihoi3NEv2t69nkAyljb6BU/s1600/re.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="528" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhS1OMsO4_YdYYt6c95BQWISwb0W4woifwM7iXcpBerbDB9eqBeJ1elS11xNBZpjRUOR_v7L7q6p_a0W_s-fv5Qo1iA8K4ZOSNQUAlJDZfp8xsRQjxiCfo3aihoi3NEv2t69nkAyljb6BU/s640/re.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Velázquez: <i style="font-weight: bold;">La rendición de Breda. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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En 1648 Velázquez viaja por segunda vez a Italia, en este caso con el cometido de adquirir algunas obras de arte. En Roma le encargan que haga el <i>Retrato del Papa Inocencio X </i>(1650) ya antes de pintar el que sería uno de sus más bellos retratos, ensaya haciendo el de su sirviente Juan de Pareja, magnífico también por la manera en que supo reflejar la fuerza interior, la confianza en sí mismo y la inteligencia de este personaje.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgooNEV9Trdg-nNUGjwE3JS43aosmb4W44styA0gJUrAMpcc2Bg-6F-f4TSDk4K3hAvY99a9OYd4dcKib4YV_f-L_wUD2u5_qL-AfRn-6Xc6dqRqoZSBTVC9Pd9hKjoKXknhTdokepxiBQ/s1600/ino.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgooNEV9Trdg-nNUGjwE3JS43aosmb4W44styA0gJUrAMpcc2Bg-6F-f4TSDk4K3hAvY99a9OYd4dcKib4YV_f-L_wUD2u5_qL-AfRn-6Xc6dqRqoZSBTVC9Pd9hKjoKXknhTdokepxiBQ/s640/ino.jpg" width="522" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Velázquez: <i style="font-weight: bold;">Retrato de Inocencio X. </i>Galería Doria Pamphili. Roma</div>
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<br /></div>
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Es posible que sea en Italia, y en estos momentos, cuando pinte los paisajes de <i>La villa Medici </i>que demuestran la manera en que ha evolucionado su pincelada haciéndose más suelta y, en algunos casos, digna de ser calificada como impresionista (son cuadros que, aún hoy, presentan grandes dificultades para establecer una cronología precisa).</div>
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<br /></div>
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<i>La Venus del espejo </i>es un cuadro que hizo tras su segundo viaje a Italia en el que vuelve a retomar el tema mitológico. En este caso, es obvia la influencia veneciana y para ser más exactos de Tiziano o incluso de Giorgione por la anatomía de formas redondeadas, la piel tersa y nacarada y la tela roja que captura nuestra atención y que incluye una nota de teatralidad en el cuadro. En el espejo vemos el rostro desdibujado de la diosa que contrasta, por su vulgaridad, con la magnífica y clásica anatomía. También es mitológico el tema de <i>Marte </i>que recuerda notablemente a un cuadro de Rembrandt en el que la sombra del casco desdibuja las facciones del retratado, tal y como sucede aquí.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyeFowHfHGUZjvpJCUnThA5a6_VtTiR9p-8zUAd8jPiL86hJFQ_T9TKiEEp0GeOvTfvlsD4ijIQZBLXRg5IJrGtUiKnFJ6Ej7nfQ1clscKTVjAzcfNBdLYNbjmQMFACFAQaeR4NdotMpQ/s1600/ve.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="434" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyeFowHfHGUZjvpJCUnThA5a6_VtTiR9p-8zUAd8jPiL86hJFQ_T9TKiEEp0GeOvTfvlsD4ijIQZBLXRg5IJrGtUiKnFJ6Ej7nfQ1clscKTVjAzcfNBdLYNbjmQMFACFAQaeR4NdotMpQ/s640/ve.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Velázquez: <i style="font-weight: bold;">La Venus del espejo. </i>National Gallery. Londres</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Las últimas obras de Velázquez son <i>Mercurio y Argos</i>, algunos retratos de la princesa Margarita, <i>Las hilanderas</i> y <i>Las Meninas</i>. En ellas la pincelada es totalmente suelta y emplea mayor cantidad de masa pictórica. Si nos aproximamos mucho al lienzo tan sólo veremos una maraña de colores y manchas que cobran sentido a medida que nos alejamos de él.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEuBw6Kl1x6_koJxO3tE67S4ZHYS8U5vjmtwolC3Vb3f6w4QBOCEvmKK9c3XvG8tje0eNE_nUxOABNUebsq6fkzosRH4qBjHUvZ8zDMRA9RmCe4hwmpeORKGx-_ZE2heqCxwOHoCcZveU/s1600/marg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEuBw6Kl1x6_koJxO3tE67S4ZHYS8U5vjmtwolC3Vb3f6w4QBOCEvmKK9c3XvG8tje0eNE_nUxOABNUebsq6fkzosRH4qBjHUvZ8zDMRA9RmCe4hwmpeORKGx-_ZE2heqCxwOHoCcZveU/s640/marg.jpg" width="444" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Velázquez: Detalle del <i style="font-weight: bold;">Retrato de la Infanta Margarita. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>Las hilanderas </i>(1657) narra la fábula de Aracne recogida en <i>Las Metamorfosis </i>de Ovidio. En el fondo de la escena se sitúa la verdadera cuestión del cuadro, mientras que en la parte delantera se coloca lo que podríamos denominar tema secundario. Lo prioritario aquí es la defensa de la intelectualidad, la liberalidad y la nobleza de la pintura y del pintor. Este cuadro de Velázquez ha sido considerado como el antecedente del Futurismo al intentar captar el movimiento; la rueda del telar gira tan rápido que los radios apenas pueden ser vistos, por lo que aparecen desdibujados.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhf-DlhnC54v5sXxniAvBGffGsyvPESW2taTxeXTovOupelhrJRaJfbwOj8ga6PMqx2VrQ32T6zWEEwCAkIdr3biV5y8PilMlRu6NREAlY2g2cEZsVxvEc3cAJLf4ZKZxMp-5koCpEGEQM/s1600/hil.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="492" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhf-DlhnC54v5sXxniAvBGffGsyvPESW2taTxeXTovOupelhrJRaJfbwOj8ga6PMqx2VrQ32T6zWEEwCAkIdr3biV5y8PilMlRu6NREAlY2g2cEZsVxvEc3cAJLf4ZKZxMp-5koCpEGEQM/s640/hil.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Velázquez: <i style="font-weight: bold;">Las hilanderas. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>4. LA PINTURA BARROCA DURANTE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XVII</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4.1. La escuela madrileña</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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A mediados del siglo XVII, especialmente durante el reinado de Carlos II, se producen algunos interesantes cambios dentro de la pintura. Frente al predominio de la pintura tenebrosa hace su irrupción la influencia flamenca, amante del lujo y del color. <i style="font-weight: bold;">Juan Bautista Martínez del Mazo</i> (1615-1667) nació en Cuenca y se casó con una hija de Velázquez. Su labor pictórica se desarrolló dentro del ámbito de la corte: fue pintor de cámara y profesor de dibujo del príncipe Baltasar Carlos. Se especializó en el retrato de clara influencia velazqueña, en las escenas de caza y en paisajes en los que aparecen ruinas y arquitecturas de tipo clásico.</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Antonio de Pereda </i>(1611-1678) fue una gran bodegonista con un gran dominio técnico que le permitió representar con minuciosidad los pequeños detalles de los objetos, tal y como podemos observar en <i>El sueño del caballero </i>(Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid). En el cuadro trata de demostrarnos y advertirnos que las glorias mundanas carecen de importancia y que lo verdaderamente importante es la gloria celestial. </div>
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<br /></div>
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A partir de la segunda mitad del siglo XVII se produce una fuerte irrupción de la influencia de la pintura flamenca, como ya hemos indicado con antelación. Con ella llegan el gusto por el color, la pincelada suelta y pastosa y lo decorativo, que permite que se desarrolle la pintura al fresco que había pasado desapercibida hasta este momento en España. Se funden el estilo de Rubens, Van Dyck y la pintura veneciana.</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Juan de Carreño Miranda </i>(1614-1685) se convirtió en pintor del rey en 1669. Realizó, además, un buen número de pinturas religiosas y fue un excelente retratista con influjos de la obra de Van Dyck. Tal es el caso del <i>Retrato de doña Mariana de Austria </i>o el de <i>Carlos II</i>. De este último podemos decir que, aunque existe una cierta elegancia, el rostro está cargado de melancolía y tristeza. En él se reflejan todas las taras de un rey que puso punto y final a la dinastía de los Austrias. Uno de los cuadros más grotescos que ejecutó es el de <i>La montura</i>, que enlaza con la tradición de representar seres con defectos físicos o deformidades como ya habían hecho Ribera y Velázquez.</div>
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Carreño Miranda: <i style="font-weight: bold;">La monstrua. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Claudio Coello </i>(1642-1693) es uno de los miembros más destacados de la escuela madrileña. Gran conocedor de la pintura flamenca y veneciana, se interesó también por la obra de Velázquez y de Carreño Miranda. En su estilo el dibujo tenía una gran importancia. Colaboró con otro pintor llamado José Jiménez Donoso realizando las decoraciones de las calles madrileñas con motivo de la boda del rey Carlos II. Entre estas decoraciones se encuentran <i>las pinturas de la Casa de Panadería </i>(1671-1672) en la Plaza Mayor de Madrid. No se conservan demasiados retratos de este pintor, pero los que nos han llegado son de gran calidad (<i>Doña Mariana de Austria, Carlos II, </i>etc). Su obra maestra es <i>La Adoración de la Sagrada Forma </i>(1685) en la que se capta el momento en que la Sagrada Forma es adorada por el monarca Carlos II y su corte. Se trata de la representación de la unión del poder espiritual y el temporal, al tiempo que desciende un ángel señalando la salvación del rey.</div>
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<br /></div>
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Claudio Coello: <i style="font-weight: bold;">Retrato de Carlos II. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4.2. La escuela andaluza: Murillo y Valdés Leal</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<i style="font-weight: bold;">Bartolomé Esteban Murillo </i>(1618-1682) nació en Sevilla, en el sueño de una familia acomodada. Entró en el taller de Juan del Castillo, donde aprendería a dotar a sus figuras de un carácter amable, sereno y dulce. Alcanzó una gran fama como pintor en su ciudad natal. En 1658 comenzó a trabajar para la catedral de Sevilla y, en ese mismo año, viajó a Madrid donde permanecería dos años que le sirvieron para conocer la colección de pintura del rey y la obra velazqueña de los últimos años, lo que sin lugar a dudas ejerció una gran influencia sobre él. Sus imágenes religiosas, dulces y amables suponen la aparición de una nueva sensibilidad y constituyen un intento por desplazar las imágenes agrias, trágicas y pesimistas que tanto habían abundado durante nuestro Barroco. Las Sagradas Familias de cordial ambiente y las imágenes de las Inmaculadas sustituyen a las escenas de martirios. Una de sus obras más conocidas y también una de las que mejor iluminan lo dicho es <i>La Sagrada Familia del Pajarito</i> (1650), hoy en el Museo del Prado. Las Inmaculadas responden todas ellas a un mismo esquema: la Virgen, vestida con un manto azul, somete a una serpiente como símbolo del Mal o se apoya sobre una media luna, que alude a la herejía del Islam. Donde más creativo y libre se mostró fue en las pinturas de niños (<i>Los niños de la concha</i>, 1670), generalmente mendigos y niños sacados de la calle que se pueden relacionar con los personajes de la literatura picaresca (<i>Niños comiendo uvas y melón</i>, 1650). Una de sus obras más difundidas y, al mismo tiempo, una de las más bellas, es <i>El sueño del patricio </i>(1656) que narra la historia del patricio y su mujer que tienen un sueño en que se les aparece la Virgen y les revela su voluntad de que se construya una basílica en su honor en el monte Esquilino.</div>
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<br /></div>
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Murillo: <i style="font-weight: bold;">La Sagrada Familia del Pajarito. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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Murillo: <i style="font-weight: bold;">Los niños de la concha. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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Murillo: <i style="font-weight: bold;">El sueño del patricio. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Juan de Valdés Leal </i>(1622-1690) es el contrapunto de la pintura de Murillo, la antítesis de éste. Es conocido sobre todo por los cuadros que pintó para el <i>Hospital de la Caridad de Sevilla</i>. Valdés Leal fue protegido por un personaje que ejerció una gran influencia sobre su obra llamado Miguel Mañara de Vicentelo, de quien, a pesar de no tener demasiados datos, conocemos con seguridad que estuvo en continuo contacto con la muerte, tema que le llegó a obsesionar e hizo que escribiese un libro relativo a este asunto con el título <i>El discurso de la verdad</i>. La principal misión del <i>Hospital de la Caridad </i>era recoger y enterrar los cadáveres de los condenados a muerte, a los que según la tradición, nadie podía tocar. De entre los cuadros que pintó Valdés Leal para este hospital destacan dos: <i>In ictu oculi </i>(1672) y <i>Finis gloriae mundi </i>(1672). En el primero se representa la muerte como se había hecho durante toda la Edad Media, como un esqueleto con la guadaña que pisotea una mitra papal, joyas, brocados, un bastón de mando, etc. La muerte pone fin a todos los esplendores que el hombre pueda llegar a disfrutar en vida. El segundo de estos cuadros, <i>Finis gloria mundi</i> es, en su significado, muy similar al anterior. En el centro de la composición se dispone una balanza alusiva al Juicio Final sostenida por una mano. En uno de los platos aparecen los siete pecados capitales representados simbólicamente y, en otro, elementos de significado religioso. En el primer plano los insectos devoran un cuerpo en proceso de descomposición vestido con el hábito de la orden de Calatrava. </div>
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<br /></div>
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Valdés Leal: <i style="font-weight: bold;">In ictu oculi. </i>Hospital de la Caridad. Sevilla</div>
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<br /></div>
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Valdés Leal: <i style="font-weight: bold;">Finis gloriae mundi. </i>Hospital de la Caridad. Sevilla</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>5. FRANCISCO GOYA Y LUCIENTES</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b>5.1. Los datos biográficos</b></span></div>
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<br /></div>
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Goya debería ser merecedor de un estudio monográfico por su importancia y, sobre todo, porque es muy difícil inscribirle dentro de un estilo o corriente concreta.</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Francisco Goya y Lucientes </i>nació en Fuendetodos (una pequeña población de la provincia de Zaragoza) el 30 de marzo de 1746. Sabemos que a los catorce años entró como aprendiz en el taller de José Luzán Martínez, en donde comenzó a copiar cuadros de otros autores, especialmente franceses e italianos. El ambiente no era demasiado estimulante para Goya, quien pronto decidió presentarse al concurso convocado por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Se fue a Italia en 1770 presentándose al concurso de la Academia de Bellas Artes de Parma y obteniendo el segundo lugar con grandes elogios de la prensa local. De nuevo en España _en el año 1771_ recibe el encargo de pintar los frescos de la Basílica del Pilar de Zaragoza. En 1773 se casó con Francisca Bayeu, hermana de dos importantes pintores de la corte. Algo más tarde comenzó a pintar cartones para tapices destinados a decorar las lujosas habitaciones de los palacios reales. En 1780 se presentó de nuevo al concurso de la Academia de Bellas Artes de San Fernando con un <i>Cristo crucificado </i>que le permitió convertirse en académico. Al año siguiente participó en el concurso para la realización del <i>Retablo de San Francisco el Grande</i>, que también ganó. En 1785 trabajó para los duques de Osuna y de Medinaceli. Al año siguiente fue nombrado junto con Francisco Bayeu, pintor del rey Carlos III y, más tarde, de Carlos IV, monarca a quien retrató junto a su familia en la obra que hoy puede contemplarse en el museo del Prado. </div>
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<br /></div>
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Goya: <i style="font-weight: bold;">Autorretrato</i> (Capricho 1)</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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A partir de este momento se inicia un período de cambios en la vida del pintor, no sólo a nivel artístico, sino también personal. El Liberalismo, con el que se identificaba, fue reprimido duramente por Carlos IV, y esto creó en él un fuerte sentimiento de rebeldía. Es un momento de desilusiones, inestabilidad e inseguridades que le encaminan hacia una mayor madurez.</div>
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<br /></div>
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En 1792 sufre una grave enfermedad que le deja como secuela la sordera, factor que contribuyó notablemente a aislarle y a favorecer la creación de un mundo propio repleto de pesadillas y miedos personales que se reflejan en su obra, cada vez más oscura y tormentosa. Despreció la intolerancia y la superstición como males de su tiempo. En este sentido, Goya poseía la mente de un auténtico ilustrado, de hecho tenía grandes amigos entre los representantes de esta corriente en España, como Jovellanos, Cea Bermúdez y Moratín. </div>
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<br /></div>
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Entre los años 1792 y 1799 realizó la serie de grabados de <i>Los Caprichos</i>, que reflejan muy bien lo expuesto anteriormente. Tras ellos se inició un momento verdaderamente esplendoroso para el artista: pintó <i>los frescos de San Antonio de la Florida </i>(Madrid), <i>La familia de Carlos IV </i>y las dos <i>Majas</i>. </div>
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<br /></div>
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En 1808 sufrió una nueva crisis debido a la guerra de la Independencia que sembró España de muerte y desolación. De este momento son los grabados de <i>Los Desastres </i>y <i>La Tauromaquia</i>.</div>
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<br /></div>
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Los últimos años de su vida los pasó solo y enfermo en La Quinta del Sordo cuyas paredes decoró con lo que se conocen como <i>Las Pinturas Negras</i>. En 1823 la situación de España era absolutamente insufrible para él por el duro ejercicio del poder que comenzó a hacer la monarquía, de tal modo que decide abandonar el país e irse a Francia, donde moriría en 1828. Allí pintó <i>La lechera de Burdeos</i>, una de sus más bellas creaciones y un importante punto de referencia para la pintura impresionista como ya veremos.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2F4RCTjDikAe9S7KMxQio5dr2WLFj33fR8KkMP-jQtAqAuysiY79GeNRji2GVj339lSDfSsb23hyhiOvt5VdsV4hUB6eLWoyfgaC_cPmCF1dYTwukXNFZYDDz70VYQn-4UuqT1ArUALE/s1600/fernna.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2F4RCTjDikAe9S7KMxQio5dr2WLFj33fR8KkMP-jQtAqAuysiY79GeNRji2GVj339lSDfSsb23hyhiOvt5VdsV4hUB6eLWoyfgaC_cPmCF1dYTwukXNFZYDDz70VYQn-4UuqT1ArUALE/s640/fernna.jpg" width="438" /></a></div>
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Goya: <i style="font-weight: bold;">Retrato de Fernando VII. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>5.2. Los cartones para tapices</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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Durante el último tercio del siglo XVIII a la monarquía y a las clases elevadas les gustaba decorar sus hogares con tapices en los que se recreasen escenas de la vida del pueblo, de la vida cotidiana y de sus festejos. Así, Goya recibió, como uno de sus primeros encargos, la realización de cartones para que se tejiesen con ellos tapices en la Real Fábrica. Estas obras son un buen testimonio de la vida, los festejos, las distracciones y los hábitos del pueblo. En un primer momento sus cartones no se diferencian demasiado de los de otros pintores, pero a medida que va pasando el tiempo se comienza a separar y a distinguir de ellos. Sus protagonistas eran las majas y majos, los niños y vendedores ambulantes que bailan y se divierten en ambientes campestres (<i>La merienda a orillas del Manzanares, </i>1777, <i>El quitasol</i>, <i>Los jugadores de naipes</i>). Para el dormitorio de los Príncipes de Asturias se hicieron cuatro cartones que tienen un tema común: las ferias.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvW3EOmTlGVTfXV14RNfoEJbMu3xPrfBa2W8VsObawPa9Etyqj8CIfVNl4zfGKp84yn_FpvyubtrauncuR-2DVuroQgozLF6iYgKTTNzbwZwkBLFUEcr-pS2xUJMX8tm9FntqB5Z338B8/s1600/quitasol.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="442" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvW3EOmTlGVTfXV14RNfoEJbMu3xPrfBa2W8VsObawPa9Etyqj8CIfVNl4zfGKp84yn_FpvyubtrauncuR-2DVuroQgozLF6iYgKTTNzbwZwkBLFUEcr-pS2xUJMX8tm9FntqB5Z338B8/s640/quitasol.jpg" width="640" /></a></div>
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Goya: <i style="font-weight: bold;">El quitasol. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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Goya tuvo algunos problemas con los tejedores de la Real Fábrica de tapices, puesto que no siempre se planteaba que no eran cuadros sin más, sino que esas pinturas habían de ser convertidas en tapices con todas las dificultades que ello comportaba. Esto motivó que durante cierto tiempo abandonase este actividad que retomaría en 1786. De este momento son los tapices en los que se representaban labores del campo en alusión a las cuatro estaciones del año (<i>La era, La vendimia, La nevada </i>y <i>Las floreras</i>).</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiv21xMIkSsCTWD0WqZB6OKUItAklSVP-4RlLy0tQk0kDGzA-QDixrjut3NX4ZCqsJwz3S9KdeYQVtw-0hey1fT0JHBYrYe_LONRJt_PVdl9xZ3ATyUZyTQ10C3D9KwY9Iqu9BfDLyg7Ps/s1600/oton%25CC%2583o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiv21xMIkSsCTWD0WqZB6OKUItAklSVP-4RlLy0tQk0kDGzA-QDixrjut3NX4ZCqsJwz3S9KdeYQVtw-0hey1fT0JHBYrYe_LONRJt_PVdl9xZ3ATyUZyTQ10C3D9KwY9Iqu9BfDLyg7Ps/s640/oton%25CC%2583o.jpg" width="460" /></a></div>
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Goya: <i style="font-weight: bold;">Tapiz del otoño. La vendimia. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>5.3. Obras de temática religiosa</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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No es este el campo en el que más sobresale Goya. Hizo tantos lienzos como frescos de esta temática. Una de sus más bellas creaciones en este sentido es un <i>Cristo crucificado</i> que guarda un gran parecido con el de Velázquez. Fue el cuadro con el que consiguió entrar en la Academia de Bellas Artes de San Fernando y es, desde luego, una obra profundamente académica, en la que el dibujo destaca por su corrección a pesar de ser una pintura fría y carente de emoción alguna. Para <i>el Retablo del colegio de Calatrava</i>, de la Universidad de Salamanca, hizo cuatro pinturas de las que sólo queda una que se conserva en el Museo del Prado. Además de ésta podemos admirar en el mismo museo obras como <i>La Sagrada Familia</i>. </div>
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<br /></div>
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En 1788 se mandó construir la <i>ermita de San Antonio de la Florida</i>, de Madrid y en 1798 se encargó a Goya que la decorase con pintura al fresco. Este trabajo le llevó tan sólo cuatro meses. En él se revela la gran seguridad técnica del artista. También pintó al fresco la cúpula de la Basílica del Pilar de Zaragoza. </div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>5.4. El retrato y la historia</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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Al mismo tiempo que pintaba cartones para tapices se le encargaron algunos retratos. Goya fue un pintor de una habilidad excepcional a la hora de plasmar la personalidad del modelo y su situación social. Es uno de los pintores que mejor supo captar las transparencias, la ligereza y voluminosidad de determinados tejidos.</div>
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<br /></div>
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En sus retratos de la monarquía se muestra muy explícito y crítico. Pintó a <i>Carlos III cazador</i>, que recuerda a lo retratos velazqueños del mismo tema. Hizo lo mismo con <i>Carlos IV</i> y su esposa, María Luisa de Parma, vestida de negro con mantilla y un abanico entre sus manos. Goya está en este caso muy lejos de la idealización y muestra la antipatía que la reina le inspiraba. Estos retratos de la familia real son un paso importante para la realización de su gran obra <i>La familia de Carlos IV</i> (1800). En el lienzo, los trece miembros de la familia se extienden linealmente, mientras que, en un segundo plano, se autorretrata él, al tiempo que pinta, tal y como había hecho Velázquez en <i>Las Meninas</i>. La gama cromática es muy amplia y la pincelada suelta pero precisa. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghkCT-QOPTa_vxYnzT6Fn0_PRFnYJug_dWCsPs1J7VxQoaHiaFYe-vmjrLSR8ZxHrWc13_NUjpJUDF6Ef3eSBifB_Y926Nj1T4JByZfM9QMCLZ1iiNJOmR_Nv_xwDYHvUL1DrScphKEZo/s1600/carlosiii.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghkCT-QOPTa_vxYnzT6Fn0_PRFnYJug_dWCsPs1J7VxQoaHiaFYe-vmjrLSR8ZxHrWc13_NUjpJUDF6Ef3eSBifB_Y926Nj1T4JByZfM9QMCLZ1iiNJOmR_Nv_xwDYHvUL1DrScphKEZo/s640/carlosiii.jpg" width="378" /></a></div>
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Goya: <i style="font-weight: bold;">Retrato de Carlos III como cazador. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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Retrató en sus lienzos a buena parte de la nobleza (<i>Los duques de Osuna junto a sus hijos, El duque de Alba, La marquesa de Villafranca</i>), miembros de la burguesía más cultivada, intelectuales como Gaspar Melchor de Jovellanos, médicos, artistas, banqueros, políticos, etc.</div>
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<br /></div>
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Las Majas son obras muy polémicas puesto que no se sabe exactamente a quién representan. Sobre este asunto se ha discutido mucho. Algunos estudiosos sostienen que se trata de la Duquesa de Alba. <i>La Maja desnuda</i>, por su perfección anatómica, ha hecho pensar que más que tratarse de un retrato, es una representación que encarna la belleza ideal. <i>La Maja vestida </i>demuestra una técnica más libre, una pincelada más suelta, menos academicismo y más riqueza cromática.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmL_MktddyS60F1O2ojljdbf_wcX6FURCVMoN9vG6rm3qTlTukOgvouSAzCN82fkF13jFBbe-OsN1Bh28D1Y6H2j_AY0kJ8cpvMm16HWckEq-2yExfcq5uhTXhtPR4x_SboWzHt7qwA3c/s1600/majadesnuda.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="324" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmL_MktddyS60F1O2ojljdbf_wcX6FURCVMoN9vG6rm3qTlTukOgvouSAzCN82fkF13jFBbe-OsN1Bh28D1Y6H2j_AY0kJ8cpvMm16HWckEq-2yExfcq5uhTXhtPR4x_SboWzHt7qwA3c/s640/majadesnuda.jpg" width="640" /></a></div>
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Goya: <i style="font-weight: bold;">La Maja desnuda. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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La guerra de la Independencia fue uno de los hechos históricos que más impactaron a Goya. La guerra era interpretada por él como una sinrazón y se sintió, en gran medida, traicionado por las ideas que defendió, puesto que Goya fue un afrancesado defensor del pensamiento ilustrado, que veía cómo los propios franceses eran incoherentes con algunas de sus ideas. Goya quiso dejar constancia de lo sucedido en Madrid el dos y el tres de Mayo. El dos de mayo el ejército francés mandó unos destacamentos musulmanes (mamelucos) que se enfrentan violentamente contra el pueblo. Los mamelucos con colores sobre sus caballos, que se levantan violentamente sobre las patas traseras. El tres de mayo se producen unos fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío. Los verdugos están de espaldas y, por tanto, no podemos ver la faz de la muerte, pero sí la de aquellos que van a ser ajusticiados que reflejan en su rostro el horror y el pánico. La luz de una lámpara se concentra en un individuo de mirada desorbitada que alza sus brazos dispuesto a morir. Su camisa blanca alude a la inocencia mientras que el rojo de la sangre de uno de los cadáveres contribuye a acentuar el dramatismo. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiv1_G0GI0PYxxFKV6JreKHyKpWjliP5vL1fQe7sJWQSwS2ZHTgkOZxhf715TEyNZyYFSvuhy0P9y248o0Itf2Gi0ySyNG2QJr1q4BFViFoec3Nk3E5M_N1F4bXRBjSgEj8ZxudLaoSJRM/s1600/fus.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="484" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiv1_G0GI0PYxxFKV6JreKHyKpWjliP5vL1fQe7sJWQSwS2ZHTgkOZxhf715TEyNZyYFSvuhy0P9y248o0Itf2Gi0ySyNG2QJr1q4BFViFoec3Nk3E5M_N1F4bXRBjSgEj8ZxudLaoSJRM/s640/fus.jpg" width="640" /></a></div>
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Goya: <i style="font-weight: bold;">Los fusilamientos de la Moncloa. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcY0rM1HUUQgZTUQzr2ujlCD16SwEEKTTy1uEQTyGQqHbSD1ef0qBF_PXYrsz0vptD0Jmvj-btHSZK610MSzcMTMhwPBqD2yUXYDvWf4dl_7pg5jHpr5eM_fZRlOEB1jKs72avDu_b5t4/s1600/mamelucos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="494" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcY0rM1HUUQgZTUQzr2ujlCD16SwEEKTTy1uEQTyGQqHbSD1ef0qBF_PXYrsz0vptD0Jmvj-btHSZK610MSzcMTMhwPBqD2yUXYDvWf4dl_7pg5jHpr5eM_fZRlOEB1jKs72avDu_b5t4/s640/mamelucos.jpg" width="640" /></a></div>
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Goya: <i style="font-weight: bold;">La carga de los mamelucos en la Puerta del Sol. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>5.5. Las pinturas negras y el grabado</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<i>Las Pinturas Negras </i>fueron pintadas por Goya en 1819 en la casa que compró cerca del Manzanares, conocida como la<i> Quinta del Sordo</i>. En este momento de su vida la sordera le había llevado a encerrarse en sí mismo, creando un mundo personal desesperanzado, sombrío y sórdido. Los colores que emplea ahora son el negro, el marrón, verdes muy oscuros y algún tono rojizo. El dolor y la muerte son los temas predominantes. En este sentido, se considera el antecedente del Expresionismo por su recurrencia a la deformación como mecanismo de expresión. De este momento es <i>El duelo a garrotazos</i>, en el que dos hombres, con las piernas semienterradas en el barro luchan desesperadamente: la obra alude a la ignorancia del hombre empeñado en autodestruirse. <i>El Aquejare</i> es una crítica a la superchería y a la irracionalidad que tanto arraigo tuvieron en España. En torno al macho cabrío hay una serie de personajes, de brujas de rostros deformes verdaderamente terroríficos.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiShVcHTQJ6LKSGdg2Ti9FOwDilJPF_BzWHTIpbuV7-vogjOYp56zTp69jWw8fYTXOdf-w730sqRIlK26qicLm7yU1OscSlpX93HdWfE4G01n0-mu0AIDrBGZM2fOnKW5javd2BMCuFZ4k/s1600/aquelarre.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="202" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiShVcHTQJ6LKSGdg2Ti9FOwDilJPF_BzWHTIpbuV7-vogjOYp56zTp69jWw8fYTXOdf-w730sqRIlK26qicLm7yU1OscSlpX93HdWfE4G01n0-mu0AIDrBGZM2fOnKW5javd2BMCuFZ4k/s640/aquelarre.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Goya: <i style="font-weight: bold;">El Aquelarre. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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En España no ha existido, hasta la llegada de Goya, una gran tradición en la técnica del grabado al aguafuerte. Los grabados de Goya se agrupan en cuatro series: <i>Los Desastres de la guerra, la Tauromaquia, Los Disparates </i>y <i>Los Caprichos</i>. En <i>Los Desastres de la guerra </i>representa con crudeza las barbaries de la misma. En <i>La Tauromaquia</i> se interesa por la fiesta nacional, a la que eran un gran aficionado. <i>Los Caprichos </i>y <i>Los Disparates </i>constituyen una dura crítica a la superstición, la maldad y a la opresión en general. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioEDHohlp1x-Q1BClHEqvkXQ1zysdbEj1GMkHRlfXMs1NBhHyDCG-nuRx_zcr2R-3jDn1PsQdhGY-vb9ZvL428qZMGlGWgxtDJ2DerpWaCGpqMqEqBWCH39ZaIm-4UtYCjyCmg0NKJKgk/s1600/sat.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioEDHohlp1x-Q1BClHEqvkXQ1zysdbEj1GMkHRlfXMs1NBhHyDCG-nuRx_zcr2R-3jDn1PsQdhGY-vb9ZvL428qZMGlGWgxtDJ2DerpWaCGpqMqEqBWCH39ZaIm-4UtYCjyCmg0NKJKgk/s640/sat.jpg" width="348" /></a></div>
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Goya: <i style="font-weight: bold;">Saturno devorando a sus hijos. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVNCmbpsdkSQeuhtCQByXzgHP66wSIGSqJCM_mx9QowEKIJeE5vv6WqjqoKAbGqOWA_1ivS1TYrwNn092uVZJsrT85-pCHQHvoWfXealmalfbQjL3zluWhd_PQUC9HDdV_mA9NcZ-xTeA/s1600/perro.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVNCmbpsdkSQeuhtCQByXzgHP66wSIGSqJCM_mx9QowEKIJeE5vv6WqjqoKAbGqOWA_1ivS1TYrwNn092uVZJsrT85-pCHQHvoWfXealmalfbQjL3zluWhd_PQUC9HDdV_mA9NcZ-xTeA/s640/perro.jpg" width="376" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Goya: <i style="font-weight: bold;">Perro enterrado en la arena. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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Su última obra es <i>La lechera de Burdeos </i>(1827), pintura que realizó en Francia y que es un punto de referencia vital para los impresionistas por la pincelada muy suelta. En esta obra los colores primarios están destinados a fundirse en la retina del espectador.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5-683AfFTyqF8T9qxVsTJWObk37KIfVdDhdvPh1BIll8d7QItlnkSVYVYK0U4uqRk4Z_5YufWc40W-szowsclIbj-fOI8P_GmDdN7NeUiAkP2DoGDjLksyGVmDgu5-S407R9XGGpZhOc/s1600/lech.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5-683AfFTyqF8T9qxVsTJWObk37KIfVdDhdvPh1BIll8d7QItlnkSVYVYK0U4uqRk4Z_5YufWc40W-szowsclIbj-fOI8P_GmDdN7NeUiAkP2DoGDjLksyGVmDgu5-S407R9XGGpZhOc/s640/lech.jpg" width="574" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Goya: <i style="font-weight: bold;">La lechera de Burdeos. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>LA PINTURA DE ZURBARÁN</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"En la pintura de Velázquez, la unidad pictórica quedaba establecida no sólo a través de factores como el aire y la atmósfera, sino en gran medida, a través de un nuevo sistema de relaciones cromáticas. Velázquez registraba sensiblemente las numerosas mutaciones de color obtenidas a través de la luz refleja, en un armonioso sistema de tonos relacionados entre sí, a menudo poniendo el énfasis en las tonalidades neutras, grisáceas. En el polo opuesto, Zurbarán, como los artistas medievales, usaba sus tintas con preferencia en plena intensidad, sin gradaciones. A simple vista, sus colores, en vez de ser armoniosos, son a menudo sorprendentemente disonantes, una cualidad estimulante para ojos modernos. Este originalísimo uso del color en el decenio de 1630-40 actuaba, hasta cierto punto, contra el canon barroco de unidad e integración. Así pues, el artista fue modificándolo gradualmente, y a partir de 1650, alcanzó una sutil mezcla de matices.</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
(SORIA, M. <i>The paintings of Zurbarán</i>, 1953)</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>A FONDO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><i>LAS MENINAS</i></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>VELÁZQUEZ</b></span> </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>Las Meninas </i>es uno de los cuadros más bellos y fascinantes de Velázquez, uno de los más analizados a propósito del cual se han dado todo tipo de teorías, algunas de ellas verdaderamente disparatadas.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La acción se desarrolla en una de las estancias del Alcázar de Madrid, en el que Velázquez tenía un taller donde pintó buena parte de sus obras. La habitación está llena de una serie de personajes que han sido identificados sin demasiados problemas. Nicolás Pertusato en primer término, un enano de los muchos que pululaban por palacio, juega intentando despertar el interés de un perro de carácter bonachón que aparece recostado y medio adormilado, y que ni siquiera se inmuta. Detrás la enana Maribárbola, de origen alemán y la infanta Margarita, retratada por Velázquez en varias ocasiones. En torno a ella están las <i>mininas </i>(palabra de origen portugués que sirve para referirse a estas damas de compañía), una de las cuales está ofreciendo a la princesa una jarra de barro. Detrás de este grupo se encuentran otros dos personajes: la institutriz, doña Marcela Ulloa, y el guardadamas. Una silueta se recorta en el alfeizar de la puerta; se trata del aposentador de palacio, el personaje cuyo oficio es el de abrir las puertas para que los reyes entren en las habitaciones. Los reyes también están presentes en el cuadro gracias a un recurso que no es nuevo en la pintura: el espejo. Ya lo había utilizado Van Eyck en <i>Los esposos Arnolfini</i>, y Velázquez lo retoma en esta ocasión. En el espejo, que se sitúa al fondo de la habitación, se refleja la imagen de Felipe IV y de su esposa bajo una cortina roja o dosel como los que Velázquez emplea frecuentemente en los retratos oficiales. El mismo Velázquez se autorretrata en el cuadro mirando al frente y sosteniendo en sus manos la paleta, realizando la actividad que le caracterizó, por la que llegó a ser conocido: la pintura.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Hay quien cree que Velázquez está retratando a los reyes, que posan para él y en ese momento se hallan en su taller la infanta con su séquito. Una segunda teoría afirma que los reyes entran, irrumpen en el taller del artista en el instante en el que está trabajando, y entonces Velázquez, la infanta, una de las meninas y Maribárbola miran con cara de asombro, mientras que el resto de los personajes no han tendido tiempo de advertir la presencia real en la habitación.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La clave para comprender el verdadero significado del cuadro nos la proporcionan dos detalles. Uno de ellos lo constituyen los cuadros que están colgados en la estancia en la que pintaba Velázquez. Para comprenderlo mejor habremos de recurrir a las palabras de Julián Gallego, que sobre esto nos dice lo siguiente en su libro <i>El cuadro dentro del cuadro</i>: "Uno representa a Minerva y Aracne, el otro a Apolo y Marsias, según copias de Del Mazo de sendos originales de Rubens y Jordaens. Pensemos en los temas: Aracne, tapicera artesana, que quiso competir con el arte sublime de Minerva, pintora, fue convertida en araña, animal que no sabe hacer sino una trama; Apolo, músico divino, castigó a Midas que había preferido al rústico Marsias, músico zafio, a llevar orejas de asno. Triunfo del arte divino sobre el arte manual, de la idea sobre la realización". Gracias a esta explicación queda bastante claro que <i>Las Meninas </i>es una apología del arte y de su carácter intelectual. Detrás de un cuadro siempre existe una idea, y esto es lo que Velázquez pretende hacernos ver. En esta obra se expone la necesidad de que el arte sea reconocido como una actividad intelectual y que el artista disfrute de una consideración más digna de la que en ese momento disfrutaba. Así, este complejo cuadro está lleno de una libertad creativa de la que pocos pintores han gozado. Se podría decir que se capta en primer término lo que sería una mera anécdota, mientras que lo que está en segundo término es el tema principal. </div>
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<br /></div>
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En el traje que viste Velázquez se puede ver una cruz roja: la cruz de la orden de Santiago. Esta cruz le fue concedida por el rey después de grandes esfuerzos y como un favor especial que prueba la particular relación que existía entre el monarca y el pintor. Una de las premisas para poder pertenecer a esta orden eran ser hijo legítimo de una familia hidalga, al menos de abuelos paternos y maternos, demostrar limpieza de sangre, lo que excluía a todos los de ascendencia judía, mora o cristiana conversa, y la realizar una actividad de carácter intelectual. Este requisito no era cumplido por Velázquez, puesto que la pintura se consideraba, como ya hemos señalado, una actividad artesanal. Quizá la última atención del rey Felipe IV hacia el artista fue la de ordenar que fuese pintada esta cruz sobre el pecho de Velázquez, posiblemente tras la muerte del pintor (aunque algunos autores la dataron en 1659, con Velázquez ya muy enfermo). </div>
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<br /></div>
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La pincelada es suelta e impresionista y demuestra un gran dominio técnico. La profundidad está conseguida gracias a la perspectiva aérea. A medida que los personajes se van alejando sus contornos se van desdibujando. Los focos de luz son dos: la procedente de la ventana que se encuentra a la derecha y la que llega desde la puerta abierta en la que se recorta la figura del aposentador de palacio.</div>
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<br /></div>
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De la contemplación de este cuadro se experimenta una sensación de sencillez que Ortega y Gasset resumió con la siguiente frase: "De puro sencilla, es fabulosamente sublime".</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEih4Wvz7A5e-6hZPdcu_a1GpW1yqWD9GTiRWXNNEWQurAtPTvB237ZCyo2o72aTnM3p6Rm1i-v82ajdTzd2-hS-qVnlis3uX3coyQrFzInP1cburMnPig7L3yQsM0FCRhjyBd72YpSNgdw/s1600/meninas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEih4Wvz7A5e-6hZPdcu_a1GpW1yqWD9GTiRWXNNEWQurAtPTvB237ZCyo2o72aTnM3p6Rm1i-v82ajdTzd2-hS-qVnlis3uX3coyQrFzInP1cburMnPig7L3yQsM0FCRhjyBd72YpSNgdw/s640/meninas.jpg" width="556" /></a></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>GLOSARIO</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<b><i>La Magdalena penitente</i></b></div>
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Le fue encargada a Pedro de Mena durante su visita a Madrid en el año 1664. La llevó a cabo en Málaga y de ahí la envió a Madrid. Uno de los aspectos más llamativos de esta obra es que la vestidura rugosa contrasta con la suavidad de su piel, lo que nos hace pensar en un excelente dominio de la técnica.</div>
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<br /></div>
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<b><i>El martirio de san Felipe</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En esta obra Ribera representa la preparación de un martirio. La atención se centra en el esfuerzo que los verdugos realizan para izar el cuerpo de san Felipe. Frente a la tendencia de este pintor a realizar escenas en las que los personajes ocupan angustiosamente el espacio, en esta ocasión ha preferido una composición más desahogada.</div>
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<br /></div>
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<b>Ticio</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Es un personaje de carácter mitológico que fue castigado por los dioses a que su hígado fuese devorado por un buitre interminablemente, ya que había intentado abusar de Latona, la madre de Apolo y Diana.</div>
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<br /></div>
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<b><i>San Hugo en el refectorio de los Cartujos </i>de Zurbarán</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Según la leyenda, alguien había mandado carne a los monjes el domingo previo a la Cuaresma. Éstos no llegaron a comérsela puesto que cayeron en un profundo sueño hasta el Miércoles de Ceniza. Ese día despertaron y vieron al santo que entraba en la habitación, al tiempo que la carne se convertía en ceniza.</div>
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<br /></div>
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<b><i>El milagro del pozo</i></b></div>
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En esta obra se narra el momento en el que uno de los hijos de san Isidro es salvado tras caer a un pozo. La iconografía más frecuente de este personaje, que era labrador, es, o bien con un azadón, o bien orando mientras que un ángel hace las labores del campo.</div>
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<br /></div>
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<b>Aracne</b></div>
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Retó a la diosa Palas Atenea a realizar el tejido más bello. Este desafío fue muy mal tomado por la diosa que convirtió a Aracne en una araña condenada a tejer su tela de por vida.</div>
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<br /></div>
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<b><i>El milagro de San Antonio de la Florida</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En la iglesia del mismo nombre se narra el milagro de este santo que resucitó a un asesinado para que diese testimonio de la inocencia del padre del santo, acusado de homicidio.</div>
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<br /></div>
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<b>Técnica del aguafuerte</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Se toma una plancha metálica que se recubre de una capa delgada y uniforme de barniz transparente que más tarde se ennegrece con humo. Sobre ella se dibuja con una aguja llamada punta. Estos lugares que han sido descubiertos por la punta serán atacados por el ácido. Previamente la plancha se calienta para que las partículas de estas sustancias se derritan y se adhieran, de tal modo que el ácido penetre solamente por los intersticios de las mismas. Una vez finalizado este proceso, se entinta la plancha y se imprime sobre el papel.</div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>CITAS</b></span></div>
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<br /></div>
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<b>Descripción de Gregorio Fernández</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
"Sus facciones son anchas; pómulos salientes, nariz y orejas grandes, barba retraída, frente ancha y pelo escaso formando melenas. Junto a la nariz, una gran verruga. Aparece rasurado y con bigote. Encaja perfectamente todo en la moda del tiempo".</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"La pintura al óleo es más acomodada a este género (floreros) porque se puede retocar muchas veces y suplir con la fineza de los colores a la verdadera imitación de las flores naturales".</i></div>
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<b>Pacheco</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Alguien le recriminó el hecho de no pintar con delicadeza y belleza temas más serios, en lo cual hubiera podido emular muy bien a Raffaello d'Urbino, y él se defendió diciendo que "prefería ser el primero en este estilo desmedido antes que segundo en uno más delicado".</i></div>
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<b>Palomino (sobre Velázquez)</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Sobre <i>In ictu oculi </i>y <i>Finis gloriae mundi</i> de Valdés Leal, <b>Jonathan Brown </b>afirma: <i>Lo que proporciona a estas obras su morbosa fascinación no es el tema, que después de todo, era relativamente corriente en la pintura del siglo XVII, sino el brío y la facilidad con que Valdés supo plasmarlo".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"El mundo es una mascarada; el rostro, la postura y la voz, todo es mentira. Todos quieren parecer lo que no son, todos engañan y nadie se conoce a sí mismo".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Goya</b></div>
GreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-43465360066114572072015-10-18T08:21:00.002-07:002015-10-18T08:21:52.254-07:00La arquitectura Barroca española<b><span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">En España</span></b><b><span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">,</span> los años durante los que se desarrolló el Barroco fueron especialmente difíciles. Esto no fue, sin embargo, óbice para que apareciesen en escena artistas de una calidad verdaderamente inigualable. El caso español sirve para ejemplificar una creencia muy divulgada que considera que, en épocas de crisis, el ingenio se agudiza de una forma excepcional. En España la decadencia de la monarquía española, apática y desinteresada por los asuntos del gobierno, y la grave crisis económica derivaron en un afán por fingir un lujo y una suntuosidad que no se correspondía con la realidad y que procedía del enorme talento de nuestros artistas, más que de otra cosa.</b><br />
<b><br /></b>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiORD2ZqdXATMTd4_AjvQEdBQXoYhvdAi8og3Ya3nYMgYZE_-1Gzm6bkbRrRx0QjiJqb0St4cYPLj3KL3cnphZvhofqECorHbiqCZQ7lqj9yjrcmyLF_732HY7YnRi1T0PVr8ptJYCDI1I/s1600/car.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="478" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiORD2ZqdXATMTd4_AjvQEdBQXoYhvdAi8og3Ya3nYMgYZE_-1Gzm6bkbRrRx0QjiJqb0St4cYPLj3KL3cnphZvhofqECorHbiqCZQ7lqj9yjrcmyLF_732HY7YnRi1T0PVr8ptJYCDI1I/s640/car.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
Interior de la <i style="font-weight: bold;">sacristía de la Cartuja. </i>Granada</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>1. INTRODUCCIÓN A LA ESPAÑA BARROCA</b></span><br />
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<br />
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Ya hemos visto que el Barroco se desarrolló en Europa en medio de un clima de guerras y conflictos religiosos. En España la situación no va a ser más fácil puesto que, en el siglo XVII, confluyen una serie de aspectos que nos permiten hablar de una situación verdaderamente crítica: </span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<ul>
<li style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><span style="line-height: normal;"></span><b>Los últimos Austrias</b></span></li>
</ul>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">La figura del rey que gobierna eficazmente desaparece en favor de los validos, nobles amigos del rey que se encargan de garantizar la coordinación entre las instituciones. Los más importantes fueron el duque de Lerma, valido de Felipe III, y el conde-duque de Olivares, de Felipe IV. Los Austrias llamados “menores” (Felipe III, Felipe IV y Carlos II) coincidieron en su carácter melancólico y un tanto abúlico que les llevó a desentenderse de las cuestiones de gobierno. </span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<ul>
<li style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><span style="line-height: normal;"></span><b>La crisis política y económica </b></span></li>
</ul>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><b></b><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">El conde-duque de Olivares se encargó de llevar a cabo importantes reformas de carácter político que ocasionaron múltiples levantamientos y enfrentamientos. La situación económica de España tras el esplendor de los primeros monarcas de la casa de los Austrias era realmente dramática. Se produjo un descenso de la población activa, el pueblo fue castigado por la peste en 1600 y en una segunda ocasión durante el reinado de Felipe IV. Además se produjo una intensa crisis agraria y un agotamiento demográfico especialmente intenso en Castilla. A esta evidente decadencia habría que añadir que el final del siglo XVII y el comienzo del XVIII harían de España un campo de batalla, al morir Carlos II sin descendencia y pugnar todas las potencias europeas por “colocar” un rey en España acorde con sus intereses. Esta guerra, llamada de Sucesión (1700-1714), se resolvería finalmente con el ascenso al poder del Borbón Felipe de Anjou (Felipe V) y, por lo tanto, el final de la dinastía Habsburgo en la Corona española. </span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<ul>
<li style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; margin: 0px; text-align: justify;"><span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><span style="line-height: normal;"></span><b>La ciencia. La literatura </b></span></li>
</ul>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><b></b><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">La <b>ciencia</b>, al igual que había sucedido durante el siglo XVI, no tuvo un especial desarrollo en nuestro país. En cambio, <b>la literatura</b> gozó de una época de esplendor que se conoce como Siglo de Oro. Ésta representó muy bien la realidad social de la España del momento. Aparecen grandes escritores como Góngora, Quevedo, Calderón de la Barca, Lope de Vega, Tirso de Molina, etc.</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpo2P4l7m516yY7w0zPalACmP1H7qx4IujeYme57rcPjmZy_1CdbLtOQKsuGahrAapdQ3Ya0B1pOzLWp3PlbpvvD64JMG6P6qTz_8R-l8TzCdTsqDodTe8ioyYKS_09LTTTGqgmJOw1JE/s1600/est.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpo2P4l7m516yY7w0zPalACmP1H7qx4IujeYme57rcPjmZy_1CdbLtOQKsuGahrAapdQ3Ya0B1pOzLWp3PlbpvvD64JMG6P6qTz_8R-l8TzCdTsqDodTe8ioyYKS_09LTTTGqgmJOw1JE/s640/est.gif" width="522" /></a></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">José de Churriguera: <b><i>Retablo mayor de la iglesia de San Esteban. </i></b>Salamanca</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal;">
<b><span style="font-family: Times, Times New Roman, serif; font-size: large;">2. ARQUITECTURA BARROCA ESPAÑOLA</span></b></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; min-height: 22px;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif; font-size: large;"><b></b><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal;">
<b><span style="font-family: Times, Times New Roman, serif; font-size: large;">2.1. La arquitectura barroca en Madrid durante el siglo XVII</span></b></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; min-height: 22px;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><b></b><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Durante el siglo XVII la orden de los Carmelitas experimentó una gran difusión que hizo que se realizaran muchos conventos e iglesias. Tal es el caso del <i>Convento de la Encarnación </i>de <b>Fray Alberto de la Madre de Dios</b>, financiado con dinero donado por la realeza. Se trata de un edificio de planta de cruz latina, nave única y cúpula en el crucero. La fachada se repetirá incansablemente en la iglesias carmelitas. Ésta tiende a la verticalidad y los únicos elementos decorativos que nos encontramos son dos escudos con el Toisón de oro y un relieve. Está coronada por un frontón triangular.</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcKKPSIh-6VdjhGL-tzis4PLvR0InWgYwuOUZs1Z5mCuPTbl1r1KUi68V_oT3qvdFjIXYaHL_61IApHdLiile410m9tfw7fZFs9aOP-kRU7jL73vwS5NoEhSaO7CVUoBHtrLI3rOVGd-s/s1600/con.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="456" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcKKPSIh-6VdjhGL-tzis4PLvR0InWgYwuOUZs1Z5mCuPTbl1r1KUi68V_oT3qvdFjIXYaHL_61IApHdLiile410m9tfw7fZFs9aOP-kRU7jL73vwS5NoEhSaO7CVUoBHtrLI3rOVGd-s/s640/con.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Fray Alberto de la Madre de Dios: <b><i>Convento de la Encarnación. </i></b>Madrid</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; min-height: 15px;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">El arquitecto más representativo de la corte madrileña es, indudablemente, <b><i>Juan Gómez de Mora</i></b> (1586-1648). Uno de sus primeros proyectos fue <i>la Clerecía de Salamanca </i>(1617), perteneciente a la Compañía de Jesús, que contó con el apoyo económico de la reina Margarita de Austria. La fachada de la iglesia fue finalizada por <b>Pedro Mato</b>, mientras que la parte inferior pertenece a Gómez de Mora. En su realización se empleó piedra de Villamayor. La planta es típicamente jesuítica: cruz latina cubierta con bóveda de cañón con lunetos y cúpula para la parte del crucero.</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">En Madrid se desenvolvió la mayor parte del trabajo de Gómez de Mora. <i>La Plaza Mayor</i>, en la que se ubicaba la <i>Casa de Panadería</i>, es una obra suya realizada hacia 1617, que fue modificada posteriormente. Su antecedente más claro es la <i>Plaza Mayor de Valladolid</i>. La <i>Plaza Mayor de Madrid</i> tiene planta rectangular con pórticos de pilastras adinteladas y cinco pisos de balcones. Para su realización hubo que nivelar el terreno. En 1672 sufrió un grave incendio que obligó a reconstruirla. Otra obra de gran interés de este arquitecto en Madrid es la <i>Cárcel de Corte </i>(en la actualidad Palacio de Santa Cruz, sede del Ministerio de Asuntos Exteriores). En planta podemos apreciar un doble patio y en los ángulos torres que producen una sensación de fortaleza. En el <i>Palacio del Buen Retiro</i> (1637-1638), construido en la mayor parte de ladrillo, colaboró con otra de las grandes figuras de la arquitectura barroca madrileña: <b><i>Alonso Carbonell</i></b>, activo entre 1620 y 1660. Debido a sucesivos incendios tan sólo se conserva de ella el <i>Casón del Buen Retiro</i> y una de las alas que hoy alberga el <i>Museo del Ejército</i>. Se cree que el <i>Palacio del Buen Retiro</i> debió de estar muy influido por <i>El Escorial</i>, símbolo por excelencia del rey Felipe II, que encarna un período esplendoroso de nuestra Historia que se pretenderá emular precisamente ahora.</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOrVvaZV0Sc3SA1-pCxB4T13HWoOHAe5ZsyVh0X6t__5AO3xNHsc3LJDxhKbeTPunxiJceQ5MOVBW4Kj63Dc4ILQ9rVhZEqTM8xQvda6S_rGa2s_YusdsKZsDbUGvy1hscRNrXwpGwAQo/s1600/pl.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOrVvaZV0Sc3SA1-pCxB4T13HWoOHAe5ZsyVh0X6t__5AO3xNHsc3LJDxhKbeTPunxiJceQ5MOVBW4Kj63Dc4ILQ9rVhZEqTM8xQvda6S_rGa2s_YusdsKZsDbUGvy1hscRNrXwpGwAQo/s640/pl.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Juan Gómez de Mora: <b><i>Plaza Mayor. </i></b>Madrid</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; min-height: 15px;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbTude6XWQaYeV_wSMke-bySMG9fxPKLsJBz9Xpg4QY6rP_WBHV3xeZkLmKH3b6VeXjIfL-XGFsqJFVzGBzZR0cEIGrwm7sTU_sUk8cF9JkVEwImGTOuW_ROGvBE5KuRK1-HNG90w0TCE/s1600/car.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbTude6XWQaYeV_wSMke-bySMG9fxPKLsJBz9Xpg4QY6rP_WBHV3xeZkLmKH3b6VeXjIfL-XGFsqJFVzGBzZR0cEIGrwm7sTU_sUk8cF9JkVEwImGTOuW_ROGvBE5KuRK1-HNG90w0TCE/s640/car.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Juan Gómez de Mora: <b><i>Cárcel de Corte. </i></b>Madrid</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; min-height: 15px;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">A principios del siglo XVII se inicia, en una céntrica zona de Madrid, la construcción de la <i>iglesia de San Isidro</i> (a partir de 1629), perteneciente a la Compañía de Jesús. Las trazas son de <b><i>Pedro Sánchez</i></b> (1569-1633), pero la terminará <b><i>Francisco Bautista </i></b>(1594-1679) según el modelo jesuítico antes descrito. La fachada de la iglesia sigue los dictámenes de la tratadística de Fray Lorenzo de San Nicolás.</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">En Alcalá de Henares, <b>Sebastián de la Plaza </b>se ocupa del <i>Convento de las Bernardas</i>, de un enorme interés por los innovadores elementos que utiliza. Es una obra realizada en la segunda mitad del siglo XVII. En primer lugar, la planta longitudinal se sustituye por la central, más concretamente por la elíptica. En la fachada emplea ladrillo y piedra y los elementos decorativos (frontones curvos partidos, hornacinas, óculos, etc.) son más movidos y abundantes y, en este sentido, se hallan más cerca del espíritu barroco que otras obras del mismo momento.</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal;">
<b><span style="font-family: Times, Times New Roman, serif; font-size: large;">2.2. El Barroco andaluz</span></b></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; min-height: 22px;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><b></b><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">El Barroco es uno de los períodos artísticos más esplendorosos dentro del arte andaluz. Un arte que exalta la sensualidad y el colorismo, quizá como fruto de muchos años de presencia islámica y que demuestra que Andalucía posee un concepto de la vida radicalmente diferente al de otros pueblos como Castilla o Galicia. Los materiales son pobres pero la decoración, rica y exuberante, se encargan de enmascarar la pobreza constructiva.</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><b><i>Leonardo de Figueroa </i></b>(1650-1730), uno de los grandes arquitectos del Barroco andaluz, es el autor del <i>Hospital de los Venerables</i>, que expone de qué manera ha evolucionado el modelo de hospital iniciado en el período de los Reyes Católicos. También es obra de este artista la <i>iglesia del Salavador </i>(a partir de 1696), pero indudablemente lo más interesante de su producción artística es el <i>Palacio de San Telmo</i> (1724-1734), lugar en el que vivían los huérfanos de los marineros que habían muerto en América. La fachada representa el ejemplo más claro de Barroco decorativo ya que toda su superficie está engalanada con todo tipo de elementos que producen una sensación generalizada de abigarramiento. El balcón está sostenido por atlantes. <i>La Fábrica de Tabacos </i>(1726-1757), lo mismo que el <i>Palacio de San Telmo</i>, fue construido en el siglo XVIII y es testimonio de la evolución del Barroco, desde una primera influencia renacentista hasta convertirse en un estilo independiente. <i>La Fábrica de Tabacos </i>de Sevilla fue realizada por <b>Diego Bordick </b>y <b>Sebastian van der Boch</b>.</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdxIUkIxUZYYghM2uZ3_oos48cUpdojAD0lmo2HTU2qBcrFKDKNvLYsxQoz94UlL_pJUlaq2GUI1vkR_WjpSKqnEEtKkU_raDX3aAAjV3HHwGOpeYBxedYkTOdEpfkuOXyAl_w1dS8KkI/s1600/tel.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="428" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdxIUkIxUZYYghM2uZ3_oos48cUpdojAD0lmo2HTU2qBcrFKDKNvLYsxQoz94UlL_pJUlaq2GUI1vkR_WjpSKqnEEtKkU_raDX3aAAjV3HHwGOpeYBxedYkTOdEpfkuOXyAl_w1dS8KkI/s640/tel.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Leonardo de Figueroa: <b><i>Palacio de San Telmo. </i></b>Sevilla</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; min-height: 15px;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpjQ2c7N627-d1D_MEeR-sExCQePHu7EbBWBT3FOVHRqKhQ3GdH4eGwvWC239k7GMWTor1cM4BhiC8hWG0fQGnUetD_QaeOBr8BHoAnenqBMDgZn3ArScl_sqSMkMeu8VhjpiB1CYfZdI/s1600/tab.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="428" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpjQ2c7N627-d1D_MEeR-sExCQePHu7EbBWBT3FOVHRqKhQ3GdH4eGwvWC239k7GMWTor1cM4BhiC8hWG0fQGnUetD_QaeOBr8BHoAnenqBMDgZn3ArScl_sqSMkMeu8VhjpiB1CYfZdI/s640/tab.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Diego Bordick, Sebastian van der Boch: Antigua <b><i>Fábrica de Tabacos. </i></b>Sevilla</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; min-height: 15px;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">En <b>Granada</b> sobresalió <b><i>Alonso Cano </i></b>(1601-1667), un hombre verdaderamente polifacético, autor de la <i>fachada de la Catedral de Granada </i>(1667), obra, como ya hemos visto, iniciada durante el siglo XVI. Los grandes vanos estrellados, que son el elemento más sobresaliente de la fachada, caracterizarán también la arquitectura barroca mejicana. <b><i>Francisco Hurtado Izquierdo</i></b> (1669-1725) es el autor de la <i>Sacristía de la Cartuja </i>de Granada (1702-1720), un espacio rectangular con una cúpula en el centro por la que penetra la luz, y en el que conviven la escultura, la pintura y la arquitectura en una perfecta y, al mismo tiempo, excesiva, simbiosis. En él encontramos un sinfín de curvas y contracurvas, pilastras, columnas salomónicas y rocalla que configuran una decoración plenamente barroca. Se trata de un espacio muy similar al de la <i>Sacristía del monasterio de Guadalupe</i>, en Cáceres, que está decorada con pinturas de Zurbarán y esculturas de Alonso Cano.</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhF0x5eLbqZwASBBQYY5oXPgWXLgSPtEcr-Aw-VE23d9HEuu8txy1j6Vm5DBOT-nXsNjgN_otmY5XHX7UJz8UFyGKsXFOObTpdRJ8tcrT34Ep_gWmuxt2NEmaHWAatNHl3B6GAFGNYR4Yg/s1600/sac.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhF0x5eLbqZwASBBQYY5oXPgWXLgSPtEcr-Aw-VE23d9HEuu8txy1j6Vm5DBOT-nXsNjgN_otmY5XHX7UJz8UFyGKsXFOObTpdRJ8tcrT34Ep_gWmuxt2NEmaHWAatNHl3B6GAFGNYR4Yg/s640/sac.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; line-height: normal;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Francisco Hurtado Izquierdo: <b><i>Sacristía del monasterio de Guadalupe. </i></b>Cáceres</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; font-family: Georgia; font-size: 13px; line-height: normal; min-height: 15px;">
<br /></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; font-family: Georgia; font-size: 13px; line-height: normal; min-height: 15px;">
<br /></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; font-family: Georgia; line-height: normal; min-height: 15px;">
<span style="font-size: large;"><b>2.3. Arquitectura barroca en Galicia</b></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; font-family: Georgia; line-height: normal; min-height: 15px;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; font-family: Georgia; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
Galicia es uno de los puntos de España con más personalidad artística durante el Barroco. Es, además, uno de los lugares de nuestro país que no se vieron afectados por la escasez de piedra. Abundó, sobre todo, el granito, un material duro que presenta grandes dificultades a la hora de ser trabajado, por ello los motivos decorativos no son de formas suaves y ondulantes como sucedía en Andalucía, sino de una gran rigidez y fuertemente geometrizados.</div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; font-family: Georgia; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; font-family: Georgia; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
La luz de Galicia es diferente a la de otras regiones, más fría en comparación con la dorada luz que envuelve las construcciones de Levante o Andalucía, y esto se aprecia en su arquitectura.</div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; font-family: Georgia; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; font-family: Georgia; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
Una de las obras más significativas del Barroco gallego es la <i>Fachada del Obradoiro</i> de la catedral de Santiago de Compostela (1738-1747), en la que se respetó el <i>Pórtico de la Gloria </i>contra las disparatadas opiniones que proponían derribarlo. Los autores de esta fachada son <i style="font-weight: bold;">Fernando de Casas Novoa </i>(1700-1749) y <i style="font-weight: bold;">Domingo Antonio de Andrade </i>(1639-1712).</div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; font-family: Georgia; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; font-family: Georgia; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
En ella se logra el fin que se persigue: impactar y capturar la atención del espectador. Las dos torres y la gran altura que se ha conseguido nos invitan a levantar la mirada. En el centro, se recorta contra el cielo, la imagen del apóstol lo que introduce una dosis de color, de modo parecido a lo que se hizo en <i>San Telmo</i>, en Sevilla. Los elementos que la constituyen pretenden, en gran medida, trasladar el esquema de una portada románica al lenguaje barroco.</div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; font-family: Georgia; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; font-family: Georgia; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
Entre finales del siglo XVII y principios del XVIII, <b>Fernández Lechuga </b>realizó la fachada y el claustro de la iglesia de <i>San Martín Pinario</i>. En éste último emplea un friso con triglifos y motopas y columnas pareadas de origen gigante.</div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; font-family: Georgia; line-height: normal; min-height: 15px; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjddlrqcYJbGwhRd2Ij73hnA8e86SuQhHlq_6Pf9Eaa8572ub6qBI8DDmN_CIOSDWy11uzeiPdHetGyratA4dQ94CVSZy1-HOWW6bXtNvPHSSEncBciqy52gy7It4VfgKTj74vSzlpZc-w/s1600/mar.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="478" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjddlrqcYJbGwhRd2Ij73hnA8e86SuQhHlq_6Pf9Eaa8572ub6qBI8DDmN_CIOSDWy11uzeiPdHetGyratA4dQ94CVSZy1-HOWW6bXtNvPHSSEncBciqy52gy7It4VfgKTj74vSzlpZc-w/s640/mar.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Fernández Lechuga: <i style="font-weight: bold;">Fachada de San Martín Pinario. </i>Santiago de Compostela</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Ya dentro del siglo XVIII, <b>Simón Rodríguez </b>hace la iglesia de <i>Santa Clara</i>, en Santiago de Compostela, en cuya fachada pueden contemplarse volutas, hornacinas y, en definitiva, elementos decorativos muy geometrizados que sobresalen potentemente de la superficie.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-jpeVkmOM_v5Cd68lJbWG8NE1bNtwXdDSbJLNyE385_E-KBnc0THJgRc5-FtFcWJNAXiyTdQpwKUjTmkgwtczh3A3jomqVMCQ99Km905hxA1iFkKuJ1qbOF4FjLfOgsEC5zAzyHlCmqE/s1600/ro.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-jpeVkmOM_v5Cd68lJbWG8NE1bNtwXdDSbJLNyE385_E-KBnc0THJgRc5-FtFcWJNAXiyTdQpwKUjTmkgwtczh3A3jomqVMCQ99Km905hxA1iFkKuJ1qbOF4FjLfOgsEC5zAzyHlCmqE/s640/ro.jpg" width="480" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Simón Rodríguez: <i style="font-weight: bold;">Fachada de la iglesia de Santa Clara. </i>Santiago de Compostela </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2.4. El Barroco levantino</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Para muchos autores, como es el caso de Kubler, la mayor parte de los edificios realizados en esta área geográfica a finales del siglo XVII y principios del XVIII, entran dentro del Rococó por el excesivo sentido decorativo del que hacen gala.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Una de las primeras obras que se proyectan en la zona levantina es <i>la fachada de la Catedral de Valencia </i>(1703), en la que trabajan <b>Corrado Rudolfo</b>, arquitecto de origen alemán, y <b>Francisco Vergara</b>. En ella se juega con las formas cóncavas y convexas que demuestran que Rudolfo se había formado en Roma y que conocía muy bien la obra de Bernini y Borromini, pero especialmente la de Guarino Guarini y más concretamente aún la iglesia de <i>San Lorenzo de Turín</i>. También se tiene la certeza de que estuvo en Viena y de que el Barroco que allí se desarrolló le interesó e influyó notablemente. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En Valencia se conserva uno de los más bellos ejemplos de la arquitectura española del siglo XVIII: el <i>Palacio del marqués de Dos Aguas </i>(1740). En su fachada destaca la portada realizada por <b>Ignacio Vergara</b>. En la parte inferior podemos admirar la personificación de los dos ríos de Valencia, el Turia y el Júcar, de anatomías rotundas de influencia miguelangelesca. En la parte superior la Virgen con el Niño en una hornacina es rodeada de otros motivos decorativos realizados por Luis Domingo e Ignacio de Vergara.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjctwFrUj5ooVviCN_rxWM8LbxJbUiOzu22lEBNU-AiM3QUHMohEsqP3fLA_mH3QR7sHuFasWZm8NvH0zLb8JqqZqK4TSfgbe-PsJFnf9s2YaAwtIGrDdYMxmif-ngOpH0rWolhYZrgd9Q/s1600/ag.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjctwFrUj5ooVviCN_rxWM8LbxJbUiOzu22lEBNU-AiM3QUHMohEsqP3fLA_mH3QR7sHuFasWZm8NvH0zLb8JqqZqK4TSfgbe-PsJFnf9s2YaAwtIGrDdYMxmif-ngOpH0rWolhYZrgd9Q/s640/ag.jpg" width="448" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Ignacio Vergara: <i style="font-weight: bold;">Palacio del marqués de Dos Aguas. </i>Valencia</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Jaime Bort </i>(?-1754) es el artífice de la <i>fachada de la Catedral de Murcia</i>, realizada en 1740. En ella la combinación de formas cóncavas y convexas rompe la sensación de frontalidad. Está recubierta por una abundante y refinada decoración. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgeRv2_rUYMQJjcmNbbR1ae-Dq00y01X4zaySQAUL4jiyLUYeC6ClvTIMYnCVjBmnmvZQqDPubyBK-VKoD8e2I1u6l8yzhvjdgwstMVSP4658QiLzVZwTYf35v8RKnUsJGShyphenhyphenvou1QZCMc/s1600/mur.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgeRv2_rUYMQJjcmNbbR1ae-Dq00y01X4zaySQAUL4jiyLUYeC6ClvTIMYnCVjBmnmvZQqDPubyBK-VKoD8e2I1u6l8yzhvjdgwstMVSP4658QiLzVZwTYf35v8RKnUsJGShyphenhyphenvou1QZCMc/s640/mur.jpg" width="640" /></a></div>
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Jaime Bort: <b><i>Fachada de la Catedral de Murcia</i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<b><span style="font-size: large;">3. GRANDES ARQUITECTOS DEL SIGLO XVIII: NARCISO TOMÉ, PEDRO DE RIBERA Y LOS HERMANOS CHURRIGUERA</span></b></div>
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<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
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<i style="font-weight: bold;">Narciso Tomé </i>(1696-1742) participa de las características del pleno Barroco. Destacó como retratista y decorador. Su obra más representativa es <i>el Transparente de la Catedral de Toledo</i> (1732), que demuestra la importancia que había comenzado a adquirir el culto al Santísimo Sacramento en esta ciudad. En el centro de la girola de una catedral gótica, como es la de Toledo, abrió una ventana por la que penetra un haz de luz. La superficie de ésta se decora con pintura mural y con esculturas de mármol. La introducción de este elemento comportó complicadas intervenciones de carácter arquitectónico. Se quiere que el fiel que se encuentra en este espacio tenga la sensación de estar próximo a la Gloria. Con esta finalidad se sirve de todas las artes para llegar, de algún modo, al arte total. Existe, una vez más, una gran conexión entre el teatro y el resto de las manifestaciones artísticas durante el Barroco. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIGSfAe__TQodyieWSL7Tx5wJrABd6txzqjWMj-kmK6aZ2HZ6Ko510cdbhJSjsBGEyEVqIllc3tuYz4IR7JQjaeLDJYPxGVoD2sYFQGx6uJV1TzDnhyphenhyphenunZQEPkjmGafpasCaSZ9QtiJOc/s1600/to.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="422" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIGSfAe__TQodyieWSL7Tx5wJrABd6txzqjWMj-kmK6aZ2HZ6Ko510cdbhJSjsBGEyEVqIllc3tuYz4IR7JQjaeLDJYPxGVoD2sYFQGx6uJV1TzDnhyphenhyphenunZQEPkjmGafpasCaSZ9QtiJOc/s640/to.jpg" width="640" /></a></div>
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Narciso Tomé: <b><i>Transparente de la catedral de Toledo</i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<i style="font-weight: bold;">Pedro de Ribera </i>(1683-1742) es el arquitecto más interesante de Madrid durante la primera mitad del siglo XVIII y uno de los más criticados por los neoclásicos dada su desbordante fantasía arquitectónica. Es autor de diversas obras de ingeniería como el <i>Puente de Toledo</i>, que cruza el río Manzanares, sustentado por arcos de medio punto. En el centro levanta dos templetes de piedra con las imágenes de san Isidro y de santa María de la Cabeza que se recortan dentro de las hornacinas que las enmarcan. <i>La Fuente de la Fama </i>está coronada por un ángel junto a otras figuras que llevan cuernos de la abundancia, todo ello sobre delfines. Su obra más célebre es <i>el Antiguo Hospicio de Madrid </i>que se realizó durante el primer cuarto del siglo XVIII. Está construida con ladrillo, pero la puerta es de piedra. En la fachada se introducen los drapeados y los cortinajes, óculos, frontones partidos, así como las estípites. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjE2rrrpL4edoIxOnzB4uG7CfIXTzVIR9GQ2hqDPmqpzAHsXUhDQgA5LdNepfa-1LFJXEcXp6JHr2h9jygVaaZky1e-IljYnTeN15G9v90hHy22A8AWH1iq-k4eS1e9fi2TST9KBoSPudU/s1600/fa.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="518" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjE2rrrpL4edoIxOnzB4uG7CfIXTzVIR9GQ2hqDPmqpzAHsXUhDQgA5LdNepfa-1LFJXEcXp6JHr2h9jygVaaZky1e-IljYnTeN15G9v90hHy22A8AWH1iq-k4eS1e9fi2TST9KBoSPudU/s640/fa.jpg" width="640" /></a></div>
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Pedro de Ribera: <i style="font-weight: bold;">Fuente de la Fama. </i>Madrid</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEianMbb5Saw6Dx56n3CilFdNxDnsZTj6mcvnaergj7Q3FTsWJjqk6qoNVNLw5Kmg-4vlnk5i6HrZdeDrDewl9TShzSYr26F7Tou_dM0uXpIa2ntVCInNX1BGBtopOXQUlz19zZiB_fdpcs/s1600/hos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEianMbb5Saw6Dx56n3CilFdNxDnsZTj6mcvnaergj7Q3FTsWJjqk6qoNVNLw5Kmg-4vlnk5i6HrZdeDrDewl9TShzSYr26F7Tou_dM0uXpIa2ntVCInNX1BGBtopOXQUlz19zZiB_fdpcs/s640/hos.jpg" width="424" /></a></div>
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Pedro de Ribera: <i style="font-weight: bold;">Antiguo Hospicio </i>hoy Museo Municipal. Madrid</div>
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<br /></div>
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<b><i>Los hermanos Churriguera: </i>José Benito</b> (1650-1723), <b>Joaquín </b>(1674-1724) y <b>Alberto</b> (1676-1740) constituyen parte de una de las familias más fecundas de la Historia del Arte español. Trabajarán a lo largo de toda nuestra geografía, pero especialmente en el área salmantina. Ellos dan origen a un personal modo de entender la arquitectura que se va a denominar <b>Churriguerismo</b>, caracterizado por los excesos decorativos. El Churrigueresco será duramente criticado por los neoclásicos e injustamente minusvalorado durante largo tiempo. <i>La Plaza Mayor de Salamanca </i>(1728-1735) fue trazada por Alberto Churriguera, mientras que el ayuntamiento (1750) que se encuentra allí es obra de <b>García de Quiñones</b>. José Benito de Churriguera es el artífice del <i>Retablo de la iglesia de San Esteban</i> (Salamanca), uno de los retablos barrocos que mejor representan lo que fue este estilo en España. En él proliferan las columnas salomónicas, que emergen del mismo cubiertas de decoración, los entablamentos sobresalen notablemente y se emplean estípites; se trata de una pequeña arquitectura dentro de la arquitectura en la que destacan la custodia y el cuadro de <i>La lapidación de san Esteban </i>en la parte superior, obra de Claudio Coello.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgiAauEiNy3M_9Lx4Z76RN9P-jDLTrPZJzSgn71VcytLezaRowLMAKhgtk5mZicXdQXrDY6CfrNN-HCG3u8jd4ecBsFvJqrWa7PfAUR9pOTBpOQmVfX0Vs5cJVm3g8bVVzWUZIy1O4No00/s1600/sal.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="428" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgiAauEiNy3M_9Lx4Z76RN9P-jDLTrPZJzSgn71VcytLezaRowLMAKhgtk5mZicXdQXrDY6CfrNN-HCG3u8jd4ecBsFvJqrWa7PfAUR9pOTBpOQmVfX0Vs5cJVm3g8bVVzWUZIy1O4No00/s640/sal.jpg" width="640" /></a></div>
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Alberto Churriguera: <i style="font-weight: bold;">Plaza Mayor. </i>Salamanca</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4. LOS PALACIOS ESPAÑOLES</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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Durante la primera mitad del siglo XVIII se construirán en España importantes palacios vinculados directamente a la monarquía de los Borbones. Con este fin vinieron a España muchos artistas extranjeros, especialmente italianos y franceses. Uno de los más sobresalientes es <i style="font-weight: bold;">Filippo Juvara </i>(1678-1736), del que ya hemos tenido ocasión de hablar en la arquitectura barroca italiana. Fue llamado a Madrid en 1735, invitado por Felipe V. Él fue quien realizó los proyectos del <i>Palacio Real </i>de Madrid en colaboración con su discípulo <i style="font-weight: bold;">Giovanni Battista Sachetti </i>(1759-1829). Fue precisamente éste quien se encargó de finalizar las obras que quedaron inconclusas a la muerte de su maestro. En el palacio de Aranjuez trabajaron <i style="font-weight: bold;">Santiago Bonavia </i>(1700-1760) y <i style="font-weight: bold;">Francesco Sabatini </i>(1722-1797), éste último discípulo de Vanvitelli, que también intervino en el <i>Palacio del Pardo</i>.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjardikxcC6ZuaOxdc5bBSLEoXKbk3a-xBiSIXoZnxWg3Z5-kbMmze7vtRac0DZNY_9Y-zNgVW58gtaMuzPvUqbl24uTeJPLCE8r8GmoOX7uWh_duNNMh1XL7Jc9J3Rd2iQ7huBgU7MwCM/s1600/pal.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="428" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjardikxcC6ZuaOxdc5bBSLEoXKbk3a-xBiSIXoZnxWg3Z5-kbMmze7vtRac0DZNY_9Y-zNgVW58gtaMuzPvUqbl24uTeJPLCE8r8GmoOX7uWh_duNNMh1XL7Jc9J3Rd2iQ7huBgU7MwCM/s640/pal.jpg" width="640" /></a></div>
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Fachada del <b><i>Palacio Real de Madrid</i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<i>El Palacio de la Granja de san Ildefonso</i>, uno de los ejemplos más admirables de la arquitectura palaciega del momento, es fruto del trabajo conjunto de <b>Filippo Juvara </b>y <b>Teodoro Ardemans </b>(1664-1726). Los jardines de este palacio son unos de los más bellos que se conservan en España. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0LYxcwS37idvH_166U4bkKvqDueqeArHWt8ZvSz0jguGDnsExUgIgUybSgDMm1hm1SuN5s54ZVaOVfP5tEfqSKCzCh3oXZLqOMFinBKgYX326S91vhPa-mQ_QvyK9XPUSR8XFPlQk0OU/s1600/gr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0LYxcwS37idvH_166U4bkKvqDueqeArHWt8ZvSz0jguGDnsExUgIgUybSgDMm1hm1SuN5s54ZVaOVfP5tEfqSKCzCh3oXZLqOMFinBKgYX326S91vhPa-mQ_QvyK9XPUSR8XFPlQk0OU/s640/gr.jpg" width="604" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Teodoro Ardemans: <i style="font-weight: bold;">Palacio de la Granja. </i>Segovia</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>EL BARROCO ESPAÑOL</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Sin embargo, los artistas más destacados de este momento gracias a su innovador trabajo, en el sentido del gran aporte ornamental en la profusa utilización de la línea curva, así como en constituirse como los maestros indiscutibles del resto de arquitectos de la época, son los miembros de la familia Churriguera. Activos, tanto en la zona salmantina como en la madrileña, han dejado involuntariamente su apellido como expresión de un estilo propio y caracterizado del barroco español: el churriguerismo, que no se refiere precisamente a la generalidad del barroco, sino a un estilo muy personal dentro del propio barroco. Como consecuencia de su forma de hacer, se acuña así en el siglo XVIII el término churrigueresco, en alusión despectiva al barroco que se da en el primer cuarto de esta centuria y luego referida a la decoración abundante y movida que manejan todos los arquitectos pertenecientes a esta dinastía. Esta idea despectiva en torno al barroco y a su especial denominación de churrigueresco está muy presente en las mentalidades hasta mucho más adelante". </i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
(ANGUITA HERRADOR, R. <i>El arte barroco español, </i>2005)</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>A FONDO</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><i>FACHADA DE LA CATEDRAL DE SANTIAGO DE COMPOSTELA</i></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b>FERNANDO DE CASAS Y NOVOA</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Entre los años 1738 y 1750 se acomete la obra de la fachada oeste del edificio más emblemático del Románico español: la <i>Catedral de Santiago de Compostela</i>, magnífico ejemplo de templo de peregrinación del que ya nos hemos ocupado. Entre las propuestas que se barajaron existía una, absolutamente disparatada, que proponía derribar el <i>Pórtico de la Gloria </i>y construir en su lugar una nueva fachada. Esta idea fue totalmente desechada por los arquitectos que finalmente se encargaron de la realización de este proyecto: Fernando Casas y Novoa y, su sucesor, Domingo Antonio de Andrade. La decisión definitiva consistió en superponer una fachada, marcadamente barroca, a la que en origen tenía la catedral románica.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El material constructivo empleado es el granito de un color gris muy particular, abundante en Galicia, y que será empleado en la mayoría de las construcciones barrocas de esa región, lo que condicionó notablemente la ejecución de los motivos decorativos, mucho más geométricos y anquilosados que los que se encuentran en otros edificios barrocos de nuestro país.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La fachada está dividida en dos cuerpos y flanqueada por dos torres campanario, que se ubican allí de forma premeditada, con el fin de rememorar las torres medievales que debió de tener la catedral en el siglo XI, y de las que da buena cuenta el <i>Codex Calixtinus</i>. Los elementos estructurales de la fachada, sin ser ni mucho menos una recreación de la arquitectura románica, tratan de no discordar con el templo al que serán sobrepuestos. De esta manera, el vano de ingreso recuerda a una portada románica: se recurre al arco de medio punto, se delimita un espacio que recuerda a un tímpano y se mantiene el parteluz.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Toda la superficie de la fachada está recubierta de variados elementos decorativos que la aproximan a las obras y al estilo recargado y artificioso de los hermanos Churriguera, las columnas sobresalen potentemente de la fachada generando una sensación de claroscuro, desafiando las normas clásicas y creando un gran dinamismo. Aparecen los motivos heráldicos, las grandes volutas que pierden su flexibilidad por el rigor del material empleado, etc. En el nicho superior se encuentra la imagen del santo bajo cuya advocación se encuentra el templo: Santiago apóstol.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Su silueta se recorta sobre el cielo, introduciéndose de esta manera una nota de color en todo el conjunto, de la misma forma que se hace en la fachada del <i>Hospicio de Madrid</i>, obra de Pedro de Ribera. Otro de los elementos singulares que presenta esta fachada es la peculiar escalera mediante la que se accede al interior del templo, homenaje a otra de las grandes obras de nuestra arquitectura, la <i>Escalera Dorada </i>de Diego de Siloé, de similar estructura, que se encuentra en la Catedral de Burgos.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La obra es de dimensiones colosales, lo que unido a su recargada decoración y al contraste con la desnudez de la plaza, genera en el peregrino que ve finalizado su periplo un sentimiento en el que se entremezclan la sensación de sobrecogimiento con la de alivio al ver finalizado su camino.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPq3vqP_lMrtgO8DuzUsxiAtHJzhbpQEoUwE2hLZVPTN1Dn8LPH_QA9Wx_7g3iZtLvyB4eRabEUmYwix7UWXtyKbLRtYiWsRXIeLp5rMz1193mLJdV0xI3atn2vFhDs5FCbK1Jf8XoIv0/s1600/nov.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPq3vqP_lMrtgO8DuzUsxiAtHJzhbpQEoUwE2hLZVPTN1Dn8LPH_QA9Wx_7g3iZtLvyB4eRabEUmYwix7UWXtyKbLRtYiWsRXIeLp5rMz1193mLJdV0xI3atn2vFhDs5FCbK1Jf8XoIv0/s640/nov.jpg" width="576" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>GLOSARIO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>El Toisón de oro</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Desde Carlos I y hasta nuestros días, esta "medalla" que representa a un carnero, es el símbolo de la monarquía española<b> </b>y la máxima distinción que puede otorgarse. El origen se encuentra en la mitología clásica, el Toisón es el vellocino perseguido por Jasón y los argonautas.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><i>La Plaza Mayor</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Es uno de los lugares más importantes y, a la vez, más significativos de la ciudad española durante el Barroco. Posee un fuerte sentido popular puesto que era el lugar en que se celebraba el mercado, la fiesta de los toros e, incluso, las representaciones teatrales. En ella se convocaba al pueblo en momentos determinantes.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Atlantes</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Son figuras masculinas que sujetan sobre su cabeza un entablamento. Uno de los primeros autores que hacen referencia a ellos es Pausanias.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Fama </b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Era la mensajera de Júpiter. Aunque existen iconografía muy diversas de este personaje, lo más frecuente es que aparezca con una trompeta predicando la verdad a los cuatro vientos.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Estípite</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Se trata de una pilastra en forma de tronco de pirámide invertido que puede servir como soporte o que también puede tener una función meramente decorativa.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><i>El Palacio Real </i>de Madrid</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Se asienta sobre un espacio en el que mucho antes existieron otros edificios. Se cree que allí hubo un castro romano, una fortaleza musulmana que los reyes cristianos transformaron según sus necesidades y, por último, el Alcázar que hizo Felipe II y que se destruyó en 1734 a causa de un incendio.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>CITAS</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"¿Qué es la vida? Un frenesí. ¿Qué es la vida? Una ilusión, una sombra, una ficción y el mayor bien es pequeño; que toda la vida es sueño, y los sueños, sueños son".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>La vida es sueño </b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Calderón de la Barca</b><i style="text-align: center;"> </i><b style="text-align: center;"><i> </i></b></div>
</div>
GreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-57523688214807761362015-09-29T10:24:00.002-07:002015-09-29T10:24:48.666-07:00La pintura y la escultura barroca en Europa<div style="text-align: justify;">
<b>Como ya vimos, durante el siglo XVII, la arquitectura europea experimentó un importante desarrollo desde la innovación. Se pierde, en gran medida, el "sabor clásico" que caracterizó al Renacimiento y, como contraposición, se adopta una actitud más "libre" ante las artes plásticas. Quizá, en este punto, resulte exagerado insistir en la tan manida "locura del Barroco", puesto que, a pesar de todo, en este momento encontramos claras reminiscencias de las épocas precedentes. Lógicamente, estas reflexiones son plenamente válidas para la totalidad de las manifestaciones artísticas.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>La idealización renacentista es abandonada durante los siglos del Barroco y la representación de todos los aspectos de la vida con una veracidad, en ocasiones extrema, se convierte en el objetivo prioritario del arte. Una de las expresiones artísticas que más trascendencia va a tener en el desarrollo de todas las artes es el teatro, ya que las escenas que se pintan, tanto religiosas como profanas, parecen grandes obras teatrales interpretadas frecuentemente por personajes populares.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjH1cN-phGqAflQZC1ZgHtX8G-v_Xm34eYJo0f48Se_hT4-08DSkB_B9YuqYe6W7FToI1G12Wkd6bifyCs2muQgZ1U0oqzbhOqHWh_fKqKgO0pxCi-y5iXuNsDv0mUuUv5xKqmAq56Ve5E/s1600/ba.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjH1cN-phGqAflQZC1ZgHtX8G-v_Xm34eYJo0f48Se_hT4-08DSkB_B9YuqYe6W7FToI1G12Wkd6bifyCs2muQgZ1U0oqzbhOqHWh_fKqKgO0pxCi-y5iXuNsDv0mUuUv5xKqmAq56Ve5E/s640/ba.jpg" width="566" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Caravaggio: <i style="font-weight: bold;">Baco. </i>Galería de los Uffizi. Florencia</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>1. LA ESCULTURA BARROCA EN EUROPA</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>1.1. Escultura barroca en Italia: Bernini</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Gianlorenzo Bernini </i>(1598-1680) es uno de los más importantes exponentes de la escultura barroca en Italia. Sus primeras obras datan de los años 1615-1617 y en ellas se nos revela como un buen escultor influido por el Manierismo.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Una de las primeras obras que demuestran una cierta madurez artística es <i>Eneas y Anquises</i> para el cardenal Scipión Borghese. Aquí los elementos manieristas están más acentuados que en ninguna de sus obras anteriores. Emplea la línea <i>serpentinata</i>, que tanto gustaba a los escultores manieristas, con la que obtiene una acusada sensación de inestabilidad.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Después ejecuta <i>Neptuno y Tritón</i>, a la que seguirán <i>El rapto de Proserpina, David y Apolo y Dafne</i>. En esta última se capta el momento exacto en que la suave piel de la ninfa comienza a convertirse en la rugosa y áspera corteza del árbol de laurel.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjW-vxA6lndU-vUae8ggI2hKh3c6X5pfIakvEZRrXX1h0G211blyzkoS-Rt4WDY86ElyJCq2VMz2JyU0hus42BI1sAWOfKBMvXS5Y0zvkb8uDpS-HwQCHYKZ5hsO6AC8QGTH085FzW8u-4/s1600/pro.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjW-vxA6lndU-vUae8ggI2hKh3c6X5pfIakvEZRrXX1h0G211blyzkoS-Rt4WDY86ElyJCq2VMz2JyU0hus42BI1sAWOfKBMvXS5Y0zvkb8uDpS-HwQCHYKZ5hsO6AC8QGTH085FzW8u-4/s640/pro.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Bernini: <i style="font-weight: bold;">El rapto de Proserpina. </i>Galería Borghese. Roma</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La evolución artística de Bernini se produce con una rapidez asombrosa. Se sabe que conocía y había estudiado en profundidad la escultura helenística, al cual tuvo un peso decisivo en su obra.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En las tres esculturas que hemos mencionado se da la misma característica: todas ellas representan el momento culminante, central en el desarrollo de una acción. En 1624 realiza <i>Santa Bibiana</i> y mucho más tarde, la que es su obra más conocida: <i>El éxtasis de santa Teresa</i>, en la Capilla de Cornaro de la <i>iglesia Santa Maria della Vittoria</i>, en Roma y que posee muchos elementos en común con <i>La beata Ludovica Abertoni </i>en <i>la iglesia de San Francesco a Ripa</i>, Roma. En ambos casos nos hallamos ante la representación de un éxtasis místico.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibvHJYCiNVI2q-yFBBn-M4F6NXNQJBB_6Eu30Ytd2hX7558o2MTMXbIojHRmE1Dy83xPyF9XAae_1udsoxI3vCQY2tg42R_0GwbJa9ZhXvtSPAj7ikWHhqBrITO1CWm08vCKUKLMkPL6c/s1600/lud.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="344" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibvHJYCiNVI2q-yFBBn-M4F6NXNQJBB_6Eu30Ytd2hX7558o2MTMXbIojHRmE1Dy83xPyF9XAae_1udsoxI3vCQY2tg42R_0GwbJa9ZhXvtSPAj7ikWHhqBrITO1CWm08vCKUKLMkPL6c/s640/lud.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Bernini: <i style="font-weight: bold;">La beata Ludovica Albertoni. </i>San Francesco a Ripa. Roma</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En <i>El éxtasis místico de santa Teresa </i>se sirve de la luz natural para sugerir la presencia divina. La santa está teniendo una visión de carácter sobrenatural ante la cual cae en éxtasis. Su cuerpo se desploma sobre una nube mientras que un serafín se dispone a traspasar su pecho con una flecha, símbolo de la unión mística entre Dios y la santa.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDb9tvsoi_UCFUpJuX-b_8uU_8VDWTD1Fea_82pS4Wx-BOtL8pVI8bbq539SyvuMWn01LlgoOjd-HX_r4ECqkMNym-4dosRh4K6tYeMLf-iqq6xLAXvOauJMFf6cUZ3tq_ObvqMFjo2ro/s1600/ex.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDb9tvsoi_UCFUpJuX-b_8uU_8VDWTD1Fea_82pS4Wx-BOtL8pVI8bbq539SyvuMWn01LlgoOjd-HX_r4ECqkMNym-4dosRh4K6tYeMLf-iqq6xLAXvOauJMFf6cUZ3tq_ObvqMFjo2ro/s640/ex.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Bernini: <i style="font-weight: bold;">El éxtasis de santa Teresa. </i>Capilla Cornaro. Roma</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El peso del cuerpo de santa Teresa contrasta con la ingravidez de los paños con que está vestida. A los lados de esta escena aparecen representados los miembros de la familia Cornaro que presencian este insólito hecho de carácter sobrenatural.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
También se encargó de <i>la Cátedra de San Pedro</i>, bajo el baldaquino. Se ocupó de la ejecución de algunas fuentes romanas: la <i>fuente del Tritón</i>, en la Plaza Barberini, y la <i>fuente de los Cuatro Ríos</i>, en la plaza Navona.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Sobresalió en el campo del retrato como podemos apreciar en <i>los retratos del cardenal Scipione Borghese y Constanza Buonarelli</i>. <i>Los sepulcros del papa Urbano VIII y de Alejandro VII</i> tendrán una gran influencia sobre el modelo de sepulcro que se hará posteriormente.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Uno de los aspectos fundamentales en toda la obra de Bernini, pero especialmente de sus esculturas, es su fuerte sentido de la teatralidad que le lleva a unir todas las artes.</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; min-height: 14px;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Sus esculturas, y <i>El éxtasis de santa Teresa </i>es un buen ejemplo de ello, se funden íntimamente con las arquitecturas que desempeñan el papel de grandes escenografías.</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: center;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: center;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif; font-size: large;"><b>1.2. Otros escultores barrocos italianos: Algardi y Duquesnoy</b></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: center;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif; font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><b><i>Alessandro Algardi </i></b>(1598-1654) fue, junto con Bernini, el escultor más popular en Italia durante el siglo XVII. El estilo de Algardi es bastante clásico y se puede poner en relación con el Clasicismo pictórico de los Carracci. Fue un gran conocedor y admirador de la escultura de Bernini. Entre otras cosas, demostró ser un espléndido retratista, minucioso y detallista. Algunos de sus más bellos retratos son los del <i>cardenal Laudivio Zacchia y de Camilo Pamphili</i>, de intensa penetración psicológica. A los cuarenta años recibe el primer gran encargo de su vida, <i>la tumba de León XI</i>, que está íntegramente realizada en mármol blanco de Carrara. La disposición de las figuras es piramidal. En el centro, sobre el sarcófago, el papa aparece bendiciendo y, a los lados, dos alegorías. En 1646 inicia un relieve en el que podemos admirar la escena del encuentro de León I y Atila. En el año 1641 realiza una de sus obras más importantes: <i>La decapitación de san Pablo</i>.</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; min-height: 14px;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><b><i>Francesco Duquesnoy </i></b>(1597-1643) era de origen flamenco e hijo de un importante escultor. Es un artista marcado profundamente por el Clasicismo dentro del que se desarrolló su obra. Conoció a Poussin y convivió con él durante la estancia de éste en Roma. Fue elegido para realizar una de las cuatro estatuas que iban a decorar el <i>Baldaquino de San Pedro</i>: <i>San Andrés</i>. En este caso, el tratamiento de la anatomía y de los paños es absolutamente clásico.</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: center;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif; font-size: large;"><b>1.3. Escultura barroca en Francia</b></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">La escultura francesa a lo largo del siglo XVI estuvo influida por el Manierismo y, para ser más concretos, por la obra de Jean Goujon. Además de la importancia que en ella tenía lo clásico, debemos apuntar como otro rasgo esencial el predominio de los temas mitológicos y de lo cortesano. Pese a que muchos de los artistas se formasen y pasasen largas temporadas en Italia, el estilo personal de Bernini no tuvo demasiado poder sobre ellos, en realidad están más cerca del de Algardi. Sólo <b><i>Pierre Puget </i></b>(1622-1694) reflejó en sus creaciones la influencia de la obra de Bernini, tal y como demuestra el <i>Milón de Crotona</i> que se encuentra en el Louvre y que, anteriormente, estuvo en los jardines del palacio de Versalles. Representa un atleta cuya mano quedó atrapada en un árbol, por lo que murió devorado por un león. En ella rechaza el equilibrio de lo clásico en favor de la expresividad y el dramatismo que tan presentes estuvieron en la obra de Bernini. No tenemos más que pensar en el rostro del <i>David </i>de este mismo autor, deformado y distorsionado por el esfuerzo. <b><i>Jacques Sarracin </i></b>(1588-1660) fue un gran autor de tumbas y de esculturas destinadas a ornamentar edificios. Durante el reinado de Luis XIV se decoraron muchos de los grandes palacios que había mandado construir, como el palacio de Versalles. Este proyecto fue llevado a cabo por <b><i>François Girardon </i></b>(1628-1715) que hizo muchas de las esculturas que decoran los jardines del palacio. La más célebre de todas ellas es la de <i>Apolo y las ninfas</i>. Su Clasicismo, según sugiere Germain Bazin, seguía el estilo de Fidias. <b><i>Antoine Coysevox </i></b>(1640-1720) era más creativo e independiente desde el punto de vista artístico que Girardon pero, al igual que él, estaba influido por el mundo clásico. Conocía muy bien las teorías de Le Brun acerca de la expresión tal y como quedó reflejado en sus retratos. Entre éstos cabe destacar el del <i>Busto del Grand Condé</i>. En el salón de Versalles se conserva un relieve en el que Luis XIV aparece de un modo glorioso quedando totalmente dignificado.</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEid7FthHFetC_uMyR47x-GINF-JfrJ4SUp1hW8CQprzKiNvCOfN-7z0e9Nh-7ygNKCBp2jijA8rclEMdPm6kgvXXKEEBl-tatEHzVVOi0JudRX85xwnQG1avq_jkpBLRG20_0dxVTw1yJk/s1600/mil.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEid7FthHFetC_uMyR47x-GINF-JfrJ4SUp1hW8CQprzKiNvCOfN-7z0e9Nh-7ygNKCBp2jijA8rclEMdPm6kgvXXKEEBl-tatEHzVVOi0JudRX85xwnQG1avq_jkpBLRG20_0dxVTw1yJk/s640/mil.jpg" width="460" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Puget: <i style="font-weight: bold;">Milón de Crotona. </i>Museo del Louvre. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjm-W8ZtnJwv5OSvAvKiWsmac_M8GMwnTbunzevHMshYN_zlP-EXaVmusV4ddIDrCsxeT_jZvmsjxaO5x-n9cdBE5PH6Ca6yjeCdPN9NpUiE3cIqaw6zEKeAb7NltWYwJaqkYChIEFQgi4/s1600/ap.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="510" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjm-W8ZtnJwv5OSvAvKiWsmac_M8GMwnTbunzevHMshYN_zlP-EXaVmusV4ddIDrCsxeT_jZvmsjxaO5x-n9cdBE5PH6Ca6yjeCdPN9NpUiE3cIqaw6zEKeAb7NltWYwJaqkYChIEFQgi4/s640/ap.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Girardon: <i style="font-weight: bold;">Apolo y las ninfas. </i>Palacio de Versalles</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2. CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA BARROCA</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">La pintura durante el Barroco se interpreta de dos modos muy diferentes, según se trate de países católicos, en los que tendrá gran importancia la Contrarreforma, o de países como Holanda, en los que ésta apenas tuvo incidencia. La mayor parte de los <b>temas</b> en los países de raíz católica como <b>Italia</b>, <b>España</b>, <b>Francia </b>y <b>Flandes</b> son <b>religiosos</b>. En este sentido la pintura sirve para difundir a los creyentes los principales dogmas de la fe católica que, tiempo antes, habían sido cuestionados por Lutero. Uno de los objetivos prioritarios será hacerlos lo más verosímiles como sea posible. Por eso abundan las escenas en las que aparece la Inmaculada, santos, los diferentes sacramentos, etc. También se ocupan de temas de índole <b>mitológica</b>, pero no siempre se interpretan con el rigor con el que se hizo durante el Renacimiento. </span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; min-height: 14px; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
</div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">En <b>Holanda</b>, el artista trabaja por encargo, posee una mayor independencia, es decir, que no necesita un mecenas, sino que realiza encargos, generalmente procedentes de la burguesía. En este país predominan <b>los retratos</b>, especialmente los de grupo, <b>los bodegones</b>, <b>los paisajes</b> y las <b>escenas cotidianas </b>que reflejan los hogares y la vida íntima y acomodada de los burgueses que encargan el cuadro. En este sentido son una buena fuente para conocer el entorno de la vida burguesa.</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5EGQh5AHx0mTQ-WxEBVRa5ZK8Cae9Bp4EZUQfzlN15aI233V8uSD3-zXdaxHSa_MB5vbsr4anv7kQGtTbUvM8Eqg6HN4zExNxTl23EKYhfxU9Qfc77BtaZAF3COUG0ue8EPNEKJoEJhU/s1600/jac.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="488" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5EGQh5AHx0mTQ-WxEBVRa5ZK8Cae9Bp4EZUQfzlN15aI233V8uSD3-zXdaxHSa_MB5vbsr4anv7kQGtTbUvM8Eqg6HN4zExNxTl23EKYhfxU9Qfc77BtaZAF3COUG0ue8EPNEKJoEJhU/s640/jac.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Jacob van Ruysdael: <b><i>Vista de Haarlem</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><b>La belleza </b>sana y equilibrada que tanto preocupó y que tanto persiguieron los artistas del Renacimiento no es en absoluto un objetivo para la pintura barroca. El pintor barroco no rehusa la plasmación en sus cuadros de la vejez, la fealdad, la deformidad, lo trágico, las reacciones violentas y lo dramático de las cosas con el mayor naturalismo posible. José Antonio Maravilla afirma en su obra <i>La cultura del Barroco </i>lo siguiente: “A diferencia de la serenidad que busca el Renacimiento, el Barroco busca conmover e impresionar, directa e inmediatamente, acudiendo a una intervención eficaz sobre el resorte de las pasiones. (…) La eficacia de afectar, esto es, en despertar, en conmover los afectos, es la gran razón del Barroco. (…) Hay que aceptar la presencia de las fuerzas irracionales en los hombres, sus movimientos afectivos, conocerlos, dominar sus resortes y aplicarlos convenientemente, canalizando su energía hacia los fines que se preceden”. En definitiva, a través de las emociones, el cuadro barroco trata de convencer.</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; min-height: 14px; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial;">
</div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><b>La luz </b>es uno de los elementos más importantes del cuadro. Dirigida y concentrada, se crean fuertes contrastes entre los espacios iluminados y los que permanecen en la oscuridad, al tiempo que ayuda a construir los volúmenes. Con ella se intensifica el dramatismo y se enfatiza todo aquello que se quiere resaltar de un modo especial. La luz ejerce, en muchas ocasiones, un papel selectivo. </span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgeD1kLcLHQfobfMJacx1TYdcjySBSDZ7CDUl7e_jvuxMHEnhuXB7ozV-4Zvvv6yaA8GnWCZnLY8b8-YD_o2rKJzdemYrshL5JURD9grg2Pq3jzjU8YJyrMQQszqU1b_ihAElpTI3Ad6S0/s1600/ce.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="512" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgeD1kLcLHQfobfMJacx1TYdcjySBSDZ7CDUl7e_jvuxMHEnhuXB7ozV-4Zvvv6yaA8GnWCZnLY8b8-YD_o2rKJzdemYrshL5JURD9grg2Pq3jzjU8YJyrMQQszqU1b_ihAElpTI3Ad6S0/s640/ce.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Caravaggio: <i style="font-weight: bold;">La cena de Emaús. </i>Pinacoteca de Brera. Milán</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Los cuadros barrocos están llenos de <b>movimiento</b>, <b>de violentos escorzos</b>, predominan las <b>diagonales </b>y <b>líneas curvas</b>. Se busca frecuentemente la captación de un instante, la fugacidad del momento, plasmar el punto culminante de un hecho o de una acción que muchas veces no cabe, literalmente hablando, en el lienzo: queda recortada sugiriendo que, más allá de las dimensiones del cuadro, ésta prosigue. Se pretende que <b>el espectador participe de la obra</b>, se veía inmerso en ella, lo cual se consigue introduciendo un personaje dentro del cuadro que mira, más bien que increpa, al espectador creando un intenso nexo de unión entre la obra y quien la contempla, tal y como hace Caravaggio en <i>El entierro de Cristo</i>.</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; min-height: 14px; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial;">
</div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><b>El color </b>adquiere una gran importancia. Se prefieren las tonalidades intensas y dramáticamente contrastadas.</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: center;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif; font-size: large;"><b>3. ITALIA</b></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: center;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif; font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: center;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif; font-size: large;"><b>3.1. Caravaggio y sus seguidores</b></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: center;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif; font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">En Italia existieron dos corrientes bien diferentes que están representadas por sendos grupos de pintores. Por un lado, una corriente <b>naturalista </b>o <b>realista</b>, encabezada por Caravaggio, que plasma las cosas con absoluta fidelidad y otra <b>clasicista</b>, dentro de la cual sobresalen los hermanos Carracci. Dos corrientes que luego serán interpretadas de muy diversa manera en los diferentes países europeos.</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; min-height: 14px; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><b><i>Caravaggio </i></b>(1573-1610) posee una de las biografías más turbulentas de la Historia del Arte: hombre problemático, de difícil carácter, enemigo acérrimo de Carracci, acusado de asesinato y perseguido por la Justicia teniendo que huir por ello de Roma. Podemos decir que, con su forma de pintar, revolucionó este arte. Sus primeros pasos dentro de la pintura los dio en Lombardía. Más tarde fue a Roma, donde completó su aprendizaje. Es, ante todo, además de un gran naturalista, el creador del <b>tenebrismo</b>, que se basa en los intensos contrastes entre luz y sombra, de tal modo que las partes que quedan iluminadas dentro del cuadro destacan especialmente sobre las que no lo están. Las luces dirigidas suelen atravesar el lienzo, como podemos ver en <i>La vocación de San Mateo</i>, obra espléndida en la que la luz que entra violentamente por una ventana cayendo sobre aquellos que van a ser convertidos a la fe de Dios. Los personajes que protagonizan sus obras están sacados de la calle, son gente del pueblo disfrazada de santos, personajes bíblicos o sabios. Entre sus primeras obras está <i>Baco</i>, pintado en 1595, en los Uffizi de Florencia. En ella se detiene en la captación de las diferentes calidades: la transparencia de la copa que sujeta en sus manos, la piel nacarada y satinada del dios, la blancura de la tela que lo cubre y la naturaleza muerta sobre la mesa. Más tarde pintó el rostro terrorífico de <i>La Medusa, Los jugadores de cartas </i>y <i>Las adivinas</i>, estas dos últimas son escenas de género que pretenden reflejar un instante de la vida real. A partir del año<b><i> </i></b>1599 la mayor parte de su producción artística es de temática religiosa, como <i>La conversión de san Pablo</i>, de clara estructura circular, <i>La cena de Emaús </i>y <i>La muerte de la Virgen</i>.</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; min-height: 14px; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">La pintura de Caravaggio impresionó a muchos artistas que trataron de seguir su estilo y especialmente, su manera de jugar con las luces y las sombras. Entre los más importantes seguidores de Caravaggio destaca <b><i>Orazio Gentileschi </i></b>(1563-1639). Nació en Pisa y se inició como artista pintando frescos con Agostino Tassi. En el Museo del Prado se conserva una de las obras más interesantes de este pintor: <i>Moisés rescatado de las aguas</i>. Junto a él trabajó su hija, Artemisia (1597-1654), autora de <i>Susana y los viejos</i>, una de sus obras más sobresalientes. </span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: center;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif; font-size: large;"><b>3.2. Los Carracci y sus seguidores</b></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; text-align: center;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif; font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><span style="-webkit-text-stroke-width: initial;">En Bolonia aparecen los grandes antagonistas de la pintura de Caravaggio: los </span><b style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial;">Carracci</b><span style="-webkit-text-stroke-width: initial;">. Los integrantes de esta familia eran tres: </span><b style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial;"><i>Annibale </i></b><span style="-webkit-text-stroke-width: initial;">(1560-1609) y </span><b style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial;"><i>Agostino </i></b><span style="-webkit-text-stroke-width: initial;">(1557-1602), que eran hermanos, y </span><b style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial;"><i>Ludovico </i></b><span style="-webkit-text-stroke-width: initial;">(1555-1619), primo de éstos. Durante bastante tiempo tuvieron un estudio en común, más tarde, pusieron una academia en la que se daban cita los más importantes artistas de Bolonia, quienes se encargarán de establecer la continuidad de la pintura italiana más clásica. En 1593 </span><b style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial;">Annibale Carracci </b><span style="-webkit-text-stroke-width: initial;">pintó </span><i style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial;">La Virgen con san Juan y santa Catalina</i><span style="-webkit-text-stroke-width: initial;">, en la que es obvia la influencia de Correggio y de Rafael y, en general, de la pintura veneciana, como también podemos observar en </span><i style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial;">La crucifixión </i><span style="-webkit-text-stroke-width: initial;">y </span><i style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial;">El bautismo de Cristo</i><span style="-webkit-text-stroke-width: initial;">. Su obra más importante es sin duda la decoración mural de </span><span style="-webkit-text-stroke-width: initial; font-style: italic;">la </span><i>galería</i><span style="-webkit-text-stroke-width: initial;"><i> del Palacio Farnesio</i>, plena de falsas arquitecturas que emplea para organizar los espacios, de figuras de dioses extraídos de la mitología clásica para cuya realización es muy posible que se inspirase en la <i>Capilla Sixtina</i>. </span>Annibale Carracci creó una nueva manera de entender el paisaje, un tanto idealizado y sometido por el ser humano. Sus pinturas paisajísticas ejercerán una gran influencia sobre Claudio de Lorena o Poussin. Un bello ejemplo de paisaje en Carracci es <i>La huida a Egipto</i>.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><span style="-webkit-text-stroke-width: initial;"><br /></span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvn1Wv6_273bLijOL3KYvj2uPlXUAetzrOygtbf80ZJE4LGzmsvBkmrzfZnbGPdz314RTr3f69Wnu6ub6YIz3giIGqLIBp2Gq-bl67qs-pv9mCENNdRA1E0kR1d9oSQRF_TO99Tmp300Q/s1600/pal.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvn1Wv6_273bLijOL3KYvj2uPlXUAetzrOygtbf80ZJE4LGzmsvBkmrzfZnbGPdz314RTr3f69Wnu6ub6YIz3giIGqLIBp2Gq-bl67qs-pv9mCENNdRA1E0kR1d9oSQRF_TO99Tmp300Q/s640/pal.jpg" width="498" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Carracci: <i style="font-weight: bold;">Galería del Palacio Farnesio. </i>Roma</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Además de temas religiosos y mitológicos desarrolló la pintura de género: <i>La carnicería </i>y <i>El hombre con mono</i>, en la que el retrato alcanza el grado de sátira y se aproxima a la caricatura gracias al dominio del dibujo, que en la pintura de Annibale Carracci prevaleció sobre el color como muestra de Clasicismo.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Los Carracci tuvieron un importante número de seguidores que dominaron la técnica del fresco. <i style="font-weight: bold;">Domenichino </i>(1581-1641) es un excelente fresquista y un buen heredero del legado artístico de los Carracci. Tenía una manera muy personal de sugerir la profundidad que anuncia a los grandes fresquistas italianos, aunque sin llegar a equipararse a su maestría a la hora de fingir espacios. Gozó de una gran fama en su tiempo y dejó una amplia producción artística. <i style="font-weight: bold;">Guido Reni </i>(1575-1642) en un primer momento estuvo interesado por el estilo de Caravaggio, como vemos en algunas de sus primeras obras. Tal es el caso de <i>La crucifixión de san Pedro</i>. Reni es un gran clasicista que demostró tener una sensibilidad especial para representar la luz que envuelve a los ángeles, confiriéndoles un aspecto irreal (<i>Los ángeles tocando instrumentos de la capilla de Santa Silvia</i>). Estaba dotado de excelentes aptitudes para el dibujo y brilla de manera especial en temas mitológicos como <i>Hipómenes y A</i><i>talanta</i>, en el Museo del Prado.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgECtmNcZGk7SQhUQ5vLYbRX741xd-r9ilZByL99R85FxH96WPg2Pjsf7qhEP3JMx61osJFFnjX0g_hOswPKT8TagdBgpExK-4Xn8pWccB8zqvEu-qY2NYwmEBlYCjarx8BpPzUYzu6d6g/s1600/hip.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="470" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgECtmNcZGk7SQhUQ5vLYbRX741xd-r9ilZByL99R85FxH96WPg2Pjsf7qhEP3JMx61osJFFnjX0g_hOswPKT8TagdBgpExK-4Xn8pWccB8zqvEu-qY2NYwmEBlYCjarx8BpPzUYzu6d6g/s640/hip.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Guido Reni: <i style="font-weight: bold;">Hipómenes y Atalanta. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>3.3. Los grandes fresquistas del Barroco italiano</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Los grandes fresquistas del Barroco italiano se especializaron en la representación de edificios que el espectador contempla de abajo a arriba, lo cual genera una gran sensación de indefinición, de espacio que continúa en profundidad de manera ilimitada.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Guercino y Lanfranco anuncian la llegada de un buen número de excelentes fresquistas. Durante los últimos años del siglo XVII y los primeros del siglo XVIII se desarrolló enormemente en Italia la pintura al fresco en edificios que se habían construido en épocas anteriores. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Giovanni Lanfranco </i>(1582-1647) fue enemigo absoluto de Domenichino y estuvo eclipsado por su obra durante bastante tiempo. Se dedicó, sobre todo, a los frescos (<i>Camera degli eremiti del Palacio Farnesio, la Virgen de la Gloria de Sant'Andrea della Valle, etc.</i>). </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Giovanni Francesco Barbieri</i>, conocido como <i style="font-weight: bold;">il Guercino </i>(1591-1666) pintó los frescos de un buen número de palacios e iglesias. Trabajó en Roma desde 1621. En sus frescos los personajes parecen volar sobre nosotros en lo que es un auténtico alarde de dominio de la perspectiva.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Pietro da Cortona </i>sobresalió en el campo de la arquitectura pero también lo hizo en el de la pintura. Sus primeros frescos no fueron, tal y como se creía hasta hace poco, los de <i>la iglesia de Santa Bibiana</i>, sino los de <i>la Villa Muti</i>, en Frascati y <i>los del Palacio Mattei</i>, realizados en torno a 1622, en los que podemos apreciar ya un estilo claramente formado que va a continuarse en el resto de sus obras. Se desprende, por su fidedigna representación, un verdadero conocimiento de aquello que pinta: las arquitecturas, los objetos, las esculturas, etc. Entre 1633 y 1639 pintó los frescos del techo del <i>Palacio Barberini</i> y los del <i>Palacio Pitti, </i>las obras por las que más se le conoce y las que más interés van a despertar en los muchos pintores que siguen su estilo.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El más importante y representativo de los pintores de este tipo es el <i style="font-weight: bold;">Padre Pozzo </i>(1642-1709) que dejó una gran obra: la decoración de las cubiertas de la iglesia de <i>Sant'Ignazio</i>, en Roma. De ella sobresale la alegoría misionera de los Jesuitas que se desarrolla en medio de un impresionante escenario que nos demuestra hasta qué punto domina la perspectiva.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El estilo veneciano y las aportaciones de Pietro da Cortona fueron fusionadas por <i style="font-weight: bold;">Luca Giordano</i> (1634-1705). Trabajó en múltiples lugares de Italia y durante diez años en España. Estudió la pintura de maestros como Rubens, Rembrandt, Ribera, Rafael o Veronés. Entre sus obras más importantes se encuentran <i>los frescos de Santo Martino </i>en Nápoles y de la bóveda del <i>Casón del Buen Retiro </i>en Madrid.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUvuuXSIqsrzStn_1lZbCMpwcEl4S7idcNxdLn-VZ6Wva4yRxHtB1xjIDzkDqueyUvhj-L1tEIS-O7jZXT4PmyRZ2_duHDCoOpEWskquZRTCJzX7DFfnnGVj7siM6i187m7UUMF7gOP_I/s1600/ca.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="394" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUvuuXSIqsrzStn_1lZbCMpwcEl4S7idcNxdLn-VZ6Wva4yRxHtB1xjIDzkDqueyUvhj-L1tEIS-O7jZXT4PmyRZ2_duHDCoOpEWskquZRTCJzX7DFfnnGVj7siM6i187m7UUMF7gOP_I/s640/ca.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Luca Giordano: <i style="font-weight: bold;">Frescos de la bóveda del Casón del Buen Retiro. </i>Madrid</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>4. PINTURA BARROCA EN EUROPA</b></span><br />
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<span style="font-size: large;"><b>4.1. Flandes: Peter Paul Rubens</b></span><br />
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Rubens </i>nació en Siegen, Westfalia, en el año 1577. Más tarde se trasladó con su familia a Colonia, en donde estuvo hasta 1587. Siendo muy joven entró en el taller de Adam van Noort y más tarde en el de Othon van Veen. En 1600 viajó a Italia, no sólo para formarse, sino también para realizar algunos trabajos que le habían encargado los Gonzaga en la ciudad de Mantua. Se movió por las diferentes ciudades italianas y más tarde se dirigió a España como embajador de los Gonzaga obsequiando al rey Felipe III con una colección de copias de los grandes maestros italianos.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Luego regresó a Roma, donde se puso en contacto con la Antigüedad clásica y más tarde a Amberes, ya que su madre estaba gravemente enferma. Tuvo numerosos alumnos como Jan Brueghel, Velours y Van Dyck. En 1618 alcanza su madurez como pintor con la obra <i>El rapto de las hijas de Leucipo </i>y las veintiuna pinturas de la vida de María de Medici para el palacio de Luxemburgo en París.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En 1626 la vida le vuelve a dar un importante revés al morir su esposa Isabel, con la que se había casado en 1609. Entristecido por este hecho se decidió a ir a Londres como diplomático, lo que motivó su regreso a España para entrevistarse con Felipe IV en 1628. Murió en 1640 aquejado de gota.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
El gran número de viajes que realizó le permitió conocer ampliamente el panorama pictórico y aunar múltiples influencias para crear un estilo personal en el que distinguimos la preferencia por los colores cálidos, las anatomías femeninas generosas de pieles nacaradas, características también de la pintura veneciana y más concretamente, de Tiziano, y el Clasicismo de Rafael y de los Carracci. Se convirtió en uno de los puntos de referencia más importantes para los pintores románticos, especialmente para los franceses que veían en él una exaltación del color en detrimento del dibujo que tanto habían defendido los neoclásicos.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Géricault afirmaba de él: "Su principal cualidad consiste en el empuje prodigioso, es decir, en la prodigiosa vitalidad". Se trata de un pintor que refleja en sus obras la vitalidad, el dinamismo y, en otros casos, cuando la escena lo requiere, un intenso dramatismo.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Cultivó con igual maestría la pintura religiosa que la mitológica, de la que se pretende una extraordinaria sensualidad.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
También fue un <b>hábil retratista</b>, como podemos ver en su propio <i>Autorretrato </i>y en los de <i>El duque de Lerma </i>y de <i>Helena Fourment</i>, en los que, además de permitirnos conocer la situación social del retratado, nos aproxima a su psicología.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
De sus cuadros de <b>temática religiosa </b>destacan <i>El Descendimiento de la cruz</i>, en la Catedral de Amberes, en el que la luz se concentra en el cuerpo de Cristo y en la sábana con la que se le va a envolver, al tiempo que describe una clara línea diagonal que se convierte en el eje compositivo del cuadro. Se trata de una escena plena de dramatismo, de tensión y de emoción que busca conmover y exaltar la fe de quien lo observa.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Su obra <i>La Anunciación </i>está influida por las obras de Caravaggio y de Tintoretto. La Virgen retrocede atemorizada ante la presencia del ángel, envuelto por un paño rojo que parece flotar, dando sensación de ingravidez.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Fue muy hábil pintando <b>temas de carácter mitológico</b>, en los que repite el mismo esquema femenino que tanto se habría de popularizar: mujeres rubias de anatomías rotundas y de pieles sonrosadas.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>Las tres Gracias </i>es una de las obras que mejor ilustra esta idea y una de las más conocidas de Rubens. <i>Las Gracias </i>están bastante lejos de las que pintó Rafael, mucho más serenas y estilizadas. Todos los lienzos relativos a la vida de María de Medici, a la que retrató, siguen un tratamiento de carácter mitológico, puesto que aparece rodeada de deidades clásicas.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhqiBDKhvO7ic3Kk-uFwrwyt3onRNjjS6PKt1g9o4SgbXdmc22GXopxuVRCNEv3BzXVoNDJ9caGN6BCrEQCpVE2zbviL9238kaKEJW5xtNvM8VyktVUQpTGVtzuB695iZ_ydMv-4rooCE/s1600/3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhqiBDKhvO7ic3Kk-uFwrwyt3onRNjjS6PKt1g9o4SgbXdmc22GXopxuVRCNEv3BzXVoNDJ9caGN6BCrEQCpVE2zbviL9238kaKEJW5xtNvM8VyktVUQpTGVtzuB695iZ_ydMv-4rooCE/s640/3.jpg" width="516" /></a></div>
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Rubens: <i style="font-weight: bold;">Las tres Gracias. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEio9cxOFxjTQkYoIvf1DRdiuOfdLU3_zzG3R7THG_avWm0RSJq5FFoWJIEBNry4l7ES_uehXNKP-A2bSM1CGCpBJNC_pm7w4MQaEC2UWKr5QlHXBQRbNS5F6EzQMWyN_iv1WacvzKcVx6I/s1600/ma.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEio9cxOFxjTQkYoIvf1DRdiuOfdLU3_zzG3R7THG_avWm0RSJq5FFoWJIEBNry4l7ES_uehXNKP-A2bSM1CGCpBJNC_pm7w4MQaEC2UWKr5QlHXBQRbNS5F6EzQMWyN_iv1WacvzKcVx6I/s640/ma.jpg" width="518" /></a></div>
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Rubens: <i style="font-weight: bold;">Retrato de María de Medici. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<i>El rapto de las Sabinas </i>y<i> El rapto de las hijas de Leucipo</i> demuestran su interés por las tonalidades cálidas, el movimiento y el dramatismo. Delacroix decía de Rubens que era un pintor que prefería "las formas excesivas y desenfrenadas". Tabién pintó alguna obra paisajística como <i>El paisaje con Filemón y Baucis</i>.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4.2. Otros pintores flamencos: Van Dyck y Jordaens</b></span></div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Antonio Van Dyck </i>(1599-1641) es una de las personalidades más interesantes de la pintura flamenca del siglo XVII, especialmente por ser uno de los mejores retratistas del Barroco flamenco. Trabajó en Inglaterra al servicio de Jacobo I y más tarde fue a Italia, donde conoció la pintura veneciana y boloñesa. Vivió en Génova durante un tiempo y luego regresó a Amberes<i>, </i>pero se instaló definitivamente en Inglaterra como retratista de Carlos I. Los retratos de Van Dyck se caracterizan porque en ellos supo reconocer todo el refinamiento, el distanciamiento y la elegancia de los personajes a los que representó. Será absolutamente decisivo en el posterior nacimiento y desarrollo de la retratística inglesa del siglo XVIII. De sus retratos afirman Pierre y Galienne Francastel: "lo esencial consiste en que la figura ya no constituye necesariamente el eje de simetría absoluto en relación al campo de la tela. Ya sea desplazándose en el sentido lateral, ya sea que un animal o una figura secundaria ocupen al costado la distancia que separa el borde del cuadro, esto permite al espacio circundante organizarse sobre el costado libre y no ya detrás de la figura como si fuera detrás de una pantalla parcial". Entre sus más bellos retratos está <i>El rey Carlos I de cacería</i>, en la que nos muestra al monarca dando un paseo seguido de su caballerizo y su caballo. Representa las texturas de las telas con una fidelidad asombrosa y da al retratado una elegancia y una serenidad no exenta de la naturalidad que pocos retratistas consiguieron. <i>El retrato del cardenal Bentivoglio</i> lo realizó durante su estancia en Italia y en él ensaya algunos aspectos que se convertirán en una constante en el resto de sus retratos. En el Museo del Prado conservamos algunos de ellos como el de <i>El grabador Paul de Pont</i>. También pintó obras de temática religiosa, pero no es el campo en el que mejor se desenvolvió. Tal es el caso de <i>La coronación de espinas </i>y <i>Los desposorios místicos de santa Catalina</i>.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguRB1UgKojZCbbsqKWknZ2UtekgIz7fA60LyZHL8NJIfp__USKJwUyJzaeAC-Zk5NJ7X7ildLCV5hp7vBOwDZ24aawHJbm5WnXrRNX8K2Fo9zaoEd92_ecIVeiMdX5iVfx4TnjfqtN9gI/s1600/car.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguRB1UgKojZCbbsqKWknZ2UtekgIz7fA60LyZHL8NJIfp__USKJwUyJzaeAC-Zk5NJ7X7ildLCV5hp7vBOwDZ24aawHJbm5WnXrRNX8K2Fo9zaoEd92_ecIVeiMdX5iVfx4TnjfqtN9gI/s640/car.jpg" width="506" /></a></div>
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Van Dyck: <i style="font-weight: bold;">Retrato de Carlos I de Inglaterra. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Jacob Jordaens </i>(1593-1678) apenas salió de su país, donde se formó. Trabajó durante un tiempo con Rubens y su estilo le influyó notablemente. Si de Van Dyck hemos afirmado que supo plasmar en su obra la elegancia y la distinción de la aristocracia, de Jordaens podemos decir que se interesó fervientemente por lo popular. Fue el encargado de llevar a cabo la decoración de <i>La Torre de la Parada</i>, pintó para la reina Cristina de Suecia y finalizó los encargos de Rubens que, tras su muerte, habían quedado pendientes. Una de sus obras más interesantes es <i>Los tres músicos ambulantes</i> en la que podemos observar la ejecución abocetada pero segura, así como la abundante masa pictórica que emplea: Jordaens es, en este sentido, un pintor muy innovador. </div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUJ5K6TINOHbHAbzdSz1Fuzsln3GEPeXSlQSeNc6UJ6S9G_oWA2dJvywqTfe508YRGVu7SpFnYqv0Qgto4dB4SELYMysDzFxgGvgIDIe37LxBDIlPgEtLfEct2Xa00PLDgO0gwnTwBgOQ/s1600/mus.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="488" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUJ5K6TINOHbHAbzdSz1Fuzsln3GEPeXSlQSeNc6UJ6S9G_oWA2dJvywqTfe508YRGVu7SpFnYqv0Qgto4dB4SELYMysDzFxgGvgIDIe37LxBDIlPgEtLfEct2Xa00PLDgO0gwnTwBgOQ/s640/mus.jpg" width="640" /></a></div>
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Jordaens: <i style="font-weight: bold;">Tres músicos ambulantes. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4.3. La pintura barroca holandesa: Rembrandt</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<i style="font-weight: bold;">Rembrandt van Rijn </i>(1606-1669) es una de las grandes figuras de la pintura universal. Nació en Leyden, en un ambiente humilde, era hijo de un molinero, pero el hecho de que demostrase ciertas habilidades hizo que sus padres le permitiesen asistir a la universidad de esta ciudad. Trabajó en el taller de diversos pintores, algunos de ellos bastante mediocres. En 1624 entró en el de Pieter Lastman, integrante de una corriente de pintores admiradores de Caravaggio, aficionados a los contrastes de luz y sombra. En 1634 se casó con Saskia van Uylenenburg, sobrina de su marchante y modelo para muchas de sus obras. En ese momento ya se encontraba en Amsterdam, donde empezó a tener gran éxito como pintor, especialmente como retratista, que fue la actividad que más beneficios económicos le reportó. En 1656 se inicia un período de declive. Murió en 1669 solo, olvidado e incomprendido. </div>
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<br /></div>
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Rembrandt es un pintor tan polifacético, que merece la pena analizarlo a través de los distintos campos que cultivó. </div>
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<br /></div>
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<b>El retrato </b>es una de las facetas en las que más destreza demostró, especialmente en el retrato colectivo. En 1632 el doctor Tulp le encargó un retrato que él tituló <i>La lección de anatomía del doctor Tulp</i>. Este cuadro sobrepasa la simple galería de retratados que constituían otras obras de las mismas características y se convierte en una escena en la que los retratados aparecen realizando lo que podría ser una actividad bastante habitual para ellos: el doctor Tulp disecciona un cadáver rodeado por todos sus alumnos, que muestran gran interés por lo que está haciendo su preceptor, excepto dos de ellos, en el fondo, que invitan al espectador a entrar en la escena mirándole. <i>La ronda de noche </i>es otro retrato colectivo, una de las obras sobre las que más se ha discutido. Se cree que se trata de la compañía de milicianos comandada por Frans Banning Cocq. En este cuadro no se ha respetado la jerarquía de los personajes. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOSnuBO_GQnybBnskgD6Tv_7HYJVPzZ22fFTBwbWlUhxPnR32HpOJDydzZpGb7rNku2pxIfjUyLlNbr-ea8yc6PELVk4KgfPCD5Z2y0j2n8cqrX_NuwPYsMppEaK2g51t2YkNCvKpK_Xs/s1600/lec.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOSnuBO_GQnybBnskgD6Tv_7HYJVPzZ22fFTBwbWlUhxPnR32HpOJDydzZpGb7rNku2pxIfjUyLlNbr-ea8yc6PELVk4KgfPCD5Z2y0j2n8cqrX_NuwPYsMppEaK2g51t2YkNCvKpK_Xs/s640/lec.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Rembrandt: <i style="font-weight: bold;">La lección de anatomía del doctor Tulp. </i>Mauritshuis. La Haya</div>
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<br /></div>
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Rembrandt se <b>autorretrató </b>en numerosas ocasiones (aproximadamente cien), él solo o con su esposa Saskia, lo cual demuestra que debía de sentir un interés especial por su propio rostro, al que veremos evolucionar y envejecer paulatinamente (la vejez es algo que tiene cabida dentro de su obra y que le interesa de un modo especial, como demuestra el retrato que hace de su madre). El denominador común de todos ellos es la plácida y al tiempo penetrante mirada que atrapa al espectador, le involucra y le interroga. Juega con los contrastes lumínicos, pero sin la violencia de Caravaggio o Ribera. Su luz es dorada y envuelve los objetos con dulzura, los acaricia creando ambientes misteriosos y acogedores. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLso95YsveJWjfAWn6Yw0ELSVhqpY5mfo74DXbV6fSvBG72Gv7PT7KhUi7hSYnksTzQ2qbWLeYbaLynYyuv8s49Qh6Shc7jkDg_9ct0ZIiN4zCkXXZjNZp32W0G8gSCGzVLXbsb73XZoU/s1600/au.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="430" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLso95YsveJWjfAWn6Yw0ELSVhqpY5mfo74DXbV6fSvBG72Gv7PT7KhUi7hSYnksTzQ2qbWLeYbaLynYyuv8s49Qh6Shc7jkDg_9ct0ZIiN4zCkXXZjNZp32W0G8gSCGzVLXbsb73XZoU/s640/au.jpg" width="640" /></a></div>
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Rembrandt: <i style="font-weight: bold;">Autorretrato como el apóstol San Pablo. </i>Rijksmuseum. Amsterdam</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0AutKQBbiCilU0E3wTaD0pbKN9HDpIpjdptg8JSmb6YfHIuZuW2AhgE04VOQGi0UCrhuMwZAB7Qctthg7yio3-BWBVoGCXqZy4-ZE1HSbYu3I0oThqDKjyP_KU0gsomdrudTXOr99OvI/s1600/ana.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0AutKQBbiCilU0E3wTaD0pbKN9HDpIpjdptg8JSmb6YfHIuZuW2AhgE04VOQGi0UCrhuMwZAB7Qctthg7yio3-BWBVoGCXqZy4-ZE1HSbYu3I0oThqDKjyP_KU0gsomdrudTXOr99OvI/s640/ana.jpg" width="514" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Rembrandt: <i style="font-weight: bold;">La madre de Rembrandt como la profetisa Ana. </i>Rijksmuseum. Amsterdam</div>
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<br /></div>
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Realizó obras de carácter <b>mitológico</b> como <i>El rapto de Ganímides </i>y <i>Danae</i>. También cultivó las obras de carácter <b>religioso</b>, fue un gran conocedor de la cultura bíblica y judía. En las obras en las que recrea escenas del Antiguo Testamento se detiene, especialmente, en los ropajes y los entornos. Una de sus obras de temática religiosa más bella es <i>La Adoración de los pastores</i>, una escena íntima envuelta en una luz cálida y dorada. </div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Hizo <b>paisajes </b>(<i>Paisaje con castillo</i>) de naturalezas desbordadas e inhóspitas. Se inspiró en los paisajes que le rodeaban: los molinos, los bosques y los campos, que interpretaba de un modo personal.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6_LTVSER0ro0SQtJxSyTiZ9uTTG0xQYSq8Cw2FQnIfJdof64008ecyFZOo_47Gw4Oc7se4O9-tFG7N1_CVVk5oLLSu6AuDMgnz4qsPut7cVwd0DIvLUX8ZPK4VbqMSITN4HcrdjQWSxw/s1600/pai.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="438" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6_LTVSER0ro0SQtJxSyTiZ9uTTG0xQYSq8Cw2FQnIfJdof64008ecyFZOo_47Gw4Oc7se4O9-tFG7N1_CVVk5oLLSu6AuDMgnz4qsPut7cVwd0DIvLUX8ZPK4VbqMSITN4HcrdjQWSxw/s640/pai.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Rembrandt: <i style="font-weight: bold;">El puente de piedra. </i>Rijksmuseum. Amsterdam </div>
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<br /></div>
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Hizo algunas <b>naturalezas muertas </b>como <i>El buey desollado</i>. En este cuadro se adelanta al Impresionismo, no sólo por la técnica de pincelada suelta y pastosa, sino también por la intención: pintó varias veces el mismo tema para analizar cómo variaba con los cambios de luz, verdadera protagonista del cuadro, que se desliza por la carne mórbida del buen desollado. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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Rembrandt es uno de los más importantes autores de <b>grabados</b>, una de las facetas que más popularidad le dará posteriormente. Fue un gran incomprendido en su época. Comenzó a despertar interés y a ser valorado en el siglo XIX por autores como Daumier o Delacroix. </div>
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<br /></div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>4.4. Otros representantes holandeses: Frans Hals, Vermeer de Delft, Ruysdael y Heda</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Sería verdaderamente interminable hablar de todos los pintores destacados que trabajaron en Holanda durante el siglo XVII, por lo cual hemos preferido ocuparnos de los que más sobresalieron en cada uno de los distintos géneros pictóricos.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Frans Hals </i>(1580-1666) es uno de los grandes retratistas. Se estableció en Harleem, el lugar en que ejecutó su primer retrato, fechado en 1611. Fue autor de muchos de los retratos de grupo que se ejecutaron en esta ciudad, entre ellos el de <i>Las regentas del asilo de ancianos de Harleem</i> (1664). Más tarde hace retratos de una figura única para personajes notables de la ciudad. Su estilo era rápido, colorista, inmediato y abocetado. Pintó mendigos, niños y personajes de la calle en los que demuestra mayor frescura y viveza que en los retratos que hizo para los notables.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTDCGVOGlFlie_bgi4jUz5V2AOa5TPRXbHPh5xhtGFoprVSDewhpgugzrU7fcB1zcsmcR-tYbKnteFvGJynfsUsWHMcj0fVqNd0g-SrCDjd_saXCQ-_Go3MUFMAcMjKsj9M5WICJ4HhRE/s1600/flau.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTDCGVOGlFlie_bgi4jUz5V2AOa5TPRXbHPh5xhtGFoprVSDewhpgugzrU7fcB1zcsmcR-tYbKnteFvGJynfsUsWHMcj0fVqNd0g-SrCDjd_saXCQ-_Go3MUFMAcMjKsj9M5WICJ4HhRE/s640/flau.jpg" width="562" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Frans Hals: <i style="font-weight: bold;">El flautista. </i>Museo de Goteborg</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Vermeer de Delft </i>(1632-1675) maneja la luz con una maestría inusitada, sobre todo en los interiores, de los que sabe recoger la sensación de intimidad y placidez de la acomodada vida burguesa. Son escenas gratas y refinadas. Su pincelada es minuciosa y detallista, de tal modo que consigue plasmar la realidad de una manera casi fotográfica y absolutamente objetiva. En <i>El vaso de vino </i>refleja la sensación del tiempo que ha sido congelado. En una estancia en la que cada detalle del mobiliario ha sido captado con una fidelidad asombrosa, mientras son acariciados por la luz, un hombre sujeta una jarra de vino para rellenar la copa que está apurando una mujer. En <i>El estudio del artista </i>un pintor retrata a una mujer vestida de la musa de la Historia: Clio. Otras obras suyas son <i>La bordadora </i>y <i>El oficial y la muchacha riendo</i>. Pintó bellos paisajes como <i>La vista de Delft</i>, considerado por Marcel Proust como el cuadro más bello del mundo. En la misma línea que Vermeer de Delft está <b>Peter Hooch</b>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjMT4LO1orf8b_Efmj-pdX7wm4lBoKAsXuiKBe9hcmnXxoRe27fn7yiYOobUeLgKumt3vzcgZRn9KfWysFbVjB9ExzomZECqthPo-mPdOoSJiuu8kALT2qMCDAogkj8tf31SG6b_-1-rw/s1600/ver.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjMT4LO1orf8b_Efmj-pdX7wm4lBoKAsXuiKBe9hcmnXxoRe27fn7yiYOobUeLgKumt3vzcgZRn9KfWysFbVjB9ExzomZECqthPo-mPdOoSJiuu8kALT2qMCDAogkj8tf31SG6b_-1-rw/s640/ver.jpg" width="536" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Vermeer de Delft: <i style="font-weight: bold;">La alegoría de la Historia </i>o <i style="font-weight: bold;">El estudio del artista. </i>Kunsthistorisches Museum. Viena</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUmze_ZuwxruIuKlevNQ3_OLgYIN3uqEUFNYMVW_xGv_YTWN2R0ou6kVq8mvTc7bRdkWmFT4BX8zpnv-jkqPJyY5zfofeLUf7PzFCpSzcYLLsA_eqKGi02gyGw5VudFl03ldkUCGDRFfM/s1600/delft.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="528" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUmze_ZuwxruIuKlevNQ3_OLgYIN3uqEUFNYMVW_xGv_YTWN2R0ou6kVq8mvTc7bRdkWmFT4BX8zpnv-jkqPJyY5zfofeLUf7PzFCpSzcYLLsA_eqKGi02gyGw5VudFl03ldkUCGDRFfM/s640/delft.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Vermeer de Delft: <i style="font-weight: bold;">Vista de Delft. </i>Mauritshuis. La Haya</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Jacob van Ruysdael </i>(1628-1682) es uno de los mejores paisajistas de la pintura holandesa junto con <b>Hobbema</b>, el cual tiene una manera más serena y apacible de entender la naturaleza. En sus paisajes la línea del horizonte está bastante baja y los cielos nublados, en los que más tarde se inspirarán algunos de los paisajistas románticos ingleses como Constable. Durante los primeros años de sus carrera hizo múltiples aguafuertes, técnica que conocía bastante bien. Uno de sus más bellos cuadros paisajísticos es <i>El molino de Wijk</i>. Además de Hobbema y Ruysdael sobresalen en la pintura paisajística <b>Van de Velde </b>y <b>Avercamp</b>, el pintor de las escenas invernales con patinadores.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Willem Claesz Heda </i>(ca. 1594-1682) es uno de los grandes bodegonistas que dio Holanda en el siglo XVII. Se complace en la representación de las calidades y de las diferentes texturas de los objetos, que prácticamente constituyen el único protagonista de su obra. De él se conservan algunas obras en el Museo del Prado.</div>
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<span style="font-size: large;"><b>4.5. La pintura francesa: el Naturalismo</b></span></div>
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<br /></div>
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Junto con las escuelas que ya hemos analizado, la pintura francesa es una de las más importantes del siglo XVII. Como sucedió en Italia, en Francia nos encontramos dos corrientes diferentes, por un lado el <b>Naturalismo</b>, que sigue el influjo de Caravaggio, y por otro lado el <b>Clasicismo</b>, más próximo a la estética de los Carracci. </div>
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<i style="font-weight: bold;">Jean de la Boulogne</i> (1594-1632), llamado Valentín, es uno de los pintores barrocos más importantes. Antes del año 1614 se documenta su presencia en Roma, donde entró en contacto con la pintura de Caravaggio. De él aprendió a jugar con los contrastes de luz y sombra. Los protagonistas de sus cuadros son, por lo general, personajes populares (<i>La buenaventura</i>).</div>
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<br /></div>
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El pintor más destacado, sin duda, de esta corriente en Francia es <i style="font-weight: bold;">George la Tour </i>(1593-1652). Nació en Lorena, región que, probablemente, nunca abandonó. El mayor problema ha sido determinar de dónde procede la influencia de Caravaggio palpable en sus obras. Quizá le llegó a través de Utrech, en donde existió una importante escuela de tenebrosas, la escuela de Jean Le Clere, un discípulo del pintor italiano. Entre sus obras más interesantes se encuentran <i>Magdalena penitente </i>y <i>La Adoración de los pastores</i>, en la cual refleja con verdadera maestría la rusticidad y la simplicidad de los campesinos, cuyos rostros son rescatados de la oscuridad únicamente gracias a la cálida luz de una vela que da a la escena un carácter muy teatral. Esta luz íntima y concentrada caracteriza la mayor parte de sus obras como podemos ver también en <i>La Magdalena penitente</i>.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6g39kQS_ar7Yya4Xo7WLN01-8JQQhEYx_tOQWQJVyjtOi2aUquz67neWT5eCE-KAi6x6aIRWFBBCT6cxnPbpzNBnMBGjBfF7BNqV4qLhvU4hI4fCTCSdsp7uEFuMwMEYloXH9XEIldWQ/s1600/mag.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6g39kQS_ar7Yya4Xo7WLN01-8JQQhEYx_tOQWQJVyjtOi2aUquz67neWT5eCE-KAi6x6aIRWFBBCT6cxnPbpzNBnMBGjBfF7BNqV4qLhvU4hI4fCTCSdsp7uEFuMwMEYloXH9XEIldWQ/s640/mag.jpg" width="458" /></a></div>
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Georges la Tour: <i style="font-weight: bold;">Magdalena penitente. </i>Museo del Louvre. París</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Los hermanos Le Nain</i>, entre los que sobresale Louis (1588-1648) que posiblemente vivió en Roma, plasman en sus obras campesinos y gente de humilde extracción social que son representados con grandes dosis de dignidad, como vemos en su obra <i>Campesinos ante su casa</i>.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZ91YQdVkBPfKQmw6N4xT6SaqSTEDEsf9xCeR6erSaynoA2gqaRaJu8hQh1pXxnZZklZySPdpn5zJs79dG8Cm62faWwvm6BLF-_Q2S9bXkHBdARtP6kjO5rsJDqjyXXL1FikaqRRA9NRI/s1600/cam.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZ91YQdVkBPfKQmw6N4xT6SaqSTEDEsf9xCeR6erSaynoA2gqaRaJu8hQh1pXxnZZklZySPdpn5zJs79dG8Cm62faWwvm6BLF-_Q2S9bXkHBdARtP6kjO5rsJDqjyXXL1FikaqRRA9NRI/s640/cam.jpg" width="640" /></a></div>
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Louis Le Nain: <i style="font-weight: bold;">Campesinos ante su casa. </i>Museo de San Francisco</div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4.6. El Clasicismo en Francia: Poussin, Claudio de Lorena, Philippe de Champaigne y Charles le Brun</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<i style="font-weight: bold;">Nicolas Poussin </i>(1594-1665) es el máximo exponente de la pintura clasicista en Francia, aunque trabajase en Roma durante la mayor parte de su vida. Formó parte de los círculos intelectuales más importantes de este país y, en concreto, de Roma. Rechazó la pintura de Caravaggio pero fue un gran seguidor de la de Rafael, que en aquel momento era el símbolo por excelencia del Clasicismo y de Giulio Romano. Poussin no sólo se limitó a ejercer la pintura, sino que además se preocupó por ella a nivel teórico. Era un hombre de una gran cultura y de amplios conocimientos filosóficos. Sus obras son a menudo complejas y serán estudiadas hasta en sus más mínimos detalles; nada es fortuito o casual en ellas. Esta complejidad se acentúa en las obras de temática mitológica (<i>La Bacanal</i>), que es el género en el que mejor se supo desenvolver. También se interesó por los temas religiosos, aunque en menor medida (<i>Noli me tangere</i>). El paisaje se convierte en el protagonista de algunos de sus cuadros. Se trata de un paisaje idealizado, en el que predominan las colosales arquitecturas clásicas bañadas por una luz dorada. En ellos abundan las líneas rectas y las composiciones sencillas, que contribuyen a crear una sensación de equilibrio (<i>Orfeo y Eurídice </i>y <i>Paisaje con edificios</i>).</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhINF6c1_UPJvkF2WvlS0InNoy9CXtpTsW7k10FnNLPfbb7NwrzB62DaHOtyxFnWIe4lACF4hf_dAO4evoaq3rcyqvfC-G95hPRgPFPj0adBiIggmsYybA7ADsT-vjd0h0AxHtqtHO8RaY/s1600/bac.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="446" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhINF6c1_UPJvkF2WvlS0InNoy9CXtpTsW7k10FnNLPfbb7NwrzB62DaHOtyxFnWIe4lACF4hf_dAO4evoaq3rcyqvfC-G95hPRgPFPj0adBiIggmsYybA7ADsT-vjd0h0AxHtqtHO8RaY/s640/bac.jpg" width="640" /></a></div>
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Poussin: <i style="font-weight: bold;">Bacanal. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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Este interés barroco por el paisaje culmina en la figura de <i style="font-weight: bold;">Claudio de Lorena</i> (1600-82) que lo convierte en el argumento fundamental de su obra. Claudio de Lorena pasó la mayor parte de su vida en Roma, donde conoció a Agostino Tassi, el cual le introdujo en la tradición paisajística. A él se debe la creación de una nueva forma de entender el paisaje, especialmente en las horas del ocaso y del amanecer, con una luz decadente que descubre arquitecturas clásicas, pero menos ordenadas que las de Poussin. Coloca en primer término los edificios y los árboles y, al fondo, la línea del horizonte, consiguiendo de este modo una gran sensación de profundidad. La figura del ser humano queda empequeñecida ante la grandiosidad de la naturaleza y se convierte en algo accesorio. Capta magistralmente bien la luz que se refleja en las aguas y que va a inspirar a los paisajistas ingleses, a Corot y a los propios impresionistas. <i>Acis y Galatea </i>y <i>El puerto de mar</i>, son algunas de sus obras más importantes. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3DAyKiQ6Uea4TZrwcHETlqMKuUKeY6v2obNI97mrWCnre-fDCDdAoHB4lhemkg83cNARhqjYfHBkqwU1E-CYcNA5yxFiFrLwkhBbJdhIuJA5DUPxFHlPWTUsfKvTgfyNNk4CUshMAFzU/s1600/pau.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3DAyKiQ6Uea4TZrwcHETlqMKuUKeY6v2obNI97mrWCnre-fDCDdAoHB4lhemkg83cNARhqjYfHBkqwU1E-CYcNA5yxFiFrLwkhBbJdhIuJA5DUPxFHlPWTUsfKvTgfyNNk4CUshMAFzU/s640/pau.jpg" width="426" /></a></div>
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Claudio de Lorena: <i style="font-weight: bold;">Embarco de Santa Paula. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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Dentro del Clasicismo se hallan dos de los retratistas más significativos de la pintura francesa del siglo XVII: <b>Philippe de Champaigne</b> y <b>Charles le Brun</b>. <i style="font-weight: bold;">Philippe de Champaigne</i> (1602-1674) fue muy querido por Luis XIII, al que retrató en repetidas ocasiones, y por Richelieu. Sus retratos son de una verosimilitud increíble y de aguda penetración psicológica. <i>El exvoto</i> fue pintado como ofrenda para la recuperación de su hija, religiosa de Port Royal, afectada por una parálisis. </div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Charles le Brun </i>(1619-1690) fue quien se encargó bajo el reinado de Luis XIV de dirigir la Real Academia de Bellas Artes de París que contribuyó, entre otras cosas, a uniformar el gusto y a imponer una serie de criterios que debían ser seguidos por los artistas de aquel momento. Fue un gran defensor del predominio del dibujo sobre el color, que suponía el enfrentamiento de Poussin, máximo representante del dibujo, con Rubens, representante del color. </div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>5. LA PINTURA ROCOCÓ</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b>5.1. La pintura rococó francesa</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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La pintura rococó, en líneas generales, prefiere los colores pasteles y brillantes y los temas frívolos e intrascendentes, detrás de los que se puede esconder, muy soterradamente, una intención crítica e incluso maliciosa que, mordazmente, pone en tela de juicio la doble moral de las clases sociales preponderantes. Será frecuente encontrar lienzos con escenas mitológicas que decoran las rocas estancias de las residencias de la aristocracia. Los más importantes pintores del Rococó francés son Boucher, Watteau y Fragonard.</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">François Boucher </i>(1703-1770) cultivó, además de la pintura, el grabado. En 1727 se trasladó a Italia, en donde estudió de un modo especial la pintura de Correggio. A su regreso a Francia ingresó en la Academia de París gracias a su obra <i>Reinaldo y Arminda</i>. A partir de aquí su fama creció, recibiendo así importantes encargos, como los muchos retratos que hizo de Madame de Pompadour. Decoró castillos (Crécy y Bellevue), dirigió la fábrica de tapices de Beauvais, ilustró libros y diseñó escenografías: fue un artista tremendamente polifacético. <i>La toilette</i> y <i>El descanso de Diana</i> son algunas de sus obras más bellas, virtuosas y coloristas que se detienen en los brillos de las superficies satinadas de las telas, en las que se pintan los objetos refinados y lujosos de las que los personajes de la aristocracia se rodearon durante el Rococó. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj005PTOND6CbkIjjqGWeL7PPdTDeW3p2s_YkJGBfqE_szw57IG9FYCMzJGKkvof5ZuBYzIAuq8L-66lTrjxGhwFAQh2de0stJa533e_IvxZra6Dh-A-ZVEPUUdE3VREwWknfe4uVNZYz4/s1600/lalecciondemusicaboucher.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj005PTOND6CbkIjjqGWeL7PPdTDeW3p2s_YkJGBfqE_szw57IG9FYCMzJGKkvof5ZuBYzIAuq8L-66lTrjxGhwFAQh2de0stJa533e_IvxZra6Dh-A-ZVEPUUdE3VREwWknfe4uVNZYz4/s640/lalecciondemusicaboucher.jpg" width="570" /></a></div>
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François Boucher: <i style="font-weight: bold;">Lección de Música. </i>Museo del Louvre. París</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Jean Antoine Watteau </i>(1684-1721) admiraba la pintura de Rembrandt y Rubens. Formó parte de la Academia desde 1717 gracias a su obra <i>El embarco a Cieterea</i>. El tema más característico de su pintura es el de las fiestas galantes que tienen lugar en inmensos escenarios naturales con una atmósfera muy especial. Nos muestra las grandes fiestas sociales del momento como si de grandes representaciones teatrales se tratase, no en vano el teatro fue otro de los temas que más veces representó (<i>Cómicos franceses y Gilles</i>).</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Jean Honoré Fragonard </i>(1732-1806), siguiendo los pasos de Boucher, comenzó a pintar escenas galantes. Más tarde, durante su viaje a Italia, se desertó en él un gran interés por los jardines. A partir de 1760 se dedicó a pintar escenas galantes o de cortejo para los miembros de la aristocracia, en las que se puede hallar una fuerte carga de erotismo sobreentendido. Su obra más conocida es <i>El columpio </i>que hoy se considera la más emblemática del Rococó, en la que la vegetación inunda el cuadro y está presente también en la tela del vestido de la mujer, que es columpiada por un hombre, posiblemente su marido, mientras que escondido entre la vegetación, la contempla otro misterioso personaje.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjh_H-E1XltyfUk-tYK297TUCLoV3E4ZnDO9TDuthpjBil-Op9xwk2BM_gmMkiasX6x3WqlGSIJXo2By0I9m-fEIEmG7dl1DYiRnrJ3DYxUPXgKIiRWg-GYvivWLCqR69glPhpEX927TU/s1600/El+columpio.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjh_H-E1XltyfUk-tYK297TUCLoV3E4ZnDO9TDuthpjBil-Op9xwk2BM_gmMkiasX6x3WqlGSIJXo2By0I9m-fEIEmG7dl1DYiRnrJ3DYxUPXgKIiRWg-GYvivWLCqR69glPhpEX927TU/s640/El+columpio.jpg" width="498" /></a></div>
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Fragonard: <i style="font-weight: bold;">El columpio. </i>Colección Wallace. Londres</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>5.2. La pintura rococó en Italia</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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En Italia -sobre todo en Venecia, de la que nos vamos a ocupar especialmente- el Rococó experimentó un impresionante desarrollo que está representado por un nutrido grupo de pintores, especialmente por la dinastía de los Tiepolo.</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Giambattista Tiepolo </i>(1696-1770) está, como todos los pintores venecianos de los que ya hemos hablado, interesado de una manera especial por el color. Así sus pinturas se caracterizan precisamente por sus colores encendidos y su enorme libertad para organizar los espacios. Los temas mitológicos y alegóricos están tratados con desenfado, teatralidad y frivolidad. Pintó frescos y lienzos de gran formato. En esto recuerda inevitablemente a otro pintor veneciano: Veronés. En su vida disfrutó de una fama inmensa que le llevó a trabajar para diferentes cortes europeas, entre las que se encuentra España.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj937DvZScSf2rsUXS9TC2LpadyVfuioS5g-6Oq6V1Pm7CXvMXqjl4ETo1JOJy2HUei7TEM8c8jCPMEnYsXRCzEFb2OPoS-q2kC3TEsyrKjCBy5ZV4xk0Ed583GjTSx6PgULioMV3hUuBI/s1600/tiep.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj937DvZScSf2rsUXS9TC2LpadyVfuioS5g-6Oq6V1Pm7CXvMXqjl4ETo1JOJy2HUei7TEM8c8jCPMEnYsXRCzEFb2OPoS-q2kC3TEsyrKjCBy5ZV4xk0Ed583GjTSx6PgULioMV3hUuBI/s640/tiep.jpg" width="318" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Giambattista Tiepolo: <i style="font-weight: bold;">Santiago, patrón de España. </i>Museo de Budapest. Hungría</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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De su ingente producción artística es bastante complicado elegir las obras más representativas, puesto que la mayor parte de ellas son de una enorme calidad. Señalaremos algunas como <i>Escenas de la vida de Marco Antonio y Cleopatra </i>en el Palacio de Labbia de Venecia, <i>El carro del sol</i>, en el techo del palacio Clerici de Milán y <i>La apoteosis de la monarquía española</i> en el Palacio Real de Madrid. Con él pintaron en múltiples ocasiones sus hijos, grandes continuadores de su obra: <b>G</b><b>iandomenico </b>y <b>Lorenzo Tiepolo</b>.</div>
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<br /></div>
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El otro polo de la pintura veneciana en el siglo XVIII lo representan Canaletto, Guardi y Longhi, grandes paisajistas venecianos.</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Canaletto </i>(1697-1768) pintó paisajes como si fuesen grandes escenografías en las que su máxima preocupación era la luz y los valores atmosféricos, pero sin apartarse del dibujo preciso. La protagonista indiscutible de sus cuadros es la ciudad de Venecia y sus canales, que aproximadamente un siglo más tarde, fascinará a los impresionistas. En la misma línea se encuentran <b>Guardi </b>y <b>Longhi</b>. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEga6STtgUd-YCs_hXbqnUmg0uguEM5HK7e2Bd40p9iuTchKDit8BEyTLHlEU3iQoARM8L15dGZdu2zu6dYHAKmldb_w-jna7YjKVCPjuTPkhboYXGRAEzk8HO38yoRZvNvYjsNI9H7H06o/s1600/can.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="446" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEga6STtgUd-YCs_hXbqnUmg0uguEM5HK7e2Bd40p9iuTchKDit8BEyTLHlEU3iQoARM8L15dGZdu2zu6dYHAKmldb_w-jna7YjKVCPjuTPkhboYXGRAEzk8HO38yoRZvNvYjsNI9H7H06o/s640/can.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Antonio Canaletto: <b><i>Venecia. Palacio Ducal</i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<b><span style="font-size: large;">5.3. La pintura inglesa en el siglo XVIII</span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
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Los principales representantes de la pintura inglesa durante el siglo XVIII son Hogarth, Gainsborough y Reynolds, los cuales van a cultivar especialmente el género del retrato. Algunos de los más importantes pintores ingleses fueron, además, decisivos teóricos.</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">William Hogarth </i>(1697-1794) se inspiró en la pintura holandesa, francesa, la renacentista y el grabado. En su arte se expresó desde un primer momento su gusto por la sátira (<i>Recepción de la condesa</i>, <i>Matrimonio a la moda</i>). Fue un gran observador de su tiempo dotado de un agudo sentido crítico. Su avanzada mentalidad le llevó a proponer al parlamento inglés la votación de una ley que llevaba su nombre -Ley Hogarth- para evitar que se copiasen e ilustrasen grabados sin la autorización previa de su autor. Creó un nuevo tipo de retrato, en el que el personaje retratado aparece cargado de heroísmo y dignidad (<i>El capitán Coram</i>). </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Thomas Gainsborough </i>(1721-1788) fue un gran retratista, en este sentido, se adecua a la gran demanda de cuadros de este género que reclamaba la sociedad inglesa del momento. Sus retratos se sitúan delante de fondos con arquitecturas y bellos paisajes, fieles a la realidad, y minuciosos en la captación de los detalles, pero sobre todo de las telas. Algunos de sus más bellos retratos son los de sus hijas y el de <i>El señor y la señora Andrews</i>. También cultivó el paisaje al que supo infundir la particular elegancia que caracterizó todas sus obras, tal es el caso de <i>El abrevadero</i>, según Horace Walpole "el más hermoso paisaje que había sido pintado en Inglaterra".</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgv5iB_-TS5yr1KnB2ADrTj8dAsv7LhSB3ThtRmT6u1tRcbMqpcBuyl2HE0UsJXYfNGGe-f_FYCSwdphM9TpwedWccXAT8CkHIBOuiDc8kUGkdJBnc2PR_iiTXlUPdTp3oi7YwtXN0r4eY/s1600/and.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="372" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgv5iB_-TS5yr1KnB2ADrTj8dAsv7LhSB3ThtRmT6u1tRcbMqpcBuyl2HE0UsJXYfNGGe-f_FYCSwdphM9TpwedWccXAT8CkHIBOuiDc8kUGkdJBnc2PR_iiTXlUPdTp3oi7YwtXN0r4eY/s640/and.jpg" width="640" /></a></div>
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Gainsborough: <i style="font-weight: bold;">Mr. y Mrs. Andrews. </i>National Gallery. Londres</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Joshua Reynolds </i>(1723-1792) tomó como punto de partida la pintura renacentista italiana y los retratos de Rembrandt, sobre todo, en lo que a aspectos cromáticos se refiere. Fue el primer presidente de la Royal Academy, recién fundada. Pintó obras como <i>Nelly O'Brien </i>y <i>El retrato del teniente coronel Tarleton</i>. Sobresalió en el género de retrato. Los personajes de sus lienzos posan de un modo sencillo y natural, casi espontáneo, pero dotados de una gracia y elegancia especial.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>El carácter del barroco</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<i>Creador de un estilo personal nada convencional que alcanzaría un meteórico predicamento en la escena artística y religiosa de la pintura italiana y europea, marcado por una técnica violentamente lumínica y, sobre todo, por un radical e innovador naturalismo, transgresor del sólido pero a la vez inmovilizado decoro de la cultura clásica, Michelangelo Merisi (1571-1610), conocido como el Caravaggio, irrumpió en el ambiente romano de finales del siglo XVI, con una obra que ya en vida del artista fue considerada revolucionaria, admirada y valorada aun en su repudio. De carácter poco convencional, proclive al exceso, en ocasiones bronco y violento, estuvo sumergido en la Roma popular y callejera, sórdida y tabernaria, cuyos bajos fondos vive entre continuos desórdenes y problemas con la justicia, lo que le debió suministrarle no sólo tipos, también argumentos que de algún modo sustanciaron, con rigor y sistema, su quehacer artístico.</i></div>
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<br /></div>
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(BÉRCHEZ<i>, </i>J. <i>Arte del Barroco, 1998)</i></div>
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<i><br /></i></div>
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<i><br /></i></div>
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<span style="font-size: large;"><b>A FONDO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><i>LA RONDA DE NOCHE</i></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>REMBRANDT</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>La ronda de noche </i>es uno de los cuadros sobre los que más se ha escrito a lo largo de la Historia del Arte, y es posible que sea, además, la obra más célebre de Rembrandt. Se trata de un retrato colectivo de los dieciocho miembros que integraban la compañía de arcabuceros de Amsterdam, al mando de la cual se encontraba el capitán Frans Banning Cocq. Junto a ellos podemos contemplar a un buen número de personajes cuya identidad se desconoce. La obra recoge el momento preciso en que el capital indica a su lugarteniente, Claesrdingen, que dé la orden de iniciar la marcha.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El cuadro sufrió una trágica mutilación en el año 1715, puesto que se recortaron sus cuatro lados. Sobre este aspecto existen varias tesis. La primera sostiene que fue trasladado de la sala en que se reunían los arcabuceros a un reducido espacio entre dos puertas en la sala del consejo de guerra, en el Municipio de Amsterdam.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Otra teoría afirma que el retrato no fue del gusto de quienes lo encargaron, por lo que lo metieron en un lugar húmedo, probablemente en un trastero, en el que se deterioraron los bordes del lienzo. De este modo, cuando la obra se recuperó, estos debieron ser cortados ya que parecían irrecuperables. Afortunadamente se conoce cómo pudo ser la obra en un principio gracias a dos copias del siglo XVII: una acuarela y un óleo. Sin embargo, determinar las dimensiones exactas continúa siendo un cometido bastante complicado.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
No encaja demasiado dentro del esquema de los retratos tradicionales de grupo, muy frecuentes en Holanda. Hasta el siglo XVI este tipo de retratos exigía que se respetase rigurosamente una disposición de las figuras según la jerarquía de las mismas. Es decir, que cada uno de los retratados debía de ocupar un puesto concreto y cuidadosamente preestablecido.</div>
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<br /></div>
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De esta manera, el retrato de grupo holandés se compone de una serie de rostros absolutamente estáticos para cuya elaboración el autor veía muy limitadas sus posibilidades de operar libremente. Sin embargo, en este cuadro la última impresión que se obtiene tras su observación es la de estar ante un grupo de personajes que posan para un retrato. Se mueven, inconscientes de que serán retratados, con bastante libertad.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La idea de movimiento se acentúa gracias al gran número de líneas diagonales que existen en el lienzo y que se entremezclan formando un verdadero enjambre compositivo. Tras el aparente caos se esconde una composición que ha sido racional y cuidadosamente diseñada.</div>
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<br /></div>
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El colectivo que protagoniza <i>La ronda de noche</i> carece de elementos cohesionadores, cada personaje actúa por iniciativa propia y de acuerdo a su propio destino. Los personajes se distribuyen en torno a dos figuras que se encuentran en el centro trazando dos líneas y verticales y que introducen con ello una nota de estabilidad: el capitán Frans Banning Cocq y Claerdingen, vestidos uno de negro con un echarpe rojo y el otro de <i>beige</i> con un echarpe blanco; los personajes más serenos y conscientes de su posición de todo el cuadro.</div>
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<br /></div>
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La luz proviene de la izquierda e ilumina selectivamente a unos personajes dejando en la penumbra a otros (este recurso se volverá a emplear en otros retratos posteriores de otros pintores como <i>El retrato de la familia de Carlos IV</i> de Goya). Uno de los personajes más iluminados es la niña que se desplaza atravesando la escena y lleva un gallo colgado en la cintura. En realidad, más que estar iluminada, parece que es ella misma quien irradia la luz, esa luz dorada que acaricia los objetos y que es tan característica de los cuadros de Rembrandt.</div>
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<br /></div>
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Es este uno de los personajes más misteriosos de toda la obra. Según Haverkamp-Begemann, en un estudio realizado en el año 1982, la niña podría simbolizar la vigilancia y el gallo tendría sentido, porque según él, esta compañía de arcabuceros tenía una pata de gallo en su estandarte. En cualquier caso, Rembrandt la ha querido destacar del resto de los retratados y subrayar su posible naturaleza abstracta.</div>
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<br /></div>
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También se les atribuye un sentido simbólico o emblemático a tres figuras que aparecen en segundo plano, dos de ellas son retratos de personajes verdaderos, mientras que la otra aparece con el rostro totalmente en sombra. Ellos son los encargados de mostrarnos las tres fases canónicas del uso del mosquetón: el de la izquierda lo carga, el del medio dispara y el último lo limpia soplando para eliminar los restos de la pólvora.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Existe otro elemento que contribuye a acentuar la sensación de caos: el ruido. En el cuadro podemos observar y casi escuchar mosquetones que se disparan, un hombre que toca enérgicamente un tambor e, incluso, un perro que ladra.</div>
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<br /></div>
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Según una serie de restauraciones que se han venido realizando desde el año 1946, el contraste en luz y sombra no debió de ser tan intenso en el cuadro tal y como lo pintó Rembrandt y, por lo tanto, no se trataría de una escena nocturna, nombre que se le dio bastantes años después de ser pintado. </div>
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<br /></div>
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<i>La ronda de noche </i>debe ser interpretada como una obra portadora de un mensaje relativo al cuerpo de arcabuceros mucho más profundo de cuanto se acostumbraba a hacer en aquella época. Representa, además, el momento en que el artista reivindica su propia libertad creativa sin tener que someterse a las normas prefijadas.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiosp3wOFwZJAEKctkEcUbtm3J6FUc8Tx_Fx4hjNrS0ddB_hAJiPrStqJjUmbMhxIRTVXbNQD6W6CIMn9D2DoeFYBJcy2yKTbegt0_8NXKsqpdudPg71ymxgUbJqFlNSeqZiBn4ZahUSXE/s1600/ro.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="532" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiosp3wOFwZJAEKctkEcUbtm3J6FUc8Tx_Fx4hjNrS0ddB_hAJiPrStqJjUmbMhxIRTVXbNQD6W6CIMn9D2DoeFYBJcy2yKTbegt0_8NXKsqpdudPg71ymxgUbJqFlNSeqZiBn4ZahUSXE/s640/ro.jpg" width="640" /></a></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>GLOSARIO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<b>Apolo y Dafne</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Es una de las metamorfosis que cita Ovidio en la obra del mismo nombre. Dafne, ninfa hija del río Peneo, fue castigada por los dioses, de tal modo que si Apolo la llegaba a tocar se convertiría en árbol de laurel, como así sucedió y como queda magistralmente reflejado en la escultura de Bernini o en un cuadro de Pollaiuolo.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>San Andrés</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Era uno de los apóstoles de Jesucristo. Según cuenta la tradición, murió en una cruz en forma de aspa con la que suele identificársele. En otras ocasiones le podemos encontrar portando una concha o una barca.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Naturalismo</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Con este término designamos todas aquellas manifestaciones artísticas en las que se representan las cosas con la mayor fidelidad posible a la realidad. Esto implica que la fealdad y la vejez tienen cabida dentro del arte. El naturalismo es el polo opuesto del idealismo.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>El realismo de Caravaggio</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Llega a tal extremo que para pintar <i>La muerte de la Virgen</i>, tomó como modelo el cadáver de una mujer ahogada en las aguas del Tíber, el río que atraviesa Roma. Por eso es posible apreciar en el cuerpo de la Virgen el vientre prominentemente hinchado.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Hipómenes y Atalanta</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Atalanta es una hábil cazadora que persiguió al jabalí Calidón. Lo hacía con tal rapidez que se atrevió a desafiar a cualquier varón a competir con ella, de tal modo que, si éste perdía, debería morir. Sólo Hipómenes pudo salir airoso de este reto. Ambos convertidos en dos leones, acabarían tirando del carro de la diosa Cibeles.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>San Ignacio de Loyola</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Es el fundador de una de las órdenes más importantes de todo el Barroco; los Jesuitas, que lucharon intensamente contra las herejías durante el período contrarreformista. Suele aparecer vestido con ornamentos litúrgicos. Una de las representaciones más célebres de este santo es la que realizó el Padre Pozzo.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><i>El rapto de las hijas de Leucipo</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Es una de las obras más notables de Rubens. Fue pintada en 1616. En ella los tonos claros de las pieles de las hijas de Leucipo, contrastan con los colores tostados de los guerreros que las están raptando. En primer término un centauro se alza sobre las patas traseras y describe otra diagonal, al tiempo que acentúa la sensación de inestabilidad y agitación de este cuadro.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Retrato colectivo</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En aquella época las compañías y las agrupaciones tenían la costumbre de encargar a los artistas retratos en los que aparecieran los miembros que las integraban. En realidad no tenían otra función que la de inmortalizar a los integrantes de las mismas.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Rembrandt</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Era protestante y conocía muy bien los textos bíblicos, que debió releer en múltiples ocasiones. Le gusta tratar de imaginar de qué manera se desarrollaron los pasajes de la Biblia, de qué modo reaccionaban los personajes que los protagonizaron. Algunos de los cuadros más interesantes de temática bíblica son <i>Jeremías</i> <i>prevé la destrucción de Jerusalén</i>, <i>El sacrifico de Isaac </i>o <i>El festín de Baltasar</i>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Clio</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Es la musa de la Historia. Aparece con una corona de laurel, una trompeta en una mano y el texto de Tucídides en la otra.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Bodegón</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Se llama de esta manera a los cuadros cuyos protagonistas son elementos tales como frutas, verduras, piezas de caza, etc. Muchas veces son un pretexto para que el pintor demuestre su gran dominio de la técnica deteniéndose en las diferentes calidades de los objetos. Durante el Barroco se pintó un gran número de bodegones. En nuestro país los más conocidos son los de Zurbarán.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Citerea</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Es una isla del Mediterráneo, entre Creta y la península del Peloponeso, en la que se rendía culto a Afrodita, diosa del amor. Es por esto por lo que se convierte en una inspiración para pintores rococó como Watteau, el cual exaltó en sus cuadros el amor galante.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>CITAS</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Para lograr un efecto de iluminación intensa se acentúa el contraste entre los tonos oscuros y los claros (técnica conocida como claroscuro) lo que a su vez incrementa el sentido dramático. Rembrandt lo utilizó profusamente aunque fue especialidad del pintor tenebrosa Caravaggio".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>F. Malins</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Las imágenes desnudas son peligrosas para las almas de muchos, ya que trabajar los desnudos es una acción que mueve el pensamiento, no sólo del artista, sino del espectador."</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Pietro da Cortona</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Nunca empresa alguna, por muy desmesurada que fuera en cantidad y variedad de temas, ha superado mi valor".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Pedro Pablo Rubens</b></div>
</div>
</div>
</div>
</div>
GreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-55605255981644980212015-09-18T05:03:00.002-07:002015-09-18T05:03:36.447-07:00La arquitectura del Barroco en Europa<b>Ha sido un estilo, no sólo ignorando sino también despreciado por la historiografía de algunas épocas. Este estilo será especialmente interesante en nuestro país, en el que el siglo XVII se manifiesta como un derroche de genialidad en todos los ámbitos de la cultura. El Barroco es fascinante y misterioso por las grandes dificultades que entraña. En primer lugar porque no sabemos con certeza el origen del término en sí mismo y además porque los especialistas no acaban de ponerse de acuerdo en los aspectos estilísticos que lo caracterizan. Los recursos son, en líneas generales, los mismos que se habían utilizado durante el Renacimiento, pero los criterios han variado sustancialmente puesto que, en muchos sentidos, este estilo supone un irreverente desafío a la arquitectura clásica, tantas veces venerada a lo largo de la Historia. Barroco es sinónimo de transgresión, inconformismo e inestabilidad cuyo origen habría que buscar en la crisis que sacudió a la mayor parte de los países europeos durante el siglo XVII.</b><br />
<b><br /></b>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPx0zjl2YQBl3Eey6eaGSiDbj-LfiBsJMQEAUcW8X-quwqXQgeLS6Z190IYBgVqFTxqTtYOCaDYvEj2zJftC50OpUAdEM-VoyQwaq-kcOEjgNhhAOC6UneBuAR25ZQlvjVXr74W7cRm-o/s1600/fili.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPx0zjl2YQBl3Eey6eaGSiDbj-LfiBsJMQEAUcW8X-quwqXQgeLS6Z190IYBgVqFTxqTtYOCaDYvEj2zJftC50OpUAdEM-VoyQwaq-kcOEjgNhhAOC6UneBuAR25ZQlvjVXr74W7cRm-o/s640/fili.jpg" width="558" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Borromini: <i style="font-weight: bold;">Portada del Oratorio de los Filipenses. </i>Roma</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>1. ASPECTOS FUNDAMENTALES DE LA CULTURA BARROCA</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Barroco </b>es el término que da nombre a una corriente artística que se desarrolla tras el Renacimiento, durante el XVII y principios del XVIII. Al igual que otros términos que surgen para designar momentos de la Historia del Arte, está cargado de una fuerte connotación negativa, de un sentido peyorativo, puesto que <i>barroco </i>es una palabra de origen portugués que hace referencia a una perla de formas irregulares y un tanto deformes empleada comúnmente entre los orfebres (<i>perla barrueca</i>). Existe una segunda tesis que asegura que este término fue tomado de una forma de silogismo de la filosofía escolástica que recibía este nombre, <i>Baroco</i>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El Barroco nace en Italia y se extiende a otros muchos países europeos como Francia, España e Inglaterra y llega, incluso, al continente americano. Allí su límite cronológico sobrepasa el siglo XVIII, de tal modo que será frecuente encontrar edificios barrocos en torno al año 1800. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Existe un conjunto de aspectos políticos, religiosos y culturales que permiten entender mejor este fenómeno:</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li><b>La Contrarreforma</b></li>
</ul>
<div>
Durante el siglo XVI irrumpe en la escena religiosa la figura de Lutero, quien inicia la Reforma protestante que pretendía combatir el excesivo poder alcanzado por los papas y negar el valor de las bulas concedidas por éstos.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
Por otro lado, reclamaba el derecho del creyente a la libre interpretación de la Biblia y, entre otras cosas, planteaba el rechazo del culto a los santos.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
La reacción de la Iglesia Católico no se hizo esperar: se convocó el Concilio de Trento en el que se clarificaban los dogmas de la Iglesia y se trataba de devolver al papa el poder perdido por las afirmaciones de Lutero.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
El arte será, en países como Italia y España, el mecanismo de difusión de los valores religiosos perdidos. Buscará, en este sentido, ser el fiel reflejo de las verdades de la doctrina cristiana por encima de otras cosas.</div>
<ul>
<li><b>Las Monarquías Absolutas</b></li>
</ul>
<div>
Existe una serie de países y ese es el caso del nuestro o Francia, en los que el monarca asume un poder total y la voluntad del pueblo queda absolutamente anulada por él. El rey desempeña este papel por delegación divina, por lo tanto sus decisiones son prácticamente inapelables. Es, junto con el papa, el gran comitente o promotor del arte.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
En torno a las grandes cortes europeas se aglomeran los más importantes artistas y para ellas se ejecutan las más impresionantes obras de arte. Las Monarquías Absolutas se oponen a una forma de gobierno bien diferente: el Parlamentarismo, aparecido en Inglaterra y Holanda. En estos lugares el arte tendrá una orientación bien distinta como ya estudiaremos en su momento.</div>
<ul>
<li><b>La literatura: el teatro</b></li>
</ul>
<div>
Durante este siglo se produce un extraordinario desarrollo de la literatura y, especialmente, del teatro, que impregna profundamente otros campos artísticos. En España, los siglos XVI y XVII son conocidos como los Siglos de Oro de la literatura española, no en vano son los siglos de Lope de Vega, de Calderón de la Barca, de Góngora, de Quevedo y de Cervantes. En Francia sobresale Molière y en Inglaterra, Shakespeare.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
Muchos de los personajes de los cuadros de Caravaggio, Ribera o Velázquez parecen actores metidos en la piel de filósofos, dioses de la mitología clásica o santos, de la misma manera que muchas de las arquitecturas barrocas parecen grandes escenarios teatrales diseñados como fondos para importantes celebraciones. En su estudio, Alewyn afirma lo siguiente: "Las artes de la mímica, del pintor, del músico, del escenógrafo y del maquinista, se unen aquí para asaltar a la vez todos los sentidos, de suerte que el pueblo no pueda escapar". Con esta afirmación queda bien expuesto que el teatro es el ideal que permite fundir todas las artes en una, y que debió de tener un peso y una importancia vital sobre el hombre barroco.</div>
<div>
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQB0iawH6-v0dPrzrpYhE9gFtGbrTkrbwA7gePI0frX6MoWUno48JOuMOl5o_fR25pBV7gaF8iyAKFveUgs3fS625JNdzGCX8ukT-7S7drqCZvxFM1QJGl_MxgAzW4sphVHxQ3WVAcw68/s1600/cru.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQB0iawH6-v0dPrzrpYhE9gFtGbrTkrbwA7gePI0frX6MoWUno48JOuMOl5o_fR25pBV7gaF8iyAKFveUgs3fS625JNdzGCX8ukT-7S7drqCZvxFM1QJGl_MxgAzW4sphVHxQ3WVAcw68/s640/cru.jpg" width="486" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Caravaggio: <b><i>Crucifixión</i></b><b style="font-style: italic;"> de San Pedro. </b>Santa Maria del Popolo. Roma</div>
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<br /></div>
<ul>
<li><b>La filosofía</b></li>
</ul>
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Descartes es el gran filósofo del siglo XVII y el iniciador de una corriente de pensamiento denominada Racionalismo, que contó con importantes seguidores. El Racionalismo, como su propio nombre indica, busca una explicación racional de las cosas y la creación de un verdadero y fiable método de conocimiento. Para ello parte de una duda absoluta llamada <b>duda metódica</b>. Esto supuso el enfrentamiento al dogmatismo imperante y la aparición de un nuevo camino para la filosofía. El Racionalismo cartesiano convive con las ansias de renovación espiritual y la necesidad de darle vigencia y solidez a los dogmas de la fe católica. Esto demuestra, una vez más, que el Barroco se mueve dentro de las más grandes contradicciones.</div>
<ul>
<li><b>La naturaleza y la ciencia</b></li>
</ul>
<div>
La naturaleza ocupa un importante papel en estos momentos, sobre todo porque el hombre descubre su debilidad ante el inmenso poder que encuentra en ella.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
Además, gracias a Copérnico, desde el Renacimiento, se sabe que la Tierra no es el centro del Universo, que no es el Sol el que gira alrededor de la Tierra, sino al revés.</div>
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<br /></div>
<div>
Se sientan las bases de la investigación científica de Kepler y de Newton. Kepler afirmó que los planetas describían en su recorrido una órbita de forma elíptica y no circular como se creía previamente. La elipse es una de las formas que más se repiten en la arquitectura barroca y que demuestra que el Barroco tiene pretensiones bien distintas a las del estilo que le precedió, el Renacimiento, que prefiere el círculo, símbolo de la perfección.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
Se produce una disminución del antropocentrismo. El Barroco reivindica la grandeza, la autonomía, el misterio y el poder de la Naturaleza.</div>
<ul>
<li><b>La crisis</b></li>
</ul>
<div>
El Barroco es un período de grandes crisis, no sólo políticas, puesto que las monarquías se ven incapaces de afrontar las deudas y las grandes dificultades económicas tal y como sucedió en España durante el gobierno de los últimos Austrias, o religiosas como ya ha quedado expuesto anteriormente, sino también porque es un período de enfermedades, hambrunas, pobreza, etc.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
Es un momento de decadencia e inseguridad que se refleja en el Arte a través de la búsqueda de lo inestable, de la ruptura del respeto por el ordenamiento de lo clásico, el dinamismo, la violencia y el tremendismo.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
Existe una generalizada sensación de pesimismo e impotencia ante una situación que parece desbordar al ser humano.</div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>2. LA ARQUITECTURA BARROCA: CARACTERÍSTICAS GENERALES</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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Fachada del <b><i>Palacio de Versalles. </i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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En muchos aspectos, la arquitectura barroca parte de los elementos del lenguaje arquitectónico que el Renacimiento había rescatado del mundo clásico, pero será la manera de utilizarlos lo que permita establecer grandes diferencias con respecto a éste.</div>
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<br /></div>
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Se produce un mayor desarrollo de la arquitectura religiosa aunque durante este período también se construirán importantes <b>palacios</b>, especialmente en aquellos lugares gobernados por una Monarquía Absoluta, con la finalidad de transmitir al pueblo, a través de estas magnas obras, la sensación del inmenso poder que ostenta el rey. Dentro del palacio podemos señalar dos áreas bien diferentes. Por un lado, encontramos una parte de carácter más bien público con una importante fachada que mira a una plaza con jardín, elemento casi indispensable del palacio barroco y que va a alcanzar un importante desarrollo, ya que será el lugar en que el soberano busca el contacto con el pueblo. Por otro lado, existe una parte privada que preserva la intimidad de la familia real.</div>
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<br /></div>
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<b>Las iglesias </b>barrocas son la tipología constructiva más frecuente. Existen dentro de ellas dos tipos de plantas: centralizadas y longitudinales. <b>La longitudinal</b> se corresponde al esquema de planta de cruz latina, de nave única, capillas en los laterales y crucero resaltado en la parte central por una cúpula. En definitiva, el esquema que Vignola había utilizado en la iglesia de <i>Il Gesú</i>, en la que se persiguió la centralización de la planta longitudinal con la ubicación de la cúpula en el crucero. Se prefieren <b>las cúpulas</b>, no de sección circular, como sucedía durante el Renacimiento, sino elíptica. La elipse desafía la idea de perfección que encarna el círculo e introduce un mayor dinamismo. Las plantas centrales se hacen notablemente más complejas. No sólo se emplean las de forma circular, sino también las de forma elíptica u octogonal.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhe8RKeYHlvH2jpSZ2KN4jkD_bpSqPvqHlz9oxrd1JcTLLn_5vZSxdw8XdK6r0grV2A_kSc_5NrRkaQaf5PsNaNIQO-H4TtUW-20gYjw5YNPeQaftdcnz3lpoNN3XWLrb7AlGIPbvqDDk4/s1600/vat.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="458" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhe8RKeYHlvH2jpSZ2KN4jkD_bpSqPvqHlz9oxrd1JcTLLn_5vZSxdw8XdK6r0grV2A_kSc_5NrRkaQaf5PsNaNIQO-H4TtUW-20gYjw5YNPeQaftdcnz3lpoNN3XWLrb7AlGIPbvqDDk4/s640/vat.jpg" width="640" /></a></div>
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Carlo Maderno: Fachada de <i style="font-weight: bold;">San Pedro Vaticano. </i>Roma</div>
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<br /></div>
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Al Barroco le gusta la <b>irregularidad </b>y el <b>juego </b>que se puede establecer entre las formas cóncavas y las convexas, entre los entrantes y los salientes, las luces y las sombras. A través de este recurso se consigue el dinamismo, la sorpresa y la inestabilidad que tanto agradó a los arquitectos del momento y que se emplea de modo especial en <b>las fachadas </b>que siguen, en gran medida, el modelo de <i>Il Gesú</i> de Roma. Con el paso del tiempo estas se irán recubriendo de motivos decorativos, frontones curvos y rectos, aletones, cornisas que se curvan, óculos y de columnas especialmente salomónicas, que se despegan del muro creando el claroscuro. Se busca llamar la atención del creyente pero, sobre todo, que el edifico se integre en el entorno urbano.</div>
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Los elementos del lenguaje clásico se emplean según normas no clásicas. Así se recurre frecuentemente al orden gigante en el que la columna rebasa el espacio que le corresponde e invade uno que no le es propio. Lo mismo que <b>los vanos</b>, que comienzan a tener dimensiones excesivas ocupando un espacio que no les corresponde, aunque estén colocados con absoluta simetría.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiK5AO5wnnZJiSvVKw-vCHaZpYvDiaXuuaXf-lsFN-4sphvE9A_LAH8_WH9_yGw2YDK9R3mBkGrm8t8HnyQ2eIVhX4gj7djxR5U16FzuHSoXbQx-yfdZXcYWMLFYOK1YHKIFMNBby96mNk/s1600/pl.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiK5AO5wnnZJiSvVKw-vCHaZpYvDiaXuuaXf-lsFN-4sphvE9A_LAH8_WH9_yGw2YDK9R3mBkGrm8t8HnyQ2eIVhX4gj7djxR5U16FzuHSoXbQx-yfdZXcYWMLFYOK1YHKIFMNBby96mNk/s640/pl.jpg" width="640" /></a></div>
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Bernini: <i style="font-weight: bold;">Plaza de San Pedro. </i>Vaticano. Roma</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>3. LA ARQUITECTURA BARROCA EN EUROPA</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b>3.1. Italia</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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Uno de los primeros arquitectos barrocos que nos encontramos en Italia es <i style="font-weight: bold;">Carlo Maderno</i> (1556-1629). Empezó en el mundo de la arquitectura como ayudante de su tío, Domenico Fontana. En 1603 fue nombrado arquitecto de la <i>Basílica de San Pedro Vaticano</i>. Su cometido en esta obra fue el de añadir la nave y la fachada, de tal modo que el proyecto de Miguel Ángel quedaba notablemente transfigurado. Las obras en las que mejor se desarrolló su estilo fueron la iglesia de <i>Santa Susana</i> y <i>Sant'Andrea della Valle</i>. En ellas, inspirado por la fachada de <i>Il Gesú</i>, introduce el claroscuro, el juego entre luces y sombras y un dinamismo que están plenamente dentro del lenguaje barroco.</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Gianlorenzo Bernini </i>(1598-1680) destacó, no sólo en su faceta de arquitecto, sino también en la de escultor, pintor, poeta y escenógrafo. Es uno de los más grandes artistas del Barroco. Su padre fue escultor aunque sin llegar a la calidad de su hijo. La mayor parte de su vida artística transcurrió en Roma, una ciudad que él supo ensalzar y engrandecer como nadie y en la que quedó la huella del poder recién fortalecido del papado. En 1629 fue nombrado arquitecto de <i>San Pedro Vaticano</i>. Entre sus obras más importantes se encuentra <i>el baldaquino de San Pedro</i>, que se compone de cuatro columnas salomónicas de bronce decoradas con hojas de vid, símbolo de la Eucaristía, y abejas alusivas a la familia Barberini (de la que procedían muchos de los papas). Más tarde le encargaron la fachada y la escalera del <i>Palacio Barberini</i>, <i>la Capilla Cornaro</i> en la iglesia de <i>Santa Maria della Vittoria</i> y <i>Sant'Andrea al Quirinale</i>, cuyo pórtico está inspirado en el del <i>Panteón </i>de Roma, aunque con un empleo más libre de los elementos arquitectónicos. Desde 1656 lo encontramos trabajando en <i>la Columnata de San Pedro</i>, sin lugar a dudas, su obra maestra. Se trata de una plaza de forma elíptica cerrada con una columnata coronada por esculturas, también realizadas por él, en la que se consiguen sorprendentes juegos lumínicos. De la fachada de la iglesia parten dos brazos que simbolizan a la Iglesia que acoge a la humanidad. El trazado urbanístico existente permitía que el viandante se encontrase con esta arquitectura de una manera absolutamente repentina, por tanto, se lograba el tan deseado efecto-sorpresa. Éste desapareció por completo cuando, recientemente, se abrió la Via della Conciliazione, la cual permite vislumbrar el edificio mucho antes de llegar a él.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQu3plV-xlhZq8MtH8QmW9qolv9BuaYF4ce_B3a6Gq3G9PaUkhx9tl1w3EzIPs8nnUDJei6TGkzmhW10_YIXgIJDeWBFCsApd8W35viK-0vocN7RDNgaitmqMwkuw2SWZp-Gx5hUCJeD4/s1600/bal.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQu3plV-xlhZq8MtH8QmW9qolv9BuaYF4ce_B3a6Gq3G9PaUkhx9tl1w3EzIPs8nnUDJei6TGkzmhW10_YIXgIJDeWBFCsApd8W35viK-0vocN7RDNgaitmqMwkuw2SWZp-Gx5hUCJeD4/s640/bal.jpg" width="426" /></a></div>
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Bernini: <i style="font-weight: bold;">Baldaquino de San Pedro Vaticano. </i>Roma</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcrN3oGo4VE-EItP0nf_6tE6zS1Zoul9r_NokKs335y82xtL4n63rz3wK0sjz_ifxKcDjfYwQCbC8KjrMgaxnFv2QdoUZYByYCUJudDNkIJUm-qK4zJwZmlfkdD_E36B3nDvViTuGgDZA/s1600/qu.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcrN3oGo4VE-EItP0nf_6tE6zS1Zoul9r_NokKs335y82xtL4n63rz3wK0sjz_ifxKcDjfYwQCbC8KjrMgaxnFv2QdoUZYByYCUJudDNkIJUm-qK4zJwZmlfkdD_E36B3nDvViTuGgDZA/s640/qu.jpg" width="428" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Bernini: <i style="font-weight: bold;">Iglesia de Sant'Andrea al Quirinale. </i>Roma</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiq_3GInNGbYV-cnTwK224uauyfFvUdWIxbvzV5C8naHJowivpaTqVFKl5-u2pVOdVOUfBGNgi3FnX1IjaBd49JzHh5gMFU_EbdbvcEAW5gtHNDAPPnwusbvChYxFnDEN2B2cBLfp3_r8w/s1600/cup.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="496" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiq_3GInNGbYV-cnTwK224uauyfFvUdWIxbvzV5C8naHJowivpaTqVFKl5-u2pVOdVOUfBGNgi3FnX1IjaBd49JzHh5gMFU_EbdbvcEAW5gtHNDAPPnwusbvChYxFnDEN2B2cBLfp3_r8w/s640/cup.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Bernini: <i style="font-weight: bold;">Cúpula de Sant'Andrea al Quirinal. </i>Roma</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Francesco Borromini </i>(1599-1667) era hijo de un cantero. A los veinte años va a Roma, donde permaneció el resto de su vida. Al ser pariente lejano de Maderno, trabajó en <i>San Pedro </i>realizando algunos de los motivos decorativos allí presentes. Más tarde colaboró con Bernini. De esta colaboración nace una profunda enemistad entre ambos que iba a durar toda la vida. En 1633, Borromini recibe el encargo de la iglesia de <i>San Carlo alle quattro fontane</i> (Roma), una de las obras más ingeniosas que ha dado la arquitectura. La planta es ovalada, al igual que la cúpula. En la fachada juega con las formas cóncavas y convexas, consiguiendo de este modo, un tremendo dinamismo y un intenso claroscuro. En <i>Sant'Ivo alla Sapienza </i>la planta presenta un curioso esquema de forma estrellada que se prolonga en altura. Se cubre con una cúpula que culmina con una espiral que invita a elevar la mirada. En 1653 comienza a trabajar en <i>Sant'Agnese</i>, en la Plaza Navona, justamente enfrente de la <i>Fuente de los Cuatro Ríos</i>, ejecutada por Bernini. Borromini, gracias a inmenso ingenio, fue capaz de solucionar los problemas de escasez espacial que se le presentan en obras como <i>el Oratorio San Felipe Neri.</i> Fue un genial arquitecto, transgresor, revolucionario y creativo que no fue bien visto en su época, por lo que no tuvo demasiados seguidores. </div>
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<br /></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Borromini: <i style="font-weight: bold;">San Carlo alle quattro fontane. </i>Roma</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Pietro Berrettini da Cortona </i>(1596-1669) destacó como arquitecto y como pintor. Nació en Cortona y era hijo de un cantero. Se formó como pintor con Commodi, con el que se fue a Roma. <i>Santi Martina e Luca</i>, en Roma, es su primera obra de cierta importancia. En ella emplea elementos decorativos un tanto excéntricos y anula por completo la escultura figurada. Juega mucho con los contrastes lumínicos que le ofrecen las columnatas, muy presentes a lo largo de toda su obra. <i>Santa Maria della Pace</i> en Roma, marca la evolución hacia un estilo más sereno y más clásico. </div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Carlo Rainaldi </i>(1611-1691) era hijo de un mediocre arquitecto: <b>Girolamo Rainaldi</b>. Con él empezó a trabajar en la iglesia de <i>Sant'Agnese </i>de la que más tarde se ocuparía Borromini. Sin lugar a dudas, lo más interesante de su obra son las dos iglesias de la Plaza del Popolo, en Roma: <i>Santa Maria in Montesano </i>y <i>Santa Maria dei Miracoli</i>, sendas arquitecturas marcan el nacimiento de dos de las calles más importantes de la ciudad.</div>
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<br /></div>
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En <b>Venecia </b>trabajó uno de los más grandes arquitectos del Barroco italiano: <i style="font-weight: bold;">Baldassare Longhena</i> (1598-1682). Este gran arquitecto se formó con Scamozzi. De su obra sobresale la iglesia de <i>Santa Maria della Salute</i>. Para su construcción se convocó un concurso que él ganó. La iglesia está situada a la entrada del Gran Canal. Se erigió como ofrenda a la Virgen por la desaparición de la peste que asoló la ciudad de Venecia. Las influencias y fuentes de inspiración de este edificio son de lo más diversas, incluso hay quien encuentra conexiones con <i>San Vital de Rávena</i>. De ella sobresale la cúpula sobre un tambor octogonal con grandes volutas, visible desde cualquier punto de la ciudad. Varriano afirma lo siguiente sobre ella: "Su juego de luces y sombras, el detalle escultórico e incluso el color, conservan las tradiciones pictóricas de la arquitectura veneciana anterior, mientras que su corporeidad sensual y las complejas interrelaciones reflejan el efectismo genuino del Barroco. (...) Desgraciadamente, la originalidad de <i>Santa Maria della Salute </i>no fue igualada por otros encargos venecianos de Longhena".</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLsUPYW4qw_gIjob-Dj_MesrmZQ5kWx9D_k-iG9ZXe0GNd9BKATZ4UhKo6S0QA12ZQINuQTsjd6kVTMQNfCGkfGVNSJeCmrmcbh_FRo7ZqaZRBjrXlk-98gi57lJ8i50ItZe_mciUwYKQ/s1600/salud.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="428" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLsUPYW4qw_gIjob-Dj_MesrmZQ5kWx9D_k-iG9ZXe0GNd9BKATZ4UhKo6S0QA12ZQINuQTsjd6kVTMQNfCGkfGVNSJeCmrmcbh_FRo7ZqaZRBjrXlk-98gi57lJ8i50ItZe_mciUwYKQ/s640/salud.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Longhena: <i style="font-weight: bold;">Santa María de la Salud. </i>Venecia</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;"><br /></i></div>
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En <b>Turín</b> nos encontramos con otra gran figura de la arquitectura en Italia: <i style="font-weight: bold;">Guarino Guarini </i>(1624-1683). Poseía una extensa formación como matemático que precedió a verdadera vocación: la Arquitectura. En 1666 se trasladó a Turín donde fue nombrado ingeniero del duque Carlo Emanuele II de Saboya. Conocía muy bien la arquitectura de Borromini, como queda reflejado en su obra. Ambos se caracterizan por su enorme creatividad e ingenio y por su gran capacidad para crear efectos de sorpresa. El primer edificio que hizo en Turín es <i>la iglesia de San Lorenzo</i>, coronada por una cúpula de nervios que se entrecruzan, característica ésta de la arquitectura islámica por la que él sentía verdadera devoción. Debió de conocer la arquitectura islámica, no sólo en Sicilia, sino también en España. Tenemos constancia de que visitó <i>la mezquita de Córdoba </i>y <i>el Cristo de la luz </i>en Toledo. En el caso de <i>San Lorenzo</i> el parecido con la mezquita de Córdoba es evidente. En él se consiguen espacios independientes que se anexionan para formar un todo. En Turín creó <i>la Capilla del Santo Sudario</i>.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvvhnCRlIh2qVhVw07TDLinHdOYaJGy5YXMce9j_tGOv6e8AE9Wq1yf1DOkzpNOVKWukRrJUNAwV65o6PhToK48Ji0y2-a-15PZF5aHAwwynhFput4c1qZOcDKPWT9wkPm2gxcVdHHQVU/s1600/slor.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvvhnCRlIh2qVhVw07TDLinHdOYaJGy5YXMce9j_tGOv6e8AE9Wq1yf1DOkzpNOVKWukRrJUNAwV65o6PhToK48Ji0y2-a-15PZF5aHAwwynhFput4c1qZOcDKPWT9wkPm2gxcVdHHQVU/s640/slor.jpg" width="640" /></a></div>
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Guarini: <i style="font-weight: bold;">San Lorenzo. </i>Turín</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Filippo Juvara </i>(1678-1736) se formó con Fontana y obtuvo gran fama como decorador escenográfico, lo cual marcará profundamente su forma de entender la arquitectura. Su obra más sobresaliente es la <i>Basílica de Superga</i>, en Turín (1715-1718), verdaderamente espectacular. Trabajó, como veremos más adelante, en muchos de los grandes palacios españoles proyectados por Felipe V. </div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>3.2. Francia</b></span></div>
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<br /></div>
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Francia en el siglo XVII era un país muy poderoso, en el que la monarquía desempeñaba un importantísimo papel. Durante el reinado de Luis XIII y Luis XIV se llevaron a cabo las más importantes obras del Barroco francés, especialmente porque este último se ocupó de que la corte se trasladara a Versalles, para lo cual se encargó de concentrar allí a los más destacados artistas del momento. Las artes experimentaron un importante empuje gracias al primer ministro del rey, Colbert,<i style="font-weight: bold;"> </i>quien creó una serie de instituciones encargadas de su protección. Surgió la Academia de la Pintura y la Escultura y más tarde la de Música, Declamación y Danza. Éstas, además de proteger las diferentes artes, se encargaron de establecer unas pautas que debían seguirse y crear un gusto uniformado que representase a Francia y se identificase con ella. Todo esto formaba parte de un estudiado plan de trasfondo político: se trataba de poseer fábricas que produjesen objetos artísticos, de tal modo que no fuese necesario traerlos del extranjero y que garantizasen la autosuficiencia de Francia en este sentido. </div>
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<br /></div>
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La arquitectura y las artes en general, están más enfocadas a lo civil que a lo religioso, al contrario de lo que sucedía en otros países. Durante el reinado de Enrique IV, se llevaron a cabo importantes proyectos de planificación urbana como son <i>la Plaza de los Vosgos</i> y <i>la Plaza Dauphin</i>. Entre los años 1635-1640 se sientan las bases de un estilo marcado por el Clasicismo y bastante más sobrio, decorativamente hablando, que el Barroco de otros lugares, especialmente en el exterior de los edificios. Este Barroco va a perdurar en Francia hasta bien entrado el siglo XVIII.</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Jacques Lemercier </i>(1585-1654) estudió en Roma y aprendió los modos constructivos de Giacomo della Porta. En 1624, Luis XIII le mandó planificar las ampliaciones del <i>Louvre</i>, que le habían sido encargadas anteriormente a Bernini, de las que éste no se pudo ocupar finalmente. Para el cardenal Richelieu, su mayor protector hizo <i>el Castillo </i>y <i>la Capilla de Rueil</i>. En 1635 empezó <i>la iglesia de la Sorbona </i>y en 1646 <i>la cúpula de Val-de Grâce</i>, obra en la que sería sustituido por Mansart. A él se debe el esquema de Hôtel que se va a repetir hasta la saciedad.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifdFcPRBJYQngDJeU8LqwaRb2bFN2AK2g3O9fjkcHFgMwpUs26qRfLxM24lqejHdlDaxvzxBH-_LH5sghQRh7wOLA9ea88NnUZXKzAIvGi7SFtKmu3PEjPfx3tX6ILbuTpblUkb9dh-0o/s1600/sor.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifdFcPRBJYQngDJeU8LqwaRb2bFN2AK2g3O9fjkcHFgMwpUs26qRfLxM24lqejHdlDaxvzxBH-_LH5sghQRh7wOLA9ea88NnUZXKzAIvGi7SFtKmu3PEjPfx3tX6ILbuTpblUkb9dh-0o/s640/sor.jpg" width="480" /></a></div>
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Lemercier: <i style="font-weight: bold;">Iglesia de la Sorbona. </i>París</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Louis Le Vau </i>(1612-1670) fue contemporáneo de Mansart. Se rodeó de un buen grupo de escultores y jardineros con los que proyectó sus más grandes creaciones. En 1657, el millonario ministro de finanzas, Fouquet, le encargó una fastuosa <i>Casa de campo en Vaux-le Vicomte</i>, en la que intervinieron Lebrun y Guerin como decoradores de los interiores y Le Nôtre al frente de los jardines. Esta obra es, con clara diferencia, la más importante y ambiciosa, la que le consagró como arquitecto y la que preludia la increíble remodelación del <i>Palacio de Versalles </i>que se comenzó en 1669. En este palacio llevó a cabo la fachada del jardín que años más tarde derribó Hardouin-Mansart por considerarla insuficiente. A él se debe también <i>la fachada del Louvre</i>, en la que intervino Charles Perrault (1613-1688), uno de los arquitectos más clásicos del Barroco francés, y el <i>Colegio de las cuatro naciones</i>.</div>
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<i><br /></i></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheoAyzvTd-cRa8Dfd4y47e7y9hQAXs3dZYDKTPZ555kVCDx3fXbEL24HmDU5Fb_dxwK2qHNLeGjMZCzNUCbFXMAv7QnrapTibI51dHq7q7K57xBDMTVSX2WsTDeCQGNd31Gg8NNJ44Oic/s1600/ver.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="464" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheoAyzvTd-cRa8Dfd4y47e7y9hQAXs3dZYDKTPZ555kVCDx3fXbEL24HmDU5Fb_dxwK2qHNLeGjMZCzNUCbFXMAv7QnrapTibI51dHq7q7K57xBDMTVSX2WsTDeCQGNd31Gg8NNJ44Oic/s640/ver.jpg" width="640" /></a></div>
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Vista aérea del <i style="font-weight: bold;">Palacio de Versalles</i> en el siglo XVII</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Jules Hardouin-Mansart </i>(1646-1708) también comprendió bastante bien las necesidades artísticas de los reyes, en concreto de Luis XIV, y será quien realice alguna de las obras más recordadas del Barroco francés como <i>el Salón de los espejos del Palacio de Versalles</i> y en el año 1680 inicia <i>la iglesia de los Inválidos</i>, en París, cuya cúpula estilizada y elegante contrarresta el efecto horizontal de los órdenes.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcT61Rho4ah-s-T2jTRcA9zj3wTRdeAtSWYn4WbUeeTXzo8NhSMkpBdVSSXh66OcDoTNZFSFl-wuuHbu46y8oXYJ5ANANs8_NR3ZSAHFamcXq0Evc6FTFy_IZHURhmtE-w82tp0O7tXDo/s1600/sal.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="424" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcT61Rho4ah-s-T2jTRcA9zj3wTRdeAtSWYn4WbUeeTXzo8NhSMkpBdVSSXh66OcDoTNZFSFl-wuuHbu46y8oXYJ5ANANs8_NR3ZSAHFamcXq0Evc6FTFy_IZHURhmtE-w82tp0O7tXDo/s640/sal.jpg" width="640" /></a></div>
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Palacio de Versalles: <b><i>El Salón de los Espejos</i></b></div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgT191JdkcOlaw7tP9IW1Z2CXzr4N0iPmZkAgTO2uzmQAH3VejwXHWKNW3rvadVoSDxn_Qm5HbSXS6nFS2Hz0zSGW9cPz9ABRi8mrsR58ZDmghq2WX9l4Syo6oo8B1adeDZsp7h6U_Lr84/s1600/in.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgT191JdkcOlaw7tP9IW1Z2CXzr4N0iPmZkAgTO2uzmQAH3VejwXHWKNW3rvadVoSDxn_Qm5HbSXS6nFS2Hz0zSGW9cPz9ABRi8mrsR58ZDmghq2WX9l4Syo6oo8B1adeDZsp7h6U_Lr84/s640/in.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Mansart: Fachada de los <i style="font-weight: bold;">Inválidos. </i>París</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>3.3. Inglaterra</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Durante el siglo XVII la situación política de Inglaterra se caracterizó por la inestabilidad. Con el gobierno de Cromwell el desarrollo de las artes fue casi inexistente. Hay que esperar a la época de la Restauración para conocer una cierta recuperación.</div>
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<br /></div>
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La arquitectura barroca en Inglaterra demostró una tendencia clara hacia el Clasicismo y un interés especial por las formas <i>palanganas</i>, que volverán a recuperarse en el Neoclasicismo. <i style="font-weight: bold;">Iñigo Jones </i>(1573-1652) tiene el mérito de llevar a Inglaterra el Clasicismo, frente a la pervivencia de lo Gótico, fuertemente arraigado en este país. Está profundamente influido por Palladio y Scamozzi. En 1615 fue nombrado inspector de las obras del rey. Los tres edificios más importantes que hizo son: <i>la Queen's House Greenwich, el Prince Lodging </i>y <i>el Banqueting House</i>. Formó parte de una de las primeras comisiones encargadas de la restauración de la <i>catedral de San Pablo</i>, réplica de <i>San Pedro Vaticano</i>, que finalmente acometería <b>Wren</b>. Lo más sobresaliente de la misma es su cúpula que cobija en su interior otra, tal y como hizo Brunelleschi en <i>Santa Maria del Fiore</i>.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3hsAuQC-1J3d9pP2JklBTrFxGGe8lacV_rCCIOJhQKQiPdSv39UrjOsWFajL_WSF98a9njzHPJw4z3YD1uqVkekfaGsWtefUCp9CaCHelB7WXqijz7JNn2BC3YKoyuCGVP69_QztmeeA/s1600/pab.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3hsAuQC-1J3d9pP2JklBTrFxGGe8lacV_rCCIOJhQKQiPdSv39UrjOsWFajL_WSF98a9njzHPJw4z3YD1uqVkekfaGsWtefUCp9CaCHelB7WXqijz7JNn2BC3YKoyuCGVP69_QztmeeA/s640/pab.jpg" width="640" /></a></div>
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C. Wren: <i style="font-weight: bold;">Cúpula de la Catedral de San Pablo. </i>Londres</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>3.4. Alemania y Austria</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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En el siglo XVI Alemania experimenta un importante desarrollo artístico, especialmente por el poder y la importancia que tenía la corte de Rodolfo II, pero pronto llegó la decadencia por los desastres de la guerra de los Treinta Años. En torno a 1660-1670 se comienza a producir una cierta recuperación que permitió el renacer artístico. Italia es el punto de referencia más importante durante los primeros años del Barroco alemán (1660-1690). La penetración del estilo en este país se debe sobre todo a la construcción de numerosas iglesias jesuísticas inspiradas en el Barroco romano y a la llegada de artistas de origen italiano como los <b>Carnevale </b>y <b>Carlone</b> en Austria y <b>Barrelli </b>y <b>Zucalli</b> en Baviera. A partir de 1690 el Barroco alemán alcanza su propia personalidad. Los arquitectos más interesantes son los de origen austriaco como <i style="font-weight: bold;">Fischer von Erlach </i>(1656-1723) que fue escultor y estuquista antes que arquitecto, ámbito en el que se formó durante su estancia en Italia de la mano Fontana. Fue un gran admirador de Borromini. La obra más importante que llevó a cabo fue <i>la iglesia de San Carlos Borromeo </i>de Viena. La estilizada cúpula, precedida de un pórtico, marca una clara línea ascendente. Está flanqueada por dos columnas que recuerdan a la de Trajano.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfLXrnMSanx3rcIzDVUPpHbAAcRPCJqEyKgz0Vexcjv9cDsNYajYONRaS5R52xMOUfiS-1e9tpq_LIR0UM0BpBLkrtfngJKI0B5W5CMfn2ANA4pvu1jCYRa3OewGq363CKWb3WGnweCno/s1600/bor.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfLXrnMSanx3rcIzDVUPpHbAAcRPCJqEyKgz0Vexcjv9cDsNYajYONRaS5R52xMOUfiS-1e9tpq_LIR0UM0BpBLkrtfngJKI0B5W5CMfn2ANA4pvu1jCYRa3OewGq363CKWb3WGnweCno/s640/bor.jpg" width="640" /></a></div>
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Fischer von Erlach: <i style="font-weight: bold;">Iglesia de San Carlos Borromeo. </i>Viena</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Johann Lucas Von Hildebrandt </i>(1668-1745) nació en Génova y también estudió al lado de Fontana. Es, como arquitecto, muy italiano, y en su obra se unen el sentido decorativo de Borromini y la complejidad y, al mismo tiempo, la riqueza de las plantas de Guarino Guarini. Sus edificios civiles se caracterizan por las grandiosas escaleras y por las habitaciones de planta ovalada.</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Andreas Schlüter </i>(1660-1714) es tan importante dentro de la arquitectura como dentro de la escultura. Estudió en Francia y en Italia. Su obra más emblemática es <i>el Palacio Real de Berlín </i>que fue bombardeado en 1945 y demolido en 1950.</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Matthäus Daniel Pöppelmann</i> (1662-1736) es el autor de una obra que los expertos consideran la más importante del Barroco alemán, aunque según muchos historiadores está más próxima al Rococó: el <i>Zwinger</i>. Se trata de un pabellón de verano que consta de un gran patio, en el que tenían lugar grandes espectáculos y que estaba rodeado por galerías y pabellones ricamente decorados.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4. EL ROCOCÓ</b></span></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4.1. Características generales de la arquitectura rococó</b></span></div>
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<br /></div>
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El Rococó surge en Francia durante los últimos años del reinado de Luis XIV, pero cuando verdaderamente se llegó a imponer fue durante el reinado de Luis XV. Uno de sus principales difusores fue Felipe de Orleans, quien asumió la regencia de Luis XV. Desde Francia se va a difundir a gran parte de los países europeos, especialmente a Centroeuropa. El término, que surgió a partir del año 1730, deriva de la palabra francesa <i>rocaille</i>, alusiva a un tipo de decoración constituida por pequeñas conchas, algas, caracoles y piedras que recubrían abundantemente las superficies. Su afirmación definitiva como estilo se produce entre los años 1730 y 1745. Además, fue en este período cuando se produjo su difusión a otros países europeos. </div>
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<br /></div>
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La principal característica del Rococó es <b>la exuberancia decorativa </b>que inunda los interiores, mientras que los exteriores se suelen mantener más o menos sobrios. Algunos de los elementos decorativos son de origen oriental como las <i>chinoiseries</i>. Se prefieren los pequeños salones a las amplias estancias. El decorativismo se extiende a la arquitectura, pintura y escultura, así como al mobiliario, los tejidos, las porcelanas y los relojes.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgru_8QDMM5ZhA0N6OGTq5FIl5Qqk1jl_1XR-8ghKrypwtjSiQDDLxJWqN18yADzPhbyicV4aH33HTH8zCTSV8QTSpdy5MyvOA-eiF9U3CxVJT45fTaGBUNBQTsX_XC1XmSRP_8w6dn9kE/s1600/ptit.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="474" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgru_8QDMM5ZhA0N6OGTq5FIl5Qqk1jl_1XR-8ghKrypwtjSiQDDLxJWqN18yADzPhbyicV4aH33HTH8zCTSV8QTSpdy5MyvOA-eiF9U3CxVJT45fTaGBUNBQTsX_XC1XmSRP_8w6dn9kE/s640/ptit.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Jacques Ange Gabriel: <i style="font-weight: bold;">Pequeño Trianón. </i>Versalles</div>
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<br /></div>
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El Rococó representa, con su frivolidad, lo opuesto a lo que encarna el Neoclasicismo, que también se desarrolla durante el siglo XVIII. La arquitectura neoclásica se muestra racional y funcional, en ella casi todos los elementos tienen una utilidad, una razón de ser, nada es aleatorio. Existe una identidad forma-función. Por otro lado, el Rococó es la decoración por la decoración, sin que ninguna de sus partes deba responder a una función concreta. Es, ante todo, un estilo de vida fundamentado en la búsqueda del refinamiento y del placer estético. Un estilo de vida que tan sólo se pudieron permitir las clases más acomodadas de la sociedad. Esto quiere decir, entre otras cosas, que el Rococó no llegó a influir decisivamente en la arquitectura oficial y religiosa, que se mantuvieron bastante apegadas a las formas del Barroco clásico.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4.2. La arquitectura rococó en Francia</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En Francia los representantes más notables de la arquitectura rocoso son los integrantes de la familia Gabriel. <i style="font-weight: bold;">Jacques Gabriel </i>(1667-1742) admiró a Mansart, con el que colaboró en alguna ocasión. -trató en muchos sentidos de continuar su labor. Representó la transición que se vivió en Francia del Barroco clasicista al Rococó. Trabajó en <i>los palacios de Versalles </i>y <i>Fontainebleau</i>. Además de la arquitectura, Gabriel sobresalió en el campo del urbanismo (Burdeos y Rennes). </div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Jacques Ange Gabriel </i>(1698-1782) es uno de los arquitectos franceses más importantes durante el reinado de Luis XV, bajo el cual se desarrolló un Rococó pleno. Se encargó de proyectos urbanísticos, de la restauración de algunos castillos y de la realización de residencias para personajes notables de la sociedad francesa del momento. Prosiguió las obras de <i>Versalles</i>, en donde llevó a cabo <i>el Pavillon Français, el Petit Trianon </i>y <i>el parque del Trianon</i>. Una de sus obras urbanísticas claves es la <i>Place de la Concorde</i>, llamada en un principio plaza de Luis XV.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4.3. La arquitectura rococó en Alemania</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En los países de Centroeuropa el Rococó alcanzó un importantísimo desarrollo y una originalidad que encontraremos en pocos lugares. Uno de los personajes más importantes en el Rococó alemán es <i style="font-weight: bold;">François de Cuvilliés </i>(1665-1768). Nació en los Países Bajos, bajo la protección de Maximiliano Manuel, elector de Baviera. Se formó en Francia, al lado de importantes artistas del Rococó. Cuando regresó a Múnich fue nombrado arquitecto de la corte. Poseía grandes ideas acerca de la decoración de interiores. Manejaba con habilidad los estucos, las lacas y los elementos decorativos (elaboró en 1737 una serie de grabados sobre los diferentes tipos de rocalla). Su obra más interesante es <i>el Pabellón de Amalienburg</i>.</div>
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<br /></div>
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El otro gran representante de la arquitectura rococó en Alemania es <i style="font-weight: bold;">Johan Baltasar Neumann </i>(1687-1750). Visitó Milán y otras ciudades italianas, lo que debió ser sin duda una experiencia esencial dentro de su formación. La mayor parte de su obra se desarrolló en Würzburg. Evolucionó desde la arquitectura barroca al Rococó más puro, como demuestra <i>la Residencia del arzobispo de Würzburg </i>(1719-44), en la que emplea planta central y el sistema de pilastras al descubierto. La decoración mural corrió a cargo de Tiepolo, que trabajó allí con sus dos hijos. La intervención de los venecianos sintoniza muy bien con la arquitectura de Neumann.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYbLROfdlQdagonuK0AFoX7rRnQeZeaV39IRImZGtbGJef4qsWfgWxVYOmPbV_eox5e5KhfhEiBcY2WAvNThYMdXmxO5_vCL7n4r977RrlziTNG36VanHLfHLcjPdjoP1ZfIDCxZ_gkig/s1600/esc.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYbLROfdlQdagonuK0AFoX7rRnQeZeaV39IRImZGtbGJef4qsWfgWxVYOmPbV_eox5e5KhfhEiBcY2WAvNThYMdXmxO5_vCL7n4r977RrlziTNG36VanHLfHLcjPdjoP1ZfIDCxZ_gkig/s640/esc.jpg" width="640" /></a></div>
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Baltasar Neumann: <i style="font-weight: bold;">Residencia del arzobispo de Wüzburg. </i>Alemania</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Dominicus Zimmermann </i>(1685-1766) era un arquitecto, estucador y pintor que destacó por su habilidad para pintar falsos mármoles con la técnica italiana de la incrustación en escayola. Por último hablaremos de <i style="font-weight: bold;">Johann Michael Fischer </i>(1692-1766), arquitecto de origen alemán que trabajó de modo especial en Múnich. Sus obras más importantes son <i>la iglesia de Ottobeuren </i>y <i>la iglesia de Roth am Inn de Wasserburg</i>. Esta última da paso a formas más serenas que le aproximan al Neoclasicismo.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>El arte Barroco</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<i>De este modo se expresan una libertad y una invención que podían conducir a la extravagancia, como les pareció a clásicos o a doctrinarios, pero que obtuvieron obras impregnadas de una gracia sorprendente y encantadora, llenas de delicadeza y emoción. Arte rebuscado, sin duda, aristocrático, si se quiere, a causa de su resolución de abandonar los caminos trillados, pero arte sincero, cuyo carácter fantástico y maravilloso seducirá, más allá de los círculos romanos, a las sociedades extranjeras hasta sus niveles más humildes.</i></div>
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<i><br /></i></div>
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<i>(...) Había sabido dar una interpretación artística a las nuevas formas de la devoción de su época, dentro del espíritu del Concilio.</i></div>
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<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
(TAPIE, V. L. <i>Barroco y Clasicismo, </i>1978)</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>A FONDO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><i>PLAZA DE SAN PEDRO DEL VATICANO</i></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>BERNINI</b></span></div>
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<br /></div>
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La actual basílica de <i>San Pedro del Vaticano</i> y la plaza que la rodea, a la que dedicaremos este apartado, ocupan el mismo lugar en que, antiguamente, se alzaba otra basílica de la época de Constantino.</div>
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<br /></div>
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La construcción original, dedicada al mismo santo, se erigió entre los años 319 y 350. Tenía cinco naves y un transepto muy desarrollado. Delante de la basílica se cree que había una amplia explanada a la que se accedía por una escalinata de 35 escalones. </div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En el año 1542, el papa Nicolás V decide realizar un nuevo edificio. La lógica culminación de las obras era la "urbanización" de la plaza, que se encomienda a Bernini en 1629, y en ese mismo año se comienzan los trabajos.</div>
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<br /></div>
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Él la concibe como un inmenso espacio con forma de óvalo que se une a la fachada mediante sendos brazos rectos con los que se consiguen dos efectos. Por un lado, dirige la mirada la fachada, que adquiere un protagonismo especial, y por otro, consigue el efecto óptico de aumentar las dimensiones de la misma.</div>
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<br /></div>
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La columnata está integrada por cuatro hileras de columnas y de pilares dóricos que se disponen armónicamente y que crean sensación de claroscuro, otro efecto muy perseguido por los arquitectos barrocos. Está culminada por 140 estatuas de santos que también son obra de Bernini y de sus discípulos. Cada una de estas estatuas se alza sobre una columna y todas ellas forman parte de un cuidado programa iconográfico que el artista se encargó de trazar personalmente. </div>
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<br /></div>
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Es posible que la primera función que hubiera de tener fuese la de ser un espacio en el que pudiese cobijarse el pueblo. Esto nos da idea del marcado carácter popular de la obra. Bernini no crea un espacio para una figura preeminente de la sociedad, sino para la totalidad del pueblo.</div>
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<br /></div>
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La forma oval de esta obra supone una voluntad clara de conciliar la forma circular que tan bien representó el pensamiento renacentista, con la elipse ligada a la nueva mentalidad imperante y a los nuevos descubrimientos científicos.</div>
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<br /></div>
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También es la expresión de un importante descubrimiento. Una vez se había admitido la evidencia de las tesis de Copérnico y Galileo de que era la Tierra la que giraba alrededor del Sol, se pensó que la armonía del Universo había hecho las órbitas circulares, pero es precisamente en el siglo XVII cuando Johannes Kepler demuestra que la trayectoria de nuestro planeta es, en realidad, una elipse.</div>
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<br /></div>
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En el centro de la plaza se dispuso un obelisco en una de cuyas caras, la que mira a la basílica, se colocó una inscripción en la que se puede leer: "Christus vincit, Christus regnat, Christus imperat, Christus ab omni malo plebem suam defendat". La referencia a Cristo en esta inscripción expresa la idea de que Él es el punto en que todo termina convergiendo, como los rayos que coinciden en la cúspide del obelisco, elemento que, por otra parte, debía de resultar misterioso y fascinante dada su procedencia egipcia.</div>
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<br /></div>
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Esta obra encarna al pueblo de Dios, representado por la superficie ovalada que es "abrazado" por la Iglesia, en un gesto que simboliza el amor maternal y protector que ésta siente por sus fieles. De esta misma manera la Iglesia acoge a los fieles que se acercan a venerar la tumba de quien es considerado uno de los pilares del Catolicismo: san Pedro. </div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Además, esta obra aporta otro elemento de gran interés: estamos ante una gran escenografía en la que el fiel no actúa como mero observador, sino que se integra y participa directamente de lo que se está celebrando.</div>
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<br /></div>
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El arquitecto ha querido convertir su obra en una creación con aspiraciones universales que se integra simbióticamente en el trazado urbano.</div>
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<br /></div>
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Ya hemos señalado que Bernini fue uno de los arquitectos que más contribuyó a ensalzar la ciudad de Roma mediante la realización de fuentes y plazas, demostrando el amor que sentía hacia ella.</div>
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<br /></div>
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A propósito de esto afirma el mismo autor: "Siendo la iglesia de <i>San Pedro </i>la matriz de todas las demás, debería tener un pórtico que precisamente pareciera recibir con los brazos maternalmente abiertos a todos los católicos para confirmarlos en sus creencias".</div>
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<br /></div>
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Bernini fue el encargado de culminar un proyecto que se inició en los orígenes mismos del Cristianismo, cuando se construyó la primitiva <i>Basílica de San Pedro</i>, y que se continuó durante el Renacimiento, siendo objetivo y preocupación de los grandes arquitectos, especialmente romanos, del momento.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicDsP8Ip7m6JErJKPzP6tyeDMlusYBufLcGCPBy4H0Kgv6ebYd9w0Yyh1Yn0tJ08GrEDHknUeowe6KC5rCWOnfa7DOrTMqFiFjmf_fkVKjxVLFbuwoQL680O7FARhATvp4Sktt7tL5eD8/s1600/pla.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicDsP8Ip7m6JErJKPzP6tyeDMlusYBufLcGCPBy4H0Kgv6ebYd9w0Yyh1Yn0tJ08GrEDHknUeowe6KC5rCWOnfa7DOrTMqFiFjmf_fkVKjxVLFbuwoQL680O7FARhATvp4Sktt7tL5eD8/s640/pla.jpg" width="640" /></a></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>GLOSARIO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Concilio de Trento</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Fue convocado en Trento (Italia) un concilio para tratar de revitalizar los dogmas puestos en tela de juicio por Martín Lutero, creador del Protestantismo y al mismo tiempo para mostrar una postura común de la iglesia católica frente a esta "herejía". Uno de los personajes claves de la contrarreforma es san Ignacio de Loyola.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Aletón o aleta</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Es una voluta de grandes dimensiones que une dos cuerpos de una fachada. Uno de los casos más ilustrativos de aletones es la fachada de <i>Il Gesú </i>de Roma, realizada durante el Manierismo y que será una importante inspiración para las fachadas barrocas.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Orden gigante o colosal</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En este caso las columnas sobrepasan el cuerpo que les corresponde e invaden el que está por encima o la totalidad de la fachada. Este orden es característico de la arquitectura bajoimperial, del <i>Cinquecento</i> y del Barroco.</div>
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<br /></div>
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<b>Los palacios de Baldassare </b></div>
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<b>Longhena</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Entre sus obras civiles más importantes figuran <i>Ca'Rezzonico </i>y <i>Ca'Pesaro</i> para los que se inspiró en las creaciones de Palladio, Sansovino y de Sanmicheli.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>La Capilla del Santo Sudario</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La Capilla del Santo Sudario de Guarini es un edificio de planta central que tiene un presbiterio con forma cuadrada. Está cubierto con una cúpula de nervios entrecruzados como las de tipo califal. El <i>Santo Sudario</i> se construyó para albergar una reliquia muy especial: la sábana que, según la tradición, envolvió el cuerpo de Cristo. Fue iniciada por Amedeo di Castellamonte y continuada por Guarini. La cúpula se construye a base de nervaduras de mármol negro y culmina en una estrella de doce puntas.</div>
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<br /></div>
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<b>Hôtel</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Es una vivienda urbana para las clases más elevadas cuyo diseño fue establecido por Serlio. Consta de un cuerpo central y dos alas más estrechas que forman un patio cerrado a la calle por un muro o por una zona de servicios.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>CITAS</b></span></div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"En los países católicos y monárquicos los artistas se convierten en los instrumentos de la autoridad eclesiástica o estatal; en Holanda, por el contrario, permanecen a resguardo de toda intervención exterior".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>A. Hauser</b> </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Descripción física de Bernini</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"De estatura modesta pero bien proporcionada, y de ser algo es más delgado que grueso, con un temperamento fogoso. Sus cejas son largas y su frente despejada, ligeramente prominente sobre los ojos. Es calvo y el poco pelo que conserva es rizado."</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Paul Fréart</b></div>
GreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-25756460603189317502015-09-03T20:14:00.000-07:002015-09-03T20:14:40.000-07:00El Renacimiento español<b>En España, a finales del siglo XV, se produjo una confrontación entre la tradición gótica, fuertemente arraigada, y las influencias renacentistas procedentes de Italia. La penetración de lo que se denominó "arte moderno" se explica gracias a la presencia de importantes familias como los Mendoza, que sin llegar al grado de importancia de los Medici o los Strozzi, por citar algún ejemplo, fueron muy permeables a todas las novedades que se estaban produciendo en el extranjero. Ellos se encargaron de hacer llegar a España estos aires renovadores que, no sólo afectaron a las artes, sino también a todos los ámbitos del pensamiento.</b><br />
<b><br /></b>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsFYFt1HpCwFSyQGbt2QmUzTiHaTV3-NOzaxMNAzzC1RDArtmx47g7aEHoM4v_uYblr_hjybXIQCrLsw-LJuTu4wYq3z1My-Ya4MoNMPBq7hUVdiO6UcBRMuokLA1pKXSZYr-KtyWQWsg/s1600/ber.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsFYFt1HpCwFSyQGbt2QmUzTiHaTV3-NOzaxMNAzzC1RDArtmx47g7aEHoM4v_uYblr_hjybXIQCrLsw-LJuTu4wYq3z1My-Ya4MoNMPBq7hUVdiO6UcBRMuokLA1pKXSZYr-KtyWQWsg/s640/ber.jpg" width="452" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Alonso Berruguete: <i style="font-weight: bold;">El sacrificio de Isaac. </i>Museo Nacional de Escultura. Valladolid</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>1. LAS PECULIARIDADES DE LA CULTURA RENACENTISTA EN ESPAÑA</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Nos encontramos con grandes problemas a la hora de establecer <b>una cronología </b>para este momento del arte español. Podemos afirmar que se desarrolla desde finales del siglo XV hasta finales del siglo XVI, sin poder marcar fechas concretas. Tradicionalmente, el Renacimiento arquitectónico en España se ha dividido en tres períodos diferentes comprendidos en los tres tercios del siglo XVI: el Plateresco, el Purismo y el Herreriano. Hoy se prefiere hablar de un estilo inicial que da paso a formas más propiamente renacentistas (aunque ya en la década de los años veinte nos encontramos un arte más cercano a los aires que llegan de Italia, en el que lo Gótico se ha comenzado a dejar de lado). Finalmente, y a partir del año 1560 más o menos, el Clasicismo se ha desarrollado plenamente y convive con elementos manieristas.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7cWMpwZvVt7Q5-ZdXRPFhxP9K-qBXfdeji-1K10QwuhIlgqeEdGWY8JY_xwUmHA30zvFDIlANIVup_YO7p21lYM4f3SplVjyRpGzmBi_CYrxmf2o_jCIhqKleByP63W59wVgSTCTc1Sc/s1600/sangre.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7cWMpwZvVt7Q5-ZdXRPFhxP9K-qBXfdeji-1K10QwuhIlgqeEdGWY8JY_xwUmHA30zvFDIlANIVup_YO7p21lYM4f3SplVjyRpGzmBi_CYrxmf2o_jCIhqKleByP63W59wVgSTCTc1Sc/s640/sangre.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Hernán Ruiz: Fachada del <i style="font-weight: bold;">Hospital de la Sangre. </i>Sevilla</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El arte del Renacimiento en España será promovido por la monarquía, la iglesia y la nobleza. Familias como <b>los Mendoza </b>serán quienes desempeñen un papel similar al que, en Italia, tuvieron los Medici, los Gonzaga o los Strozzi, pero sin llegar en ningún caso a su categoría ni importancia.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Entre los años 1474 y 1479 se produjo la subida al trono de los Reyes Católicos y, con ellos, se inició la unificación del territorio español, lo que no sirvió para paliar las diferencias existentes entre los diferentes <b>ámbitos regionales</b>, de tal modo que el Renacimiento en Cataluña, por ejemplo, tendrá rasgos diferentes al de Castilla, Aragón, Valencia, etc. Existe una diversidad jurídica, social y económica que quedará reflejada en las manifestaciones artísticas.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En nuestro país, a lo largo de todo el siglo XVI, <b>lo flamenco</b> va a tener más peso específico en el arte que lo italiano. Son muchas más las conexiones con Flandes que con Italia. De este último lugar nos llegan libros de horas y estampas y se desarrolló un gran interés por la pintura del Bosco. <b>Los nobles </b>y <b>la monarquía </b>coleccionarán obras de procedencia flamenca, lo que incidirá decisivamente en el desarrollo de las manifestaciones artísticas. <b>El cardenal Cisneros</b>, además de reformar la Iglesia, fue regente hasta la llegada al poder de Carlos V y promovió la fundación de la Universidad de Alcalá de Henares. El bellísimo paraninfo de la misma es un claro exponente de lo que se ha denominado estilo Cisneros. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En el año 1492 tuvo lugar <b>el descubrimiento de América</b>. La presencia de los españoles en estas tierras dio origen a no pocos abusos con respecto a la población indígena, lo que fue ampliamente denunciado por el <b>padre Bartolomé de las Casas </b>y por <b>fray Francisco de Vitoria</b> desde la Universidad de Salamanca. Estas denuncias deben ser interpretadas como la base del Derecho Internacional.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En España, <b>la ciencia </b>no experimentó durante este siglo un importante desarrollo. Las áreas que más adelanto sufrieron fueron la navegación, la cartografía, la náutica, la ingeniería naval o la ingeniería militar. En el ámbito de <b>la medicina </b>tuvo una excepcional importancia la Universidad de Valencia, sobre todo en los estudios relacionados con la anatomía. Mientras que en Salamanca, antes que otras universidades europeas, se apoyan las teoría de Copérnico.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>La literatura </b>fue una de las disciplinas más importantes de la cultura española del siglo XVI con figuras como Cervantes, fray Luis de León, san Juan de la Cruz, Garcilaso de la Vega, Boscán y santa Teresa de Jesús.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhc5agXnct-6Znyi-hFSZoa0q7l1xih_ZPUR2rjeOnNy9-7BOdO_ni3EExzUJi3vAGOE0YyLvQomYuYEKkeKX6eeVZZvbxeLnfHw3-OgEv6PT0ukZIrERqz1Yta7JKYFLQ10ViAUH9YbaA/s1600/pelle.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhc5agXnct-6Znyi-hFSZoa0q7l1xih_ZPUR2rjeOnNy9-7BOdO_ni3EExzUJi3vAGOE0YyLvQomYuYEKkeKX6eeVZZvbxeLnfHw3-OgEv6PT0ukZIrERqz1Yta7JKYFLQ10ViAUH9YbaA/s640/pelle.jpg" width="388" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Francisco de Colonia: <i style="font-weight: bold;">Puerta de Pellejería </i>de la Catedral de Burgos.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2. LA ARQUITECTURA RENACENTISTA ESPAÑOLA</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2.1. Aspectos generales del primer Renacimiento o Plateresco</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En el siglo XVII Ortiz de Zúñiga crea el término de "Plateresco" para designar la arquitectura que imitaba las formas detallistas y minuciosas conseguidas por los plateros y orfebres. En un principio, el Plateresco emplea estructuras arquitectónicas que son propias del Gótico. Posteriormente, va a ir evolucionando y adecuándose a esquemas constructivos más propios del Renacimiento y, por lo tanto, más clásicos. Los aspectos más importantes del Plateresco son los siguientes:</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li>Los edificios civiles más representativos son los palacios y los hospitales. <b>Los palacios </b>son espacios arquitectónicos que suelen tener un patio en el centro con una escalera que comunica con el piso superior y una puerta importante ligeramente descentrada. Son lugares que permiten que la vida doméstica quede bien preservada. <b>Los hospitales </b>tienen planta cruciforme con largos brazos en los que se alojaban los enfermos. En el centro se sitúa la capilla, para que éstos pudiesen asistir a la misa sin desplazarse de su lecho. Este tipo de hospital es característico del período de los Reyes Católicos y evolucionará dando lugar a un nuevo modelo que está representado por <i>el Hospital de Tavera </i>de Covarrubias. En este caso el hospital consta de dos patios unidos entre sí por una galería común.</li>
</ul>
<ul>
<li>Se seguirán haciendo iglesias y <b>catedrales</b>. Durante este siglo XVI se construirán las catedrales de Segovia y Salamanca y se completarán otras iniciadas durante los siglos del Gótico.</li>
</ul>
<ul>
<li>Resurge con fuerza <b>el arco de medio punto</b>, si bien perviven los arcos escarzanos y los carpaneles que tanta importancia tuvieron a lo largo del siglo XV.</li>
</ul>
<ul>
<li>Los edificios se cubren con <b>bóvedas de cañón con casetones</b>, pero sobre todo con <b>bóvedas de crucería con terceletes </b>o <b> combados</b> de reminiscencia gótica, en cuyas claves aparecen llorones pinjantes, escudos, etc.</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYkSpASftiObDl96irCVm9QSyQEPKHIkX03JOap8dMuMbHVDUIvm2Ne9pBpuQpkosIqjIL4toZ3xH6JGdAPD5Aude53Rs90DHmfooRD1TOcgla0F5BQgwrg16RT3_4LgXKApeT6KEvewA/s1600/cov.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYkSpASftiObDl96irCVm9QSyQEPKHIkX03JOap8dMuMbHVDUIvm2Ne9pBpuQpkosIqjIL4toZ3xH6JGdAPD5Aude53Rs90DHmfooRD1TOcgla0F5BQgwrg16RT3_4LgXKApeT6KEvewA/s640/cov.jpg" width="478" /></a></div>
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Covarrubias: <i style="font-weight: bold;">Bóveda de la sacristía de las cabezas. </i>Catedral de Sigüenza</div>
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<br /></div>
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<ul>
<li>Los elementos decorativos -de modo muy especial los grutescos-, que ya habíamos visto en el Renacimiento italiano, inundan las fachadas. <b>El grutesco</b>, elemento decorativo de origen italiano que desempeñará un papel de vital importancia en nuestra arquitectura renacentista, está integrado por un abundante número de formas que nuestros artistas conocieron a través de los tratados que llegaban de Italia, especialmente de la zona de Lombardía. Algunos de ellos eran pertenecientes a talleres de gran relevancia como los de Ghirlandaio y Mantegna. Además del grutesco encontramos columnas abalaustradas, todos y medallones, volutas, <i>candelieri</i>, guirnaldas, sirenas, <i>putti</i>, etc.</li>
</ul>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>2.2. Las principales muestras arquitectónicas del Plateresco</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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Uno de los primeros arquitectos de nuestro Renacimiento es <i style="font-weight: bold;">Lorenzo Vázquez </i>(1481-1510), quien trabajó para la familia de los Mendoza. Es el autor del <i>Colegio de la Santa Cruz</i> de Valladolid, en cuya fachada ensaya el lenguaje renacentista. Ésta se organiza como si se tratase de un arco de triunfo decorado mediante la utilización del almohadillado. Más tarde, los duques del Infantado deciden que sea él quien se ocupe de la construcción del <i>Palacio de Medinaceli</i>, en Cogotudo (Guadalajara), una casa señorial de dos pisos con tendencia a la horizontalidad. En la parte de abajo estaban las caballerizas, las cocinas y las habitaciones para el servicio, mientras que en el piso de arriba se hallaban las estancias de los señores. Cercana al palacio está la iglesia, a la que se accedía directamente gracias a un pasadizo subteráneo. En un edificio con clara tendencia a la horizontalidad en el que se emplea el almohadillado como muestra patente de la influencia italiana. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4fBvVe6kEXCrWVzEiXdOAIGYrrwMAYO4untd5GyO4FzfAAhRl1zPCZM5VgW3rQya4NfLt4gV0ljo_W85VPn05Sv6wvI_kd4prPWxrrj5007Rt2q5Jpj1E36ZGLIt3a4PLpNTdxfbg3Zc/s1600/sa.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4fBvVe6kEXCrWVzEiXdOAIGYrrwMAYO4untd5GyO4FzfAAhRl1zPCZM5VgW3rQya4NfLt4gV0ljo_W85VPn05Sv6wvI_kd4prPWxrrj5007Rt2q5Jpj1E36ZGLIt3a4PLpNTdxfbg3Zc/s640/sa.jpg" width="424" /></a></div>
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Lorenzo Vázquez: Fachada del <i style="font-weight: bold;">Colegio de la Santa Cruz. </i>Valladolid</div>
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<br /></div>
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<b>Salamanca </b>es un importante foco de la arquitectura renacentista, un lugar donde floreció una brillante universidad que atrajo a célebres humanistas, lo cual favoreció el desarrollo de la cultura en todos sus ámbitos. <i style="font-weight: bold;">Juan de Álava</i> (1505-1537) podría ser el autor de la conocida <i>Fachada de la Universidad</i>, concebida como si de un retablo se tratase. Consta de tres pisos, cinco calles y dos vanos de ingreso: la <b>puerta de la virtud</b> y <b>la del vicio</b> como señalaban los tratados del artista italiano Il Filarete. En el primer piso se puede observar un medallón con las efigies de los Reyes Católicos; en el segundo, el Toisón de oro, símbolo de Carlos V, y en el tercero un papa entregando unas bulas. La obra se realizó con piedra de Villamayor. En el interior hay una hermosa escalera que conduce hasta la biblioteca, inspirada en los grabados del artista alemán Van Mackenen. Del mismo autor es la fachada de <i>la iglesia de San Esteban</i> de planta rectangular y cabecera poligonal. Es posible establecer ciertos paralelismos con la iglesia del <i>Convento de San Marcos </i>en León. En ambos casos la forma de entender la estructura arquitectónica está más cerca del Gótico que del Renacimiento. En la fachada de esta iglesia salmantina se representó la lapidación de san Esteban, como si de un inmenso retablo se tratase. La superficie está repleta de elementos decorativos que inundan asfixiantemente la superficie.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgoc9s3RehnQjbbcLJz-NPaY_Cxzi2jGLPDYMiY-gUOruQdgaVMfEhDmsgo-exfUNx0Fqlk76K56D0wi6JXxHlcHqPfFYRX-9dxIRD0vnMUeOhUUzmAMAmXGg9wJ-3oNNxtTK9qesxNvHc/s1600/sal.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgoc9s3RehnQjbbcLJz-NPaY_Cxzi2jGLPDYMiY-gUOruQdgaVMfEhDmsgo-exfUNx0Fqlk76K56D0wi6JXxHlcHqPfFYRX-9dxIRD0vnMUeOhUUzmAMAmXGg9wJ-3oNNxtTK9qesxNvHc/s640/sal.jpg" width="426" /></a></div>
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Fachada de la <b><i>Universidad de Salamanca.</i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAPFxh6jb9U_LyBYtVc6gnG3ZZXOjrcKvEnHR-7rWkdqW5jhBa6xC8NjVAjPchcs75Bnm-PW8sjD2Uxt9t65w6vV_wvaLGdBI_x0OkklHwUhd2Dq7ltohGP7qiMxP5zc29jxlnrbr1g3I/s1600/este.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAPFxh6jb9U_LyBYtVc6gnG3ZZXOjrcKvEnHR-7rWkdqW5jhBa6xC8NjVAjPchcs75Bnm-PW8sjD2Uxt9t65w6vV_wvaLGdBI_x0OkklHwUhd2Dq7ltohGP7qiMxP5zc29jxlnrbr1g3I/s640/este.jpg" width="488" /></a></div>
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Juan de Álava: Fachada de la <i style="font-weight: bold;">Iglesia de San Esteban. </i>Salamanca</div>
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<br /></div>
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<i>La Casa de las Conchas</i>, obra anónima, se ajusta perfectamente a las características de casa señorial renacentista española: dos pisos y la puerta ligeramente descentrada alrededor de la que se distribuye la mayor parte de los elementos decorativos. Su aspecto macizo le confiere un marcado carácter de fortaleza. Está decorada con conchas veneras que son el emblema de la orden de Santiago.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimm5Xr5_qcCU4JoYtYKzxk0yTx52LBjz_qOYrXHoTv08rT1aKLB2IpP3yayoR_oM3UWew4v2_vlB4zGMOca4m5NlRSqAZhpc-geEm_xntPku_awceStCQ4KDYNoqkdfOqbvsg2KDj6i9Q/s1600/conchas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="478" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimm5Xr5_qcCU4JoYtYKzxk0yTx52LBjz_qOYrXHoTv08rT1aKLB2IpP3yayoR_oM3UWew4v2_vlB4zGMOca4m5NlRSqAZhpc-geEm_xntPku_awceStCQ4KDYNoqkdfOqbvsg2KDj6i9Q/s640/conchas.jpg" width="640" /></a></div>
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<i style="font-weight: bold;">La Casa de las Conchas. </i>Salamanca</div>
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<br /></div>
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En el espacio que ocupaba una de las naves de la Catedral vieja se construye la <i>Catedral nueva</i>, proyecto que es adjudicado a <b>Juan de Álava</b>, pero en el que también toma parte <b>Juan Gil</b>, padre de <b>Rodrigo Gil de Hontañón</b>, que será quien se ocupe del grueso de las obras. Es un edificio de grandes proporciones con capillas-hornacina, aquellas que aparecen en los laterales, colocadas entre los contrafuertes. La cabecera es plana y la luz que penetra en el interior es blanca y diáfana, característica de la arquitectura renacentista, como ya vimos al hablar de Italia. También a principios del siglo XVI se inicia la construcción de la <i>Catedral de Segovia</i>, parecida en muchos aspectos a la de Salamanca y ejecutada casi en su totalidad por el propio Gil de Hontañón. En ella habían intervenido Enque Guas y Juan de Álava. En una de sus capillas se puede contemplar un <i>Santo Entierro </i>de Juan de Juni.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJ-7UlmUlpj1QTvSChb4gCN9IRi7ZnuKX5Og2suY9MtVJsk6tWruRCXia1-OZJhuJCN01RA67W5E0Ewu1hKMv4XxJWCCN2e3h24SoU23xgocoySoC11ub3POOnBINI4XXZgjdl_CAn95Q/s1600/nueva.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJ-7UlmUlpj1QTvSChb4gCN9IRi7ZnuKX5Og2suY9MtVJsk6tWruRCXia1-OZJhuJCN01RA67W5E0Ewu1hKMv4XxJWCCN2e3h24SoU23xgocoySoC11ub3POOnBINI4XXZgjdl_CAn95Q/s640/nueva.jpg" width="480" /></a></div>
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Rodrigo Gil de Hontañón: Interior de la <i style="font-weight: bold;">Catedral Nueva </i>de Salamanca</div>
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<br /></div>
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<b>Toledo </b>es el lugar en el que trabajó de un modo especial <i style="font-weight: bold;">Alonso de Covarrubias </i>(1488-1570) aunque, como ya hemos indicado, el artista del Renacimiento español es itinerante y sus obras se expanden a lo largo y ancho de nuestra geografía. Su actividad se inicia con <i>el Hospital de la santa Cruz</i> bajo las órdenes de <b>Enrique Egas</b>. Más tarde se traslada a Sigüenza donde realiza <i>la sacristía </i>de la catedral y en los años cuarenta se produce un cambio radical en su arte que se puede constatar en obras como <i>el Hospital de Tavera</i>, de parámetros más clasicistas.</div>
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<b><br /></b></div>
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En <b>Burgos </b>continúan las obras de la catedral, que aunque iniciada mucho tiempo antes, aún no se había terminado de construir. En la girola de la misma se ubica <i>la capilla de los Condestables</i> de la que se hacen cargo <b>Siloé </b>y <b>Bigarny</b>. <b>Diego de Siloé </b>realiza <i>la Escalera Dorada</i> para solventar la diferencia de altura existente entre el crucero y la puerta externa del mismo. El tramo central de la escalera se bifurca y se vuelve a unir en la parte superior. Está decorada con grutescos y medallones con bustos efigiados.</div>
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<i><br /></i></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjA6YjtIEWexk7GTmXl33K05ZB-juXDJdQPw9rzel_DYDG21w8NLGeP-W3qOsuCG3jRPwBRzlHhXtiIVeGYy1yNJNPWApXkQdGmYiT6wnUqS1f1ans-XsURxcbnVjrc-qh6ONqoKblKU8Y/s1600/dorada.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjA6YjtIEWexk7GTmXl33K05ZB-juXDJdQPw9rzel_DYDG21w8NLGeP-W3qOsuCG3jRPwBRzlHhXtiIVeGYy1yNJNPWApXkQdGmYiT6wnUqS1f1ans-XsURxcbnVjrc-qh6ONqoKblKU8Y/s640/dorada.jpg" width="640" /></a></div>
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Diego de Siloé: <i style="font-weight: bold;">La Escalera Dorada </i>de la Catedral de Burgos</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>2.3. La aparición del Clasicismo</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Después de este primer ensayo de arquitectura renacentista se produce una liberación de los excesos decorativos y una utilización más consecuente y más acertada de los elementos clásicos. Se pierde el goticismo de las estructuras arquitectónicas y se emplea el lenguaje clásico con más propiedad, en parte porque nuestros arquitectos se interesaron por viajar a Italia con el fin de conocer directamente las fuentes de las que bebían, del mismo modo que se sintieron atraídos por el conocimiento de los grandes tratados de la arquitectura italiana, lo cual favorecía la aparición y el desarrollo de una tratadística en nuestro país que se inició con <i>Las Medidas del Romano </i>de <b>Diego Sagredo</b>. La cúpula, uno de los símbolos de la arquitectura clásica, comienza a formar parte del repertorio de los arquitectos españoles. En las fachadas es posible encontrar superficies lisas, de tal modo que el elemento decorativo tiene un lugar concreto dentro de la misma y no invade espacios que no le son propios, según las normas clásicas.</div>
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<br /></div>
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<b>Toledo</b> es una de las ciudades más importantes junto con Granada en el segundo tercio del siglo XVI. Allí <b>Covarrubias </b>realizó <i>el Hospital de Tavera </i>o <i>de Afuera</i>, en tiempos de Carlos V, edificio que testifica la evolución artística sufrida por él en ese tiempo. Supone un importante cambio en el modo de organizar el hospital, ya que de planta cruciforme se pasa a la planta rectangular, integrada por dos patios unidos entre sí por una galería. Los arcos de medio punto llevan, como único elemento decorativo, un medallón en las enjutas.</div>
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<br /></div>
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En <b>Granada</b>, el otro gran foco de este segundo tercio del siglo XVI, aflora verdaderamente el Clasicismo. Allí la presencia musulmana había sido decisiva y Carlos V, gran defensor de la Cristiandad, quiere hacer desaparecer, en gran medida, la huella islámica. En Granada se construyó <i>la Catedral </i>bajo las órdenes de <b>Diego de Siloé</b> aproximadamente en el año 1522, obra que será concluida por <b>Alonso Cano</b>. En esta catedral, a diferencia de las de Segovia y Salamanca, la cabecera no es poligonal sino semicircular. Se cubre con una cúpula en la que se abren grandes vanos y en la que se utilizan arcos de medio punto erigidos sobre pilares cuadrados, con columnas corintias adosadas, sobre los que se alza un entablamento. La concepción del espacio tiende a la centralización, o al menos a la fusión armónica de la planta central con la longitudinal, y la luz blanca y diáfana es plenamente renacentista.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyRJqP8jVHG61Tgao3VkZk3c0LiBcJb7GN-sUATaOlUsZeDO0Vzq2Rr4fCnaMXhcdqHw_COR221l_qO2mC_L26EGhm3Fj2GoW9xKaZb8YRP9Uk0FgsruKVRonTOI3DTSeY8BRAWtAfMNY/s1600/int.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyRJqP8jVHG61Tgao3VkZk3c0LiBcJb7GN-sUATaOlUsZeDO0Vzq2Rr4fCnaMXhcdqHw_COR221l_qO2mC_L26EGhm3Fj2GoW9xKaZb8YRP9Uk0FgsruKVRonTOI3DTSeY8BRAWtAfMNY/s640/int.jpg" width="404" /></a></div>
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Diego de Siloé: Interior de la <b><i>Catedral de Granada.</i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<i style="font-weight: bold;">Pedro Machuca </i>(1510-1550) inicia en 1527 <i>el Palacio de Carlos V</i> en medio de la <i>Alhambra</i> en un intento por hacer palidecer en Granada la huella de la presencia islámica. Sin lugar a dudas, con esta obra se alcanzó la cumbre del Clasicismo en España. En medio de la planta cuadrada se coloca el patio con forma circular. En el exterior se emplea el almohadillado y se decora con relieves alusivos a las batallas de Carlos V. Pedro Machuca es un arquitecto formado en Italia, conocedor de los tratados de Vitrubio y del <i>Quattrocento</i> y heredero, estilísticamente hablando, de Giulio Romano y Rafael.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1WcD0Utdxf_wNbETdlHVTo-5KTMUMcM8TTEW-WIrQlaG1nHA_E_YW_peTwEzWrhWPrdgAbBPkms_4ZKxeWlt095y9YMjPVvFrfbkbR0KO2_NYrQLWFHtP_Qeza3rOnu_kiy-24PxvQOc/s1600/mach.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="478" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1WcD0Utdxf_wNbETdlHVTo-5KTMUMcM8TTEW-WIrQlaG1nHA_E_YW_peTwEzWrhWPrdgAbBPkms_4ZKxeWlt095y9YMjPVvFrfbkbR0KO2_NYrQLWFHtP_Qeza3rOnu_kiy-24PxvQOc/s640/mach.jpg" width="640" /></a></div>
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Pedro Machuca: <i style="font-weight: bold;">Palacio de Carlos V. </i>Granada</div>
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<br /></div>
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En <b>Jaén </b>trabajó, más que en ningún otro lugar, <i style="font-weight: bold;">Andrés de Vandelvira </i>(1509-75). A él se debe <i>la iglesia del Salvador </i>(Úbeda), cuya decoración escultórica corrió a cargo de <b>Esteban Jamete</b>. En esta portada se conjugan los temas más puramente religiosos con los de tipo mitológico, e incluso, según algunos estudiosos, con pasajes extraídos de <i>La Divina Comedia </i>de Dante.</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Rodrigo Gil de Hontañón</i> (1500-1557) trabajó en muchos lugares de nuestra geografía y colaboró con <b>Simón García</b>, quien recogió sus enseñanzas en un texto titulado <i>Compendio de Arquitectura y Simetría de los Templos</i>. A él corresponde <i>la fachada de la Universidad de Alcalá de Henares</i>, que ha sido definida por Chueca como una estructura centrípeta donde todo se encadena con una fuerte tensión convergente. En Salamanca dejó una importante obra, <i>el Palacio de Monterrey</i> y en León <i>el Palacio de los Guzmanes</i>, ambos de características muy similares como es la presencia de torres en los ángulos, la decoración selectivamente distribuida y un bello y depurado patio interior.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiE7CeOHx8qwU4NJdlH80RTlnCCcjJUAF7QsT6ZPvkdIu03rDiEku0LkcVAct2R0N9GoUA0sh_dFuK-yVrt0kVt5NWV7QfkZIKmkF51-JV9LcBgUE8n2GjqXKxB9k9VDPL9m245RQhF9kc/s1600/al.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="446" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiE7CeOHx8qwU4NJdlH80RTlnCCcjJUAF7QsT6ZPvkdIu03rDiEku0LkcVAct2R0N9GoUA0sh_dFuK-yVrt0kVt5NWV7QfkZIKmkF51-JV9LcBgUE8n2GjqXKxB9k9VDPL9m245RQhF9kc/s640/al.jpg" width="640" /></a></div>
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Rodrigo Gil de Hontañón: Fachada de la <b><i>Universidad de Alcalá de Henares.</i></b></div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Sevilla </b>es una ciudad en la que convergen personajes de lugares muy dispares, otorgándole un ambiente especial y cosmopolita. Allí va a trabajar, entre otros, <i style="font-weight: bold;">Diego de Riaño </i>(?-1534) que intervendrá en <i>la catedral de Sevilla</i>, concretamente en el <i>Patio de los Naranjos</i> de origen musulmán y en la <i>Sacristía Nueva</i>, así como en <i>el Ayuntamiento </i>de esta misma ciudad. <b>Martín Gainza </b>y <b>Hernán Ruiz el joven </b>proyectan <i>el Hospital de la Sangre </i>y <i>el de los Venerables</i>, en ambos casos, bajo el esquema de una gran casa señorial con un patio en el centro. <b>Hernán Ruiz</b> será quien realice la parte superior de <i>la Giralda</i>, primitivo alminar de una mezquita que se destruyó para construir la catedral. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2.4. La arquitectura escurialense</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La arquitectura renacentista para la monarquía se inicia con <i>el Palacio de Carlos V </i>en Granada y culmina con la edificación de <i>El Escorial</i> para el rey Felipe II, que conmemora la batalla de San Quintín. Para llevar a cabo una valoración histórico-artística de <i>El Escorial</i> es necesario entender al monarca que lo mandó construir: un rey educado en un ambiente culto y refinado en el que aprendió a amar las artes. Su preceptor fue Calvete de la Estrella que le introdujo en el análisis y el estudio de los tratados, especialmente los de geometría y matemática. Felipe II había viajado mucho y conocía el norte de Europa, Alemania, los Países Bajos y el norte de Italia, donde pudo contemplar una serie de obras que le servirán para la posterior proyección de <i>El Escorial</i>. Para construirlo no eligió a un arquitecto sino a un matemático como <b>Juan de Herrera</b>, quien asumiría la dirección de la obra iniciada por <b>Juan Bautista de Toledo</b>, quien incluso se cree que pudo conocer a Miguel Ángel. Gracias a Herrera, a lo largo de toda la construcción de <i>El Escorial</i>, se produjo una importante evolución en todo lo referente a los sistemas de construcción y a la forma de tallar la piedra. E<i>l Escorial</i>, desde un principio, comprendía un palacio, un monasterio para los Jerónimos, la iglesia, bajo la que se situó el panteón y la biblioteca. La planta de <i>El Escorial</i> consiste en un rectángulo que podemos dividir en seis zonas y que recuerda a la parrilla en la que fue martirizado san Lorenzo. El eje central lo constituyen la iglesia y el <i>Patio de los Reyes</i>. <b>La iglesia</b>, a la que se accede desde el mencionado patio, fue ejecutada por Juan de Herrera tomando como punto de partida el proyecto diseñado por Juan Bautista de Toledo que revisó, por mandato real, el arquitecto italiano <b>Paccioto</b>. Fue la parte que más problemas ocasionó de la totalidad de la obra, puesto que el rey quería que sus habitaciones estuviesen directamente comunicadas con ella. En la iglesia se combina la planta de cruz griega con la basílica y se le añadió un coro a los pies que provocó numerosos conflictos que se solventaron sustentándolo sobre una bóveda plana, verdaderamente magistral, en la que el corte de la piedra debía ser de una gran precisión. El presbiterio, bajo el cual se halla el panteón real, estaba separado de la nave central por medio de unas escaleras. En el centro de la iglesia se erige una inmensa cúpula sobre tambor, sobria y desornamentada, como corresponde al estilo escurialense.</div>
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<i><br /></i></div>
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Vista de la fachada de <b><i>El Escorial</i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<b><i>El Escorial</i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<b>La biblioteca </b>era el espacio en que se albergaba una buena parte de la colección de libros del rey y que pretendía competir, incluso, con la del Vaticano. Está decorada con pinturas al fresco de <b>Tibaldi</b>, artista que llega a España junto a otros italianos.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhznsMeRrrU3F31Wyu7zYRuwrsOxwV4NW0B2BiEJDimkPZE6-9SLAms_XYuf9d6Cqhb3TWsXRgZR_5sqXGG12SkHU1zBb_D4to3p6B7rjnY32aSBzQZZczN2rQdNVhNaccPOxUs-SNzqNY/s1600/biblio.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhznsMeRrrU3F31Wyu7zYRuwrsOxwV4NW0B2BiEJDimkPZE6-9SLAms_XYuf9d6Cqhb3TWsXRgZR_5sqXGG12SkHU1zBb_D4to3p6B7rjnY32aSBzQZZczN2rQdNVhNaccPOxUs-SNzqNY/s640/biblio.jpg" width="640" /></a></div>
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Interior de la <i style="font-weight: bold;">biblioteca de El Escorial </i>decorada en su mayoría por Pellegrino Tibaldi</div>
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<br /></div>
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El espacio de <i>El Escorial</i> se articula y organiza gracias a una serie de <b>patios </b>como <i>el de los Reyes</i> y el de <i>los Evangelistas</i>. <i>El de los Reyes</i>, delante de la basílica, recibe ese nombre porque en él se ubicaron las esculturas de los reyes del Antiguo Testamento. En su fachada se emplearon columnas de orden gigante dentro de una estética manierista. Se están transgrediendo las normas de uso de los órdenes clásicos, no en vano, <i>El Escorial </i>es considerado por la mayoría de los autores un edificio que puede encuadrarse dentro del Manierismo. <i>El Patio de los Evangelistas</i>, claustro principal del monasterio, imita el estilo de Vignola. En su centro se colocó un templete del que parten calles y en cada uno de los ángulos, los cuatro evangelistas simbolizando la importancia de la Iglesia como fuente de la vida.</div>
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<br /></div>
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Si contemplamos <i>El Escorial </i>a una cierta distancia nos damos cuenta de la importancia del muro. Los sillares están perfectamente encuadrados y todo está organizado con un profundo sentido geométrico, las cuatro torres en los ángulos, los vanos se reparten rítmicamente a lo largo del muro y los tejados se recubren con pizarra. En realidad, podemos afirmar que tras su análisis se desprende una sensación de monotonía sólo interrumpida por las pirámides viñolescas, la portada con dos órdenes de columnas gigantes coronadas con un frontón triangular y los chapiteles de raigambre flamenca. La severidad de <i>El Escorial</i> está en consonancia con la austeridad del monarca que lo mandó construir. Esta obra ejercerá una gran influencia en los primeros momentos de la arquitectura barroca madrileña, aunque su efecto más inmediato fue la edificación de <i>la catedral de Valladolid</i>, obra de Juan de Herrera que quedó inacabada.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>3. LA ESCULTURA RENACENTISTA EN ESPAÑA</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b>3.1. Características generales de la escultura</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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El principal, por no decir el único tema de la escultura española, es religioso y en este sentido, se establece ya una clara diferencia con respecto a la escultura del Renacimiento italiano. Se sigue realizando una escultura de tipo funerario que tanto interés tuvo durante los siglos del Gótico. En este caso la <b>muerte </b>adquiere un significado diferente, ya no es ella quien vence al hombre, sino que el hombre, a través del cultivo de su propia personalidad en vida, consigue superarla, puesto que sus actos le van a sobrevivir y garantizan su inmortalidad. Esto mismo sucedía en el Renacimiento italiano en el que también, como ya tuvimos ocasión de estudiar, se produjo un enorme culto a la personalidad.</div>
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<br /></div>
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El material que se utilizó más frecuentemente, además de la piedra, fue <b>la madera policromada</b>. </div>
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<br /></div>
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Se seguirán haciendo <b>sillerías de coro</b>, algunas de ellas muy interesantes como la de <i>la Catedral de Toledo </i>o <i>la de la iglesia de San Marcos </i>en León. Normalmente son de madera de nogal sin policromar y las realizaban artistas de un cierto prestigio, que ya estaban consagrados.</div>
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<br /></div>
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<b>Los retablos</b> tuvieron gran importancia durante el Gótico y se siguen realizando a lo largo de todo el Renacimiento. Su desarrollo corre paralelo al de la arquitectura.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>3.2. La escultura funeraria</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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Como ya hemos apuntado anteriormente, el concepto de la muerte sufre un violento cambio con respecto a la Edad Media, puesto que el hombre, a través de las actividades que realiza en vida, podrá ser recordado tras su muerte, alcanzando de este modo la inmortalidad.</div>
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<br /></div>
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Muchos de los enterramientos renacentistas que conservamos en nuestro país fueron ejecutados por artistas italianos afincados en España.</div>
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<br /></div>
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Los enterramientos estaban reservados a monarcas, nobles o importantes personajes de la jerarquía eclesiástica. También encontramos algunas laudas sepulcrales pertenecientes a catedráticos y mercaderes. La mayoría de ellos se ubican en importantes edificios religiosos, tal es el caso de dos de los ejemplos más importantes de escultura funeraria que se conservan en nuestro país: <i>la Capilla Real de Granada</i>, en la que fueron enterrados los Reyes Católicos, Juana la Loca y Felipe el Hermoso y el del <i>infante don Juan </i>en el convento de Santo Tomás de Ávila. El sepulcro del <i>infante don Juan </i>fue realizado por <i style="font-weight: bold;">Domenico Fancelli</i> (1469-1518) y es de clara influencia <i>donatelliana</i>. Los motivos decorativos están encerrados en tondos o medallones e incluyen guirnaldas, temas heráldicos y <i>putti</i>. En el rostro del difunto se refleja la serenidad de quien recibe con tranquilidad la muerte. También es de este mismo escultor <i>el Sepulcro de los Reyes Católicos </i>de la Catedral de Granada, iniciado ya en tiempos del rey Fernando el Católico. Los difuntos yacen sobre dos lechos unidos, cuyos lados están decorados con motivos plenamente renacentistas y escenas religiosas como el Bautismo y Resurrección de Cristo. A los pies, dos perros simbolizan la fidelidad. </div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Bartolomé Ordóñez</i> (1490-1520) es uno de los escultores más interesantes del primer tercio del siglo XVI. Se formó en Italia y es posible que llegase a conocer la obra de Miguel Ángel. Fue el autor <i>del Sepulcro de Juana la Loca y Felipe el Hermoso</i>, en la Capilla Real de Granada y de <i>el del cardenal Cisneros</i>.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMQG7JaOYhwZQ-RENtTrMWwGfaF5pP4zzbogZBDT4H5MVDqmTNN2H13WYfpBeEfmeFLN0Pdkv462qyNdgw5y978rh55qPFYnVH7PyWCv6NHTjhVDWYkLsEehpVjVuL-VNOoo3UFQ8HeUU/s1600/tumbafj.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMQG7JaOYhwZQ-RENtTrMWwGfaF5pP4zzbogZBDT4H5MVDqmTNN2H13WYfpBeEfmeFLN0Pdkv462qyNdgw5y978rh55qPFYnVH7PyWCv6NHTjhVDWYkLsEehpVjVuL-VNOoo3UFQ8HeUU/s640/tumbafj.jpg" width="640" /></a></div>
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Bartolomé Ordóñez: <i style="font-weight: bold;">Sepulcro de Juana la Loca y Felipe el Hermoso. </i>Capilla Real. Granada</div>
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<br /></div>
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<b>Vasco de la Zarza</b> es el autor <i>del Sepulcro del Tostado</i>, es decir, del obispo Alonso de Madrigal, que se encuentra en la parte posterior de la girola de <i>la Catedral de Ávila</i>. Bajo un arco de medio punto la escena de la Adoración de los reyes Magos sirve como fondo a la imagen del obispo que lee sentado en una silla. La minuciosidad con la que está trabajada la capa del prelado manifiesta la influencia flamenca.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgaD97KDZtiCobA6OWwL-0ODRl7TFcLUdWYAHQJjyyL1itzwrzRmVn3ohC9AVoUJTqLuYKooLCSRMUfH4e084Vcgsp2KPcG5FCPEXoZwaZUZMHULoLuooqCwrc3reYPJqMFm9lJ2g94KFY/s1600/tostado.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgaD97KDZtiCobA6OWwL-0ODRl7TFcLUdWYAHQJjyyL1itzwrzRmVn3ohC9AVoUJTqLuYKooLCSRMUfH4e084Vcgsp2KPcG5FCPEXoZwaZUZMHULoLuooqCwrc3reYPJqMFm9lJ2g94KFY/s640/tostado.jpg" width="640" /></a></div>
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Vasco de la Zarza: <i style="font-weight: bold;">Sepulcro del "Tostado". </i>Catedral de Ávila</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>3.3. Siloé, Bigarny y Forment</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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Siloé, Bigarny y Forment con las grandes figuras de la escultura del primer tercio del siglo XVI. <i style="font-weight: bold;">Diego de Siloé </i>(1495-1561) es uno de los autores a los que Gómez Moreno calificó como "águilas" del Renacimiento español. Se formó en Italia y realizó algunas de sus obras en Nápoles. Más tarde vino a España y trabajó, especialmente, en el área burgalesa. Siloé destaca por la utilización profusa del grutesco en su escultura y es uno de los primeros escultores españoles que estudió con cierta profundidad y rigor la anatomía. En el año 1528 realiza un retablo para <i>la Capilla de los Contestables de la Catedral de Burgos </i>en colaboración con Bigarny. También le pertenecen <i>el Cristo atado a una columna</i>, en el que demuestra sus capacidades para expresar los sentimientos, el dramatismo y su interés por la anatomía.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Felipe de Bigarny </i>(1498-1527) posee una formación flamenco-borgoña, aunque poco a poco va a ir asimilando las influencias italianas que se estaban imponiendo en la mayor parte de los escultores. Su sentido narrativo le vincula al mundo medieval. En <i>el Retablo de la Capilla de los Condestables </i>existen algunas escenas realizadas por él, como la subida al Calvario, en la que las figuras parecen no tener un espacio propio y se agolpan unas contra otras produciendo una acusada sensación de ahogo. El detallista y la torpeza para sugerir la profundidad demuestran el gran peso que la plástica flamenca tiene sobre él. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Damián Forment </i>(1480-1541), aunque nacido en Valencia, realiza gran parte de su trabajo en Aragón. Llevó a cabo <i>el Retablo de la Basílica del Pilar de Zaragoza</i> en el que aún se nos muestra como un escultor bastante goticista.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6M_82UsTGGXZhOEZGIAmXw6OIuFGzpvE2NECSDWc9rAYF0pbCAsTPTfHyo1mSN9R0rt_DBje8gbKwoYclHA5qZt9LH1ZxCDuJk_Bjzj_cyMcZXpuccXu0Xc31FLfK6H7HlX2LVlg7i8Y/s1600/pilar.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6M_82UsTGGXZhOEZGIAmXw6OIuFGzpvE2NECSDWc9rAYF0pbCAsTPTfHyo1mSN9R0rt_DBje8gbKwoYclHA5qZt9LH1ZxCDuJk_Bjzj_cyMcZXpuccXu0Xc31FLfK6H7HlX2LVlg7i8Y/s640/pilar.jpg" width="480" /></a></div>
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Damián Forment: <i style="font-weight: bold;">Retablo del altar de la Basílica del Pilar. </i>Zaragoza</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>3.4. Berruguete y Juan de Juni</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Alonso Berruguete y Juan de Juni son las grandes figuras de la escultura renacentista española. <i style="font-weight: bold;">Alonso Berruguete </i>(1488-1561) nació en Paredes de Nava (Palencia) y era hijo del pintor Pedro Berruguete, que murió cuando éste tenía quince años. En un primer momento estuvo en Italia, donde conoció a Sansovino, Bramante, etc. Desde muy pronto se puede apreciar en él una tendencia a no respetar las normas clásicas, a deformar las figuras, a estilizarlas y a buscar posturas complicadas que producen sensación de inestabilidad. No le interesa demasiado la correcta captación de la psicología de los personajes cuyos rostros desencajados, en ocasiones, parecen auténticas caricaturas más que fieles plasmaciones de la realidad. Es un gran autor de retablos como <i>el de la Mejorada de Olmedo</i> y <i>el de San Benito</i> en Valladolid. De este último sobresale la imagen de <i>San Sebastián</i>, atado a un tronco de un árbol sobre el que su cuerpo se contorsiona. En la representación de <i>Abraham e Isaac</i> encontramos más o menos los mismos rasgos: la influencia de Donatello, el movimiento de los ropajes y la tensión muscular. Durante una de sus estancias en Toledo realizó <i>la Sillería del coro de la Catedral</i>. En ella la concepción de las figuras es muy barroca y miguelangelesca.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXAOgBJpc8GBUOcQ-sd-b6SrvcLIL4sYKDX5Uv076_7pmN2ab4U9oKgoHmt0c_Esq5-BNYxYQ-ZlDoP6igCQZv9yuPfCseOSz-GCNy28tOHgHqzi_9vZeLq2fE2b4SgusmOpaI_6TWN98/s1600/ssebastian.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXAOgBJpc8GBUOcQ-sd-b6SrvcLIL4sYKDX5Uv076_7pmN2ab4U9oKgoHmt0c_Esq5-BNYxYQ-ZlDoP6igCQZv9yuPfCseOSz-GCNy28tOHgHqzi_9vZeLq2fE2b4SgusmOpaI_6TWN98/s640/ssebastian.jpg" width="238" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Alonso Berruguete: <i style="font-weight: bold;">San Sebastián. </i>Museo Nacional de Escultura. Valladolid</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El lugar en que nació <i style="font-weight: bold;">Juan de Juni </i>(ca. 1507-1577) es algo que aún no está nada claro (posiblemente Joigny, en Francia), tampoco se sabe a ciencia cierta si estuvo en contacto con el arte italiano. En España lo encontramos por primera vez en el año 1534, en la ciudad de León, pero también se desconoce el por qué de su estancia en este lugar. En León trabajó en <i>la sillería de coro de la iglesia de San Marcos </i>junto con <b>Doncel </b>y <b>Juan de Angers</b>, y en <i>el relieve del Nacimiento</i> que está en el claustro de la misma iglesia. A partir de estas primeras obras, Juni va demostrando una gran capacidad para trabajar indistintamente la piedra y la madera, un gran interés por las anatomías corpulentas, rotundas y fuertes, envueltas por voluminosos paños, realmente muy distintas de los cuerpos nerviosos y fibrosos de Berruguete. Las expresiones de los rostros son dramáticas, pero en cualquier caso bastante más acertadas que las de Berruguete. Una de sus obras más interesantes es <i>El Santo Entierro</i>, procedente del <i>Retablo de San Francisco </i>y que hoy se halla en el museo de Escultura de Valladolid. En esta versión del entierro de Cristo podemos ver cómo los personajes se agolpan alrededor de su imagen al tiempo que han sido congelados en el momento de máxima tensión. Indudablemente, Juni se decanta por el realismo en la escultura más que por la belleza idealizada y clásica.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiUBqoLL1Rc2T2ILzXl_9OI4YZey_NLBlLAJLsHKI7RJkD2Z1mOFHxm_yhYe99rJ-WKN7j-y1GAcE7LdwBr2tft-FAzh67ZWRaFnUDz3MJBin7M24YE3SrmSy8GS1Vpjq6r2DePnKkSAI/s1600/sentierro.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="326" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiUBqoLL1Rc2T2ILzXl_9OI4YZey_NLBlLAJLsHKI7RJkD2Z1mOFHxm_yhYe99rJ-WKN7j-y1GAcE7LdwBr2tft-FAzh67ZWRaFnUDz3MJBin7M24YE3SrmSy8GS1Vpjq6r2DePnKkSAI/s640/sentierro.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Juni: <i style="font-weight: bold;">Santo Entierro. </i>Museo Nacional de Escultura. Valladolid</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>3.5. Los Romanistas y los Leoni</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Durante el último tercio del siglo XVI el panorama de la escultura lo ocupan, por un lado, los romanistas y, por otro, los Leoni. Los romancistas tratan de rescatar a través de sus obras el tratamiento clásico del cuerpo humano que se había perdido. Están bastante determinados por el pensamiento contrarreformista. El romanismo se entiende mejor a través del estudio de los retablos que de las esculturas exentas, que no serán demasiado frecuentes.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Gaspar Becerra </i>(1520-1570) nació en Jaén pero se formó como escultor en Italia. En el año 1562 se convirtió en pintor y escultor del rey y trabajó en el retablo de <i>las Descalzas Reales</i>, que fue destruido en un incendio. También es el autor del <i>Retablo de la Catedral de Astorga</i>, en el que se condensan los principales aspectos de su estilo: tiende a unificar iconográficamente todo el retablo, representa potentes anatomías y es bastante sobre en lo que a elementos decorativos se refiere. La escultura y la estructura del retablo tienen sus propios lugares y ninguno anula o invade el espacio del otro. En este sentido se recupera el equilibrio que se había perdido. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBQGILIMv3qqb1XCrgqZ0wWe3ey8AFudsEqstPnx_gMM6TlPCJZmArzLXM1kpuhaOqXHyX71rfZK88DbN75jEPoUGWmjYf7je0kdJqcDg8lpOmfQQlioR0lraiv3PDzmJaug4gGLGynJA/s1600/astorga.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBQGILIMv3qqb1XCrgqZ0wWe3ey8AFudsEqstPnx_gMM6TlPCJZmArzLXM1kpuhaOqXHyX71rfZK88DbN75jEPoUGWmjYf7je0kdJqcDg8lpOmfQQlioR0lraiv3PDzmJaug4gGLGynJA/s640/astorga.jpg" width="480" /></a></div>
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Gaspar Becerra: <b><i>Retablo del altar mayor de la Catedral de Astorga.</i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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Para Carlos V y Felipe II trabajaron <i style="font-weight: bold;">León Leoni</i> (?-1592) <i>(Carlos V dominando el furor)</i> y su hijo <i style="font-weight: bold;">Pompeyo Leoni </i>(1533-1608), este último es autor de los retratos de bronce con decoraciones de esmalte de Carlos V y Felipe II que aparecen acompañados por sus familias a ambos del altar de la iglesia de <i>El Escorial</i>.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLvXceTz1PVsgKpjtkiCSG3-ZklbLY95IbbSivrb5PFB-iOQQyF9jdSvYUFqQDZh__CD-Pqj2wiK_0KTMGn61CtBSO-1z9Fbec1XO_dc_lJfOyOw9LLloARBXHSK7eHcdo976Ote8cpbM/s1600/furor.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLvXceTz1PVsgKpjtkiCSG3-ZklbLY95IbbSivrb5PFB-iOQQyF9jdSvYUFqQDZh__CD-Pqj2wiK_0KTMGn61CtBSO-1z9Fbec1XO_dc_lJfOyOw9LLloARBXHSK7eHcdo976Ote8cpbM/s640/furor.jpg" width="376" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
León Leoni: <i style="font-weight: bold;">Carlos V dominando el furor. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4. LA PINTURA ESPAÑOLA</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>4.1. Características generales de la pintura española del siglo XVI</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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Al igual que en la escultura, la temática pictórica durante el siglo XVI es predominantemente <b>religiosa</b>. Apenas se abordan temas de tipo profano y la mitología, que tanto interés despertó en Italia, en nuestro país pasa bastante desapercibida. En realidad España no posee una gran tradición en la representación de temas mitológicos, lo que condujo a que los encargos de este tipo siempre los recibiesen artistas extranjeros, como los pintores venecianos, de los que nuestros monarcas poseen una amplia colección que hoy podemos admirar en el Museo del Prado. En España hablaremos de dos influencias de procedencia muy diversa: por un lado la italiana, especialmente de Milán, Padua, Urbino y Venecia, más que la florentina o la romana y, por otro lado, la flamenca. En la <b>zona castellana </b>es más fácil hablar de influencia flamenca y centroeuropea, aunque a partir del reinado de Carlos V se produce un cambio bastante importante que supone la llegada de ciertos artistas manieristas italianos y de sus obras en este área. En <b>Levante</b>, sin embargo, la influencia italiana es más clara, allí llegan los influjos de Rafael, Miguel Ángel y Leonardo. </div>
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<br /></div>
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Durante el segundo tercio del siglo XVI es cuando se produce una verdadera eclosión de la pintura en España de lo cual es responsable, en cierta medida, <b>Felipe II</b>, importante mecenas de las artes.</div>
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<br /></div>
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Con la intención de provocar la devoción y la exaltación de los sentimientos religiosos se recurre al realismo, en ocasiones excesivo, que roza con la teatralidad que antecede al Barroco y que se debe, sobre todo, a la importancia que en los países católicos tuvo el Concilio de Trento.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4.2. Primer tercio del siglo XVI</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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En <b>Castilla</b> el pintor más importante de este momento fue <i style="font-weight: bold;">Pedro de Berruguete</i> (1450-1520), artista en quien perviven aún algunos aspectos del Gótico. Se formó en Italia y aprendió a interpretar la perspectiva desde el punto de vista de los pintores del <i>Quattrocento</i> florentino. Es muy posible también que estuviese en Urbino y que conociese a Francesco di Giorgio Martini y a Piero della Francesca.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEnUYX3TuoG-0z0OsjBHQ8wIzH0gPcpRNXupgtqaDArtpKEXQIR7cVBELUXF0iIMTbh__-mRbP0ogPPynuRmmNoaebrNk_0VDLeEx12vK-ammr0SXYT4s6hXR_5YLergm49QqCpnXG5L4/s1600/berruguete.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEnUYX3TuoG-0z0OsjBHQ8wIzH0gPcpRNXupgtqaDArtpKEXQIR7cVBELUXF0iIMTbh__-mRbP0ogPPynuRmmNoaebrNk_0VDLeEx12vK-ammr0SXYT4s6hXR_5YLergm49QqCpnXG5L4/s640/berruguete.jpg" width="396" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Pedro Berruguete: <i style="font-weight: bold;">Auto de fe. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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En <b>Valencia</b> destaca <i style="font-weight: bold;">Fernando Yáñez de la Almedina</i> (1470-1520), quien demuestra conocer bastante bien la obra de Leonardo y no sólo la pintura del <i>Quattrocento</i>. Se caracteriza por sus figuras monumentales, por la simetría que preside todas sus composiciones y por los gestos elegantes y distinguidos de sus personajes. Su obra <i>Santa Catalina de Siena</i> posee un aspecto muy similar al de las imágenes femeninas de Leonardo. El personaje central está vestido como lo haría una mujer contemporánea al pintor y el fondo arquitectónico recuerda a un palacio monumental y grandioso del Renacimiento. Yáñez de la Almedina colaboró con <b>Fernando de los Llanos</b>, cuyo estilo es algo más lineal y tradicional. Ambos trabajaron juntos en <i>La Última Cena.</i></div>
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<i><br /></i></div>
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Yáñez de la Almedina: <i style="font-weight: bold;">Santa Catalina de Siena. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<b>Toledo </b>es el lugar en que se desarrolló la obra de<i style="font-weight: bold;"> Juan de Borgoña</i> (1465-1534). Nacido en Francia se inicia artísticamente en Italia (sobre todo en Umbría y Florencia), como demuestran su manera de componer los espacios y la anatomía. Suyos son <i>los frescos de la catedral de Toledo</i>. Su influencia en esta ciudad fue intensa y son muchos los pintores que siguen su estilo.</div>
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<i style="font-weight: bold;"><br /></i></div>
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<i style="font-weight: bold;"><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-weight: bold;"><span style="font-size: large;">4.3. Segundo tercio del siglo XVI</span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<i style="font-weight: bold;"><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El artista que ejerce mayor influencia en los pintores españoles de este segundo tercio de siglo es Rafael, de quien aprenden a dotar de dulzura a las imágenes.</div>
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<i style="font-weight: bold;"><br /></i></div>
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En <b>Valencia </b>destacó <i style="font-weight: bold;">Vicente Masip </i>(1475-1550), un autor bastante desconocido y muy poco estudiado. Fue el padre de otro importante pintor: <i style="font-weight: bold;">Juan de Juanes</i>. Hasta hace muy poco ambos eran considerados una sola persona. Juan de Juanes pudo nacer, puesto que no se conoce la fecha exacta, en 1510 y murió en Valencia en 1579. Se remite a la pintura de Leonardo a través de la obra de Yáñez de la Almedina y de los Llanos. Posee un estilo bastante parecido al de su padre. Es muy posible que viajase a Italia y que se familiarizase con los pintores manieristas romanos. Se ocupó de uno de los temas que más aceptación van a tener en nuestro Renacimiento: la imagen del Salvador. Una de sus obras más famosas es <i>La Última Cena</i>, marcada en gran medida por la que pintó Leonardo, de la que ya hemos hablado, y por el estilo de Rafael, del que toma los gestos amables y dulces de sus personajes.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;"><br /></i></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhi_FGij-LpsZqqHFBgGf9K7paKTvjUR8Nj4fbtiut9Y8CdzTXE9U2zMLmt14xYt0bR8m-Uc-J4tA-E3C3dBYddbAm8rSvNrP6Qr5DPst5gjcmQ383Wx3KDG_G4-1crzNoSGnCQd2fwE54/s1600/uc.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="402" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhi_FGij-LpsZqqHFBgGf9K7paKTvjUR8Nj4fbtiut9Y8CdzTXE9U2zMLmt14xYt0bR8m-Uc-J4tA-E3C3dBYddbAm8rSvNrP6Qr5DPst5gjcmQ383Wx3KDG_G4-1crzNoSGnCQd2fwE54/s640/uc.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Juan de Juanes: <i style="font-weight: bold;">La Última Cena. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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En <b>Castilla </b>tenemos al hijo de Pedro Berruguete: <b>Alonso Berruguete</b>. Su pintura está influida por los manieristas, especialmente por los florentinos. Vasari le cita en su obra <i>Las vidas</i>. Le gusta pintar escorzos muy forzados y violentos, romper el orden preestablecido, mientras que la anatomía y la psicología ocupan un lugar secundario. </div>
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<br /></div>
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En <b>Granada </b>destaca <i style="font-weight: bold;">Pedro Machuca</i>, pintor nacido en Toledo a finales del siglo XV y muerto en Granada en 1550. Se le conoce, además de por su actividad de pintor, porque fue uno de los arquitectos más importantes del Renacimiento español, ajustándose de esta manera al perfil de hombre polifacético que tanto abundó en este período. Viajó, como muchos de nuestros pintores, a Italia, lugar donde debió conocer y recibir la influencia de la pintura de Correggio. La consistencia y la materialidad de los cuerpos es muy posible que se los deba a Miguel Ángel. <i>El Descendimiento de Cristo de la Cruz</i> se desarrolla en medio de un ambiente bastante teatral y con una luz que nos recuerda a la del florentino Beccafumi.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisuf2DE_BVXtzTpitM4La_XSxGq3JNArL_HKuW3dyLyRlKEEKD02hVhAgpvuBNFa4FTeEFPOxfbYDC-qGdPTQETf2IRTKGwKBLhMj-Fs_HcvoCzwuqk-fGVmNdp-X8r32WkCT11pvQZSQ/s1600/des.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisuf2DE_BVXtzTpitM4La_XSxGq3JNArL_HKuW3dyLyRlKEEKD02hVhAgpvuBNFa4FTeEFPOxfbYDC-qGdPTQETf2IRTKGwKBLhMj-Fs_HcvoCzwuqk-fGVmNdp-X8r32WkCT11pvQZSQ/s640/des.jpg" width="554" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Pedro Machuca: <i style="font-weight: bold;">El Descendimiento. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Luis de Morales </i>o <b>el Divino Morales </b>(1515-1556), como también se le conoce, nació en Extremadura. No se sabe muy bien con quién se inicia en el mundo de la pintura, lo que sí es posible es que conociese y en ciertos aspectos imitase la pintura de Rafael, como podemos ver en <i>La Virgen con el Niño </i>(Museo del Prado), en donde la figura es rescatada de un fondo oscuro a través de la luz que difumina levemente los contornos. Los personajes de sus cuadros son delgados y pálidos, de miradas cargadas de patetismo y angustia y de una religiosidad que tuvo mucha aceptación y muchos imitadores en su momento.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>4.4. Gaspar Becerra y los pintores de El Escorial</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Gaspar Becerra </i>es, además de un gran escultor, un importante pintor del último tercio del siglo XVI como los que analizaremos en este apartado. Al igual que vimos en su escultura, destaca en su obra en gusto por las anatomías potentes y fuertes tomadas de Miguel Ángel que quedan reflejadas también en sus pinturas. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Para <i style="font-weight: bold;">El Escorial </i>estuvieron trabajando una serie de pintores de entre los que sobresale <i style="font-weight: bold;">Navarrete el Mudo </i>(1526-1576). Formado en Italia con los pintores de la escuela veneciana, y en especial con Tiziano. En algunas de sus obras se percibe que también conoció y le impactó la pintura de Tintoretto, tal y como se desprende del análisis de <i>El martirio de Santiago</i>, en el que no margina los aspectos más macabros que ofrece el tema. Tras su muerte se produce la llegada de una serie de artistas italianos como <b>Luca Cambiasso</b>, <b>Zuccaro </b>y <b>Peregrino Tibaldi</b>. Ellos se encargan de decorar las superficies de la biblioteca de <i>El Escorial </i>bajo los preceptos teóricos de Arias Montano, importante alquimista y humanista de la época. Los temas que se eligieron son profundamente paganos como <i>Las Alegorías de las Siete Artes Liberales </i>por la proximidad de las ideas erasmistas en la corte. Por otro lado, los temas de índole matemática y astronómica se deben a Juan de Herrera, protegido de Felipe II.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6OcN5_h8Dm2bwpTPEWV-mFICShmkKK5BJrbovoRRtVfoDXGhJEL0lzv2SwhjsuCFmGVSZfZ3VmAQW6rTXCdy3SZ3IWOq9k9LA3WWElTIAgPTxk8GQWrMDrjEWND-fsp_iAN5ImlTxpx8/s1600/nav.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6OcN5_h8Dm2bwpTPEWV-mFICShmkKK5BJrbovoRRtVfoDXGhJEL0lzv2SwhjsuCFmGVSZfZ3VmAQW6rTXCdy3SZ3IWOq9k9LA3WWElTIAgPTxk8GQWrMDrjEWND-fsp_iAN5ImlTxpx8/s640/nav.jpg" width="376" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Navarrete el Mudo: <i style="font-weight: bold;">El martirio de Santiago. </i>Monasterio de El Escorial. Madrid</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>4.5. Los retratistas: Sánchez Coello y Pantoja de la Cruz</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Los personajes más importantes de la corte han quedado retratados en posturas dignas y hieráticas que nos muestran la importancia de su posición social, con un estilo que toma, por un lado aspectos de la pintura veneciana, más concretamente de Tiziano, al que podemos considerar el iniciador del retrato de "aparato" y, por otro lado, el de la pintura flamenca de <b>Antonio Moro</b>, del que se conservan un buen número de obras en el museo del Prado como el retrato <i>de María de Inglaterra</i>, quien pasaría a la historia como María Tudor, la segunda esposa de Felipe II, y que lleva en sus manos la rosa roja de la Casa Tudor. Esta obra se caracteriza por el detallismo y la minuciosidad, especialmente en la representación de las telas, las pieles, las joyas o las armaduras.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3iOLCaI56H080K_IgMjS7aaAdm9zhUKXiT8F7XXLNSb-me_stL_sNreheIhGJbQ94Xvfnfvi9FVJBIEcQ5I-5cMtcpGc_pvoxOyUJ-lKFrh18-od5cGDFIM-sPFwiI9j0HKkavW2O6L0/s1600/maria.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3iOLCaI56H080K_IgMjS7aaAdm9zhUKXiT8F7XXLNSb-me_stL_sNreheIhGJbQ94Xvfnfvi9FVJBIEcQ5I-5cMtcpGc_pvoxOyUJ-lKFrh18-od5cGDFIM-sPFwiI9j0HKkavW2O6L0/s640/maria.jpg" width="484" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Antonio Moro: <i style="font-weight: bold;">La Reina María de Inglaterra. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Alonso Sánchez Coello </i>(1531-1588) vivió en Flandes y se formó en el taller de Antonio Moro. En el año 1555 viene a España y trabaja en la corte al servicio del rey Felipe II. Sus retratos comparten un esquema bastante similar: el personaje aparece representado de tres cuartos sobre un fondo generalmente neutro. La luz se concentra en el rostro y en las manos, una de las cuales descansa sobre una mesa de color púrpura (símbolo tradicional del poder de la monarquía y del papado) o una silla, que simbolizan el poder del monarca y la firmeza de sus decisiones. El retratado suele estar vestido lujosamente y, si se trata del rey, lleva como único adorno el Toisón de oro, emblema de los Austrias. El rey Felipe II era un hombre sobrio, de un estilo sencillo, casi siempre vestido de negro y de rostro melancólico. Estos retratos cumplen una función muy concreta relacionada con la política y no tenían un sentido meramente decorativo. En ocasiones eran enviados a otros países para establecer matrimonios entre miembros de diferentes cortes. Era una carta de presentación en la que interesaba, más que la fisonomía del personaje, sus atributos, que debían testimoniar su riqueza. En el Museo del Prado tenemos una buena colección de los retratos que este autor hizo de Felipe II, de su hijo el príncipe Don Carlos y de sus hijas Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjG6Emyw7_VoIN5H2ssmQSxJrkqzRWWIbWsdv0lRplftAZiAp-LNqt2FFHSjUT8hwidmcyohtonXugPDXvMGsUW65FL_htkfskW5AlmZ2RZLQLv6KbGjniJoMuS4V2PDwSa8HJMSgPLs1s/s1600/dcarlos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjG6Emyw7_VoIN5H2ssmQSxJrkqzRWWIbWsdv0lRplftAZiAp-LNqt2FFHSjUT8hwidmcyohtonXugPDXvMGsUW65FL_htkfskW5AlmZ2RZLQLv6KbGjniJoMuS4V2PDwSa8HJMSgPLs1s/s640/dcarlos.jpg" width="602" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Sánchez Coello: <i style="font-weight: bold;">El príncipe Don Carlos. </i>Museo del Prado. Madrid </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZUvMMXeUurEEjlsKV_bKSTAcXAuO8Enhb0E2PESrpWAIkLCFJz7NUGg4cWK9R3WlbQzyEiXPZxleoASALP2iqPKnAHG-Mj7SZ3v795OeZRLZ58Hc3CaVGrF81h8keu-wwb-3ClRJ9HE0/s1600/is.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZUvMMXeUurEEjlsKV_bKSTAcXAuO8Enhb0E2PESrpWAIkLCFJz7NUGg4cWK9R3WlbQzyEiXPZxleoASALP2iqPKnAHG-Mj7SZ3v795OeZRLZ58Hc3CaVGrF81h8keu-wwb-3ClRJ9HE0/s640/is.jpg" width="398" /></a></div>
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Sánchez Coello: <i style="font-weight: bold;">Isabel Clara Eugenia y Magdalena Ruíz. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Juan Pantoja de la Cruz </i>(1553-1608) fue más pintor de Felipe III que de Felipe II. Se sabe que también hizo cuadros de paisajes y bodegones que no han llegado hasta nosotros.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>5. DOMÉNIKOS THEOTOKÓPULOS: EL GRECO</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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Jean Cocteau dijo de él lo siguiente: "El Greco extrae la corrupción divina de sus colores y su amarillo y su rojo que sólo él conoce. Los utiliza como si fueran las trompetas de los ángeles. El amarillo y el rojo despiertan a los muertos que gesticulan y desgarran sus sudarios (...)". Estas palabras reflejan muy bien el impacto que, aún hoy, producen los colores del Greco, tan atrevidos, insólitos e innovadores que desagradaron a Felipe II, poco acostumbrado a estos excesos cromáticos. </div>
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<br /></div>
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El Greco (1541-1614) nació en la isla de Creta que era territorio de la República de Venecia, lugar al que irá para formarse y donde es muy posible que llegase a conocer personalmente a Tiziano. En 1570 va a Roma para admirar el testimonio artístico de Miguel Ángel, Rafel y Correggio, por los que sentía verdadera devoción. En 1576 regresa de nuevo a Venecia. Allí algunos amigos españoles le informaron de que en El Escorial se necesitaban pintores, por lo cual vino a nuestro país. Una vez en España, Felipe II le encargó un cuadro que conmemorase la batalla de Lepanto: <i>El sueño de Felipe II </i>(1577-1579), que no fue del agrado del monarca. Más tarde le mandó hacer otro cuadro, <i>El martirio de san Mauricio</i>, que Felipe II consideró poco respetuoso y decoroso según las ideas de la Contrarreforma que defendió a ultranza. Finalmente, tras este fracaso, el Greco decidió establecerse en Toledo donde pasó la mayor parte de su vida y donde abrió un taller próximo a la catedral en el que nunca faltaron clientes. En 1577 le encargarán un retablo que representase el expolio de Jesucristo. Más tarde hizo un <i>Retablo para la iglesia de Santo Domingo el Antiguo</i>, en cuyo centro se hallaba una grandiosa <i>Trinidad</i>. En 1586 hizo <i>El entierro del Conde de Orgaz</i>, una de sus obras más importantes. Además de cuadros de temática religiosa, realizó numerosos retratos de nobles (<i>El caballero de la mano en el pecho</i>), de clérigos de su tiempo y su ciudad, de santos cuyos ojos acuosos conseguía con una pincelada blanca y vertical en la base de los mismos. También realizó algunas escenas mitológicas como <i>El Laocoonte </i>y otras paisajísticas entre las que figuran las imágenes de la ciudad de Toledo.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMYREz8dub_ZWywd4kPtxKlyk1E2epVyos68e5IEGyRq9M0LffJzGFC6MOKxYztRoyugAl1LU6OBNSECugO-RJ_QxhVhj84WgLSN8Vpv6YyoUoJXKBh280LtpjejNaYk1qTnZ9sykMZ10/s1600/exp.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMYREz8dub_ZWywd4kPtxKlyk1E2epVyos68e5IEGyRq9M0LffJzGFC6MOKxYztRoyugAl1LU6OBNSECugO-RJ_QxhVhj84WgLSN8Vpv6YyoUoJXKBh280LtpjejNaYk1qTnZ9sykMZ10/s640/exp.jpg" width="376" /></a></div>
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El Greco: <i style="font-weight: bold;">El Expolio. </i>Catedral de Toledo</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEix7lu2EppPpAaiF_9ikfIdGALfW9TfJxnDl9K438BI72ofnrQZcKRn8SFYDZJlteCJTG5I5yAP1Et5dsFVHzXkOx20xdqGrn5H9xWO0Cuc2Eg1WOxMKMWYSf46MxCceaGR8Hy9L4GL80Q/s1600/tri.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEix7lu2EppPpAaiF_9ikfIdGALfW9TfJxnDl9K438BI72ofnrQZcKRn8SFYDZJlteCJTG5I5yAP1Et5dsFVHzXkOx20xdqGrn5H9xWO0Cuc2Eg1WOxMKMWYSf46MxCceaGR8Hy9L4GL80Q/s640/tri.jpg" width="368" /></a></div>
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El Greco: <i style="font-weight: bold;">La Trinidad. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEia25o-H-LMSr7s_YPkHvpcVvIbJJhxUTMbxEE_LjrqX-U5yv_mw3NXnomDmn_8my6iGiin6_agNA4GpwlMcAJEC1wZIfa8-pvbrKI8XAS7ryrQWGgYUWIBjpRj-U_XUqLkb_Hdqj6Vqf4/s1600/cab.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEia25o-H-LMSr7s_YPkHvpcVvIbJJhxUTMbxEE_LjrqX-U5yv_mw3NXnomDmn_8my6iGiin6_agNA4GpwlMcAJEC1wZIfa8-pvbrKI8XAS7ryrQWGgYUWIBjpRj-U_XUqLkb_Hdqj6Vqf4/s640/cab.jpg" width="504" /></a></div>
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El Greco: <i style="font-weight: bold;">El caballero de la mano en el pecho. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEis29qHvDQOOMee6f4OgHt80tQMbGyGIW1mvnnE65Ok-N3fRbW0Njs7wvUewDUTxU1I_pTekIS-kIhr0D0TZcAQC1LlAbKFF6T8Yj7gHzJYOc3VWyZdPE4NRWUc4eoYB0SKQ-CBZMrlet4/s1600/tol.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEis29qHvDQOOMee6f4OgHt80tQMbGyGIW1mvnnE65Ok-N3fRbW0Njs7wvUewDUTxU1I_pTekIS-kIhr0D0TZcAQC1LlAbKFF6T8Yj7gHzJYOc3VWyZdPE4NRWUc4eoYB0SKQ-CBZMrlet4/s640/tol.jpg" width="570" /></a></div>
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El Greco: <i style="font-weight: bold;">Vista de Toledo. </i>Metropolitan Museum. N.York</div>
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<br /></div>
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El Greco es, ante todo, un pintor manierista que, de un modo plenamente voluntario y consciente, estilizaba sus figuras, lo cual contribuía a acentuar la sensación de espiritualidad que se desprende de sus personajes. Los paños que los envuelven parecen flotar alrededor de sus cuerpos. Las luces están violentamente contrastadas. La gama cromática es muy amplia y dentro de ella sobresalen, como señalaba Cocteau, los rojos y los amarillos, pero también utiliza los verdes, azules y grises atornasolados deudores de la pintura de Tintoretto y frecuentes en sus representaciones del mundo celestial. Maneja con elegancia el lenguaje de las manos que ayuda, en ocasiones, a expresar tanto como los rostros; son manos alargadas que refuerzan la sensación generalizada de espiritualidad y elegancia de sus cuadros. La pincelada es bastante suelta, rasgo que se acentúa a medida que su obra va evolucionando. Sus composiciones suelen ser complicadas estableciendo claras divisiones entre cielo y tierra, recurre frecuentemente a los atrevidos escorzos y crea angostos espacios que producen sensación de agobio.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIzng5poBbL3ka3oX-B9LSQQDexqounmzo-h13fYaGhhE0HoB_beXWSLDMB58mnikDJDZhIuuWbRtFaMnRdSHqewFXTu42X51MkHcj52rCmS0vEU5tVTzSrclikew44rKf10Qp9_K5ups/s1600/pent.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIzng5poBbL3ka3oX-B9LSQQDexqounmzo-h13fYaGhhE0HoB_beXWSLDMB58mnikDJDZhIuuWbRtFaMnRdSHqewFXTu42X51MkHcj52rCmS0vEU5tVTzSrclikew44rKf10Qp9_K5ups/s640/pent.jpg" width="274" /></a></div>
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El Greco: <i style="font-weight: bold;">Pentecostés. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCz6FoL5fAUNxA0eFC_yF3ic43Is2SJyY8AHuoG4cCn4te2h-dIS8P2z9JFTAaGSkUD8oxQGcEbgspaUITjDN8biGp_ROZa47Q33bcLazPa38FWgaK4CHnlrLLtTwlJ8Rkk_h8jvY_eb8/s1600/ad.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCz6FoL5fAUNxA0eFC_yF3ic43Is2SJyY8AHuoG4cCn4te2h-dIS8P2z9JFTAaGSkUD8oxQGcEbgspaUITjDN8biGp_ROZa47Q33bcLazPa38FWgaK4CHnlrLLtTwlJ8Rkk_h8jvY_eb8/s640/ad.jpg" width="356" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
El Greco: <i style="font-weight: bold;">La Adoración de los pastores. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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Los impresionistas y expresionistas, que apreciaban su fuerte capacidad expresiva, se interesan por él y fomentan de este modo la revalorización de este pintor tras un largo período en que se le había ignorado, convirtiéndolo en uno de los pintores más injustamente tratados por la historia de la pintura. La Ilustración rechazó su obra, pero los románticos la recuperan, lo mismo que la Generación del 98 que la interpretó como la expresión plástica más concreta del misticismo literario de san Juan de la Cruz o de santa Teresa de Jesús.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>El estilo de Juan de Juni</b></span></div>
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<br /></div>
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<i>Juan de Juni es extranjero, francés, se identifica de tal modo con el alma y la estética castellana que logra las creaciones más características y, al mismo tiempo, las que más influencia han de ejercer en el último tercio del siglo, al fundirse con el manierismo introducido en Castilla por Gaspar Becerra. Por su clásico monumentalismo, su estilo es en las formas aparentemente diverso al de Berruguete; pero su raíz estética es la misma: esto es, el predominio del espíritu. En Juni, la grandiosidad, el heroísmo mítico de las figuras determina las formas hercúleas, monumentales, anonadantes, que se contorsionan, se revuelven, se agitan patéticamente en sí mismas, buscando el perfil llameante, al que tan aficionados fueron los discípulos de Miguel Ángel.</i></div>
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<br /></div>
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(AZCÁRATE, J. M. <i>Escultura del siglo XVI</i>, 1958)</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>A FONDO</b></span></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b><i>EL ENTIERRO DEL CONDE DE ORGAZ</i></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>EL GRECO</b></span> </div>
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<br /></div>
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Este cuadro fue pintado por el Greco entre 1586 y 1588. En estos años el párroco de <i>la iglesia de Santo Tomé</i> le encarga que haga un cuadro sobre el entierro de Don Gonzalo Ruiz de Orgaz. Según una leyenda, Don Gonzalo Ruiz, señor de Orgaz, murió en 1323 y los santos Agustín y Esteban vinieron a recoger su cuerpo para transportado a su tumba, en reconocimiento de toda una vida en la que el conde se preocupó por los demás haciendo innumerables obras de beneficencia. En el contrato que se hizo para la realización de esta obra se pusieron condiciones muy precisas, sobre todo en relación a los aspectos iconográficos, para contener, en manera alguna, la fértil imaginación del Greco.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El lienzo se puede dividir en dos partes, la parte inferior en la que los hechos que se desarrollan tienen lugar en la Tierra, y la parte superior, en la que se representa el Cielo. En la Tierra se está produciendo el milagro: el cadáver del Conde de Orgaz está siendo recogido por los dos santos, escena que es contemplada por todos los hombres insignes del momento, entre los que se puede reconocer a Alonso de Covarrubias, el Conde de Benavente, el propio Greco y el retrato de su hijo: el niño que sujeta la antorcha, cuyos rostros están enmarcados por gorduras blancas. Algunos de estos personajes elevan su mirada al Cielo y con ello contribuyen a aumentar los nexos de unión entre el Cielo y la Tierra. Los rostros de los personajes recuerdan notablemente a <i>El caballero de la mano en el pecho</i>. En las túnicas de los santos predominan los colores cálidos y en la armadura del difunto Conde de Orgaz se consiguen unos brillos que revelan su conocimiento de la pintura veneciana, y más concretamente, la de Tiziano. Igualmente conseguidas están las transparencias del alba del diácono, de espaldas en primer plano. El Greco cuidaba mucho las posiciones de las manos y recurría a ellas como medio de expresión, de lo cual este cuadro es un buen ejemplo. En cuanto a la esbeltez de los personajes retratados, sus rostros alargados, podemos aclarar que no se debe, como tantas veces se ha dicho erróneamente, a un defecto de visión del autor, sino que es un rasgo estilístico absolutamente consciente por parte del pintor que está ya dentro del Manierismo, de la misma manera que hacía el Parmigianino.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLPIOb_siAiEexeCRCUBV86bN5Md-HOaIE1164NgPXIE0vI3CkWH6WBzur97JrbX3JioHOo4HqOx-ZioOE1mR2RobHzLsYpliPFH7MONRCRSIe3Yel5mCl-RsBG2wVw8h0EN-5Rn4OUIY/s1600/det.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLPIOb_siAiEexeCRCUBV86bN5Md-HOaIE1164NgPXIE0vI3CkWH6WBzur97JrbX3JioHOo4HqOx-ZioOE1mR2RobHzLsYpliPFH7MONRCRSIe3Yel5mCl-RsBG2wVw8h0EN-5Rn4OUIY/s640/det.jpg" width="464" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
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<br /></div>
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Un ángel une el Cielo con la Tierra: el ángel que transporta entre sus brazos el alma del Conde en forma de niño. Esta manera de representar el alma no es en absoluto novedosa, es el modo en el que tradicionalmente se representaba en la Edad Media, por tanto, este detalle demuestra que conoce bastante bien la iconografía medieval. En el Cielo los colores cambian, se hacen más atornasolados, predominan los colores fríos y las telas flotan dando una mayor sensación de incorporeidad. En esta parte superior la influencia veneciana, sobre todo la de Tintoretto es palpable. La Virgen alarga un brazo para recibir el alma del conde, mientras que san Juan, vestido con la característica piel de camello, ruega a Cristo por el alma de este siervo. Cristo, rodeado de la Virgen y san Juan, forman lo que se denomina <i>Déesis</i>, asunto muy característico del arte bizantino, puesto que fue precisamente ahí donde nació este tema. No debemos olvidar que el Greco es de origen cretense, por lo que sus obras estarán impregnadas de la espiritualidad oriental. La corte celestial está formada por los santos, ángeles y mártires que presencian la escena. La composición de este cuadro está pensada para que en ella exista un fuerte sentido ascensional que nos invita a mirar hacia arriba para llegar, finalmente, a la imagen de Cristo.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En el lienzo no existen unas referencias espaciales concretas, no se pone como fondo ninguna arquitectura que nos permita identificar dónde se está desarrollando la acción. Esto será una constante en la obra de el Greco, lo volveremos a ver en <i>El Expolio</i>, por ejemplo, en la que las figuras se agolpan alrededor de Cristo ocultando el fondo al que no se hace alusión alguna. Esto no es algo que se produzca repentinamente en él, sino que llega de forma progresiva, probablemente gracias a la influencia de la escuela veneciana. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-Bs3vfDZ4nFYMs3YeHibxXbU1mOxSfsiRKvR4HW1NhFfW-f2iQRR0CcA0Ozlvl7uAQ1siZnSil3Tr8cYUvdeMLQaaCbzCQfgji0mzWoxKrP0paGlExovbZ9LsBeLmxbdbDQ1Nh-7povE/s1600/org.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-Bs3vfDZ4nFYMs3YeHibxXbU1mOxSfsiRKvR4HW1NhFfW-f2iQRR0CcA0Ozlvl7uAQ1siZnSil3Tr8cYUvdeMLQaaCbzCQfgji0mzWoxKrP0paGlExovbZ9LsBeLmxbdbDQ1Nh-7povE/s640/org.jpg" width="522" /></a></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>GLOSARIO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Piedra de Villamayor</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Arenisca muy blanca procedente de canteras que se encuentran a las afueras de la ciudad de Salamanca. Esta piedra es muy fácil de labrar y, con el paso del tiempo, adquiere una mayor dureza y cambia de color; se hace de una tonalidad dorada muy característica.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<b>Palacio de Carlos V</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El historiador Rosenthal defiende que en tiempos de Machuca se estableció en <i>el palacio de Carlos V</i> el programa iconográfico, cuyos contenidos se deben a Niccoló da Corte, Juan de Campo, Antonio de Leval, Andrés Ocampo y el mismo arquitecto que pretende recordar a quien los observa las grandes victorias navales conseguidas por el emperador.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Madera policromada</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Para policromar la madera era necesario realizar una serie de operaciones. En primer lugar se hacía una imprimación de la misma para fortalecerla y evitar que se agrietara, para ello se empleaba cola de piel de cabra o de conejo. Más tarde se aplican varias capas de yeso. Una vez que éste ha secado, se pegan láminas de oro y se bruñen con el fin de que no se note dónde empieza una parte y dónde acaba. Sobre el dorado se aplica una capa de color y se raspa para que afloren dibujos dorados. Esto se llama esgrafiado. El estofado consiste en pintar directamente sobre la capa de oro.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><i>El sepulcro del cardenal Cisneros</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Fue encargado en un principio a Fancelli aunque, finalmente, fue Ordóñez quien se ocupó de él. La iconografía y la elección de los temas están estrechamente vinculados a la personalidad del cardenal. En el epitafio se ensalzan las cualidades de este importante humanista.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>El retablo renacentista</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Difiere en algunos aspectos del de la Edad Media. Tienen gran importancia puesto que su finalidad es la de clarificar los sermones del sacerdote y reforzar la fe del creyente. Existen en este momento muchos tipos diferentes: el tríptico, de clara tradición gótica, el retablo sepulcro, el escenario, el expositor, etc.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><i>La Piedad </i>de Luis de Morales</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Se encuentra en la catedral de Badajoz y fue una de las primeras obras de este tema que pintó. En ella podemos ver cómo la Virgen sujeta el cuerpo sin vida de Cristo, todo ello en una composición muy equilibrada en la que predominan las líneas verticales.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><i>El Expolio</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Se puede contemplar en la catedral de Toledo. En esta obra el Greco prescinde, en cierta medida, de la perspectiva haciendo que los personajes se precipiten angustiosamente sobre el espectador, rasgo éste propio de la pintura manierista. Se concentra en la figura de Cristo, verdadero núcleo del cuadro, que aún viste la túnica púrpura de la que va a ser despojado.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>CITAS</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"En un lugar de la Mancha de cuyo nombre no quiero acordarme, no ha mucho tiempo que vivió un hidalgo de los de lanza en artillero, adarga antigua, rocín flaco y galgo corredor".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Don Quijote de la Mancha</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Miguel de Cervantes</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Que se comience en este lugar del Escorial una casa de la mayor anchura que se pudiere hacer y en ella se hagan los aposentos y recaudo de piezas necesarias para que puedan recoger el prior y el vicario, y los mozos que han de servir, y si no bastare una casa podrán comprar dos".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Instrucciones de Felipe II para la fábrica y obra de San Lorenzo el Real</b></div>
</div>
GreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-51828668529410619952015-08-11T15:31:00.001-07:002015-08-11T15:31:11.844-07:00Las Artes Plásticas del Renacimiento Italiano<b>Las artes plásticas del Renacimiento italiano van a estar magníficamente representadas por artistas, muchos de ellos ya analizados en la unidad dedicada a la arquitectura renacentista italiana, que encarnaron a la perfección el arquetipo de<i> uomo universalis </i>que tanta vigencia tuvo en este momento. Se trataba de hombres geniales en diversos ámbitos de las artes y el saber a los que se enfrentaban desde un punto de vista racional y no desde el prisma de la fe, como se hizo en la Edad Media.</b><br />
<b><br /></b>
<b>En las artes plásticas, especialmente en Italia, serán frecuentes las discusiones en las que se intercambiaban opiniones e ideas y se establecían las conexiones y diferencias existentes entre la pintura y la escultura. Esto recibía la denominación de <i>paragone </i>que Moshe Barash define como <i>un tipo de pasatiempo en los círculos humanísticos</i>.</b><br />
<b><br /></b>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPGksUdgJx8SaBFrJGaFnwuMeXeCNSFXDHSZneHNTzOiotq63uhI7kWvJljjnWZpS5Y83JBpFZ33sXJOX47A5DFki87kiMHDjav9EHetZuZsqyORWSqSx4yLRArxm_d4Y_FyL6QMOpApk/s1600/DESPOSORIOS-DE-LA-VIRGEN.-RAFAEL-SANZIO.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPGksUdgJx8SaBFrJGaFnwuMeXeCNSFXDHSZneHNTzOiotq63uhI7kWvJljjnWZpS5Y83JBpFZ33sXJOX47A5DFki87kiMHDjav9EHetZuZsqyORWSqSx4yLRArxm_d4Y_FyL6QMOpApk/s640/DESPOSORIOS-DE-LA-VIRGEN.-RAFAEL-SANZIO.png" width="424" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Rafael: <i style="font-weight: bold;">Los desposorios de la Virgen. </i>Pinacoteca de Brera. Milán</div>
<div style="text-align: center;">
<b><br /></b>
<b><br /></b>
<span style="font-size: large;"><b>1. LA ESCULTURA DEL RENACIMIENTO ITALIANO</b></span><br />
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<br />
<div style="text-align: justify;">
La aparición de lo que denominamos escultura del Renacimiento ha de entenderse como el fruto de una evolución artística que se remonta a la estética del Gótico.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Además, hay que tener en cuenta que, en el caso italiano, como ya señalábamos al determinar los rasgos generales del Renacimiento, estamos ante un país en que lo clásico pervivió de un modo especial a lo largo de toda la Edad Media y en el que el pasado romano impregna totalmente el ambiente cultural y artístico.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
La escultura renacentista se caracteriza por lo siguiente:</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li>Alcanza una total <b>independencia de la arquitectura </b>y se desarrolla de un modo absolutamente libre, en contraposición a los siglos de la Edad Media en los que la escultura había sido un complemento de la arquitectura y había permanecido subyugada a ella.</li>
</ul>
<ul>
<li>Se busca la <b>belleza</b>, el <b>equilibrio</b> y el tratamiento anatómico se ajusta a un canon. <b>El desnudo </b>es uno de los temas más desarrollados en la plástica del Renamiento italiano, con el que se pretende una exaltación del cuerpo humano, del ser humano en definitiva, situado ya en el centro de la Creación. A esto se suma el desarrollo de la filosofía neoplatónica representada, entre otros, por Marsilio Ficino y Pico della Mirandola. Miguel Ángel es uno de los artistas que mejor encarna el pensamiento neoplatónico aplicado al arte.</li>
</ul>
<ul>
<li>Los principales materiales que se emplean son el <b>mármol </b>y el <b>bronce</b>, el cual se llega a trabajar magistralmente con la técnica de la <b>cera perdida</b>. Además se emplea, excepcionalmente, la terracota vidriada.</li>
</ul>
<ul>
<li><b>El relieve </b>alcanza un extraordinario desarrollo, sobre todo por la utilización del <i>schiacciato</i>, con el que se consiguen efectos sorprendentes en la perspectiva.</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtKyVP-yYFbh2OAHt4OeuQYaB5HT9GE3YtqIQXOqkvZjWS-BHTyUoQsUy87leAF_O-fTQ3wSisrOweonDG7HmRIOPDAb_DQSh0Sl28IdutS2t8quvvX7BLnUtPVZNB3zFsGl7lOnHkT0I/s1600/jorge.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtKyVP-yYFbh2OAHt4OeuQYaB5HT9GE3YtqIQXOqkvZjWS-BHTyUoQsUy87leAF_O-fTQ3wSisrOweonDG7HmRIOPDAb_DQSh0Sl28IdutS2t8quvvX7BLnUtPVZNB3zFsGl7lOnHkT0I/s640/jorge.jpg" width="278" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Donatello: <i style="font-weight: bold;">San Jorge. </i>Museo Nacional del Bargello. Florencia</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>1.1. La escultura del <i>Quattrocento</i></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><i><br /></i></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
A continuación, a través del estudio de los distintos autores y de sus obras, podremos ir siguiendo la evolución que sufre la escultura a lo largo del Renacimiento italiano.</div>
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<br /></div>
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El primer gran autor al que nos debemos referir es a <i style="font-weight: bold;">Lorenzo Ghiberti </i>(1378-1455), quien dedica gran parte de su vida a la decoración de <i>las puertas del Baptisterio de Florencia</i>, el cual tenía ya unas primeras puertas realizadas por Andrea Pisano. En el año 1401 se convoca un concurso, que ganó Ghiberti, para realizar las segundas y terceras puertas del <i>Baptisterio</i>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbSKr-AYz_YgJd9KQrwe97yCjQI9APWeiuOaRQxI0_7apotgk6VOABwljvTBO7zXmhRUCc0vM29R3Blehb6ZslJB2h0-hByA_k4irPGcdbKAtGejm4hrCs4QZf-1NcVACPnSWqSlkIdlM/s1600/ghiberti.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbSKr-AYz_YgJd9KQrwe97yCjQI9APWeiuOaRQxI0_7apotgk6VOABwljvTBO7zXmhRUCc0vM29R3Blehb6ZslJB2h0-hByA_k4irPGcdbKAtGejm4hrCs4QZf-1NcVACPnSWqSlkIdlM/s640/ghiberti.jpg" width="630" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Ghiberti: <i style="font-weight: bold;">Moisés en el Sinaí. </i>Baptisterio de Florencia</div>
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<br /></div>
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El tema propuesto para el concurso fue el Sacrificio de Isaac. Brunelleschi, quien también tomó parte en el certamen, fue más goticista en la interpretación del tema y más torpe en el tratamiento de la anatomía, mientras que Ghiberti se muestra más clásico, con una gran capacidad narrativa y un sentido de la perspectiva realmente increíble. "Las puertas del Paraíso", como denominó Miguel Ángel a las terceras puertas del Baptisterio, están decoradas con varias escenas de carácter bíblico que van, desde la creación de Adán y Eva hasta el encuentro del rey Salomón con la reina de Saba.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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Haciendo gala de su dominio de la técnica del relieve <i>schiacciato</i>, dispone las figuras que están en primer término con mayor volumen mientras que las que se encuentran en el fondo, apenas aparecen sugeridas con un suave relieve. Los personajes se mueven cómodamente en amplios espacios naturales y ampulosos marcos arquitectónicos.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Donato di Niccoló di Betto Bardi conocido como <i style="font-weight: bold;">Donatello </i>(1386-1466) es el escultor más importante y representativo de la escultura del <i>Quattrocento</i>. Nacido en Florencia, desarrolló la mayor parte de su obra en esa ciudad.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Trabajó en el taller de Ghiberti ayudándole en <i>las puertas del Baptisterio de la catedral de Florencia</i>. Donatello fue un gran estudioso del cuerpo humano y de su evolución a lo largo de las diferentes edades, desde la juventud hasta la vejez. Entre sus primeras obras se hallan una serie de esculturas de santos, como <i>San Jorge</i> (1416). Este último posee una mirada arrogante y decidida que recuerda la de <i>El David </i>de Miguel Ángel. En el basamento de esta escultura podemos apreciar un relieve que demuestra que Donatello, desde el punto de vista del escultor, está preocupado por la perspectiva.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Para la familia de los Medici realizó la que es una de sus obras más conocidas: <i>David</i> (1440). El personaje ha resultado vencedor en la lucha contra Goliat, tal como testifica la cabeza del gigante a sus pies. Se le representa como un adolescente muy estilizado, alejado de la rotunda anatomía masculina del de Miguel Ángel.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhg-jgoVrnz2nydzlTCitCAHbprmz7EymoXmA3fY-cpoGqi5ZRnS5Lfl9D2HPjtFli7up4h94xMOzqwaDpxo9C_qjCUAWE3TbowVA38f-EToEAYr89UcMC5Zg8cloZKSx18opt76cJGT4Q/s1600/david.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhg-jgoVrnz2nydzlTCitCAHbprmz7EymoXmA3fY-cpoGqi5ZRnS5Lfl9D2HPjtFli7up4h94xMOzqwaDpxo9C_qjCUAWE3TbowVA38f-EToEAYr89UcMC5Zg8cloZKSx18opt76cJGT4Q/s640/david.jpg" width="276" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Donatello: <i style="font-weight: bold;">David. </i>Museo Nacional del Bargello. Florencia</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Para la catedral de Florencia realizó los relieves de la Cantoría (1433-1439), donde el parecido con los sarcófagos romanos es más que evidente. También se interesó por la escultura ecuestre, como demuestra el <i>Condottiero Gattamelata </i>(1443-1453) que está inspirada en <i>el retrato ecuestre de Marco Aurelio</i>. Hizo una imagen de <i>María Magdalena</i> (1457) con un tronco de madera en que la superficie está escasamente trabajada, lo cual contribuye a darle gran expresionismo y dramatismo a la imagen avejentada de esta mujer.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg93BJVp3RQOd1FGgAUDYw-DeaFPriCzjgiE5bij1MbtBxuOI-EodLlS0gxL0R_o90rBS9pl9IFKyyOzh_2NfX81xa-UJ87jIVL7A6mX-YtUoV0CFMnvhnSh68fkaBj5BIg4vbM-JxDuNI/s1600/condottiero.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg93BJVp3RQOd1FGgAUDYw-DeaFPriCzjgiE5bij1MbtBxuOI-EodLlS0gxL0R_o90rBS9pl9IFKyyOzh_2NfX81xa-UJ87jIVL7A6mX-YtUoV0CFMnvhnSh68fkaBj5BIg4vbM-JxDuNI/s640/condottiero.jpg" width="630" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Donatello: <i style="font-weight: bold;">El condottiero Gattamelata. </i>Plaza del Santo. Padua</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La escultura del <i>Profeta Habacuc </i>(1427-1435) nos muestra a un hombre viejo y feo, muy lejano de los esquemas de belleza ideal del mundo clásico y renacentista. De la contemplación de su obra se deduce que, en la producción escultórica <i>donatelliana</i>, conviven dos aspectos tan contradictorios como el realismo y el idealismo.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Jacopo della Quercia </i>(1371-1438) era de origen sienés. Conocía muy bien los relieves de la Antigüedad, como demuestra el <i>Sepulcro de Ilaria del Carretto </i>(1406-1407), en la ciudad de Lucca, decorado con <i>putti </i>y guirnaldas. Para la ciudad de Siena realizó <i>la Fonte Gaia </i>(1409-1419), en la que las titánicas y musculosas figuras masculinas se mezclan con mujeres de formas rotundas y voluminosas. Esta obra influirá decisivamente en Miguel Ángel.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Lucca della Robbia </i>(1400-1482) trabajó en los relieves de la <i>Cantoría de la catedral de Florencia</i>. En ella, dulces imágenes infantiles cantan y tocan instrumentos. Además, recurrió en múltiples ocasiones a la <i>terracotta </i>vidriada y policromada (<i>La Virgen del rosal</i>).</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSir2AzwFOVrSbweSwoPGrc18ZAk67Djo6op9JjN5k1ONjAp_md08U6jFk_4q39ihpzZWaxGcscErnIMakKcrSVsP0MmAviRO4gFqN4Kg3DAS6KrHFjRf0X3YobOMXOGyoYJaqBC5BGjE/s1600/robbia.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSir2AzwFOVrSbweSwoPGrc18ZAk67Djo6op9JjN5k1ONjAp_md08U6jFk_4q39ihpzZWaxGcscErnIMakKcrSVsP0MmAviRO4gFqN4Kg3DAS6KrHFjRf0X3YobOMXOGyoYJaqBC5BGjE/s640/robbia.jpg" width="418" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Luca della Robbia: <i style="font-weight: bold;">Panel de la Cantoría. </i>Florencia</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Andrea di Francesco di Cione, llamado <i style="font-weight: bold;">Verrocchio</i> (1435-1488) es uno de los más importantes esculturas de bronce del <i>Quattrocento</i>, gran admirador y conocedor de la obra de Donatello y maestro de Leonardo da Vinci, que se forma como pintor en su taller. Dentro de la escultura, sus obras más interesantes son <i>el David</i> (como una revisión de la obra del mismo título de Donatello) y <i>la estatua ecuestre del Condottiero Colleoni</i> (1479-1488), para cuya realización empleó la técnica de la cera perdida.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>1.2. Escultura en el <i>Cinquecento</i>: Miguel Ángel</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Miguel Ángel </i>es la figura central de la escultura en el siglo XVI en Italia. Su influencia en este campo va a ser realmente grande. Como ya hemos señalado, cultivó varios campos del Arte, fue arquitecto, pintor, escultor y poeta. La escultura es el ámbito en el que más sobresalió y en el que marcó su forma de entender el resto de las manifestaciones artísticas.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Nació en Florencia y se formó en el entorno de los Medici, familia con la que convivió hasta la muerte de Lorenzo de Medici. Miguel Ángel está muy cerca del pensamiento neoplatónico que se difundió con fuerza durante todo el Renacimiento.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Entre sus obras de juventud se encuentra un relieve en mármol que escenifica <i>la batalla entre centauros y lapitas </i>(1490-1492). Más tarde esculpió <i>la Madonna della Scala </i>(1490-1492), imagen en la que aplica la técnica del <i>schiacciato</i>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Una vez que muere Lorenzo de Medici, se va a Bolonia y conoce la obra de Della Quercia, cuyo estilo rotundo y enérgico le llega a impresionar.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Después viaja a Roma y se pone en contacto con el mundo clásico. Durante esta estancia romana se produce el hallazgo del <i>Laocoonte</i>, una de las obras que más impacto le causó. En el año 1495 realiza <i>La Piedad</i>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Tiempo más tarde regresa a Florencia y allí le encargan <i>El David </i>(1504-5) que esculpe en un bloque de mármol de Carrara ya desbastado. El personaje dirige sus ojos hacia el horizonte, con una mirada reflexiva cargada de fuerza y la determinación, al tiempo que posa sobre su hombro la honda con que habrá de derribar a Goliat. Mientras que <i>El David </i>de Donatello muestra la acción ya concluida, Miguel Ángel prefiere mostrar el momento inmediatamente anterior a que ésta se desarrolle. Al igual que en otras muchas representaciones escultóricas, Miguel Ángel revela el perfecto conocimiento de la anatomía.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg39ICzT7bHmA3jToOzQqzteOZzU03QyJnvUhNtfbfgGOwy2lNuZR8sWm_X6WSGYiHC0539BOocLwyQR8QX1qCcHQD82glCYUxxsQ6b2-g3bLV29bUNJdIURDQW3gibJVOYyU7cWsgXHjo/s1600/miguelangel.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg39ICzT7bHmA3jToOzQqzteOZzU03QyJnvUhNtfbfgGOwy2lNuZR8sWm_X6WSGYiHC0539BOocLwyQR8QX1qCcHQD82glCYUxxsQ6b2-g3bLV29bUNJdIURDQW3gibJVOYyU7cWsgXHjo/s640/miguelangel.jpg" width="334" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Miguel Ángel: <i style="font-weight: bold;">David. </i>Galería de la Academia. Florencia</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En su segunda estancia en Roma se enfrenta al trabajo más importante de su carrera como escultor: <i>el monumento funerario de Julio II</i>. Desde el colosalismo con que se había concebido en un principio, se pasó a un empobrecimiento progresivo causado por problemas de tipo económico. Del proyecto inicial tan sólo quedan algunas esculturas como las de <i>Raquel, Lía y Moisés</i>, este último en la iglesia romana de <i>San Pietro in Vincoli</i>. Moisés muestra en su rostro algo que estará presente en muchos de los personajes del mismo autor: <i>la terribilitá</i>, término italiano que resume la fuerza contenida de sus figuras. Moisés, que lleva bajo su brazo las tablas de la ley, posee una musculatura rotunda, titánica, como muestra su potente pierna apoyada firmemente sobre el suelo.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFjYXo4PbutlwoNj5AGZrVPXhlcbK7-X-PfJ4uu7TbO18HhvH2kOFn0akcSN30jxytgN0k_0-rGnBzRy0UAO8yXY72lOPpxx8PCHE4OAIyWj1XavbNgkOZ66Yd8cYNKQhHbQf2YM99wN8/s1600/moises.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFjYXo4PbutlwoNj5AGZrVPXhlcbK7-X-PfJ4uu7TbO18HhvH2kOFn0akcSN30jxytgN0k_0-rGnBzRy0UAO8yXY72lOPpxx8PCHE4OAIyWj1XavbNgkOZ66Yd8cYNKQhHbQf2YM99wN8/s640/moises.jpg" width="478" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Miguel Ángel: <i style="font-weight: bold;">Moisés</i>. San Pietro in Vincoli. Roma</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En su tercera estancia en Florencia hizo las figuras de los <i>sepulcros de Lorenzo y Giuliano de Medici </i>(1520-1543). Finalmente regresó a Roma, donde su carrera como escultor dio un giro realmente espectacular. Las superficies pulidas dieron paso a otras escasamente trabajadas, carentes de acabado (<i>non finito</i>). Estamos en un momento de su carrera en el que predomina la búsqueda de un modo plástico que permita canalizar su situación personal de desaliento y soledad. De esta época es <i>La Pietá Rondanini</i>, en la que la Virgen sostiene el estilizado e inconcreto cuerpo de Cristo. Esta nueva forma de entender la escultura, de jugar con las diferentes texturas del material, tendrá un gran peso en artistas posteriores como Rodin.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjHjvd11lRWqK5ZnU0z15SRD5uDa3QEZsaHncpS0syele8z3Xbmi1dCxb8V4sgSk3ZpPiFnHSTZ0sultkWlzsoZ5PjwffB3scnvRjd8-IXwxFvOGIEmi6LBP_ybGVdOiOjq6H03jmV0IvM/s1600/medici.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="510" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjHjvd11lRWqK5ZnU0z15SRD5uDa3QEZsaHncpS0syele8z3Xbmi1dCxb8V4sgSk3ZpPiFnHSTZ0sultkWlzsoZ5PjwffB3scnvRjd8-IXwxFvOGIEmi6LBP_ybGVdOiOjq6H03jmV0IvM/s640/medici.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Miguel Ángel: <i style="font-weight: bold;">Sepulcro de Lorenzo de Medici. </i>Iglesia de San Lorenzo. Florencia</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYXr_d_ZcL6vC2OusZ-kE7RwP3Y9gSyCKwaGj_dBYetkw96vgfP80J3QQnyNibPEJeLmL6afCsPewwQe6S7YMDYPxPAYs7OJpeeg8AUhEFGom9YrcOsOKNthAsCvem-J1aIJPt0wFfVnw/s1600/pieta.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYXr_d_ZcL6vC2OusZ-kE7RwP3Y9gSyCKwaGj_dBYetkw96vgfP80J3QQnyNibPEJeLmL6afCsPewwQe6S7YMDYPxPAYs7OJpeeg8AUhEFGom9YrcOsOKNthAsCvem-J1aIJPt0wFfVnw/s640/pieta.jpg" width="480" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Miguel Ángel: <i style="font-weight: bold;">La Pietá Rondanini. </i>Castillo Sforzesco. Milán</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>1.3. Escultores manieristas</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Miguel Ángel dio, en los últimos momentos de su obra, las pautas del Manierismo, rompiendo la armonía y el equilibrio que caracterizan al arte clásico. La escultura manierista se define, fundamentalmente, por tres aspectos: el dinamismo, el movimiento helicoidal -éste provoca que las figuras giren sobre sobre sí mismas y ofrezcan al espectador diversos puntos de vista- y el gran dominio técnico, especialmente en el tratamiento del bronce. La sensación que se obtiene al observar una escultura manierista es de desequilibrio e inestabilidad. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Benvenuto Cellini </i>(1500-1571) aprendió el arte de la escultura y de la orfebrería en varios talleres de Florencia y Pisa, hasta que tomó la determinación de abrir el suyo propio en Roma. Trabajó como orfebre en París para el rey Francisco I, para quien realizó una de las más bellas piezas de la orfebrería renacentista:<i> el salero de Francisco I </i>(1543). Como escultor hizo <i>el Perseo </i>(1545-1554), que porta en su mano la cabeza de la Medusa, <i>Mercurio enseñando a volar a Perseo </i>(el tema de Mercurio interesará a más escultores de la misma época por las posibilidades de sugerir la inestabilidad que ofrece) y un <i>Cristo crucificado </i>de mármol que se halla en la iglesia de <i>El Escorial</i>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiY-AMHJURqgMxd47PRoywOjIRKUph6ej7FyVVOgfd_idOGDZ6tK1T3iwIS-mxtuWXzyPzg9cxLWkqLq-rjieO79S6TPgACYJOIdjmA_QuzRnu-NZRSUz2Ts0COV404sZgw7PLklsL_Z3U/s1600/salero.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="506" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiY-AMHJURqgMxd47PRoywOjIRKUph6ej7FyVVOgfd_idOGDZ6tK1T3iwIS-mxtuWXzyPzg9cxLWkqLq-rjieO79S6TPgACYJOIdjmA_QuzRnu-NZRSUz2Ts0COV404sZgw7PLklsL_Z3U/s640/salero.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<i> </i>Benvenuto Cellini: <i style="font-weight: bold;">Salero de Francisco I. </i>Museo de Historia del Arte. Viena</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Baccio Bandinelli </i>(1493-1560) trabajó, sobre todo, en Florencia. Aunque no destaca dentro del campo de la escultura por su perfección, sin embargo, sí realizó algunas obras interesantes, entre las que sobresale su <i>Hércules aplastando a Caco</i> (1534), hoy en la plaza de la Signoria de Florencia.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Bartolomeo Ammannati </i>(1511-1592), artista al que ya hemos estudiado en su faceta de arquitecto, hizo la escultura monumental de <i>Neptuno</i>, también en la plaza de la Signoria de Florencia y <i>las tumbas de Francesca </i>y <i>Angelo Cesi</i>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Juan Bologna </i>o Giambologna (1529-1608) encaja perfectamente dentro de las características de la escultura manierista, tal y como demuestra <i>El rapto de la Sabina </i>(1574-1580), grupo escultórico en el que emplea la línea <i>serpentinata</i> y en el dinamismo de las figuras que se alzan, unas sobre las otras, dando la sensación de que se van a desmoronar de un momento a otro. Lo mismo sucede en la figura de <i>Mercurio</i> con alas en sus pies. Tiene un pie en el aire y el otro está siendo empujado por la cabeza del viento Boreas. En <i>la Villa di Pratolino </i>esculpe en la roca, al borde de un lago, la imagen del gigante Apennino, consiguiendo con ello convertir la naturaleza en el escenario permanente de su colosal figura. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5QLO8oNhsOeN36v5oxfCHKgerrm5pk6MkoArQuZe1bAocod6LPvhA-UUDFskcMEMFq-WzGYhZiEmQ0C6wvOYFrXER2xoymzVITI1DDNPRqZnw1pmRz5rUw92SESoGyuyGIaTaxB7pxtg/s1600/bologna.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5QLO8oNhsOeN36v5oxfCHKgerrm5pk6MkoArQuZe1bAocod6LPvhA-UUDFskcMEMFq-WzGYhZiEmQ0C6wvOYFrXER2xoymzVITI1DDNPRqZnw1pmRz5rUw92SESoGyuyGIaTaxB7pxtg/s640/bologna.jpg" width="308" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Juan Bologna: <i style="font-weight: bold;">Mercurio. </i>Museo Nacional de Bargello. Florencia</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2. CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA RENACENTISTA</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Durante el Renacimiento, el arte de la pintura conoce una importante evolución que tiene su punto de partida en la obra de Giotto. Las peculiaridades de cada autor dificultan en sobremanera establecer, con carácter general, los elementos definitorios de la pintura renacentista -como ocurre en casi todos los ámbitos artísticos-. No obstante, se pueden señalar algunos aspectos comunes:</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li><b>Las técnicas </b>empleadas son <b>el fresco</b>, que alcanza su culminación en la <i>Capilla Sixtina </i>de Miguel Ángel, y el <b>óleo</b>, que hasta el siglo XV era absolutamente desconocido (en su lugar se empleaba el temple). En este mismo siglo los venecianos introducen otro gran invento: <b>el lienzo</b>. </li>
</ul>
<ul>
<li><b>Los temas </b>son tanto religiosos como profanos, dependiendo siempre del comitente. Los encargos civiles se decantan por los <b>temas mitológicos</b>, <b>alegóricos</b> e <b>históricos</b>. Comienza a tomar una gran relevancia <b>el retrato</b>, especialmente en Florencia en el siglo XIV, entre los que son particularmente interesantes los de Pisanello o Botticelli. A menudo, estos retratos se aprovechan para reflejar la situación social del personaje y su propia personalidad.</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgm7kxZA6gPwrHhPi4O65rxIzyrCIbXcquc54NGidJCMjDPMR1dvD3RECURQ0flxpS1LHQH7BwxByoT3XQzjRUf6W5iWhtJe0YqJ9fMdMIExZ_IP6hczX8hjI6Nc4oBBe_AeFBYcBvjUa4/s1600/bot.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgm7kxZA6gPwrHhPi4O65rxIzyrCIbXcquc54NGidJCMjDPMR1dvD3RECURQ0flxpS1LHQH7BwxByoT3XQzjRUf6W5iWhtJe0YqJ9fMdMIExZ_IP6hczX8hjI6Nc4oBBe_AeFBYcBvjUa4/s640/bot.jpg" width="476" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
Botticelli: <i style="font-weight: bold;">Retrato de un joven. </i>Galería Nacional. Londres</div>
<ul>
<li><b>La perspectiva </b>es la gran conquista del pintor renacentista, que descubre la personalidad de representar en un plano, es decir en un elemento bidimensional, una tercera dimensión: la profundidad. En un primer momento este efecto se consigue a través de <b>la perspectiva lineal</b>; luego llegará la <b>perspectiva aérea</b>. La perspectiva lineal es característica del <i>Quattrocento</i>. Toma como punto de partida la idea de que cuanto más lejos están los objetos más pequeños se han de representar. Se trazaban unas líneas de fuga que se unen en un punto creando una especie de pirámide visual. Esta teoría se sustenta en concienzudos estudios de geometría y, especialmente, en las aportaciones de Alberti expuestas en su tratado D<i>e pintura</i>. La perspectiva aérea, sin embargo, surge de las teorías de Leonardo. Según él, cuanto más lejanos están los objetos mayor es la cantidad de aire que se interpone entre éstos y nosotros; la lejanía desdibuja los contornos originando el <i>sfumato</i>. Plantea, además, que las cosas toman un color azulado, pues este es el color del elemento que las rodea, el aire.</li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0Cc2lL7XETp2kXaJoUQzw1rlgGWjqsvHHYkCUlUAdCzuEH4ozVTxEI0N8GzRMYKu5waDaOQULEVvDtHH1yOlsMEmtNiwm6xJEA7fa9NY6c_q1mEpuXKvEp744veqjX0oXYOsANamgiE0/s1600/cana.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="440" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0Cc2lL7XETp2kXaJoUQzw1rlgGWjqsvHHYkCUlUAdCzuEH4ozVTxEI0N8GzRMYKu5waDaOQULEVvDtHH1yOlsMEmtNiwm6xJEA7fa9NY6c_q1mEpuXKvEp744veqjX0oXYOsANamgiE0/s640/cana.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
Veronés: <i style="font-weight: bold;">Las bodas de Caná. </i>Museo del Louvre. París</div>
<ul>
<li><b>El color/ el dibujo</b>. En el <i>Quattrocento</i> el dibujo es, según lo expuesto anteriormente, más intenso, más nítido, más firme, mientras que en el <i>Cinquecento</i> pierde parte de su vigor en favor del color.</li>
</ul>
<ul>
<li><b>La luz </b>del <i>Quattrocento</i> es conceptual, es decir, no podemos adivinar la procedencia ni el foco que la genera e ilumina todo el espacio por igual. En el siglo XVI surge la idea de la luz dirigida que ilumina selectivamente. </li>
</ul>
<ul>
<li><b>El cuerpo humano </b>se convierte en una de las grandes preocupaciones de la plástica renacentista, como también lo había sido en el mundo grecorromano. Se analiza desde todos los puntos de vista posibles y se emplea frecuentemente el <b>escorzo</b>. Se introducen la naturaleza y la arquitectura dentro del cuadro como fondo en el que se desarrollan las escenas que se representan. En ocasiones, bastante idealizadas, pero, en cualquier caso, sin la minuciosidad de la pintura flamenca.</li>
</ul>
<div>
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>3. LOS PRINCIPALES PINTORES DEL <i>QUATTROCENTO</i></b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><i><br /></i></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
Los pintores del <i>Quattrocento </i>se pueden organizar de la siguiente manera:</div>
<div style="text-align: justify;">
<ul>
<li><b>Primera mitad del siglo XV: </b>Fra Angelico, Masaccio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Piero della Francesca y Filippo Lippi.</li>
</ul>
<ul>
<li><b>Segunda mitad del siglo XV:</b></li>
</ul>
<b>-Escuela florentina: </b>Benozzo Gozzoli, Ghirlandaio, Alessandro Botticelli, Verrocchio y Pollaiolo.</div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>-Escuela umbra: </b>Perugino, Pinturicchio y Signorelli.</div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>-Escuela de Padua: </b>Andrea Mantegna. </div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>-Escuela de Ferrara:</b> Cosme Tura.</div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>-Venecia: </b>los Bellini.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Fra Angelico </i>(1418-1455) ingresa en el convento de los dominicos observantes de Fiesole hacia el año 1420. Pintó dos <i>Anunciaciones</i>, una en el <i>convento de San Marcos </i>de Florencia y otra en el Museo del Prado. A partir del análisis de la que se encuentra en el museo español, podemos afirmar que en su pintura perviven muchos elementos goticistas como la proliferación de dorados o la forma de concebir la arquitectura. Al fondo de la escena se puede ver, en un jardín, a Adán y Eva que aluden a que, con el nacimiento de Cristo, el hombre va a ser redimido del pecado original. El papa Nicolás V le encargó unas pinturas murales para decorar una de las estancias del Vaticano. La obra de Fra Angelico está presidida por la sencillez y la simplicidad de sus figuras, así como por la nitidez de su dibujo. De él afirmó John Ruskin en el siglo XIX: "El arte de Fra Angelico, tanto en el dibujo como en el color, es perfecto, y su trabajo se distingue a cualquier distancia por su iridiscente despliegue de brillantez, como un ópalo entre el mármol común. (...) Su estilo, combinado con una exquisita elección del gesto y disposición de la vestimenta, da la mejor idea de seres espirituales que la mente humana haya sido capaz de formar".</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilyG2HUGbwbQOunFCS6kAtjpceAlMOrvcFzuzlvjfbsn9HzyzaLv5xzmxP4RmNifU5Pn2XYeWctzHE4kfdgqLin8uL5mB8EsYOQqTAsZsoKQKmm_vSFsqsKSvphO5Ki2r_k1QDVNAQjFE/s1600/anun.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilyG2HUGbwbQOunFCS6kAtjpceAlMOrvcFzuzlvjfbsn9HzyzaLv5xzmxP4RmNifU5Pn2XYeWctzHE4kfdgqLin8uL5mB8EsYOQqTAsZsoKQKmm_vSFsqsKSvphO5Ki2r_k1QDVNAQjFE/s640/anun.jpg" width="636" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
Fra Angelico: <i style="font-weight: bold;">La Anunciación. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Masaccio </i>(1401-1428) nos demostró con su obra que, para él, el cuerpo humano en la pintura ha dejado de ser una silueta plana que se recorta sobre un fondo para convertirse en masa, en volumen, en cuerpo sólido y contundente. En la <i>iglesia del Carmine de Florencia </i>decoró, en torno a 1424 y 1427, <i>la Capilla Brancacci </i>con escenas de la expulsión de Adán y Eva del Paraíso, en cuyos rostros se refleja la angustia, el dolor y la vergüenza tras haber cometido el primer pecado. En la <i>iglesia de Santa María Novella </i>pinta <i>la Trinidad </i>(1401-1428), en la que Cristo crucificado es sujetado por Dios Padre entronizado bajo una bóveda de cañón, pintura que, al mismo tiempo que trata de sugerir la profundidad, nos regala una representación fidedigna de la arquitectura del momento. Su obra más conocida es <i>El tributo de la moneda</i>, en <i>la Capilla Brancacci</i>.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFTdHDDjmJrzm-zDyKMjXen-QAGqhDm9fa_n-pDfq9iAmSNHQVXGE1HbLT5iMDDrjrYbkUBqtCNSDWyrZ3HpiffocqT2xxMT2aGUqDTsIgTF9I2Aw6VHE_AQLZ4CoUVhuSTaQOfzfYUQs/s1600/masaccio.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="278" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFTdHDDjmJrzm-zDyKMjXen-QAGqhDm9fa_n-pDfq9iAmSNHQVXGE1HbLT5iMDDrjrYbkUBqtCNSDWyrZ3HpiffocqT2xxMT2aGUqDTsIgTF9I2Aw6VHE_AQLZ4CoUVhuSTaQOfzfYUQs/s640/masaccio.png" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
Masaccio: <i style="font-weight: bold;">El tributo de la moneda. </i>Iglesia del Carmine. Florencia</div>
<div style="text-align: center;">
<i style="font-weight: bold;"><br /></i></div>
<div style="text-align: justify;">
Es de sobra reconocida la habilidad de <b><i>Paolo Uccello</i></b><i style="font-weight: bold;"> </i>(1397-1475) en el dominio de la perspectiva. Pintó escenas de luchas, de batallas como las del despacho de Lorenzo de Medici. La escena bélica más difundida de Uccello es <i>La batalla de San Romano </i>(1456-1460), obra que tendrá una gran trascendencia posteriormente. En su pintura también se aprecia algo de fantástico e irreal como demuestra <i>San Jorge luchando contra el dragón</i>.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKjpoOXt0keRFnxDug2QFQ6BlHak2FvLUq_C5FEwvWTIsgg0Q8jZffuovBTp1UrZj9jwc8w_GdDjGSAiAwlSqWO0LzySwLjZEHZieeoQw6uGNXwzLLVjnh121bIs-AdIORWHfaZgOcyFM/s1600/uccello.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="372" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKjpoOXt0keRFnxDug2QFQ6BlHak2FvLUq_C5FEwvWTIsgg0Q8jZffuovBTp1UrZj9jwc8w_GdDjGSAiAwlSqWO0LzySwLjZEHZieeoQw6uGNXwzLLVjnh121bIs-AdIORWHfaZgOcyFM/s640/uccello.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
Uccello: <i style="font-weight: bold;">La batalla de San Romano. </i>Galería Nacional. Londres</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Andrea del Castagno </i>(1410-1457) tiene un estilo recio y escultórico, no exento de cierta crueldad en la manera de abordar la representación de determinadas escenas. Pintó una <i>Santa Cena</i>, parecida en algunos aspectos a la de Leonardo, especialmente en la organización del espacio y la distribución de los personajes.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Piero della Francesca </i>(1416-1492) nació en Umbría. Su preocupación por la captación de la perspectiva le llevó a escribir un tratado acerca de la misma: <i>De Perspectiva pingendi</i>. Las figuras de Della Francesca son rotundas, serenas y muy escultóricas. Uno de los elementos más atractivos de su obra es la luz que colabora en la construcción de los sólidos volúmenes de sus personajes. Incluso llegó a introducir en una de las escenas del hallazgo de la veracruz de la iglesia de <i>San Francisco de Arezzo, El sueño de Constantino </i>(1452-1465), una luz artificial. Fue pintor de Segismundo Malatesta, que aparece retratado junto a la Virgen y los santos en un cuadro que hoy se encuentra en la Pinacoteca de Brera en Milán, titulado <i>La Virgen, los Santos y Federico de Montefeltro </i>(1472-1474).</div>
<div style="text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiq0JVx0z1EgMaev8ShDFKqCvRLYzUAAocg46tAWY4pE3ihq0E6_AWQmiMAKqnbn8C4Uul_V2eDJOZ8I5Qgx_M0f64EKQt88mOl5tiHh8Lt37kWbZLtVFUwNdkvp-UnX-eL9xuaesZPm08/s1600/cons.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiq0JVx0z1EgMaev8ShDFKqCvRLYzUAAocg46tAWY4pE3ihq0E6_AWQmiMAKqnbn8C4Uul_V2eDJOZ8I5Qgx_M0f64EKQt88mOl5tiHh8Lt37kWbZLtVFUwNdkvp-UnX-eL9xuaesZPm08/s640/cons.jpg" width="346" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
Piero della Francesca: <i style="font-weight: bold;">El sueño de Constantino. </i>Iglesia de San Francisco. Arezzo</div>
<div style="text-align: center;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjV7qJGiwWqaNfBzYRcXZn2pBOzYe30KsE2XO9sBhPuKbRrOD_4njNzE1V8EiYtRGoMu1E_-Pn6VjZa4e_AWrtMpdIeUfNgtr5gU1gE65jHQsUxgNvtIJTa-6u3EHHlXHxsmUbmn5WgOFw/s1600/mon.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjV7qJGiwWqaNfBzYRcXZn2pBOzYe30KsE2XO9sBhPuKbRrOD_4njNzE1V8EiYtRGoMu1E_-Pn6VjZa4e_AWrtMpdIeUfNgtr5gU1gE65jHQsUxgNvtIJTa-6u3EHHlXHxsmUbmn5WgOFw/s640/mon.jpg" width="434" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<i> </i>Piero della Francesca: <i style="font-weight: bold;">La Virgen, los santos y Federico de Montefeltro. </i>Pinacoteca de Brera. Milán</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Filippo Lippi </i>(1406-1469) es conocido por las imágenes dulces y angelicales de sus Madonnas en medio de verdes parajes, tal y como podemos ver en <i>La Coronación de la Virgen </i>(1441-1447) en la Galería de los Uffizi.</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Ghirlandaio </i>(1449-1494) pintó, junto a otros autores, en la <i>Capilla Sixtina</i>, aunque la mayor parte de la clientela procedía de la burguesía del entorno de los Medici. Es un gran retratista, poseedor de una enorme habilidad para captar la psicología de las personas. Uno de los retratos más bellos realizados por él es <i>El anciano con su nieto</i>, en el que un niño está junto a su abuelo cuya nariz aparece deformada por alguna enfermedad. En él no recurre a la idealización, muestra una situación cotidiana y familiar plena de ternura y espontaneidad.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAMeP1ej232G_LNn69qA3hAMrrsEPHbLlu7LJN8Q_i1yWQyrwy5oB98vK7noBNn1FMGqEN02QeDZG_6-6Irs84TYwa5VhWGlstAkBp76sXMe7TGtfZ7vw6pe2kT4NLByAG6O7lLDiHRSY/s1600/ghir.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAMeP1ej232G_LNn69qA3hAMrrsEPHbLlu7LJN8Q_i1yWQyrwy5oB98vK7noBNn1FMGqEN02QeDZG_6-6Irs84TYwa5VhWGlstAkBp76sXMe7TGtfZ7vw6pe2kT4NLByAG6O7lLDiHRSY/s640/ghir.jpg" width="468" /></a></div>
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Ghirlandaio: <i style="font-weight: bold;">El anciano con su nieto. </i>Museo del Louvre. París</div>
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Sandro Filipepi, al que se conoce por <i style="font-weight: bold;">Botticelli</i> (1445-1510), es sin lugar a dudas, el mejor exponente de la pintura del <i>Quattrocento</i>. Son especialmente interesantes las obras de tema mitológico, algunas de ellas de una gran complejidad. Un ejemplo de lo anterior es <i>La Primavera</i> (1478), tras la que se esconde un significado neoplatónico de difícil comprensión. Sabemos con seguridad que Botticelli conocía y compartía las ideas de Pico della Mirandola y Marsilio Ficino, grandes pensadores de corte neoplatónico. El eje compositivo de esta obra lo marca la representación alegórica de la Primavera. A la derecha, el viento Céfiro rapta a una ninfa y, junto a ellos, Flora esparciendo las flores que anuncian la llegada de la nueva estación. A la izquierda aparecen danzando las tres gracias, bellezas rubias de ojos claros y melancólicos que protagonizan muchos de los cuadros de este pintor. Sus escenas se desarrollan en medio de paisajes naturales idealizados y bastante artificiales.</div>
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Botticelli: <i style="font-weight: bold;">La Primavera. </i>Galería de los Uffizi. Florencia</div>
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Botticelli: <i style="font-weight: bold;">La historia de Nastaglio degli Onesti. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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En Umbría destaca <i style="font-weight: bold;">Perugino</i> (1448-1523), pintor importante, no sólo por su obra, sino por ser el maestro de uno de los grandes genios de la pintura: <b>Rafael</b>. Entre sus obras cuenta con numerosas <i>Madonnas </i>de formas redondeadas y rostros dulces y amables. La influencia sobre Rafael es tal que la composición de <i>La entrega de las llaves </i>es realmente parecida a la de la obra de Rafael <i>Los desposorios de la Virgen</i>.</div>
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Perugino: <b><i>La entrega de las llaves. Capilla Sixtina</i></b></div>
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<br /></div>
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En Padua sobresale <i style="font-weight: bold;">Andrea Mantegna </i>(1431-1506), conocedor de la perspectiva, de las formas escultóricas, de los edificios de la Antigüedad y de la obra de Donatello. Decoró con pintura al fresco <i>la Cámara de los Esposos</i> (1465-1474) que se encuentra en el Castillo de los Gonzaga en Mantua, con un dominio de la perspectiva y del escorzo verdaderamente asombroso. En ella consigue fingir espacios que en realidad no existen. En el Museo del Prado se puede admirar una obra suya: <i>La Dormición de la Virgen</i>, pintura pletórica de color y con una representación paisajística de gran belleza. El uso del ajedrezado para el suelo de la estancia en que se desarrolla la escena sirve para conseguir la perspectiva lineal.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhoSFApNBcnUxNGKIJSKRNv2ikfi_CjI5N38O8wkqAcCQ44C6HrzvIKkhwvtzkBXXyvXtI3en1HZhDoBe75xGWjAOGwZ41ckjjbsHbRGeGybASmHEbH-cn0JZSyrwsMzI30EVrHi1x4U3U/s1600/man.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="538" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhoSFApNBcnUxNGKIJSKRNv2ikfi_CjI5N38O8wkqAcCQ44C6HrzvIKkhwvtzkBXXyvXtI3en1HZhDoBe75xGWjAOGwZ41ckjjbsHbRGeGybASmHEbH-cn0JZSyrwsMzI30EVrHi1x4U3U/s640/man.jpg" width="640" /></a></div>
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Mantegna: <i style="font-weight: bold;">Cristo muerto. </i>Pinacoteca de Brera. Milán</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4. PINTURA DEL <i>CINQUECENTO</i></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><i><br /></i></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4.1. Leonardo da Vinci</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<i style="font-weight: bold;">Leonardo da Vinci </i>(1452-1519) nace en Florencia en el seno de una familia acomodada. Giorgio Vasari, el gran biógrafo de los artistas del Renacimiento italiano, dice de Leonardo que era admirable y divino y que nadie era comparable a él en vivacidad, bondad, ligereza y gracia. Comenzó como aprendiz en el taller de Verrocchio. En la obra de este mismo autor titulada <i>El bautismo de Cristo</i>, Leonardo ejecutó uno de los ángeles y el paisaje en el que se desarrolla la escena. Más tarde se trasladó a Milán, donde trabajó en varios proyectos urbanísticos y arquitectónicos. En el año 1493 hace una <i>Escultura ecuestre de Francesco Sforza </i>de grandes dimensiones. Aunque Da Vinci destaca en innumerables actividades, quizá su faceta más conocida sea la de pintor. Dentro del perfil de la mayoría de los artistas renacentistas, está el interesarse y cultivar múltiples campos artísticos: Leonardo da Vinci es un magnífico ejemplo de ello. Además de la pintura y la escultura, fue un gran observador de la Naturaleza: analizó el vuelo de las aves, las corrientes del agua y del viento, las nubes y llegó a diseñar una máquina para volar gracias a su capacidad de observación. Muchas de sus invenciones las conocemos a través de los manuscritos que se conservan repartidos en los grandes museos del mundo.</div>
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<br /></div>
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Como pintor, sus grandes aportaciones son la perspectiva aérea y el <i>sfumato</i>. Entre sus obras más importantes está L<i>a Virgen de las Rocas </i>(1483), en la que nos encontramos cuatro figuras que crean un misterioso ambiente, en medio de un verde y húmedo paisaje envuelto en neblinas, de contornos difuminados por la lejanía. <i>La Última Cena </i>(1495-1498) es un fresco que decora el convento de <i>Santa María de las Gracias </i>de Milán en el que el artista se decanta por la planeación del momento más tenso y dramático de la última cena de Jesucristo con sus apóstoles. La posición de las manos nos habla de la situación emocional de cada uno de los personajes. Más tarde, entre los años 1503-1506, pinta <i>La Gioconda</i>, uno de los cuadros más enigmáticos y discutidos de la Historia del Arte. El paisaje lejano y evocador sirve de marco al retrato de una mujer de misteriosa sonrisa. En el año 1510 pintó <i>Santa Ana, la Virgen y el Niño</i>, obra de composición piramidal en la que los personajes reflejan cordialidad, amabilidad y armonía en sus rostros.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioqNq5PhAKZt-Fr2nRd8wzIY-UKy6TSshL_MFnhp3Ix810BtNZoXJPVeTkT5dfgrLh-YHyop_994Vdhr986gurcPWCU93fYkminVFPCa4s4RD_L9syi1ZlK7U3kMpCUGjI0wlaID3pvqc/s1600/vi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="346" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioqNq5PhAKZt-Fr2nRd8wzIY-UKy6TSshL_MFnhp3Ix810BtNZoXJPVeTkT5dfgrLh-YHyop_994Vdhr986gurcPWCU93fYkminVFPCa4s4RD_L9syi1ZlK7U3kMpCUGjI0wlaID3pvqc/s640/vi.jpg" width="640" /></a></div>
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Leonardo da Vinci: <i style="font-weight: bold;">La Última Cena. </i>Santa María delle Grazie. Milán</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEix-ZXkdCbnlEhYRsEfgJPNaOqWE4aWCEpkrYIo9tRx8zTkf9hR_318rqtdBZZdLHmY8gRhKIU09FnOq72Jv7ZWCMdhiFvD8JhXnkWe1hlAfAqdidS6GXogZYNZng6DVkuvBqZzMR8cCHE/s1600/gio.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEix-ZXkdCbnlEhYRsEfgJPNaOqWE4aWCEpkrYIo9tRx8zTkf9hR_318rqtdBZZdLHmY8gRhKIU09FnOq72Jv7ZWCMdhiFvD8JhXnkWe1hlAfAqdidS6GXogZYNZng6DVkuvBqZzMR8cCHE/s640/gio.jpg" width="416" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
Leonardo da Vinci: <i style="font-weight: bold;">La Gioconda. </i>Museo del Louvre. París</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Leonardo da Vinci se ocupó de la pintura como si de una ciencia se tratase, con un rigor más característico de un científico que de un pintor. Hasta tal punto es cierto, que cuando quiso representar el cuerpo humano, tal y como podemos ver en <i>San Jerónimo</i>, diseccionó cadáveres, algo bastante inusual en aquel momento.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4.2. Rafael</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Rafaello Sanzio </i>o Sancio (1483-1520) nació en Urbino y desde que era niño demostró grandes aptitudes para la pintura. A la edad de once años comenzó a pintar con Perugino, con quien colaboró en la realización de importantes obras. Más tarde se independizó de él y fue a Florencia, donde permanece cierto tiempo y entra en contacto con la obra de Leonardo y de Miguel Ángel. Gracias a todas estas experiencias, Rafael se convierte en un pintor que sintetiza diversas influencias creando un estilo personal y único, paradigma absoluto del Clasicismo. Julio II lo llamó a Roma para decorar algunas estancias del Vaticano. Su vida fue breve pero su producción artística suficiente para pasar a la Historia como uno de los más grandes pintores que hayan existido.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
De su formación al lado del Perugino nos queda <i>Los desposorios de la Virgen </i>(1504). En el centro están la Virgen, san José y el sacerdote, en torno a los cuales se sitúa el resto de los personajes. Al fondo, un templete de planta octogonal hacia el que se escapa la mirada del espectador. En este caso podemos afirmar que el alumno emplea y supera con creces las enseñanzas que ha recibido de su maestro. <i>La Madonna del jilguero </i>demuestra hasta qué punto pudo influir sobre él la pintura de Leonardo. Rafael recurre a la composición piramidal, tan característica de Da Vinci y, además, recrea los fondos húmedos y desdibujados de sus obras. En Roma se ocupó de la decoración al fresco de la <i>Stanza della Segnatura </i>(en la que se celebraban sesiones de tribunales religiosos) con <i>La disputa del Sacramento, La escuela de Atenas, alegorías de la Jurisprudencia y del Parnaso </i>para exaltar ideales como la verdad, el bien y la belleza. Estos cuatro temas aludían a los cuatro campos principales del pensamiento y el saber: la Teología, la Filosofía, la Justicia y las Artes. Junto a ella se encuentra otra estancia decorada con la ayuda de sus discípulos Penni y Giulio Romano, denominada <i>Cámara de Heliodoro</i>, en la que los estudios anatómicos permiten afirmar que conocía los trabajos de Miguel Ángel. Además de un gran fresquista, fue un buen retratista, lo que queda demostrado en los retratos de <i>León X con dos cardenales</i>, de <i>Baldassare Castaglione</i> o <i>El papa Julio II </i>en sus últimos años de vida.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<div style="text-align: center;">
Rafael: <i style="font-weight: bold;">La escuela de Atenas. </i>Estancia del Vaticano</div>
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<br /></div>
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<div style="text-align: center;">
Rafael: <i style="font-weight: bold;">Retrato de un cardenal. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Rafael puede ser definido como un pintor que supo llevar a la cima el equilibrio, la serenidad y la armonía que tanto persiguió el Renacimiento y que debían de estar muy acordes con su propia personalidad, como nos cuentan de él los biógrafos de la época.<br />
<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>4.3. Miguel Ángel</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
Si bien su faceta de escultor ya se trató, Miguel Ángel también cultivó otras manifestaciones artísticas como la pintura, en la que también resplandece su genialidad. La primera pintura que realizó, o al menos la primera que se conserva, es el <i>Tondo Doni</i>, del año 1503. En él aparece la representación del mundo divino junto al mundo terrenal, cuyo nexo de unión está personificado por la imagen de san Juan Bautista. Alejado de la pintura de Leonardo da Vinci, Miguel Ángel concibe un a escena de gran belleza en la que predominan la nitidez, la precisión del dibujo y la utilización de colores vivos e intensos. En 1508 el papa Julio II le encarga la decoración de <i>La Capilla Sixtina</i> (1508-1512), obra por la que Miguel Ángel no manifestó, en un principio, demasiado entusiasmo. Los temas principales son las escenas del Génesis en las que se dan cita figuras colosales profetas de titánicas anatomías, que recuerdan al Moisés y las Sibilas. El Juicio Final fue pintado algo más tarde sobre la pared del fondo. En él es posible reconocer la barca de Caronte que lleva a los condenados al infierno. Más tarde, como resultado del Concilio de Trento, las nuevas ideas del pudor y la castidad llevan a que las "partes pudendas" fuesen "vestidas" por las pinturas encargadas a Daniel Volterra. Las gigantescas y colosales figuras miguelangelescas serán una importante fuente de inspiración para los pintores del Manierismo.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5IHb_LKi-ZDJxWu_wEhvXGMumoyE_5has1nF-9ZzZtLt9ALEnHvVl9eE7sbMt4ort9fJ80QS5erjoRDiJVtIpjhbnq3vxG8rV1kIjPZ7803jUMEwhqJUeaHNvPs8WBmNdUc10qratWwU/s1600/ae.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="296" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5IHb_LKi-ZDJxWu_wEhvXGMumoyE_5has1nF-9ZzZtLt9ALEnHvVl9eE7sbMt4ort9fJ80QS5erjoRDiJVtIpjhbnq3vxG8rV1kIjPZ7803jUMEwhqJUeaHNvPs8WBmNdUc10qratWwU/s640/ae.png" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
Miguel Ángel: <b><i>Adán y Eva. Capilla Sixtina</i></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">5. PINTURA VENECIANA</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
Venecia demostró, desde muy pronto, tener una personalidad propia, diferente a la del resto de los focos italianos en que se desarrolló la pintura renacentista. Desde el <i>Quattrocento</i>, los pintores venecianos sienten verdadera devoción por <b>el color</b>, elemento que prevalece sobre el dibujo. Es el color del mecanismo del que se sirven para plasmar <b>la luz dorada</b> de esta ciudad que fascinará a los impresionistas en el siglo XIX. En Venecia se respira un ambiente bastante oriental. Su comercio era muy rico y permitió que hasta allí llegasen gentes de lejanos países y con ellos, <b>objetos </b>y <b>animales exóticos </b>que quedan muy bien reflejados, sobre todo, en los cuadros de Veronés, más que en los de ningún otro pintor veneciano. Es un <b>arte sensual </b>que se complace en la captación de las calidades, de los cuerpos femeninos desnudos y de los brillos de lujosos objetos: se detienen en temas que pueden ser considerados secundarios y anecdóticos.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En el siglo XV aparece una generación de pintores: <i style="font-weight: bold;">los Bellini</i>, Jacopo (1400-1470), Gentile (1429-1516) Bellini son los tres miembros de esta saga de origen humilde que no se cansaron de plasmar esta ciudad en sus obras. El más importante de todos es Giovanni, autor de <i>La Deposición del cuerpo de Cristo </i>y de un buen número de <i>Madonnas</i>.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Giorgione </i>(1477/78-1510) fue discípulo de los Bellini. Es el autor que sirve para establecer el nexo de unión entre el <i>Quattrocento</i> y el <i>Cinquecento</i> en Venecia. Él fue, precisamente, quien se encargó de sustituir la minuciosidad y la precisión los paisajes de los Bellini por una pintura más suelta en la que el color desempeña un papel mucho más importante. Su obra más conocida es <i>La Tempestad </i>(1506) de complejo significado. En medio de la naturaleza una mujer desnuda amamanta a un niño bajo la atenta mirada de un caballero, al tiempo que un rayo que amenaza tormenta surca el cielo.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2ZRchCkyN7JJTaMxEMw8hJEQCfRQnWP6sRm8ovkobsrqc6i8PoCBLnw3RjE5nmEByg7AZcR5X6BxPoqfDcLJ5Y2BkNHbU02R2QJgUkLSrOiodelCZWbd2eJ3-HSbv6H0OwOjeQZK48lE/s1600/gi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2ZRchCkyN7JJTaMxEMw8hJEQCfRQnWP6sRm8ovkobsrqc6i8PoCBLnw3RjE5nmEByg7AZcR5X6BxPoqfDcLJ5Y2BkNHbU02R2QJgUkLSrOiodelCZWbd2eJ3-HSbv6H0OwOjeQZK48lE/s640/gi.jpg" width="566" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
Giorgione: <i style="font-weight: bold;">La Tempestad. </i>Academia de Bellas Artes. Venecia</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En el siglo XVI encontramos a los tres grandes representantes de la pintura veneciana: Tiziano, Tintoretto y Veronés.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Tiziano </i>(1487-1576) fue discípulo de Giorgione y sus primeras obras, que atestiguan este aprendizaje, son tan parecidas a las de su maestro que han creado grandes problemas a los especialistas a la hora de señalar su autoría. Fue un gran retratista que despertó un interés que rebasó los límites de su país. Carlos V y su hijo Felipe II fueron grandes admiradores de su pintura y se hicieron retratar por él como vemos en <i>El retrato ecuestre de Carlos V en Mühlberg </i>(1548) y de su esposa <i>Isabel de de Portugal </i>que se hallan en el museo del Prado. Tiziano puede considerarse el iniciador del <i>retrato de aparato</i>, en que el personaje aparece representado en todo su esplendor y con la máxima dignidad. Es uno de los pintores que mejor ha sabido plasmar los temas mitológicos, la desnudez del cuerpo femenino de formas blandas y redondeadas, como demuestran las Venus y el cuadro <i>Danae recibiendo la lluvia de oro </i>(1488-1490, en el Museo del Prado), las calidades y los brillos de las telas y las armaduras y la luz dorada de Venecia. A medida que va evolucionando su estilo la pincelada se va haciendo más suelta y pastosa hasta llegar a su última obra, el <i>Autorretrato</i>, que está también en el museo del Prado, de contornos borrosos y desmenuzados que preconiza la pintura impresionista.</div>
<div style="text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTJ30eOLB9_oHESPVHUwryZV0a5SdaZ6wQZYrn3dPCIeK4CTo-egw-ItPwQgu74mBmpdV6gMp4bwZ9y_zJMJiwzTNK2kRHCiON9zk6wL5tl62Fen6lSqrBO_OxzSi4HEDxxLUc73INiOE/s1600/carlosv.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTJ30eOLB9_oHESPVHUwryZV0a5SdaZ6wQZYrn3dPCIeK4CTo-egw-ItPwQgu74mBmpdV6gMp4bwZ9y_zJMJiwzTNK2kRHCiON9zk6wL5tl62Fen6lSqrBO_OxzSi4HEDxxLUc73INiOE/s640/carlosv.jpg" width="538" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<i> </i>Tiziano: <i style="font-weight: bold;">Retrato ecuestre de Carlos V en Mühlberg. </i>Museo del Prado.</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFutGHSFJZef8CnlviqWKRRW-P5O0BpCVVAsoF8_VPQv3iZUzIMDAeuFOR0gXm3UwkmLMeqcwmjpOmB7lv3XBv37PUIvBHjTMFrbQO9bbx6dDI6v6LnC1GHKGIlt6nHHgEqhGBRtnPIuo/s1600/danae.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="452" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFutGHSFJZef8CnlviqWKRRW-P5O0BpCVVAsoF8_VPQv3iZUzIMDAeuFOR0gXm3UwkmLMeqcwmjpOmB7lv3XBv37PUIvBHjTMFrbQO9bbx6dDI6v6LnC1GHKGIlt6nHHgEqhGBRtnPIuo/s640/danae.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
Tiziano: <i style="font-weight: bold;">Danae recibiendo la lluvia de oro. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Paolo Veronés </i>(1528-1588) es el pintor de las grandes arquitecturas inspiradas en las obras <i>palladianas</i>, de las fiestas, del exótico mundo veneciano, el colorido de los ricos ropajes y joyas de las mujeres de esta ciudad y de lo anecdótico, componentes que favorecen la transmisión en su pintura de un mundo repleto de sensaciones placenteras y alegres. Entre sus obras más importantes se encuentra <i>Las bodas de Caná </i>(1563).</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwPZ7DnyIeOMSyr__Jjw8eyKS3uzauGDgDKWW_wOMtIm3KbQiPuj9WLv_1BcNBye_3R43YpHnjpo8g5r900KqvLbGaglN-zBvN5_pJjmVuf0gC8whpEonM_58JV3Gmcply_bzHXdyK9wI/s1600/ver.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="347" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwPZ7DnyIeOMSyr__Jjw8eyKS3uzauGDgDKWW_wOMtIm3KbQiPuj9WLv_1BcNBye_3R43YpHnjpo8g5r900KqvLbGaglN-zBvN5_pJjmVuf0gC8whpEonM_58JV3Gmcply_bzHXdyK9wI/s640/ver.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
Veronés: <i style="font-weight: bold;">Jesús ante los doctores. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Jacoppo Robusti, conocido como <i style="font-weight: bold;">Tintoretto </i>(1518-1594), se cree que fue discípulo de Tiziano aunque ambos poseen estilos muy diferentes. Un dato significativo es que prefiere los colores fríos frente a los cálidos de la pintura del anterior. En él confluyen la violencia y las anatomías rotundas de Miguel Ángel, la distorsión y el movimiento del Parmigianino y la capacidad narrativa del Veronés. Sus fuertes contrastes de luz y su manera de entender el espacio anuncian la proximidad del Barroco. Una de sus obras más interesantes es <i>El lavatorio de los pies </i>(1547). Fue pintada para <i>la iglesia de Marcuola </i>de Venecia. Toda la escena se desarrolla en un marco arquitectónico grandioso al fondo del cual nos encontramos con los canales venecianos. En esta pintura, los colores fríos y la luz sirven para aumentar la fuerte teatralidad de la obra. En el año 1550 inició los frescos de la iglesia de <i>Santa Maria dell'Orto</i>, empezando con <i>La Presentación de la Virgen</i>. En la pintura de Tintoretto están presentes muchos rasgos manieristas como la estilización voluntaria de las figuras, la preferencia por los colores fríos y el empleo de una luz un tanto irreal, aspectos todos ellos que influirán decisivamente en la pintura de El Greco.</div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifm5NlrwXAtcFg3ouDWEYeBkpnWu3r5oeN0pIKD_S8wwvmlWBSRsGjo2xfNrcwW387rnt5D3TAEysTYvuRIsr7DiFS7MPKrYCwOTkiMZrZXo2k4xh4wOHRj6gGFnmbTlSsubs6DNzyPNw/s1600/lav.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="248" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifm5NlrwXAtcFg3ouDWEYeBkpnWu3r5oeN0pIKD_S8wwvmlWBSRsGjo2xfNrcwW387rnt5D3TAEysTYvuRIsr7DiFS7MPKrYCwOTkiMZrZXo2k4xh4wOHRj6gGFnmbTlSsubs6DNzyPNw/s640/lav.jpg" width="640" /></a></div>
Tintoretto: <i style="font-weight: bold;">El lavatorio de los pies. </i>Museo del Prado. Madrid<br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>6. LA PINTURA MANIERISTA</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Durante el segundo tercio del siglo XVI se extiende un malestar generalizado derivado de las situaciones de decadencia económica y política. En 1527 se produce el saqueo de la ciudad de Roma, momento culminante del enfrentamiento entre el papado y el imperio, que finaliza con la toma de la ciudad de Roma por las tropas imperiales salidas de Milán, las cuales devastaron brutalmente Roma. Esta inquietud provoca en determinados artistas una cierta necesidad de evasión que pudo potenciar el desarrollo de la pintura manierista. El término sugiere una voluntad de seguir las pautas dadas por los grandes del Renacimiento como Miguel Ángel y Rafael, especialmente el primero, es decir, de pintar siguiendo su <i>maniera</i>, su estilo. La pintura manierista se caracteriza por:</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li style="text-align: justify;">Pérdida de la necesidad de representar el <b>cuerpo humano </b>según las proporciones de carácter más o menos clásico, de acuerdo a los principios de armonía y equilibrio, de tal modo que éste se hace más estilizado, más alargado e irreal.</li>
</ul>
<ul>
<li style="text-align: justify;"><b>El espacio </b>dentro del cuadro ya no es interpretado como algo que se obtiene gracias a la matemática y la geometría. La concepción del espacio es más caótica, más dinámica, más fluida y, parece, en muchos casos, que los personajes van a salirse de su marco espacial para abalanzarse sobre el espectador. </li>
<li style="text-align: justify;"><b>Los colores </b>se intensifican y se busca la captación del movimiento. Esto hace que surja con fuerza el empleo de la <b>línea </b><i style="font-weight: bold;">serpentinata</i>, las líneas curvas que refuerzan la sensación de inestabilidad.</li>
</ul>
<div style="text-align: justify;">
Antonio Allegri, <i style="font-weight: bold;">Correggio </i>(1494-1534), es un fiel seguidor de la pintura de Rafael y de su estilo clásico y sereno. De Leonardo da Vinci aprendió la técnica del <i>sfumato</i>. Se cree que se formó con Andrea Mantegna. Cuando era casi un muchacho fue llamado para decorar las cúpulas de <i>San Pablo de Parma</i> que tuvieron tal éxito que fuese reclamado cierto tiempo después para decorar las de <i>la iglesia de San Juan </i>en la misma ciudad. Además de temas religiosos, Correggio es un gran pintor de escenas mitológicas como <i>Danae </i>y <i>La fábula de Leda</i>, realizadas todas ellas entre 1530 y 1532. La mayor parte de los pintores de su época coinciden en resaltar la belleza del colorido de sus cuadros y los atrevidos escorzos de las figuras que aparecen en ellos, cuyos cuerpos giran y se contorsionan de un modo excepcional.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZEagCnnqFjFSf8mp6K-64DzOehk06UM7jBWfiXc0KINI01_JF9T889Ki-FvXPlSq4krwhyphenhyphenHCMn-uyFF9DGD95f3S9mJ1Dr-faldi0TQJJZKnHTcqwZiRfPYmkWSj2T2RAsPk3qb-aD9o/s1600/cor.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZEagCnnqFjFSf8mp6K-64DzOehk06UM7jBWfiXc0KINI01_JF9T889Ki-FvXPlSq4krwhyphenhyphenHCMn-uyFF9DGD95f3S9mJ1Dr-faldi0TQJJZKnHTcqwZiRfPYmkWSj2T2RAsPk3qb-aD9o/s640/cor.jpg" width="276" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
Correggio: <i style="font-weight: bold;">El rapto de Ganímides. </i>Museo de Historia del Arte. Viena</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
El <i style="font-weight: bold;">Parmigianino </i>(1503-1540) se llamaba en realidad Francesco Mazzola. El sobrenombre se debe a su origen parmesano. Se formó en estrecho contacto con la obra de Correggio. A diferencia de éste, viajó a Roma en 1524. Su obra se caracteriza, ante todo, por la tremenda estilización a la que se somete a la figura humana; se dice que le gustaba observar las deformaciones que sufren los objetos al ser vistos desde diferentes lentes. Su cuadro más conocido es <i>La Madonna del pollo lungo </i>(1535), de una esbeltez desproporcionada, colores predominantemente fríos y una luz irreal y blanquecina.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgs7J6MKl3-O-_U-7Zp5eRM-ffPDdB9wN-qmXIvJkAH43KFHTF8V17jXqzHch9B4gyJaxEcDXnmBas6Lsol4uDVsCvE9xR3NTYP0yM5dHnAWo9SF0FJjXzHLa7I5KdezvshTuAnDmXeA1s/s1600/mad.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgs7J6MKl3-O-_U-7Zp5eRM-ffPDdB9wN-qmXIvJkAH43KFHTF8V17jXqzHch9B4gyJaxEcDXnmBas6Lsol4uDVsCvE9xR3NTYP0yM5dHnAWo9SF0FJjXzHLa7I5KdezvshTuAnDmXeA1s/s640/mad.jpg" width="394" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
Parmigianino: <i style="font-weight: bold;">La Madonna del collo lungo. </i>Galería de los Uffizi. Florencia</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En Florencia sobresale <i style="font-weight: bold;">Jacopo Pontormo </i>(1494-1556), pintor verdaderamente influido por Miguel Ángel y Leonardo. Es un gran conocedor de la anatomía -que distorsiona y alarga hasta extremos insospechados, rodeándola de ropajes que parecen flotar a su alrededor- y del dibujo. Domina el retrato, en el que no sólo es fiel a la fisonomía del retratado, sino que además es capaz de penetrar en su psicología, de tal modo que de ellos se desprende una extraña sensación de realidad. Una de sus obras más interesantes es <i>La Visitación.</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div style="text-align: justify;">
Discípulo de Pontormo era <i style="font-weight: bold;">Bronzino </i>(1503-1572) retratista de toda la familia de Cosimo de Medici y las gentes de su tiempo, cuyos espíritus fue capaz de captar a través de sus rostros. Él, al igual que la mayoría de los pintores manieristas, era un gran admirador de la pintura de Miguel Ángel. En su obra <i>Venus, Cupido, la Locura y el Tiempo </i>trata de censurar los vicios a través de largos y seductores cuerpos pálidos impregnados de sensualidad que parecen desbordar los límites del lienzo.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjklG8lfzh8hmELF0mNLUUpLQS-0KNVYUwVQZrG-LKqlrDSeRt-Byaw6lD_3dzCBfuKTiJjp1i9G0ytzZYPTZuI6DILqOE3qqaKDXNrANaB7v9a52V1AostMPU7AKBvAmuw6NFqpBM1N08/s1600/ve.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjklG8lfzh8hmELF0mNLUUpLQS-0KNVYUwVQZrG-LKqlrDSeRt-Byaw6lD_3dzCBfuKTiJjp1i9G0ytzZYPTZuI6DILqOE3qqaKDXNrANaB7v9a52V1AostMPU7AKBvAmuw6NFqpBM1N08/s640/ve.jpg" width="500" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
Bronzino: <i style="font-weight: bold;">Venus, Cupido, la Locura y el Tiempo. </i>Galería Nacional. Londres</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En Siena tenemos un interesante representante de la pintura manierista: <i style="font-weight: bold;">Domenico Beccafumi </i>(1486-1551), que evoluciona desde la pintura sienesa del <i>Quattrocento </i>hasta la romana del siglo XVI. También en él los colores son intensos y las posturas forzadas.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>7. LA PINTURA RENACENTISTA EN OTROS PAÍSES EUROPEOS</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
En <b>Francia </b>surgió la llamada Escuela de Fontainebleau, integrada por una serie de pintores reunidos en torno a Francisco I. Entre éstos se encontraban algunos de origen italiano que fueron llamados expresamente para trabajar al servicio del rey. Se sabe que, durante cierto tiempo, Leonardo da Vinci y Andrea del Sarto estuvieron en Francia, lo cual no sólo significa que hiciesen alguna obra para el rey, sino que con su presencia ejercieron una influencia decisiva sobre los pintores franceses del momento.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Jean Clouet </i>(1477-1541), aunque era de origen flamenco, trabajó durante buena parte de su vida en Francia. Era un gran dibujante y un agudo retratista.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En los <b>Países Bajos </b>la pintura durante el siglo XVI estuvo representada por <i style="font-weight: bold;">Brueghel el Viejo </i>(1525-1569), que reflejó en sus cuadros el mundo campesino y costumbrista, así como los paisajes montañosos que conoció en su viaje a Italia. Son frecuentes en él los paisajes helados, como el del Museo de Historia del Arte de Viena, en el que unos cazadores contemplan el lago helado de espaldas al espectador. Este pintor es el continuador más firme de la tradición flamenca, minuciosa y moralizante, presente, como ya hemos tenido ocasión de ver, en la pintura del Bosco. Otro importante pintor es <i style="font-weight: bold;">Quentin Metsys </i>(1466-1530). Hay que ser cuidadosos a la hora de considerar como pintor renacentista a este autor, puesto que en él se conservan muchos rasgos de goticismo (<i>El cambista y su mujer</i>).</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhznYbelZzhkquSp5_M1kGLMby9fKrawAdsmIVColxM3KDWcEo2GHdou5AJfK2jPHpNLtncHZI5lqConz94tDlLW4QQbA5PQbp7UqENsSg2RVb9wwQWDCEdCk6yzmXbXXwDQGU8Mzq7DYE/s1600/bru.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="440" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhznYbelZzhkquSp5_M1kGLMby9fKrawAdsmIVColxM3KDWcEo2GHdou5AJfK2jPHpNLtncHZI5lqConz94tDlLW4QQbA5PQbp7UqENsSg2RVb9wwQWDCEdCk6yzmXbXXwDQGU8Mzq7DYE/s640/bru.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
Brueghel el Viejo: <i style="font-weight: bold;">El Censo de Belén. </i>Bannefantem Museum. Maastricht</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En <b>Alemania </b>el Renacimiento será encarnado por <i style="font-weight: bold;">Durero </i>(1471-1528) -Albert Dürer- nacido en Nuremberg, una de las ciudades alemanas con mayor ambiente cultural en el siglo XVI. Son especialmente interesantes sus autorretratos, los bocetos de animales y plantas, que demuestran su interés por la naturaleza desde un punto de vista más bien científico y los grabados. En el Museo del Prado se conservan dos de sus obras más interesantes: <i>Adán y Eva </i>(1507) y <i>El autorretrato </i>(1498). <i>Adán y Eva </i>son dos tablas regaladas por la reina Cristina de Suecia al rey Felipe IV, en ellas el pintor se deleita en la captación de anatomías clásicas trazadas con un dibujo firme que atestigua, además, sus grandes dotes como grabador. <i style="font-weight: bold;">Hans Holbein </i>(1471-1528) fue un gran retratista que, además de pintar a sus personajes con gran dignidad, captó con asombroso detallismo las joyas y las vestimentas. Durante su estancia en Inglaterra realizó <i>El retrato de Enrique VIII</i>, una de sus obras más conocidas. <i style="font-weight: bold;">Arcimboldo</i> (1527-1593) fue pintor de la corte de Rodolfo II y llevó a cabo varias series de cuadros sobre diferentes temas que tienen, como común denominador, que los rostros de los personajes se forman por la agregación de objetos alusivos al tema que se trata como en <i>La Primavera</i>. <i style="font-weight: bold;">Cranach </i>(1472-1553) fue amigo personal de Lutero y realizó tantos cuadros mitológicos, protagonizados por mujeres desnudas fríamente representadas, como otros de asunto religioso (<i>El paraíso </i>y<i> Gran Crucifixión</i>). </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-CeAuDHQ1oW81UdtyirQErEIoabMLX7JiIeVVuvItWXunN8uS3ODNo-AyghyZ9e-1zqM9yrCM5tN2zw_YhWuPacE2kdcWZQjee9VG8HQ_V0kA8fp03NHsMXWD0U9tJmpqUwzFvwY_syI/s1600/du.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-CeAuDHQ1oW81UdtyirQErEIoabMLX7JiIeVVuvItWXunN8uS3ODNo-AyghyZ9e-1zqM9yrCM5tN2zw_YhWuPacE2kdcWZQjee9VG8HQ_V0kA8fp03NHsMXWD0U9tJmpqUwzFvwY_syI/s640/du.jpg" width="506" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
Durero: <i style="font-weight: bold;">Autorretrato. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIjT0e_iPS_GYpG35Be8MbLtFEPWzhcbGuD0QeoovVO0J0FM6MbuopWw9mmEqKN8k7MfIv0-5R0Swx8Y4bwfVQwVQlLKEaOhrNDlp3VFXQ9vcTulOw3-1WTyds35j8VrJ1mN98_wipApg/s1600/eva.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIjT0e_iPS_GYpG35Be8MbLtFEPWzhcbGuD0QeoovVO0J0FM6MbuopWw9mmEqKN8k7MfIv0-5R0Swx8Y4bwfVQwVQlLKEaOhrNDlp3VFXQ9vcTulOw3-1WTyds35j8VrJ1mN98_wipApg/s640/eva.jpg" width="228" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Durero: <i style="font-weight: bold;">Eva. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyG9TOy7lPc5oscQA35AQvIc1hyphenhyphennJJVWIZdnKdL1R-vrCswGwJiZc-2iIggDynZUJZW8oT6LYhHxl2Kp-rhk7H0xhSZxZkR-M5PPjOmfvG5OqDBlDSEztu7xfvHc0aPvCli39UZC65wFM/s1600/arcim.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyG9TOy7lPc5oscQA35AQvIc1hyphenhyphennJJVWIZdnKdL1R-vrCswGwJiZc-2iIggDynZUJZW8oT6LYhHxl2Kp-rhk7H0xhSZxZkR-M5PPjOmfvG5OqDBlDSEztu7xfvHc0aPvCli39UZC65wFM/s640/arcim.jpg" width="528" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Arcimboldo: <i style="font-weight: bold;">La Primavera. </i>Galería de los Uffizi. Florencia</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>El arte en el siglo XV</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Lo que presta emoción a los progresos del siglo XV es que los artistas persiguieron correspondencias objetivas con la Naturaleza, que desencadenaron tremendas energías, suscitaron un penetrante espíritu de libre indagación que, a su vez, alimentó atrevidas ideas y produjo brillantes estilos individuales. Antes de que hubiera transcurrido la mitad del siglo, una galaxia de talentos coronó el arte italiano: Masaccio y Veneciano, los escultores Donatello y Ghiberti y los arquitectos Brunelleschi y Alberti desarrollaron tanto teórica como empíricamente bases científicas para los medios de representación (...). Además, estos recursos abstractos para interpretar y ordenar- perspectiva, proporción, anatomía y estudio de la luz- no fueron prerrogativa única de la escultura o la pintura. Se establecieron criterios seculares para realizar y juzgar todo el arte".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
(ESSEN , A. E. <i>Los propósitos del arte</i>, 1971)</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>A FONDO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><i>LA CAPILLA SIXTINA</i></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b>MIGUEL ÁNGEL</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>La Capilla Sixtina </i>fue mandada construir en el año 1475 por el papa Sixto IV. Por encargo del papa Julio II, Miguel Ángel comienza su decoración en 1508 concentrándose en la bóveda y en la pared del altar. Vasari cuenta en las <i>Vidas </i>que Miguel Ángel no estaba muy interesado en el trabajo que se le encomendó y que, paradójicamente, le habría de convertir en uno de los genios de la pintura universal: "Estando Miguel Ángel de vuelta en Roma y opinando el papa que no debía terminar por el momento su sepultura (...). Miguel Ángel, estimando que pintar la bóveda de dicha capilla era un trabajo largo y difícil y considerando su poca práctica en los colores, buscó por todos los medios descargarse de este peso recomendando a Rafael para este trabajo".</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Para decorar este espacio, Miguel Ángel realizó dos proyectos. En el primero, más sobrio y pobre, solventaba de la manera más simple posible los requerimientos del papa, mientras que el segundo, de carácter más amplio, fue el que finalmente se llevó a cabo. En esta obra existe un aspecto que ha de ser tomado como algo absolutamente excepcional: es el autor, y no el papa, quien establece el programa iconográfico. <i>La Capilla Sixtina </i>representa cuatro años de inmenso trabajo en solitario, cuyo fruto es una de las obras de arte más impresionantes que se pueden contemplar.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Desde el punto de vista técnico, Miguel Ángel elige el fresco para la decoración de las paredes de la <i>Sixtina</i>. Tras la reciente restauración, se ha descubierto que los colores eran brillantes, intensos y más vivos de lo que se creía hasta este momento; ha sido suficiente retirar el hollín que se había acumulado sobre los frescos para obtener una visión totalmente diferente del conjunto, contradiciendo de esta manera las opiniones e muchos historiadores que afirmaban que, en la pintura miguelangelesca, el color ocupó un lugar muy secundario.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgysePxHjpgtebGn6HUPk5lqG1dWKQo3fy6vPf6R1gfhxwuqhR5mlAvK-XqIyswGS7AepHUCcXl1tbeO51HIX0x1xaccRnX03c1vtX7n7vIU3S3anHqsY8IaULw7FXF8g9cofaGakHooks/s1600/sixt.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgysePxHjpgtebGn6HUPk5lqG1dWKQo3fy6vPf6R1gfhxwuqhR5mlAvK-XqIyswGS7AepHUCcXl1tbeO51HIX0x1xaccRnX03c1vtX7n7vIU3S3anHqsY8IaULw7FXF8g9cofaGakHooks/s640/sixt.jpg" width="628" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Sibila de la <b><i>Capilla Sixtina</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
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El programa iconográfico es de carácter humanístico-religioso. Incluye escenas del <i>Génesis</i> como la separación de la luz y las tinieblas, la creación de los astros, la creación de Adán y Eva, el pecado original, el diluvio, la embriaguez y sacrificio de Noé. La escena del Diluvio, por ejemplo, se articula en varios episodios, en los que el autor ha cuidado con mimo cada uno de los pequeños detalles que lo integran. Junto a estas escenas del Diluvio aparecen los siete Profetas de la tradición hebrea y las sibilas, todos ellos en diferentes actitudes; unos leen, otros meditan o escriben como si estuviesen recibiendo la inspiración divina. Lo más sorprendente de estas imágenes es el tamaño; tanto las anatomías masculinas como las femeninas son titánicas, rotundas y musculosas. Tanto los profetas como las sibilas demuestran que la escultura influyó decisivamente en la manera que Miguel Ángel tenía de entender la pintura.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Las tres escenas de la Creación son las últimas que llevó a cabo. La Creación del hombre es la más conocida de todas ellas. Dios ha sido representado como un colosal ser de la mitología que extiende su mano para infundir vida en el cuerpo de Adán. Así describe Gombrich la escena: "Adán está tumbado en la tierra con todo el vigor y la belleza que corresponde al primer hombre; por el otro lado se acerca el Dios Padre llevado y sostenido por sus ángeles, envuelto por un manto majestuoso como una vela y sugiriendo la facilidad con que flota en el vacío. Cuando extiende su mano, no sólo toca el dedo de Adán sino que casi podemos ver al primer hombre despertando de un sueño profundo para contemplar a su hacedor".</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En la pared del fondo de la <i>Capilla Sixtina </i>se sitúa el Juicio Final. Miguel Ángel pintó estas escenas en un momento de profunda crisis personal. En este espacio se agolpan casi cuatrocientos personajes sabiamente distribuidos alrededor de Jesucristo Juez al lado de la Virgen María. Aquí también es posible observar una imagen de san Bartolomé, a quien algunos expertos consideran el autorretrato del propio Miguel Ángel. En un nivel inferior, los ángeles tocan la trompeta como anuncio de la proximidad del Juicio Final y, a ambos lados de éstos, los elegidos y los condenados. En el espacio de los condenados los personajes se agolpan unos contra otros y ensaya escorzos verdaderamente atrevidos. Finalmente, sitúa las escenas de la Resurrección de los muertos y la barca de Caronte, en la que serán transportados los condenados. En una carta que Doni escribió a Miguel Ángel dice lo siguiente sobre el Juicio Final: "Me resuena en los oídos la fama del Jucio; creo que, a causa de su belleza, el día en que Cristo venga en toda su divinidad impondrá que todos adopten las mismas actitudes, muestren esa belleza y el infierno tenga esas tinieblas que habéis pintado".</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgaMcAEdgXkl32ooQ9FYj45siOYiohiN2CERdpMwxA7IIDwI5lv1i4P7eLbXv_ZbRKs0GxXmTZV7VDoTpysDkAUSsv2TNyEt3lwhV_jkdiwsaKIEdJ_BtjaJV0drpiZo_PmZeh7ZB-jKnI/s1600/cap.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgaMcAEdgXkl32ooQ9FYj45siOYiohiN2CERdpMwxA7IIDwI5lv1i4P7eLbXv_ZbRKs0GxXmTZV7VDoTpysDkAUSsv2TNyEt3lwhV_jkdiwsaKIEdJ_BtjaJV0drpiZo_PmZeh7ZB-jKnI/s640/cap.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Vista de la bóveda de la <b><i>Capilla Sixtina</i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<b><span style="font-size: large;">GLOSARIO</span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Cera perdida</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Técnica para el trabajo del bronce que consiste en realizar una figura moldeada en cera que se recubre de barro para hacer un molde. Se le hace a éste un agujero por el que se cuela el bronce fundido. Si se quiere que la figura sea hueca, el proceso se hace más complejo. Se requiere un molde exterior y otro interior y se cuela la cera entre ambos. Una de las características de esta técnica es que se puede repetir la escultura tantas veces como dure el molde.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><i>Schiacciato</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Este término procede, como otros muchos de términos artísticos, del italiano. Deriva del verbo <i>schiacciare </i>que significa aplastar. Hace referencia al relieve en el que lo que está más próximo al espectador posee más volumen que aquello que está más alejado, que aparece en relieve muy bajo. También se denomina relieve pictórico.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>La Piedad</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Es una de las obras de Miguel Ángel que actualmente se encuentra en San Pedro del Vaticano. Es una perfecta estructura piramidal, la Virgen-niña, encarnación de la belleza neoplatónica, sujeta entre sus brazos el cuerpo de Cristo muerto. Sobre su pecho una banda en la que Miguel Ángel escribió su nombre. Más tarde volverá a repetir este mismo tema empleando recursos bien diferentes.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><i>El salero de Francisco I </i>de Benvenuto Cellini</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Es una de las piezas de orfebrería más bellas que existen. Así lo describe el autor: <i>El mar en forma de hombre sostiene un barco finamente labrado que puede contener bastante sal; debajo puse cuatro caballos marinos y a la figura le di un tridente. La tierra, en forma de hermosa mujer, tan graciosa como me fue posible. A su lado coloqué un templo ricamente adornado para poner la pimienta.</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Perseo</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Era hijo de Zeus y dio muerte a la gorgona Medusa, con cabellos de serpiente, que con sólo mirar dejaba petrificados a los hombres. Huyó de dos medusas supervivientes a lomos de su caballo Pegaso.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Escorzo</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Modo de representar un objeto o una figura que se halla dispuesta perpendicularmente al plano.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><i>Capilla Brancacci</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En este caso la acción se desarrolla en un marco natural en el que también tiene cabida la arquitectura de corte clásico. Los personajes proyectan su sombra en el suelo ligándose a la tierra que pisan; son figuras consistentes aunque carecen de fuerza expresiva. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><i>El nacimiento de Venus </i>de Botticelli</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Una de las obras más interesantes de Botticelli es <i>El nacimiento de Venus </i>(1482). La diosa emerge de una venera rodeada por Céfiro, que sujeta entre sus brazos a la ninfa Cloris, a la que acaba de raptar y una Hora que extiende su manto para recibir a Venus cuyo cuerpo nos remite directamente a la escultura clásica.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><i>La Gioconda </i>(1503-1506)</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Sobre un paisaje rocoso y húmedo se recorta la figura de una enigmática mujer a la que los historiadores no terminan de identificar. Además de Gioconda, se le ha llamado Mona Lisa que podría provenir de la <i>Madonna </i>Lisa di Antonio Maria Gherardini, esposa de Francesco del Gioconda, aunque esto no se sabe con seguridad. Lo más inquietante de este cuadro es el motivo de su tímida sonrisa.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><i>La Escuela de Atenas</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"En el nivel superior están situados los filósofos; enmarcados por la bóveda aparecen los representantes más importantes, Platón y Aristóteles. Este último señala a la Tierra; Platón, al cielo: cada uno de acuerdo a su doctrina".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>F. Antal</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Sibilas</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Mujeres que desempeñan un papel muy parecido al de los profetas, que se encargaban de anunciar la redención de los pueblos paganos. El descubrimiento de estos personajes se produjo sobre todo durante el Renacimiento, durante el cual fueron representadas por múltiples pintores, no sólo por Miguel Ángel.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Caronte</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Figura de la mitología clásica que conducía una barca que atravesaba la laguna Estigia, llevando a los difuntos al reino de Hades (al infierno).</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">CITAS</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<i>"A cada concursante le fue entregado el bronce y le fueron señaladas las dimensiones y la forma del contorno mixtilíneo, que debían de ser iguales, como advierte Manetti, a las formelle de la primera puerta, de Andrea Pisano, y le fue señalado el tema: el sacrificio de Isaac".</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>L. Ghiberti</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"La misma naturaleza nos ha puesto delante de los ojos todas las medidas del cuerpo humano; y así el estudioso hallará mucha utilidad en la investigación de estas proporciones por sí mismo del natural".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>León Battista Alberti</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"La perspectiva contiene tres partes principales, que llamamos disegno, medida y color. Por disegno aludimos a perfiles y contornos que contienen objetos. Por medida designamos los perfiles y los contornos puestos proporcionalmente en sus debidos sitios (...)".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Piero della Francesca</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Para Botticelli el arte es rito, culto a una divinidad desconocida (...). Inspiración y furor"</i><i>.</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Argan</b></div>
</div>
GreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-487784536844186772015-07-28T12:04:00.002-07:002015-08-11T05:43:36.847-07:00La arquitectura del Renacimiento italiano<b>En un intento por definir un fenómeno cultural tan complejo como el Renacimiento, podríamos decir que es una vuelta al mundo clásico, un ensayo por deshacerse definitivamente del teocentrismo medieval, en el que el hombre quedaba anulado por la omnipresencia de Dios. El arte renacentista se volcará en la búsqueda del resurgimiento de los valores más nobles del ser humano: la voluntad, la razón y la belleza.</b><br />
<b>La vuelta al mundo clásico no debe ser interpretada como un hallazgo del Renacimiento. Durante la Edad Media, aunque de un modo más soterrado, el mundo clásico subsistió, tal y como hemos estudiado en unidades anteriores. Podemos hablar, entonces, de la existencia en el mundo medieval de pequeños renacimientos que anuncian el verdadero renacer de la cultura clásica que tiene su más alta expresión en el Renacimiento italiano.</b><br />
<b><br /></b>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcee3GnPjMUFdvpTXYyV5Wy-uKj-PKWKtCKYYDc-voy49Vf2YKuFEFxHOiwNtN9EPFByknuYRi1U7H2R-WjP127TbkmhoUaNYnkAH0Y1SXAp-ZLEoFsYHneEwCwS-r1xhmwZmj3pVx9OE/s1600/bramante.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcee3GnPjMUFdvpTXYyV5Wy-uKj-PKWKtCKYYDc-voy49Vf2YKuFEFxHOiwNtN9EPFByknuYRi1U7H2R-WjP127TbkmhoUaNYnkAH0Y1SXAp-ZLEoFsYHneEwCwS-r1xhmwZmj3pVx9OE/s640/bramante.jpg" width="480" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Bramante: <i style="font-weight: bold;">San Pietro in Montorio. </i>Roma</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>1. ASPECTOS GENERALES DEL RENACIMIENTO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El origen del término Renacimiento es francés y se acuña para designar un movimiento artístico pero, sobre todo, una corriente de pensamiento, que aparece en Italia y se desarrolla durante los siglos XV y XVI. Los escritores italianos Francesco Petrarca, Dante y Bocaccio desempeñaron un papel decisivo en la aparición del Renacimiento aunando su escaso interés por la Edad Media con su admiración por todo lo acaecido en la Antigüedad romana.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
A la hora de comprender y analizar el Renacimiento existe una serie de factores esenciales que hemos de tener en cuenta.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li><b>El mundo clásico</b></li>
</ul>
Sin renunciar a todo aquello que conlleva la mentalidad cristiana, el hombre del Renacimiento vuelve los ojos a la Antigüedad grecolatina, puesto que ve en ella encarnación de una serie de ideales que no reconocen en la Edad Media. El Renacimiento considera que, en la Antigüedad, el hombre y la búsqueda racional de la verdad eran los ejes fundamentales en torno a los que giraba todo. Estos dos aspectos son precisamente los que se desea rescatar para colocar al ser humano en el centro de la Creación, lugar que fue ocupado por Dios a lo largo de toda la Edad Media.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Por este motivo, se inicia un exhaustivo estudio de todos los ámbitos culturales del pasado grecolatino, lo que implica el análisis de la arquitectura, los tratados, la mitología y la literatura (Ovidio, Horacio, Salustio, Séneca, Sófocles, Euripides, Herodoto, etc.).</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li><b>Del teocentrismo al antropocentrismo. El nacimiento de la ciencia</b></li>
</ul>
<div>
Los cambios que habían comenzado a gestarse en el Gótico culminan en este momento. </div>
<div>
<br /></div>
<div>
El hombre está en el centro de la Creación y comienza a emplear la razón, en oposición al conocimiento medieval que se movía en el ámbito de la fe.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
La razón y la investigación llevaron a Nicolás Copérnico al descubrimiento y aseveración de una gran verdad: la Tierra no está en el centro del Universo sino que gira alrededor del Sol (D<i>e revolutionibus orbium caelestium</i>).</div>
<div>
<br /></div>
<div>
Por otro lado, se produjeron grandes avances en el campo de la navegación que permitieron el descubrimiento de nuevos territorios, entre ellos América.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
Se inició un nuevo método de estudio y análisis de la realidad que se basa en la observación, la formulación de una ley y la comprobación de la misma.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
El conocimiento de la anatomía experimentó un gran desarrollo, lo que tendrá su reflejo en una mayor corrección al representar el cuerpo humano.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
El alemán Johannes Gutenberg inventa la imprenta, lo que permite divulgar los conocimientos y la literatura más rápidamente y a más bajo costo.</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li><b>El mecenazgo y el artista</b></li>
</ul>
<div>
Durante la época que conocemos como Renacimiento, el patrocinio de la realización de obras de arte deja de ser una actividad única y exclusivamente de la monarquía y del clero -como había sucedido anteriormente- y se convierte en algo que interesa a otros sectores de la sociedad, como los nobles o la burguesía.</div>
<div>
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiI2vrDeIOdkAc_ekBhoP1EvnG46fm20MhAAT8JYUnUVC81rRwDgfySGI7yTRT5YcMG91QqSu_Qct71-mvFTaCrvi86gG_m8Q6eFXrxo0WNnEL1IsgyR0RfMXQ12h3MKoL5VMSYKqEITvo/s1600/virgen.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiI2vrDeIOdkAc_ekBhoP1EvnG46fm20MhAAT8JYUnUVC81rRwDgfySGI7yTRT5YcMG91QqSu_Qct71-mvFTaCrvi86gG_m8Q6eFXrxo0WNnEL1IsgyR0RfMXQ12h3MKoL5VMSYKqEITvo/s640/virgen.jpg" width="434" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Piero della Francesca: Detalle del cuadro <i style="font-weight: bold;">La Virgen, los Santos y Federico de Montefeltro </i>en el que se puede ver a éste último. Pinacoteca de Brera. Milán</div>
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<br /></div>
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Asistimos en estos momentos al increíble desarrollo de un cierto gusto por el coleccionismo, no sólo de obras de arte, sino también de objetos curiosos o difíciles de encontrar, lo cual fue muy frecuente, tanto en Italia como en Centroeuropea.</div>
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<br /></div>
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Las grandes familias que ejercieron el mecenazgo, es decir, que se encargaron de promover y patrocinar las artes en Italia fueron, entre otras, los Medici, Gonzaga, Rucellai, Malatesta, Farnesio, Montefeltro, Sforza y Strozzi. En el siglo XVI los mecenas van a ser los papas y el interés artístico no estará localizado en Florencia, como en la centuria anterior, sino en Roma.</div>
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<br /></div>
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Hasta este momento, el artista había sido considerado como alguien que realizaba una labor de tipo artesanal, tarea que no requería ningún esfuerzo intelectual. En Italia, en el siglo XV, el artista comienza a ser alguien más respetado y valorado cuya actividad se va a ir separando poco a poco de lo meramente manual. Prueba del creciente interés que despertó la figura del artista es el elogio que Dante hace del pintor Giotto o el texto que escribió Giorgio Vasari, <i>Vite (Vidas)</i>, obra espléndida que recopila las biografías de los artistas más célebres de su época.</div>
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<br /></div>
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El Renacimiento es una época de grandes individualidades, de personalidades geniales capacitadas para brillar con luz propia en diversos campos del arte y del saber, como es el caso de Miguel Ángel o de Leonardo.</div>
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<br /></div>
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</div>
<ul>
<li><b>La tratadística</b></li>
</ul>
<div>
Todos los estudios y análisis que se realizan en el Renacimiento fueron recogidos en textos que se denominan tratados. Alberti escribió tres importantes tratados: <i>De pictura</i>, <i>De statua </i>y <i>De re aedificatoria</i>. En esta última obra, quizá la más importante de todas ellas, dirigidas a humanistas y no exclusivamente a arquitectos, recupera los tres preceptos fundamentales de la arquitectura que ya había señalado Vitrubio: <i>firmitas</i>, <i>utilitas </i>y <i>venustas </i>o, lo que es lo mismo, solidez, utilidad y belleza.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
Leonardo Da Vinci, paradigma del hombre renacentista, interesado no sólo por las artes, sino también por otros ámbitos del saber como la tecnología y las ciencias naturales, escribió un tratado sobre pintura cuyos principios llevó a la práctica en sus obras.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
Piero della Francesca, uno de los más interesantes artistas del <i>Quattrocento</i>, escribió <i>De prospectiva pingendi</i>, texto en el que el autor analiza el problema de la perspectiva desde el punto de vista de la geometría más rigurosa.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
En definitiva, podemos decir que el número de artistas que sistematiza sus estudios en los tratados es realmente grande, lo que demuestra, sin duda, el creciente interés por el rigor de carácter científico aplicado a la creación artística.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
También en época manierista se escribieron importantes tratados como <i>Los cuatro libros de arquitectura</i>, de Palladio y <i>Regla de los cinco órdenes </i>de Vignola.</div>
<div>
<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGsQvSAA5CfIjJnT5we-7vtCdHSfmEi08WGFZuAwei9JVLAFJRDR5GGQmRwDZsAAt3plOTP0lt01I0eLeoAV63H2vwi4tieppQiM-jsJSjHw4IQ9QOFOP8OfGv9xIEbD1IeaDKlkZS6Ho/s1600/vitrubio.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGsQvSAA5CfIjJnT5we-7vtCdHSfmEi08WGFZuAwei9JVLAFJRDR5GGQmRwDZsAAt3plOTP0lt01I0eLeoAV63H2vwi4tieppQiM-jsJSjHw4IQ9QOFOP8OfGv9xIEbD1IeaDKlkZS6Ho/s640/vitrubio.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
Leonardo Da Vinci: <i style="font-weight: bold;">El hombre. </i>Galería de la Academia. Venecia</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2. CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ARQUITECTURA RENACENTISTA</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
La arquitectura renacentista, lo mismo que otros campos del saber y de la cultura, parte de una fuerte revalorización de lo clásico, de tal modo que muchos de los elementos constructivos que se emplean los conocemos ya gracias al estudio del arte en Grecia y Roma.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Al igual que el resto de las manifestaciones artísticas, la arquitectura del Renacimiento italiano puede dividirse cronológicamente en tres etapas:</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<ul>
<li><i style="font-weight: bold;">Quattrocento </i>(siglo XV).</li>
</ul>
<ul>
<li><i style="font-weight: bold;">Cinquecento </i>(primer tercio del siglo XVI).</li>
</ul>
<ul>
<li><i style="font-weight: bold;">Manierismo </i>(aproximadamente a partir del segundo tercio del siglo XVI).</li>
</ul>
<div>
Los elementos más importantes de la arquitectura renacentista son los siguientes:</div>
<div>
<ul>
<li>En la arquitectura renacentista italiana, dentro de la tipología de edificios civiles, encontramos el palacio y la villa.</li>
</ul>
<b>El palacio</b> era el lugar en el que vivían los nobles italianos que va a ir evolucionando con el paso del tiempo. Era un claro exponente de la situación económica y social de su poseedor. Alberti decía de él que era como una ciudad en pequeño. Son, por lo general, edificios cerrados y con un patio interior, estructuras macizas de, generalmente, tres pisos, en cuyo interior se emplea el almohadillado.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
<b>La villa </b>es una pequeña vivienda que los nobles poseían en el campo. La mayoría, y también las más relevantes, se construyen en Italia durante el siglo XVI. </div>
<div>
<br /></div>
<div>
En el ámbito religioso, se seguirán construyendo interesantes <b>templos</b> con planta de cruz latina que recrean el esquema basilical. También será frecuente encontrar plantas centrales que, en algunos casos, se funden con las longitudinales. El espacio de los edificios renacentistas es diáfano y unitario y están iluminados por una luz limpia y blanca. </div>
<div>
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgK0w7rM-fs9dp_e0HuSDrzY9eoINlcEho-aYP4JBG75fr9x4yWGt0Jzh5y7sH-tSTkqDocQ9C_fga_CE99gha51yqbL106doHjayqFi5eWdtY1rQPWue2bqbQy4xOQPILEXmXrLJa-xkk/s1600/spirito.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgK0w7rM-fs9dp_e0HuSDrzY9eoINlcEho-aYP4JBG75fr9x4yWGt0Jzh5y7sH-tSTkqDocQ9C_fga_CE99gha51yqbL106doHjayqFi5eWdtY1rQPWue2bqbQy4xOQPILEXmXrLJa-xkk/s640/spirito.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="text-align: center;">Brunelleschi: Interior del </span><i style="font-weight: bold; text-align: center;">Santo Spirito. </i><span style="text-align: center;">Florencia</span><span style="text-align: center;"> </span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="text-align: center;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEglmyYUk2rC14RNeCtkUnkpArd3XOlb6MPe4VJCdrFiS-APdb5kaeM5yJPdCuQm944Bm_AHb1tCB47uHLkdBpp5xkwTNt76vQZfXh2qjs-RoyhiAs80bhgUCsdO3QbpHSs0xivuS7KJ4xU/s1600/planta.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEglmyYUk2rC14RNeCtkUnkpArd3XOlb6MPe4VJCdrFiS-APdb5kaeM5yJPdCuQm944Bm_AHb1tCB47uHLkdBpp5xkwTNt76vQZfXh2qjs-RoyhiAs80bhgUCsdO3QbpHSs0xivuS7KJ4xU/s640/planta.jpg" width="436" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Brunelleschi: Santo Spirito. Florencia</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<ul>
<li style="text-align: justify;">El tipo de <b>arco </b>empleado de una manera generalizada es el de medio punto, el mismo que encontramos en las construcciones romanas. Las columnas respetan los órdenes clásicos.</li>
</ul>
<ul>
<li style="text-align: justify;">Los edificios se cubren con <b>cúpulas </b>o <b>bóvedas de cañón</b> decoradas con casetones. La cúpula del <i>Panteón de Agripa </i>será la inspiración para las de <i>Santa Maria del Fiore </i>de Brunelleschi y el <i>San Pedro Vaticano </i>de Miguel Ángel.</li>
</ul>
<ul>
<li style="text-align: justify;">Los principales <b>elementos decorativos </b>son los grutescos, <i>candelieri</i>, guirnaldas, <i>putti</i>, figuras de origen mitológico y fantástico, medallones, etc. que introducen una nota de fantasía en los edificios renacentistas, caracterizados por la rigurosa aplicación de la matemática y la geometría en un claro intento por conseguir la perfección encarnada por el ideal clásico.</li>
</ul>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>3. LOS PRINCIPALES ARQUITECTOS DEL <i>QUATTROCENTO </i>Y SUS OBRAS</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
El primer gran artista de la arquitectura del Renacimiento fue <i style="font-weight: bold;">Filippo Brunelleschi </i>(1377-1446), quien mediante la realización de la cúpula de <i>Santa Maria del Fiore </i>(1409-1436) en la ciudad de Florencia inaugura oficialmente esta época de esplendor en el arte que es el Renacimiento. Aunque se inició como escultor, es en el campo de la arquitectura donde se reconoce su genialidad. En <i>Santa Maria del Fiore </i>se combinan sabiamente la pureza de los elementos renacentistas con la pervivencia de algunas de las características del Gótico. Construyó en esta catedral gótica inacabada una doble cúpula hemisférica en el interior y en el exterior ligeramente apuntada sobre un tambor octogonal. La luz que penetra por ella es blanca y unitaria y se opone radicalmente al concepto de iluminación medieval, de la misma manera que la interpretación espacial es igualmente unitaria, frente a la fragmentación que caracterizó a los edificios del Medievo.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjT5wcCSVVq2P_kborJb9r3YQZRR3lU2GkbfWxX3GmjWgrETHiO8ec5sOn9EEBU3apCu-U1xfIY4zDoXvNd3GAT5Gid51ERSTdo7YZKw2w2yo7SYNUobvQXS47hAUzbVDcWr8gsSynxvto/s1600/maria.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjT5wcCSVVq2P_kborJb9r3YQZRR3lU2GkbfWxX3GmjWgrETHiO8ec5sOn9EEBU3apCu-U1xfIY4zDoXvNd3GAT5Gid51ERSTdo7YZKw2w2yo7SYNUobvQXS47hAUzbVDcWr8gsSynxvto/s640/maria.gif" width="496" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Brunelleschi: <i style="font-weight: bold;">Cúpula de Santa Maria del Fiore. </i>Florencia</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Alberti llegó a afirmar sobre esta obra que se trataba del primer gran logro del arte nuevo que igualaba e incluso superaba a los de la Antigüedad. El primer gran proyecto realizado íntegramente por Brunelleschi fue <i>el Hospital de los Inocentes </i>(iniciado en 1419), dotado de un hermoso patio con arquerías de medio punto en cuyas enjutas aparecen tondos de cerámica vidriada que introducen un punto de color en el mismo.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXHGlDLSfHkbe8NKSiYZ21PJuH75jDZSUMZdoltFpd04_SPeHvYV74yt8DNXnBosLJBgQveIEe2XVvI4-IKXxXplcjsptwYOdg1iLLGcRGfRLO5JkWX0SquwPtVhZaTQNSa9lORqYVgQs/s1600/tondos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="472" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXHGlDLSfHkbe8NKSiYZ21PJuH75jDZSUMZdoltFpd04_SPeHvYV74yt8DNXnBosLJBgQveIEe2XVvI4-IKXxXplcjsptwYOdg1iLLGcRGfRLO5JkWX0SquwPtVhZaTQNSa9lORqYVgQs/s640/tondos.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Brunelleschi: Detalle del <i style="font-weight: bold;">Hospital de los Inocentes. </i>Florencia</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Más tarde le encargaron <i>la iglesia de San Lorenzo </i>(1420) y la del <i>Santo Espíritu </i>(1436), ambas en la ciudad de Florencia, que constituyen el prototipo de basílica renacentista.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>San Lorenzo </i>es una obra iniciada tiempo antes de que Brunelleschi se ocupase de ella, mientras que la de <i>Santo Espíritu</i> es íntegramente nueva, lo cual le permitió desarrollar libremente su genio creador. Esta obra es algo más tendente a la centralización que el resto de sus edificios y más impactante por la forma de organizar y distribuir los espacios. En ambos casos, tanto en <i>San Lorenzo </i>como en <i>Santo Espíritu</i>, el arquitecto introduce un trozo de entablamento entre la columna y el arranque del arco, con la finalidad de darle mayor altura a la obra, Brunelleschi apenas trabajó fuera de Florencia, pero su influencia llegó hasta ciudades como Urbino o Milán.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgj7QlBtyfi2ZrETPjohB5EYpb4arTFkeyvn3MKz37uQLvioDHZC_SDjuliOl9r19KJ3gKy2qgZ5NUuHkKatf41avFDjgCXn7j1mAKAJBFvrN50IPDsTbPbdd8EnFn-6lDImdAVhjkir8/s1600/pazzi.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="446" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgj7QlBtyfi2ZrETPjohB5EYpb4arTFkeyvn3MKz37uQLvioDHZC_SDjuliOl9r19KJ3gKy2qgZ5NUuHkKatf41avFDjgCXn7j1mAKAJBFvrN50IPDsTbPbdd8EnFn-6lDImdAVhjkir8/s640/pazzi.gif" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Brunelleschi: Detalle de <i style="font-weight: bold;">la Capilla Pazzi. </i>Florencia</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Michelozzo di Bartolomeo </i>(1396-1472) es discípulo de Brunelleschi y autor del <i>Palacio de Medici-Riccardi</i> (1444-1459), ejemplo muy representativo del palacio renacentista. El exterior tiene aspecto de fortaleza, mientras que en el interior encontramos un patio plenamente renacentista que articula las habitaciones. En el exterior, los paramentos son de almohadillado, que se convertirá en un signo distintivo de la elevación social.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxnSGWKKW_0w4RzkXPdxl24NsPdphMJ2aJMVGrLO7neXl21FPwSDVB3WqUu1iB4CUT-ZJ9Xib0hmAID0BUZjAGmCYiLs41QgMDo4RP3oVH8x9gV5GDJdLVqsJrtuSyDj6FG4yEROhw5Tg/s1600/medici.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="488" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxnSGWKKW_0w4RzkXPdxl24NsPdphMJ2aJMVGrLO7neXl21FPwSDVB3WqUu1iB4CUT-ZJ9Xib0hmAID0BUZjAGmCYiLs41QgMDo4RP3oVH8x9gV5GDJdLVqsJrtuSyDj6FG4yEROhw5Tg/s640/medici.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Michelozzo di Bartolomeo: Interior del <i style="font-weight: bold;">Palacio Medici-Riccardi. </i>Florencia</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Leone Battista Alberti </i>(1406-1472) es el arquitecto más representativo del <i>Quattrocento </i>italiano. Fue un profundo conocedor de las matemáticas, la geometría y los textos de Vitrubio. Entre sus obras está <i>Santa Maria Novella </i>de Florencia (finalizada en 1470). Su fachada recoge la tradición artística toscana. En ella dos inmensas volutas sirven de unión entre la parte inferior y la superior.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZCK9EgEclwoEmhhUK1v_Jm6M3uPVubJPXmk-_2H1Jt1HiH37SrBxPTDpO3Q5leney6aZnSyO-tKj6c9V8Mlap3wUR70dO_IfuKFXuEEno5bI9r1KucsaPW9bZg9NspcMEIVzZUC57JlA/s1600/novella.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="428" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZCK9EgEclwoEmhhUK1v_Jm6M3uPVubJPXmk-_2H1Jt1HiH37SrBxPTDpO3Q5leney6aZnSyO-tKj6c9V8Mlap3wUR70dO_IfuKFXuEEno5bI9r1KucsaPW9bZg9NspcMEIVzZUC57JlA/s640/novella.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Alberti: Fachada de <i style="font-weight: bold;">Santa Maria Novella. </i>Florencia</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>San Andrés de Mantua </i>(proyecto del año 1470), su obra más importante, anuncia el modelo de planta para las iglesias de los jesuitas que perfiló totalmente Vignola en el siglo XVI. La planta es de cruz latina con una cúpula en el centro del crucero y capillas laterales. En el exterior, la fachada recuerda a un gran arco del triunfo, en concreto, al arco de Tito. <i>El palacio Rucellai</i> (1447-1451) es otra de sus obras más interesantes, en cuyo zócalo podemos ver el <i>opus reticulatum</i>, un aparejo que presenta aspecto de retícula. En la ciudad de Rímini se conserva otra interesante obra de Alberti: <i>San Francesco</i>. Esta iglesia fue mandada construir por Segismundo Malatesta en el año 1450. <i>San Francesco </i>había sido una pequeña iglesia monástica en la que estaban enterrados todos sus antepasados. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Alberti decidió conservar, en gran medida, el primitivo edificio gótico. La fachada recuerda, por su estructura, a un arco del triunfo. De ellas sobresalen las columnas estriadas de capitel corintio y la excelente calidad de los materiales empleados para su realización traídos de Rávena.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La transición de la arquitectura del <i>Quattrocento </i>la encarna el arquitecto <i style="font-weight: bold;">Giuliano de Sangallo </i>(1445-1516). A su conocimiento de las obras de Brunelleschi y de Alberti hay que añadir un cierto estudio, aunque no muy profundo, de la arquitectura romana.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Sangallo es el autor de la primera villa renacentista, <i>la Villa Medici en Poggio a Caiano </i>(iniciada en 1480), en la que existen muchos elementos que invitan a pensar en la Antigüedad clásica, como la especie de pequeña pronaos que antecede al edificio.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>4. PRINCIPALES ARQUITECTOS DEL <i>CINQUECENTO </i>Y SUS OBRAS</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Si bien habíamos visto que Florencia fue el foco artístico más relevante en el <i>Quattrocento</i>, durante el siglo XVI el protagonismo pasa a la ciudad de Roma, debido fundamentalmente al considerable aumento del poder papal que atrae a los más importantes artistas del momento. Tal es el caso de Michelangelo Buonarroti (Miguel Ángel) quien mantuvo una estrecha relación con la figura de Julio II, hombre de una fuerte personalidad que destacó por su astucia a la hora de tratar los asuntos relacionados con las finanzas y la administración económica.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El primer gran arquitecto del <i>Cinquecento </i>fue <b>Donato Bramante </b>(1444-1514). Su formación como arquitecto -antes se formaría como pintor- tuvo lugar en la corte de Ludovico el Moro. Se interesó por la arquitectura, tanto tanto desde un punto de vista teórico como práctico. Investigó sobre el empleo de los órdenes clásicos y las plantas centralizadas. Sus primeras obras están precisamente en el lugar donde se formó: Milán. Allí intervino en la iglesia prerrománica de <i>San Satiro</i> a la que añadió un pequeño oratorio: <i>Santa Maria presso San Satiro</i> (1478). Con posterioridad se establece en Roma, donde se ocupó de la construcción del <i>Templo de San Pietro in Montorio </i>(iniciado en 1502), mandando edificar por los Reyes Católicos en el mismo lugar en que la tradición asegura que fue martirizado san Pedro. Podemos afirmar que el edificio está en la línea de los templos romanos de planta central como <i>el de Vesta</i>. Bramante trabajó, como otros arquitectos de la misma época, en un proyecto para <i>la Iglesia de San Pedro del Vaticano</i>, aunque quien finalmente lo llevó a cabo fue Miguel Ángel sin llegar a concluirlo. Gracias a un plano de pergamino, que se guarda en el museo de los Uffizi y a una moneda del año 1506, podemos saber que el proyecto diseñado por Bramante era de planta de cruz griega, tenía en el centro una cúpula, ábsides en los extremos de los brazos y cúpulas de menor tamaño en ellos. También es el autor del <i>patio del Belvedere del Vaticano</i>, lugar donde se hallaba la colección de escultura clásica del papa. Allí ejecutó una impresionante fachada ante la que colocó una escalinata de peldaños semicirculares concéntricos.</div>
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<i><br /></i></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtxDWAaRRFFaFr8rv4pEP8rsCViOCZL11jJ15BMVNuQyNHq9u6nvRoEdfwgJSXA0tc5Sq6OokvK29Rt7a647HcspLjV4ldFR94IZcLBkX72JxZ5ba2RY0bOxAz7IlY7D2F5ROc-eOWXxo/s1600/vaticano.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtxDWAaRRFFaFr8rv4pEP8rsCViOCZL11jJ15BMVNuQyNHq9u6nvRoEdfwgJSXA0tc5Sq6OokvK29Rt7a647HcspLjV4ldFR94IZcLBkX72JxZ5ba2RY0bOxAz7IlY7D2F5ROc-eOWXxo/s640/vaticano.jpg" width="640" /></a></div>
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<b><i>Basílica de San Pedro Vaticano</i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<i style="font-weight: bold;">Rafael </i>(1483-1520), aunque es mal conocido en su faceta de pintor, también hizo algunas incursiones en el mundo de la arquitectura. Tal es el caso de <i>la Capilla funeraria de Agostino Chigi</i>, en la <i>iglesia de Santa Maria del Popolo </i>o el proyecto realizado para <i>la Basílica de San Pedro </i>que no tuvo demasiada fortuna.</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Antonio de Sangallo el Joven</i> (1484-1546) es el gran continuador de la sobriedad arquitectónica de Bramante. Su interés se centró especialmente en la realización de palacios que demuestran la evolución sufrida con respecto a los del período quattrocentista. Es el autor del <i>Palacio Palma-Baldassini </i>(1510-15) y <i>el Palacio Farnesio </i>(iniciado en 1512). Este último tiene tres pisos y carece del almohadillado característico de los palacios <i>quattrocentistas</i>. En el segundo piso se alternan los frontones semicirculares con los triangulares. En el interior sobresale un patio que se inspira en el <i>teatro Marcello </i>de Roma.</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Miguel Ángel Buonarroti </i>(1475-1564) es el artista que marcará la pauta para el inicio del Manierismo, estilo que será seguido por numerosos artistas durante la tercera década del siglo XVI. Como arquitecto introduce un elemento nuevo: la sorpresa. Es capaz de jugar con lo inesperado y utilizar el lenguaje clásico con una mayor libertad.</div>
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<br /></div>
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Nace en Florencia y tras unos años de trabajo en esa ciudad se traslada a Roma reclamado por el papa Julio II. Allí realizó <i>la Biblioteca Laurentina</i> (iniciada en 1524), en la que se permite todo tipo de libertades jugando con los elementos clásicos sin respetar sus normas y se introduce un elemento que será decisivo en la arquitectura manierista: el agobio espacial. En Roma se encargó, sin llegar a concluirla, de <i>la Basílica de San Pedro del Vaticano </i>(iniciada en 1506), para la que habían hecho proyectos Bramante, Sangalo y Rafael. El diseño de Miguel Ángel recogía, en gran medida, la idea de Bramante. El templo tenía planta cuadrada y una cúpula central que constituía el núcleo de su proyecto. Para construirla se inspiró en la del <i>Panteón</i> de Roma y en la de <i>Santa Maria del Fiore</i>: se alza sobre un tambor cilíndrico con ventanas cuadradas separadas por columnas pareadas, coronadas por frontones semicirculares y triangulares. La cúpula es semiesférica y no octogonal como la de <i>Santa Maria</i>. Como proyecto de carácter urbanístico ejecutó <i>la plaza del Campidoglio </i>de Roma, en la que se encuentra <i>el Palacio de los Conservadores </i>que se encargó de restaurar. En este edificio empleó el orden gigante -que caracterizará a la arquitectura manierista- y colocó en el centro de la plaza <i>la estatua ecuestre de Marco Aurelio</i>. </div>
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<br /></div>
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En Venecia debemos citar al gran arquitecto <i style="font-weight: bold;">Jacopo Sansovino</i> (1486-1570), que empezó trabajando como escultor en el taller de Andrea Sansovino. Más tarde fue a Venecia, donde conoció a Pietro Aretino. Sansovino fue quien se encargó, durante mucho tiempo, de reforzar las bóvedas de <i>la iglesia de San Marcos</i>. Más tarde trabajó en la reconstrucción de <i>la Piazzetta</i> y en la realización de <i>la Biblioteca de San Marcos </i>(1537), una obra admirada por autores de todos los tiempos. De ella afirmaron Palladio y Vignola que había implantado el estilo romano en Venecia y que era el edificio más rico y decorado desde la Antigüedad. Sansovino tuvo la cualidad de saber emplear los órdenes clásicos conjugando elegancia y grandilocuencia.</div>
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<span style="font-size: large;"><b>5. ARQUITECTURA MANIERISTA</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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El Manierismo, palabra cuyo origen se encuentra en la voz italiana <i>maniera</i>, es un término bastante difícil de definir. Los primeros estudios que se han realizado sobre él son relativamente recientes.</div>
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<br /></div>
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Las obras manieristas estaban destinadas a una clientela refinada y culta. Los pintores del segundo tercio del siglo XVI afirmaban pintar <i>alla maniera </i>de Miguel Ángel, de Rafael o, en definitiva, de todos aquellos grandes pintores del <i>Cinquecento</i>. En este sentido, no se imita directamente la naturaleza, como pretendieron los artistas considerados renacentistas. En arquitectura, hablar de Manierismo es hablar de la influencia que Miguel Ángel ejerció sobre arquitectos como Palladio o Vignola. Los principales aspectos de la arquitectura manierista son los siguientes:</div>
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</div>
<ul>
<li>Utilización del lenguaje clásico con absoluta <b>libertad</b>, empleando los elementos tradicionales pero sin respetar las reglas que los rigen y su distribución original.</li>
</ul>
<ul>
<li>Empleo de elementos arquitectónicos que no siempre cumplen una función estructural. En la base del Manierismo se encuentra un cierto <b>enfrentamiento entre la función y la forma</b>.</li>
</ul>
<ul>
<li>Búsqueda de <b>la sorpresa</b>, la originalidad y el movimiento. El arquitecto se está apartando de los ideales de belleza clásicos basados en el orden, la proporción y la medida.</li>
</ul>
<ul>
<li>Otro aspecto esencial de la arquitectura manierista es la <b>creación de espacios</b>, por un lado <b>compartimentados</b>, y por otro <b>agobiantes</b>, como también serán angustiosos los espacios recreados en la pintura, en la que los personajes parecen desbordar el espacio en que se ubican.</li>
</ul>
Los arquitectos más importantes del Manierismo, Vignola y Palladio, son además notables tratadistas.<br />
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Andrea Palladio </i>(1508-1580) nació en Vicenza donde se formó como cantero. Más tarde visitó Roma, lugar en el que conocería tanto los edificios del Renacimiento como los de la Antigüedad romana, muestras de la arquitectura de otro tiempo, que él interpretó de un modo muy personal. Escribió un importante tratado titulado <i>Los cuatro libros de arquitectura</i>, en el que demuestra un gran conocimiento de la historia de la edificación. La mayor parte de los edificios que construyó están en su ciudad natal. Allí hizo la fachada para <i>La Basílica</i>, un antiguo edificio gótico en ruinas. En Venecia construyó <i>San Giorgio Maggiore </i>(1566), <i>la iglesia del Redentore </i>(1577-1592), pero será la villa la tipología arquitectónica en la que más sobresalió. La más famosa de todas ellas es <i>la Rotonda</i>, obra perfectamente ilustrada en su tratado <i>Los cuatro libros de la Arquitectura</i>. La villa es el resultado de la anexión de distintas formas geométricas simples y está presidida por una simetría total. Palladio ejerció una inmensa influencia en los arquitectos del Neoclasicismo, especialmente en los más utópicos.</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Jacopo Barozzi</i>, conocido como "Vignola" (1507-1573) es autor de un interesante tratado sobre los cinco órdenes titulado <i>La regla de los cinco órdenes</i>. Al igual que Palladio, realiza algunas villas como la del papa Giulio, denominada <i>Villa Farnesio</i>, en Caprarola, iniciada en 1559, cuya planta tiene una curiosa forma pentagonal. Pero, sin duda, <i>la iglesia del Gesú</i> en Roma (1568), va a ser la que más trascendencia tenga en el futuro, puesto que se convertirá en el modelo de iglesia jesuita. Hay autores que plantean la posibilidad de que su fuente de inspiración haya sido la iglesia de <i>San Andrés de Mantua</i> de Alberti.</div>
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<br /></div>
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Giacomo della Porta: fachada de <i style="font-weight: bold;">Il Gesú. </i>Roma</div>
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<br /></div>
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Vignola: Interior de <i style="font-weight: bold;">Il Gesú. </i>Roma</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Bartolomeo Ammannati </i>(1511-1592) fue escultor además de arquitecto. Colaboró con Sansovino en <i>la Biblioteca de Venecia</i>. Su ámbito de trabajo se sitúa sobre todo en la Toscana. Fue el encargado de finalizar <i>el Palacio Pitti</i> realizando su patio en el año 1560. Para la fachada que da a ese patio recuperó el almohadillado, tal y como se hacía en los palacios del <i>Quattrocento</i>. A él pertenece también el <i>puente de Santa Trinitá y los Jardines Boboli</i>, ambos en Florencia.</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Palacio Pitti. </i>Florencia</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Giorgio Vassari </i>(1511-1574) ha pasado a la historia, más que como arquitecto, como biógrafo de los grandes artistas del Renacimiento. </div>
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<br /></div>
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Dentro de su producción arquitectónica su obra más importante es el <i>Palacio de los Uffizi</i>, en Florencia (1560) donde hoy se alberga una de las más valiosas colecciones de arte del mundo.</div>
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<br /></div>
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Dentro de la tratadística manierista sobresalió <i style="font-weight: bold;">Sebastiano Serlio</i> (1475-1554), autor del <i>Tratado de arquitectura</i>, obra de una tremenda trascendencia y creador de una ventana de tres aberturas que se conoce con el nombre de <i>serliana</i>.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>El artista renacentista</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<i>"Llegó entonces el período de los grandes hallazgos, cuando los artistas italianos se volvieron hacia las matemáticas para estudiar las leyes de la perspectiva y hacia la anatomía para estudiar la construcción del cuerpo humano. A través de esos hallazgos, se amplía el horizonte de los artistas. Ya no se trataba de unos artesanos entre otros artesanos, aptos, según los casos, para hacer unos zapatos, una alacena o un cuadro. El artista era ahora un maestro por derecho propio, que no podía alcanzar fama sin explorar los misterios de la Naturaleza y sondear las secretas leyes que rigen el Universo. [...] En época anteriores, era el príncipe el que otorgaba sus favores al artista. Ahora casi parecían combinados los papeles y era el artista quien hacía un favor al príncipe o al potentado aceptando uno de sus encargos. Así, llegó a suceder que el artista podía frecuentemente elegir la clase de encargo que le gustaba y ya no necesitaba acomodar sus obras a los deseos y fantasías de sus clientes".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
(GOMBRICH, E. <i>Historia del Arte, </i>1987)</div>
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<i><br /></i></div>
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<i><br /></i></div>
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<span style="font-size: large;"><b>A FONDO</b></span></div>
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<i><br /></i></div>
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<span style="font-size: large;"><b><i>SANTA MARIA DEL FIORE </i>(FLORENCIA)</b></span></div>
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<i><br /></i></div>
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La Catedral de <i>Santa Maria del Fiore</i>, en la ciudad de Florencia, es una de las obras más importantes y, al mismo tiempo, más influyentes del Renacimiento; decisiva hasta el punto de que ha sido tomada como referencia esencial de este estilo.</div>
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<i><br /></i></div>
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Esta iglesia, iniciada por el arquitecto gótico Arnolfo di Cambio en 1296, se ubica en el mismo lugar en que estaba la iglesia de <i>Santa Reparata</i>. Una vez que muere Di<i> </i>Cambio en el año 1302, se produjo una interrupción en el proceso constructivo de, aproximadamente, 30 años, de tal manera que en 1331 las obras se reanudaron con Giotto, al que ya hemos tenido ocasión de estudiar. Éste aceleró las obras del campanario, mientras que las de la iglesia discurrieron con extrema lentitud. Además de Giotto, intervinieron otros arquitectos de clara raigambre medieval como Andrea Pisano, Francesco Talenti y Lapo Ghini. En líneas generales, este edificio se ajustaba bastante bien a las características de la arquitectura gótica italiana.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El tambor de la cúpula se construyó en 1418, momento en el que se volvieron a paralizar las obras. En aquel año, el gremio de tejedores de lana convocó un concurso para elegir al que habría de convertirse en el nuevo jefe de obras de <i>Santa Maria del Fiore</i>. En principio resultó elegido Ghiberti, quien abandonó muy pronto el proyecto, lo que provocó que pasara a manos de Brunelleschi, verdadero artífice de esta obra, que trabajó en ella desde 1420 hasta 1446. Al hacerse este último cargo de las obras, llevará a cabo uno de los elementos constructivos que, finalmente, resultará tan innovador como para ser considerado punto de partida del Renacimiento: la cúpula que se ubica en el espacio octogonal que se genera al cortarse la nave con el crucero. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimQRphEl2jKrhFj1-GVXWy9tQcR6L5B75T89hi5m9sePMEdayF7DqtmijM8LgD3iII2GCcZ8wkMeHmJA0TM88jy8zuE8DQiY06d7JwTe0uLOMq-xjtpknGZ34JeDAnvziOHff0cuMWSfA/s1600/fiore.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimQRphEl2jKrhFj1-GVXWy9tQcR6L5B75T89hi5m9sePMEdayF7DqtmijM8LgD3iII2GCcZ8wkMeHmJA0TM88jy8zuE8DQiY06d7JwTe0uLOMq-xjtpknGZ34JeDAnvziOHff0cuMWSfA/s640/fiore.jpg" width="497" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
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Para erigir esta magna obra fue necesaria la utilización de cimbras, es decir, armaduras de madera que servían de esqueleto para la construcción de un arco o una bóveda. La cúpula está integrada por dos cascarones, uno dentro de forma esférica y otro exterior, de sección octogonal, formado por ocho lunetos triangulares que se curvan sobre aristas de mármol. Aunque, posiblemente, la intención de Brunelleschi era construir una cúpula semicircular, el hecho de que conociese los problemas que el muro presentaría para sustentarla, para soportar sus fuertes empujes, le llevó a realizar una segunda cúpula de sección poligonal de ocho lados y apuntada que se encargase de neutralizarlos. La cúpula exterior y la interior se unen mediante gruesas piedras colocadas en la base de las mismas. En el exterior de la cúpula es posible ver ocho nervios, a los que han de sumarse otros dos en cada uno de los paños que permanecen ocultos. Para su construcción se utilizaron ladrillos huecos dispuestos en <i>opus spicatum</i>, un aparejo empleado ya por los romanos que recibe esta denominación porque la manera en que se colocan los ladrillos recuerda a las espinas de un pescado. Este conjunto está culminado por una linterna por la que penetra una luz blanca, limpia, que nos remite más al <i>Panteón </i>de Roma que a la luz de los edificios góticos, coloreada e irreal. De la misma manera, la concepción del espacio, la tendencia a la centralización que queda perfectamente expresada en esta obra, nos hablan del deseo del hombre renacentista por volver a colocarse en el centro de la Creación, antes ocupado por la figura de Dios, por recuperar el antropocentrismo del mundo clásico.</div>
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<br /></div>
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El tambor está revestido en el exterior por placas de mármol blanco de Carrara y verde de Prato, dispuestas en bandas, como era costumbre en la arquitectura medieval italiana, que acentúan la sensación de horizontalidad contrastando con la verticalidad de la cúpula.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Este conjunto, y especialmente la cúpula que se erige orgullosa en el cielo florentino, se convierten en emblema inigualable de esta ciudad, en un momento en que existían fuertes rivalidades entre los distintos Estados que conformaban la península Itálica. La gran habilidad constructiva ha sido loada por artistas de todos los tiempos, incluso, lo que es más infrecuente, por sus propios contemporáneos. Miguel Ángel decía que "era bellísima". Alberti afirmó: "Quién antes que tú, Felipe, Arquitecto, se atrevió a construir estructura de tal dimensión, erguida hacia el cielo, ancha para poder cubrir con su sombra todas las gentes toscanas". Lo que Brunelleschi representa para la arquitectura renacentista queda perfectamente expresado en esta magna obra, síntesis inigualable de los avances estéticos y técnicos.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMGYxVA7tajVL3CFXk-YIoXF2U2Xwkdf9Qy12YQDH5ItYC0WKfSEpK7GhjOLOhOGx136FDUuq3DvSdteRaYUD54klm4j4OGksvvAcQ8cY9QUX5oDNSl9Qr57p07IE-62p4KQQHXj8uNMg/s1600/f.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMGYxVA7tajVL3CFXk-YIoXF2U2Xwkdf9Qy12YQDH5ItYC0WKfSEpK7GhjOLOhOGx136FDUuq3DvSdteRaYUD54klm4j4OGksvvAcQ8cY9QUX5oDNSl9Qr57p07IE-62p4KQQHXj8uNMg/s640/f.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>GLOSARIO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Almohadillado</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Se denomina de esta manera al aparejo en el que las juntas están rehundidas. Los tipos de almohadillados más frecuentes son el rústico, de apariencia tosca, y el de punta de diamante, en el que la cara visible del sillar adquiere forma piramidal.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Grutesco</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Es un tipo de decoración que proliferó durante el Renacimiento. Consiste en una serie de figuras que se entremezclan formando un todo. Puede incluir desde elementos vegetales, animalísticos o incluso humanos. El nombre de grotesco se debe a que este tipo de decoración fue hallado en la casa de Nerón, <i>Domus Aurea</i>, que se hallaba en muy mal estado de conservación, tanto que se asemejaba a una ruta (<i>grotta</i> en italiano).</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>La Capilla Pazzi</b></div>
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Fue construida por Brunelleschi para una de las familias más poderosas de Italia. Se trata de una pequeña edificación en la que empleó los elementos del lenguaje clásico aprendido a través del estudio del arte romano, especialmente del <i>Panteón</i> de Roma, y de la Matemática. Sus conocimientos de esta materia eran bastante profundos y los aprendió gracias a Toscanelli y su amigo y matemático Paolo del Pozzo. En el interior empleó cerámicas vidriadas de Della Robbia.</div>
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<br /></div>
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<b>El Templo de San Pietro in Montorio</b></div>
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Tiene planta circular. Realizado en travestido y mármol, se erige sobre un basamento con escalones. Posee un pórtico de dieciséis columnas que sustentan un entablamento decorado con triglifos y metopas. La cella circular se cubre con una cúpula. Se erigió en el lugar exacto en que la tradición afirma que fue crucificado san Pedro. En el interior está el hoyo en que los cristianos afirman que se colocó la cruz.</div>
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<br /></div>
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<b><i>San Pedro del Vaticano</i></b></div>
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Era un ambicioso proyecto que representaba muy bien el inmenso poder que los papas tenían. Se trataba de una vieja basílica construida por Constantino en el año 330 sobre un circo de Nerón en el que fueron martirizados muchos cristianos. Allí acudió un gran número de peregrinos a lo largo de toda la Edad Media.</div>
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<br /></div>
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<b>Pietro Aretino</b></div>
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Es un importante escritor del siglo XVI que se caracteriza por un estilo de aparente espontaneidad tras el cual se esconde un elaborado trabajo. Poseía una gran sensibilidad estética que le granjeó la amistad de muchos artistas, entre ellos, la de Tiziano.</div>
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<br /></div>
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<b>Manierismo</b></div>
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El término Manierismo fue empleado por primera vez por Lanzi a finales del siglo XVIII para referirse a un importante grupo de artistas que trabajaron durante la segunda mitad del <i>Cinquecento</i>. Los artistas manieristas, durante mucho tiempo, fueron víctimas de feroces críticas como las de Bellori, que los despreciaba por considerar que se habían apartado de la imitación de la naturaleza.</div>
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<br /></div>
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<b>Los jardines</b></div>
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Adquirieron durante el Manierismo una especial importancia, como demuestra este texto relativo a los <i>jardines del Pratolino </i>realizados por Buontalenti: <i>"Vemos en el Jardín excelentes Grutas, Fuentes, Estanques, Paseos umbríos, Arboledas y demás todo en la ladera de un monte. Aquí tenemos la gruta de Cupido con los escabeles mojadores en los que al sentaros os salta a la faz un gran chorro de agua. La fontana de los tritones también os alcanza y os baña sonoramente"</i>.<i> </i></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b>CITAS</b></span></div>
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<br /></div>
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<i>"Nos bastará con reconocer el hecho, establecido por muchas décadas de seria y fructífera investigación, de que el Renacimiento se mantuvo unido a la Edad Media por mil lazos".</i></div>
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<b>Erwin Panofvky</b></div>
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<b><br /></b></div>
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<i>"La arquitectura renacentista nació de exigencias racionalistas, a las cuales todo se subordina. Consecuencia de ello es que el edificio ideal es simétrico en todos sus ejes: tanto en horizontal como en vertical".</i></div>
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<b>F. Conti</b></div>
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<b><br /></b></div>
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<i>"Alberti crea una ciencia arquitectónica basada en el número y en las proporciones. Las armonías numéricas son análogas a las musicales".</i></div>
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<b>J. J. Martín González</b></div>
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<b><br /></b></div>
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<i>"La ciudad, siendo ésta noble y poderosa, es justo que tenga calles rectas y anchísimas que proporcionen a la ciudad amplitud majestuosa. (...) La calle de la ciudad, además de estar bien empedrada y limpia en extremo, resultará muy bella si todos los pórticos están hechos del mismo modo y los edificios destinados a viviendas, bien alineados a uno y otro lado (...)".</i></div>
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<b>Alberti</b></div>
</div>
GreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-24847261105097348662015-07-27T08:59:00.001-07:002015-08-11T05:48:25.487-07:00El Gótico en España<div style="text-align: justify;">
<b>El arte Gótico hace su irrupción en España a finales del siglo XII, momento del que se conservan las primeras manifestaciones de este estilo artístico, como <i>la catedral de Sigüenza </i>o <i>la de Ávila</i>, para más tarde conocer un desarrollo y evolución que se prolongará durante los siglos XIII, XIV y XV. </b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>En nuestro país, el nuevo estilo vendrá caract</b><b>erizado por una serie de particularidades del territorio peninsular. En primer lugar, hay que destacar la presencia del arte islámico, que sigue ejerciendo una evidente influencia sobre las muestras artísticas de la época y, por otro lado, insistir en la importancia de los vínculos comerciales que se mantienen a través del Mediterráneo y que favorecen el enriquecimiento artístico y cultural.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>El arraigo del Gótico en España fue tal que la penetración del Renacimiento se hizo esperar más que en otros países. Sobre todo en un primer momento, en el que los edificios renacentistas no son sino estructuras góticas enmascaradas por decoraciones renacentistas.</b></div>
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<b><br /></b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvidJfvI8kGrBgIj3qGSVkV7C2ULR-O6bD_Qxt-HOu_2UyCEtd2Bi3gvOJQUpsi7ZeZcsD0yly_O0o1PlYJWIkXvZT0t5TusviSzbkUbNG1WVfAhx9mOKSa9GR25v9laPIXOX8GpkZwCc/s1600/alfonsox.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="378" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvidJfvI8kGrBgIj3qGSVkV7C2ULR-O6bD_Qxt-HOu_2UyCEtd2Bi3gvOJQUpsi7ZeZcsD0yly_O0o1PlYJWIkXvZT0t5TusviSzbkUbNG1WVfAhx9mOKSa9GR25v9laPIXOX8GpkZwCc/s640/alfonsox.jpg" width="640" /></a></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>1. LOS SIGLOS DEL GÓTICO EN ESPAÑA</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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Durante el siglo XII la península Ibérica es un territorio fraccionado que se esfuerza en su reconstrucción. Continúa el proceso de reconquista que culminará también en 1492 con la expulsión de musulmanes y judíos y, en cualquier caso, hasta la llegada de esta fecha. España es un auténtico <b>crisol cultural</b> en el que cristianos, musulmanes y judíos conviven dentro del respeto y la tolerancia, como lo demuestra la coexistencia dentro de una misma ciudad como Toledo de mezquitas, sinagogas y construcciones cristianas. Esta convivencia generó un inevitable intercambio cultural, de tal manera que, en edificios cristianos, no será difícil encontrar elementos de clara raigambre islámica.</div>
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<br /></div>
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En Castilla, durante este siglo, resulta de especial importancia la lucha por el poder entre la nobleza y monarquía que finalizará durante el reinado de Fernando III, artífice de la unión entre <b>Castilla </b>y <b>León</b> (1217). Las relaciones de Francia con Castilla eran bastante buenas, lo que motivará la llegada a la Península de artistas de esta nacionalidad y, con ellos, su manera de interpretar el arte. Sin embargo, en <b>Aragón </b>(que en estos momentos engloba Cataluña) la situación es distinta, ya que los intentos por establecer una política cordial con Francia fracasaron desde un principio. Este hecho les lleva a concentrar su política territorial en llevar a buen término la Reconquista y, por otro lado, a continuar su expansión por el Mediterráneo, empeño que les reportará la conquista de las islas Baleares y que permitirá que el Reino de Aragón establezca unas relaciones especialmente estrechas con Italia que tendrán su reflejo en el arte.</div>
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<br /></div>
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En el sur de la Península se ubica un importante reducto musulmán que se había visto muy mermado por el avance cristiano. Los musulmanes que permanecían en los territorios reconquistados se denominaban <b>mudéjares</b>, y se dedicaban sobre todo a la carpintería y la albañilería, dejando huella de sus conocimientos en gran número de edificios de esta época.</div>
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<br /></div>
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El arte medieval perdura hasta bien entrado el siglo XVI conviviendo con las primeras manifestaciones artísticas del <b>Renacimiento</b> y sus formas son llevadas a América por los descubridores. Sin embargo, en otros países como Italia, se produce el fenómeno contrario, es decir, que el arte medieval desaparece rápidamente dejando paso al Renacimiento.</div>
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<br /></div>
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En nuestro país los principales <b>comitentes </b>o promotores de las manifestaciones artísticas son la Monarquía, estrechamente relacionada con la Iglesia, que también realizaba gran número de encargos de obras de arte. En esta podemos encontrar algunos obispos de gran formación cultural e instigadores de los grandes proyectos artísticos, como el obispo Mauricio o Jiménez de Rada. Este último fue consejero de Alfonso VIII, diplomático en la corte de Francia y conocedor, por tanto, de todo lo que se estaba haciendo en este país.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>2. LA ARQUITECTURA CISTERCIENSE</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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La arquitectura que surgió en Borgoña a principios del siglo XII de la mano de la orden del Císter debe ser interpretada como una reacción ante el monaquismo de Cluny, excesivamente apegado a los aspectos materiales.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
San Bernardo, inspirador fundamental de esta orden, luchó con entusiasmo contra el lujo de las iglesias y los excesos decorativos que no servían más que para desviar la atención de los fieles. Fue enemigo acérrimo de Suger de Saint-Denis y defendió el aniconismo (renuncia a la representación figurada) y la sobriedad.</div>
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<br /></div>
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<b>Los monasterios </b>cistercienses son construcciones que repiten un mismo esquema rigurosamente planificado. Se ubicaban en lugares apartados, pero ricos en agua. Las dependencias se organizan en torno a un <b>claustro</b>. <b>La iglesia </b>posee planta de cruz latina con ábside cuadrado o semicircular con absidiolos. El crucero dispone de varias capillas para celebrar la liturgia varias veces al día, tal y como estaba mandado. El brazo sur del crucero se comunica con una pequeña <b>sacristía </b>y una escalera por la que se accedía directamente al <b>dormitorio </b>de la comunidad religiosa. Otra estancia muy importante del monasterio era <b>la sala capitular </b>en la que se leían los capítulos y en la que se leían los capítulos y en la que únicamente había un banco corrido. En el <i style="font-weight: bold;">auditorium</i> el abad distribuía los trabajos diarios. El <b>refectorio </b>se orientaba en sentido norte-sur y allí se ubicaban la calefacción y la cocina. El lado occidental se reservaba a <b>despensa </b>y <b>habitación de conversos</b>.</div>
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<br /></div>
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La <b>piedra </b>es el material constructivo por excelencia, aunque en ocasiones las necesidades obligarán a utilizar aparejo irregular o pobre. Se emplearon el <b>arco apuntado</b> y <b>la bóveda de crucería</b>. El uso de estos elementos es lo que ha dado pie a muchos expertos a afirmar que la arquitectura cisterciense en el antecedente de la gótica, sin embargo, el modo en que fueron empleados no es verdaderamente novedoso, ni se llegaron a alcanzar los resultados obtenidos durante el Gótico. En ocasiones, los nervios de las cubiertas o los arcos fajones se recogían en el muro en <i style="font-weight: bold;">cul-de-lampe</i>. Las columnas y pilares poseen capiteles que simplifican hasta hacerse totalmente esquemáticos.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNriet2hOmgd_Ze4l-_hgqRbRCW6N1NPBocXSwsyJC8wyxWofwTyEQ9VjlaOlh6_odyTpKBbTFkIpCKwHJgppWt-cJG128C2799dTlEnwArPhswzOzxIT4G31IIi2rIHJQUZySeFHxfqg/s1600/santacreus.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="422" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNriet2hOmgd_Ze4l-_hgqRbRCW6N1NPBocXSwsyJC8wyxWofwTyEQ9VjlaOlh6_odyTpKBbTFkIpCKwHJgppWt-cJG128C2799dTlEnwArPhswzOzxIT4G31IIi2rIHJQUZySeFHxfqg/s640/santacreus.jpg" width="640" /></a></div>
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Nave central de la iglesia del <b><i>Monasterio de Santes Creus</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El resultado que se obtiene de la combinación de estos elementos es de sobriedad, de pureza y de limpieza formal, que es justamente lo que se pretende. Desde Francia, país en que nació este estilo arquitectónico, se transmitió a Italia, donde se conservan bellos ejemplos en Liguria, Lombardía, Piamonte, Cedeña y Sicilia.</div>
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<br /></div>
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En la Península, la penetración de los monjes blancos (así se le conoce por el color de su hábito, frente al negro de la orden de Cluny) se produjo durante el reinado de Alfonso VII. Los ejemplos más interesantes de este estilo son: <i>Osera </i>(Ourense), <i>Moreruela </i>(Zamora), <i>Gradefes </i>(León), <i>Las Huelgas </i>(Burgos) y <i>Santes Creus</i> y <i>Poblet </i>(Tarragona). Estos dos poseen bellos dormitorios, espacios dilatados con grandes ventanas por las que penetra una luz blanca, cubiertos por arcos-diafragma y madera. La sobriedad decorativa y estructural es la nota predominante de todas estas obras.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgz21f6wwG6ckTi9-5H5fDea3cJnng-ZK7h15_iXbfJhvUEIm3yJkVRG6IRSzoq6pm2pAJDgT73-BBoLdFqgPrzs3jmK8IF4lPz0wCxeIUOxlVLJdjuwuPVVXBIuYlUvSrk0qg15nMhMDI/s1600/dormi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="476" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgz21f6wwG6ckTi9-5H5fDea3cJnng-ZK7h15_iXbfJhvUEIm3yJkVRG6IRSzoq6pm2pAJDgT73-BBoLdFqgPrzs3jmK8IF4lPz0wCxeIUOxlVLJdjuwuPVVXBIuYlUvSrk0qg15nMhMDI/s640/dormi.jpg" width="640" /></a></div>
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Dormitorio de los monjes del <b><i>Monasterio de Santes Creus</i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<b><span style="font-size: large;">3. ARQUITECTURA GÓTICA ESPAÑOLA</span></b></div>
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<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
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<b><span style="font-size: large;">3.1. La arquitectura española del siglo XIII</span></b></div>
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<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
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Los modelos franceses llegaron a España de la mano de Fernando III en la tercera década del siglo XIII y dieron lugar a catedrales que, como las de Burgos, Toledo y León, representan la fase clásica de este estilo en nuestro país, el momento en que más fielmente se sigue el modelo galo.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<i>La catedral de </i><b style="font-style: italic;">Burgos </b>se inició en 1221, año en el que se colocó la primera piedra según cuentan las crónicas y fue consagrada en 1260. En ella trabajó <b>el maestro Enrique </b>(?-1277), quien también intervino en la <i>catedral de León</i>. Posee una planta de cruz latina de tres naves, mientras que el crucero tiene una sola. La cubierta la forman sencillas bóvedas de crucería y los tramos que presentan mayor complejidad son aquellos que fueron reconstruidos en el siglo XVI. Los ejemplos franceses que más influencia tuvieron en su construcción fueron <i>Coutances </i>(planta y abovedamiento) y <i>Bourges </i>(alzado), mientras que la utilización de dobles arbotantes nos remite a <i>Saint-Denis</i>.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlHWH4qAtJb1ejX0r-S8RZRN9HbPrtMLLfH24KDtY6jF_l43cBdWJ6DGd0rDOK1iEWXSK5dMsm43zYEOeOwtSgMntUejuzFO_XjAtA88Xgj9C3tzHEpKdXeELsFIdTgY2DuMbrQYmofXE/s1600/burgos.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlHWH4qAtJb1ejX0r-S8RZRN9HbPrtMLLfH24KDtY6jF_l43cBdWJ6DGd0rDOK1iEWXSK5dMsm43zYEOeOwtSgMntUejuzFO_XjAtA88Xgj9C3tzHEpKdXeELsFIdTgY2DuMbrQYmofXE/s640/burgos.gif" width="426" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Desde la fachada de la <b><i>Catedral de Burgos</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
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<i>La catedral de </i><b style="font-style: italic;">Toledo</b>, otro de los grandes hitos de la arquitectura gótica española, se inició en 1226 cuando el rey Fernando III y el obispo Rodrigo Jiménez de Rada pusieron la primera piedra en el mismo lugar en que había existido una iglesia construida por Recadero. Se cree que el verdadero artífice de esta catedral fue <b>Petrus Petri</b>, y de hecho, así reza su lápida sepulcral: "Hombre de gran fama por su ejemplo y costumbre, que trazó tan admirable obra". La planta, de cinco naves, es muy similar a la de <i>Bourges </i>y a la de <i>Notre-Dame </i>de París por su doble giro formada con tramos triangulares y rectangulares -de modo semejante se solventó el problema de cubrición de este espacio en la catedral de <i>Le Mans</i>-. En esta catedral se deja sentir la huella musulmana, tal y como lo demuestran los arcos polilobulados entrecruzados en el triforio.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAerf6_e25mSUJA5YS4b0aUWSIfNJe4fQZ3KEiXjQeE5J75KPSgL6pv2TF7zyn-f6EVGrxRi-fYt7_Sf_zmNpbqmJbrXCrq2R2fju6bsaWUd3jxkUKjvnTeajxnODyfQzugju1piAdG6A/s1600/ttoledo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="638" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAerf6_e25mSUJA5YS4b0aUWSIfNJe4fQZ3KEiXjQeE5J75KPSgL6pv2TF7zyn-f6EVGrxRi-fYt7_Sf_zmNpbqmJbrXCrq2R2fju6bsaWUd3jxkUKjvnTeajxnODyfQzugju1piAdG6A/s640/ttoledo.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Interior de la <b><i>Catedral de Toledo</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En <b>León </b>se construye una catedral de 1255 por mandato del obispo Martín Fernández dentro de un gusto plenamente francés. No en vano es considerada la más francesa de todas nuestras catedrales. Su creador fue el <b>maestro Enrique</b>, segundo arquitecto de la catedral de Burgos, que será sucedido por <b>Juan Pérez</b>. El modelo que sigue en planta es el de <i>Reims</i>, al tiempo que para la organización de alzado, el punto de referencia elegido fue <i>Chartres</i>. En ella es posible apreciar un estrecho triforio, elemento que se irá atrofiando con el paso del tiempo hasta terminar desapareciendo. Sus vidrieras invaden el espacio que durante el Románico ocupó el muro y convierten el edificio en una inmensa urna de cristal, en la que la luz inunda el espacio y desdibuja los contornos.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtheH9n_zCwQxjUCyu2qLZNLtDo7yjxnqp24jSHawQsJBr036DQiDtpSyJS1RHGsOvpGSsSy7Y0DacNbk54cPeJPLbmKqGFJCDIIK2rbI4qxNHRTt6A_7awLdswI6ea1zOWOZnHbpeAr0/s1600/leon+exterior.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtheH9n_zCwQxjUCyu2qLZNLtDo7yjxnqp24jSHawQsJBr036DQiDtpSyJS1RHGsOvpGSsSy7Y0DacNbk54cPeJPLbmKqGFJCDIIK2rbI4qxNHRTt6A_7awLdswI6ea1zOWOZnHbpeAr0/s640/leon+exterior.jpg" width="632" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Exterior de la <b><i>Catedral de León</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivplf3HDxYx7MmZX-cSDy6hMpuPon5aCF3WxTVGx17H8qzTuu05_Uq0pdVIA_WBJr6Krni-JRu2Cg_hKFeQH_fIyz3lvAAG3oRStXw_luLF_z90sMdja4aAgdmghtudB48Xqm7bqN56go/s1600/interior+leon.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="424" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivplf3HDxYx7MmZX-cSDy6hMpuPon5aCF3WxTVGx17H8qzTuu05_Uq0pdVIA_WBJr6Krni-JRu2Cg_hKFeQH_fIyz3lvAAG3oRStXw_luLF_z90sMdja4aAgdmghtudB48Xqm7bqN56go/s640/interior+leon.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Interior de la <b><i>Catedral de León</i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmFT3eZLeo6gz0wxSFk2ApmUGc7ziIJZxE3XQNsiQFH8VKHB11WCS1p2anhMv87TxHRp_72ozKBzWgl5p_by-qHdp9D0s_09-sFAcksaD9yNeIpKCLmA0ZAM13OfjSn-LOD8p1qXxEAKY/s1600/vidriera.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmFT3eZLeo6gz0wxSFk2ApmUGc7ziIJZxE3XQNsiQFH8VKHB11WCS1p2anhMv87TxHRp_72ozKBzWgl5p_by-qHdp9D0s_09-sFAcksaD9yNeIpKCLmA0ZAM13OfjSn-LOD8p1qXxEAKY/s640/vidriera.jpg" width="640" /></a></div>
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Detalle de una de las vidrieras de la <b><i>Catedral de León</i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<b><span style="font-size: large;">3.2. La arquitectura española en el siglo XIV</span></b></div>
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<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
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Durante el siglo XIV, en Castilla prosigue la construcción de las grandes catedrales iniciadas en la centuria anterior. <b>El maestro Rodrigo Alfonso </b>inicia <i>el claustro de Toledo </i>y se comienzan <i>las catedrales de Palencia y Oviedo</i>. El foco artístico durante este siglo se desplazará a <b>Levante</b>, zona geográfica en la que encontramos lo que se ha denominado Gótico levantino, que en el siglo XIV presenta acusadas diferencias con respecto al Gótico del siglo XIII. En Levante muy frecuentes los edificios <i>ad quadratum</i>, en los que la diferencia entre las naves laterales y la central está muy acentuada. Los arquitectos del momento tienden a suprimir el crucero y a colocar las capillas entre los contrafuertes. Los ventanales experimentan un menor desarrollo y los arbotantes pierden importancia. Se busca una contemplación total y unitaria del espacio, para lo que se adelgazan los pilares, muchas veces octogonales. Son edificios sobrios y simples que deben, en parte, estas características a la arquitectura costarricense que tanta trascendencia tuvo en Cataluña.</div>
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<br /></div>
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En 1298 se inician las obras que llevarán a la construcción de <i>la catedral de Barcelona</i>. El edificio posee tres naves, girola, crucero y capillas entre los contrafuertes. Bajo el presbiterio, se halla la cripta con los restos de santa Eulalia. No se sabe con exactitud quién trabajó en esta obra, pero se cree que colaboró activamente en ella el arquitecto <b>Beltrán Riquier</b>.</div>
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<br /></div>
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Siguiendo el ejemplo de Barcelona, se realizará un buen número de edificios como <i>la Catedral de Girona</i>, iniciada en el año 1312. Como casi todos los edificios religiosos de la Edad Media, se comenzó a construir por la cabecera y bajo los planteamientos de un edificio de tres naves inspirado en <i>la catedral de Barcelona</i>, pero una vez que se concluyó la cabecera, prosiguió la construcción como si de un templo de una única nave se tratase.</div>
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<br /></div>
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Interior de la <b><i>Catedral de Girona</i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<i>La Colegiata de Santa María del Mar </i>(también en Barcelona) es otro bello ejemplo del Gótico catalán, cuya traza primitiva se atribuyó durante un tiempo a <b>Jaime Fabre</b>, aunque hoy sabemos que el maestro de obras debió de ser <b>Berenguer de Montangut</b>. Es una iglesia de tres naves, las laterales casi a la misma altura que la central, con pilares estilizados y de sección ortogonal. Estas características contribuyen a crear un espacio interior diáfano y dilatado, que podemos abarcar en su totalidad con tan sólo una mirada.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiebthGnWzJ_P43HaVcIQi_69nENaCndfhDra4EfQ6W0GcfpFfkksEwGMe36DI3Wb9met0rMwTiSmkdOahvyX7YzTL7QQKqCqvWfrU9JetrBt1pu7mrtQMsez54qBjTfBI7yTh99PBOjw/s1600/santamariamar.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiebthGnWzJ_P43HaVcIQi_69nENaCndfhDra4EfQ6W0GcfpFfkksEwGMe36DI3Wb9met0rMwTiSmkdOahvyX7YzTL7QQKqCqvWfrU9JetrBt1pu7mrtQMsez54qBjTfBI7yTh99PBOjw/s640/santamariamar.jpg" width="640" /></a></div>
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Fachada de <i style="font-weight: bold;">Santa María del Mar. </i>Barcelona</div>
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<br /></div>
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En Palma de Mallorca se construyó la catedral sobre una antigua mezquita. La planta rectangular está dividida en tres naves y una cabecera cuadrangular. La luz entra a través de un gran rosetón en la cabecera. En el exterior, los contrafuertes, rematados en pináculos, se alinean rítmicamente. Igualmente interesante es <i>la catedral de Manresa</i>, puesta bajo la advocación de santa María de la Aurora. En este edificio la nave central es sensiblemente más ancha que las laterales, mientras que éstas se funden con las capillas construidas entre los contrafuertes.</div>
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<br /></div>
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Exterior de la <b><i>Catedral de Palma de Mallorca</i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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Durante el siglo XIV se construyó un buen número de <b>edificios civiles</b>, en los que no sólo se evidenciaba el poder de la realeza y de los nobles, sino también el de la propia ciudad. Son, por lo general, amplios espacios de una sola nave bajo cubierta de madera y arcos diafragma. Dentro de la arquitectura civil del siglo XIV destaca <i>el Salón del Tinell </i>del palacio real de Barcelona, mandado construir por Pedro el Ceremonioso y <i>el Salón del Ciento </i>en el ayuntamiento municipal de Barcelona, obra de <b>Arnau Bargués</b>.</div>
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<br /></div>
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<b>Las atarazanas</b>, espacios dedicados a la construcción y reparación de los barcos, constituyen otro buen ejemplo de lo que fue la arquitectura civil en este siglo. En ellas se vuelven a utilizar los arcos diafragma y la madera como elementos esenciales de cubación. Las más interesantes son <i>la de Barcelona </i>y <i>la de Valencia</i>. </div>
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<br /></div>
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Para cerrar este apartado dedicado a la arquitectura española durante el siglo XIV, es necesario hacer referencia a una de las más bellas fortificaciones del momento: <i>el Palacio de Bellver </i>de Palma de Mallorca, residencia real que se organiza en torno a un patio circular de dos pisos con finas arquería.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>3.3. Arquitectura gótica en el siglo XV</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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Durante este siglo se produce una importante innovación dentro de la arquitectura que se concreta en el desarrollo del Gótico flamígero. La introducción de este estilo supuso una complicación de las bóvedas, una simplificación de las plantas, que tienden a convertirse en plantas de salón, el adelgazamiento de los soportes, la desaparición de la girola así como el aumento de la decoración en puntos estratégicos del edificio (puertas y ventanas). A esta época pertenece <i>la Catedral de Sevilla </i>(1402) construida sobre una vieja mezquita almohade de la que se conservó el antiguo patio, hoy conocido como <i>Patio de los Naranjos </i>y el alminar que más tarde pasará a denominarse <i>Giralda</i>. Esta catedral, que es una de las más grandes del mundo, se inició, en contra de lo que se solía hacer, por los pies. Tiene cinco naves y prescinde de la virola, aunque se recurre a la inclusión de una nave rectangular transversal que separa la capilla mayor del resto de la iglesia.</div>
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<br /></div>
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En <b>Toledo </b>trabajó <b>Hanequín de Bruselas </b>como maestro mayor de la catedral. Para este bello lugar realizó <i>la Puerta de los Leones</i>, el remate octogonal de la torre y <i>la capilla sepulcral de Don Álvaro de Luna</i>. Estas creaciones se inscriben plenamente dentro del Gótico flamígero; de hecho, Hanequín de Bruselas ha de ser considerado como uno de los principales introductores de este nuevo lenguaje en la Península. </div>
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<br /></div>
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Un importante continuador de este estilo es <b>Juan Guas</b>, formado con el anterior. En él se funde el Gótico flamígero con los elementos, soluciones y formas mudéjares, dando origen al estilo Hispano-Flamenco. En 1475 comienza a trabajar para la familia de los Mendoza construyendo <i>el Palacio de Manzanares el Real </i>(Madrid) y <i>el del Infantado </i>en Guadalajara. Una de sus obras más importantes es <i>la iglesia de San Juan de los Reyes </i>(Toledo), proyecto que no llegó a concluir y que fue continuado por Simón de Colonia y Antón y Enrique Egas. Este edificio tiene una sola nave con capillas entre los contrafuertes, un extraordinario cimborrio en el crucero y un coro a los pies. Su claustro es uno de los más bellos de la arquitectura gótica. Consta de dos pisos, en el de abajo se emplean arcos apuntados y en el de arriba mixtilíneos. Está decorado con elementos vegetales, geométricos y epigráficos.</div>
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<br /></div>
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Juan Guas: Interior de <i style="font-weight: bold;">San Juan de los Reyes. </i>Toledo</div>
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<br /></div>
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Juan Guas: Claustro de <i style="font-weight: bold;">San Juan de los Reyes. </i>Toledo</div>
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<br /></div>
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<b>Los hermanos Antón </b>y <b>Enrique Egas</b>, sobrinos de Hanequín de Bruselas, son continuadores de su estilo. Antón intervino en el <i>Palacio de Altamira</i> y en 1512 se encargó de <i>la Capilla Real de Granada</i>. Ambos trabajaron conjuntamente en <i>el Hospital de Santiago de Compostela</i>, en <i>el de Sevilla</i> y en el <i>de Toledo</i>, todos ellos de planta de cruz griega con una capilla en el centro (que algunos autores incluyen dentro del arte renacentista). </div>
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<br /></div>
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En <b>Burgos </b>trabajó <b>Juan de Colonia</b>. Algunas de sus obras más interesantes son <i>las agujas de la catedral de Burgos, la Cartuja de Miraflores </i>y <i>la Capilla de Santa Ana</i> en la catedral.</div>
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<br /></div>
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Su hijo, <b>Simón de Colonia</b>, continuó <i>la Cartuja de Miraflores</i>, obra que su padre no pudo concluir y realizó la que se considera una de las obras más bellas del siglo XV: <i>la Capilla del Condestable </i>de Burgos en la cabecera de <i>la catedral burgalesa</i>, construcción de planta octogonal cubierta con una bóveda de crucería calada en la que se combinan la influencia, tanto del Gótico alemán como de la tradición islámica. También son obras suyas <i>la fachada de San Gregorio </i>y la <i>de San Pablo</i> de Valladolid.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQXbpnNqyLzA-nlm7gUHUAMxE7JklSCfvwBTi2MufpWrp3WAvPv6-QYT08QTa_PdtyHCRahwRpbBhICCcfhG0ptobdRA6_vwKfXuvv1Bn4YomYqXtMrMTkVfDZWsLVOQ0MdmEOBu_PMWI/s1600/valla.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQXbpnNqyLzA-nlm7gUHUAMxE7JklSCfvwBTi2MufpWrp3WAvPv6-QYT08QTa_PdtyHCRahwRpbBhICCcfhG0ptobdRA6_vwKfXuvv1Bn4YomYqXtMrMTkVfDZWsLVOQ0MdmEOBu_PMWI/s640/valla.jpg" width="480" /></a></div>
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Simón de Colonia: Fachada de la <i style="font-weight: bold;">iglesia de San Pablo. </i>Valladolid</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>3.4. La arquitectura mudéjar</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El Mudéjar es un estilo que se desarrolló única y exclusivamente en España y que se prolongó cuatro siglos a partir del año 1100. Consiste, básicamente, en la fusión del arte cristiano y el arte islámico del que se toman, sobre todo, los materiales y los elementos decorativos.</div>
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<br /></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<i style="font-weight: bold;">Iglesia de San Tirso. </i>Sahagún</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Tradicionalmente, se engloban dentro de este estilo aquellas manifestaciones artísticas realizadas por los musulmanes que permanecieron en la España cristiana conservando sus propias costumbres y su religión.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La arquitectura mudéjar se caracteriza por el empleo del <b>ladrillo, el yeso</b>, para las decoraciones de motivos de procedencia musulmana que se funden con las estructuras arquitectónicas musulmanas, y <b>la madera</b>. Con este último material se realizaron las techumbres de los edificios, lo que se denominó artesonados.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Tradicionalmente, se ha dividido la arquitectura mudéjar en dos momentos diferentes: <b>Románico-Mudéjar </b>(siglos XI y XII) y <b>el Gótico-Mudéjar </b>(siglos XIII, XIV y XV).</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Según las clasificaciones más usuales son edificios románico-mudéjares <i>San Lorenzo </i>(Sahagún), <i>la Lugareja </i>de Arévalo (Ávila) y la cabecera del <i>Cristo de la Luz </i>(Toledo), que en su momento fue una mezquita musulmana de la que se apropiaron los cristianos en el siglo XII, mientras que son obras gótico-mudéjares las sinagogas <i>Santa María la Blanca </i>y <i>la del Tránsito</i>, ambas en Toledo, que más tarde se habrían de transformar en templos cristianos.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>La sinagoga del Tránsito</i>, próxima al arte nazarí, está bellamente decorada en su interior con frisos epigráficos y geométricos y artesonados.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>Santa María la Blanca</i> es un edificio de cinco naves que presenta signos evidentes de la influencia almohade, especialmente por la utilización de pilares octogonales y la austeridad decorativa que se reduce a los capiteles de talla profunda.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En Andalucía, la influencia nayarita es notable, como podemos observar en <i>el Alcázar de Sevilla</i>, mandado reconstruir por Pedro el Cruel en 1374, que alberga un hermoso patio denominado <i>de las Doncellas</i>. Igualmente interesante es la sevillana<i> Casa Pilatos</i>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En Aragón se conservan interesantes muestras de lo que fue el arte mudéjar en aquella zona, en la que abundaron las torres decoradas con cerámicas vidriadas como <i>las torres de San Martín</i> y <i>del Salvador </i> (Teruel).</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinspcoI_GvINh_LYlLJKkcvxMcnOnnLow4gKmUI2tA4Rsc9j8-I3uI0PfA53Yadc6GxIOdhkneWYHqxsUJSyLqfN-mithaZnLpf7AJICYLCjrLz3szw2yuW1q4whKk-UmCXnlDYa3EURw/s1600/teruel.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinspcoI_GvINh_LYlLJKkcvxMcnOnnLow4gKmUI2tA4Rsc9j8-I3uI0PfA53Yadc6GxIOdhkneWYHqxsUJSyLqfN-mithaZnLpf7AJICYLCjrLz3szw2yuW1q4whKk-UmCXnlDYa3EURw/s640/teruel.jpg" width="424" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<i style="font-weight: bold;">Torre de San Martín. </i>Teruel</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>4. ESCULTURA GÓTICA ESPAÑOLA</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>4.1. La escultura en el siglo XIII: el período clásico</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La transición a la plástica gótica la marcaron obras como <i>el Pórtico de la Gloria, el pórtico de la catedral de Ourense </i>o <i>la Cámara Santa </i>de Oviedo en las que se preludian las características de esta nueva plástica como ya tuvimos ocasión de ver. Durante el siglo XIII, las grandes realizaciones escultóricas van a estar ligadas a catedrales como <i>la de León, Burgos </i>y <i>Toledo</i>. Las fructíferas relaciones de Castilla con Francia posibilitarán la llegada a nuestro país de buen número de artistas que, con su presencia, ejercieron una influencia en el vocabulario artístico del momento.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En la catedral de <b>Burgos </b>se realizó <i>la Puerta del Sarmental </i>en torno a 1240. En ellas se pueden apreciar claras influencias de las portadas del transmito norte de la <i>catedral de Reims</i>. En el tímpano tenemos una representación de Cristo en Majestad rodeado del Tetramorfos, en el dintel los apóstoles y en el parteluz la representación del obispo Mauricio, iniciador de la catedral.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiN6bGRF8Itq0W8sj0sD0DEEZwuXQLDvXJi2hcU61vTvt67ogEabzW6LQvEyawj58n_dx-UIZPh2QijFFbA2I5VWKFktDRhNEFqcmtxFJSpK29sgIXVRMK1u4mOijpPquACHcRvpU0glPQ/s1600/sarmental.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiN6bGRF8Itq0W8sj0sD0DEEZwuXQLDvXJi2hcU61vTvt67ogEabzW6LQvEyawj58n_dx-UIZPh2QijFFbA2I5VWKFktDRhNEFqcmtxFJSpK29sgIXVRMK1u4mOijpPquACHcRvpU0glPQ/s640/sarmental.jpg" width="548" /></a></div>
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<i style="font-weight: bold;">Puerta del Sarmental. </i>Catedral de Burgos</div>
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<br /></div>
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Para este mismo edificio se realizó <i>la Puerta de la Coronería</i>, en la que se repite el tema del Juicio Final, aunque con un tratamiento iconográfico y plástico de mayor modernidad, menos aterrador que el que caracterizaba a las portadas románicas. En este caso, Cristo en Majestad está rodeado de la Virgen y san Juan. En el dintel aparece san Miguel pesando las almas. En la portada del claustro de esta misma catedral encontramos una catedral encontramos una escena de la Anunciación, en la que el ángel sonriente muestra un gran parecido con el ángel anunciador de Reims. Adosadas al muro norte de este claustro se colocaron imágenes de diferentes monarcas entre las que sobresalen las de Alfonso X el Sabio y de su esposa doña Violante.</div>
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<br /></div>
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En torno a la catedral de <b>León </b>se asentó otro importante taller de escultura dependiente del de Burgos. En las portadas de los pies encontramos una imagen de Cristo en Majestad que enseña las llagas rodeado de ángeles que portan los símbolos de su Pasión. En el dintel, se representa a san Miguel pesando las almas de los elegidos y de los condenados. En el parteluz la Virgen Blanca, de rostro dulce y sonriente, que sujeta entre sus brazos al Niño Jesús.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4.2. Escultura en el siglo XIV</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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La escultura gótica evoluciona paulatinamente hacia un mayor naturalismo, en el que la captación de lo anecdótico y de los detalles menos trascendentes, la representación de los sentimientos y de la expresión de los mismos, comienzan a cobrar mayor importancia. La escultura se hace más narrativa y se despierta un creciente interés por los nuevos temas, que incluían la vida de los santos.</div>
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<br /></div>
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El principal foco de interés es la Corona de Aragón, si bien esto no implica que en otros lugares como Castilla, Asturias, León, Extremadura, Murcia, Andalucía y el País Vasco no sigan apareciendo importantes muestras de escultura.</div>
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<br /></div>
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En <b>Toledo</b>, durante estos siglos, se realiza <i>la Puerta del Reloj</i> dividida en fajas en las que se narran diferentes escenas de los Evangelios.</div>
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<br /></div>
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En <b>Álava </b>la escultura está representada por <i>las portadas de la catedral de Santa María </i>en Vitoria que, al igual que <i>la Puerta del Reloj</i>, se dividen en bandas horizontales en las que se narran pasajes de la infancia de Jesús y la glorificación de la Virgen, la cual vuelve a aparecer en el parteluz. En esta portada, los elegantes personajes se desenvuelven con libertad y desahogo en el marco en el que se encuentran.</div>
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<br /></div>
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En <b>Navarra</b>, en <i>la catedral de Pamplona</i>, junto con otras obras promovidas por el obispo Arnaldo de Barbarán, se lleva a cabo <i>la Puerta Preciosa</i>, composición escultórica dedicada a la Virgen. En ella es posible advertir una gran belleza formal en el tratamiento de los paños, elegancia, suavidad, idealización, mesura y una gran habilidad a la hora de agrupar a los personajes.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIIZCQe7iTVFXd4k_3UQaApRHYLPtR-j86hxQuayfmCtp8OynFUqDU9DvjGrMUO_dYoEMXZXL8G8aSGwQlXDs0Cii4RHvBg8tRwTT1QYBXFiF20xDtfduIFYtteOGh1Q8AYncj_g6C_Qo/s1600/pamplona.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIIZCQe7iTVFXd4k_3UQaApRHYLPtR-j86hxQuayfmCtp8OynFUqDU9DvjGrMUO_dYoEMXZXL8G8aSGwQlXDs0Cii4RHvBg8tRwTT1QYBXFiF20xDtfduIFYtteOGh1Q8AYncj_g6C_Qo/s640/pamplona.jpg" width="424" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<i style="font-weight: bold;">Puerta Preciosa. </i>Catedral de Pamplona</div>
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<br /></div>
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En la portada de <i>la Virgen del Amparo </i>de esta misma catedral se ha presidido totalmente del sentido del orden que había primado en las portadas góticas y se ha pasado a un cierto tumulto, en el que las figuras se agolpan en un angosto espacio sin responder a ningún criterio de organización.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMcob414ij2iR61PQcvIh-mLmPzes34eY0pGKBFuwMyvl9a7Z73LluG_MpKObUNboXlh29isKN6WkpjQpYdOtWaUoZCl9gWWMFrND5AFJSR7kzX2eTKbyIo3Ki4ks3GLfQO2wuJwqBvBM/s1600/amparo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMcob414ij2iR61PQcvIh-mLmPzes34eY0pGKBFuwMyvl9a7Z73LluG_MpKObUNboXlh29isKN6WkpjQpYdOtWaUoZCl9gWWMFrND5AFJSR7kzX2eTKbyIo3Ki4ks3GLfQO2wuJwqBvBM/s640/amparo.jpg" width="426" /></a></div>
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<i style="font-weight: bold;">Puerta de la Virgen del Amparo. </i>Catedral de Pamplona</div>
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<br /></div>
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En el siglo XIV se produce el despertar de la <b>escultura catalana</b>, en la que influyen no sólo Francia, sino también Italia, de la que se aprende un modelado más suave en el tratamiento de los paños e Inglaterra. En Girona y para la iglesia de <i>San Juan de las Abadesas </i>se realizó <i>el retablo de la Virgen Blanca</i>. En el centro se encuentra una imagen de la Virgen de bulto redondo y a los lados, escenas evangélicas.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNCIz1Dlx_2NFYLajUWNn-n0zovPqf7QASrHdZiOPfAJ2Sf-ypokb53e5ZJ0BhTUzha1uKDWNxFbhAqMKMUkDnzeFtRVWtZsZrRKCoWCJMLLaaEQlo3GHKZt8bijkujrzsIRDaGQFBi84/s1600/virgenblanca.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNCIz1Dlx_2NFYLajUWNn-n0zovPqf7QASrHdZiOPfAJ2Sf-ypokb53e5ZJ0BhTUzha1uKDWNxFbhAqMKMUkDnzeFtRVWtZsZrRKCoWCJMLLaaEQlo3GHKZt8bijkujrzsIRDaGQFBi84/s640/virgenblanca.jpg" width="426" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<i style="font-weight: bold;">Retablo de la Virgen Blanca. </i>San Juan de las Abadesas. Girona</div>
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<br /></div>
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<b>El maestro Aloy </b>es uno de los artistas que más contribuyen al florecimiento de la escultura en Cataluña. <i>El retablo de Cornellá de Conflent </i>de<b> Jaume Cascalls</b>, estrecho colaborador de Aloy, es uno de los mejores de este momento. La suavidad de su talla, el derroche de imaginación en la representación de los animales fantásticos y la manera en que organiza la escena de Pentecostés, permiten hacer tal afirmación. Años más tarde se le encarga una estatua de Carlomagno en la que aparece pisoteando un áspid y un basilisco, como si de un nuevo Cristo se tratase.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4.3. La escultura en el siglo XV</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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Durante este siglo, y por influencia borgoñona primero y germana más tarde, se acentúa el naturalismo que llegó a desembocar en ocasiones en auténtico patetismo. En muchos de los rostros hace acto de presencia la melancolía. Nos encontramos ante uno de los momentos más importantes de la escultura gótica. </div>
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<br /></div>
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En <b>Navarra </b>eran manifiestas las influencias borgoñonas y concretamente la de Claus Sluter, como demostró uno de los artistas más representativos de esta zona, <b>Johan Lome de Tournai</b>. Su obra más conocida es <i>el sepulcro de Carlos el Noble y Leonor de Castilla</i> en la <i>catedral de Pamplona</i>, en la manera en que unos monjes ocultan sus rostros bajo la capucha y los dramáticos gestos de dolor de otros, son prueba del conocimiento del trabajo de Sluter en <i>la tumba de Felipe el Atrevido</i>.</div>
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<br /></div>
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En <b>la corona de Aragón </b>aparece <b>Pere Sanglada</b>, autor de los relieves de la sillería alta de <i>la catedral de Barcelona</i>, en la que colaboraron muchos de los miembros de su taller. <b>Pere de Sant Joan</b> fue maestro mayor de las <i>catedrales de Girona </i>y <i>Palma de Mallorca</i>. En esta última dirigió la realización de la <i>Puerta del Mirador</i>, en la que intervinieron varios artistas.</div>
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<b><br /></b></div>
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Uno de los continuadores de esta magnífica obra es <b>Juan de Valenciennes</b>, al que pertenecen la Última Cena y la Trinidad del tímpano, por cierto, en bastante mal estado de conservación. Uno de los escultores más activos de Cataluña fue <b>Pere Johan</b>, autor del medallón que contiene la representación de san Jorge en <i>el Palacio de la Generalitat</i> de Barcelona.</div>
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<b><br /></b></div>
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<b>El Reino de Castilla </b>es el foco en el que se hace más evidentes las influencias borgoñona y flamenca. En <b>Toledo</b> trabaja uno de los mejores representantes de esta corriente: <b>Egas Cueman</b>, hermano de Hanequín de Bruselas y autor de la sillería de coro de <i>la Colegiata de Belmonte</i>, decorada con escenas del Nuevo y del Antiguo Testamento y que en un principio estuvo destinada a la catedral de Cuenca.</div>
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<br /></div>
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En <b>Burgos </b>nos encontramos con dos excepcionales creadores: <b>Juan de Colonia </b>y <b>Gil de Siloé</b>. Este último era especialista en madera y alabastro, material que trabajaba con extremo cuidado y con un gran virtuosismo técnico. <i>El retablo de la Cartuja de Miraflores</i> es la obra que mejor representa su modo de trabajar la madera. En el centro de la composición se encuentra Cristo crucificado sujeto por el Padre y por el Espíritu Santo, alrededor los Padres de la Iglesia y escenas de la Pasión. De semejante calidad es la fachada <i>del Colegio de San Gregorio </i>de Valladolid, obra que ha suscitado entre algunos especialistas la duda en cuanto a su atribución, ya que muchos consideran que es de Juan de Colonia y no de Siloé.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>4.4. La escultura funeraria y exenta</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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Durante la Edad Media se produjo un acrecentamiento del interés por la muerte, lo que va a ir ligado al deseo de algunos miembros de la nobleza y de la jerarquía eclesiástica de enterrarse en el interior de los monasterios, iglesias o catedrales. A partir del <b>siglo XIII </b>se comienza a generalizar entre los pertenecientes a estos estamentos un profundo deseo de autoafirmación, que hace que se represente propia efigie sobre el sepulcro. Éste podía ser exento o bien adosado a la pared, cobijándose bajo un arco denominado <i style="font-weight: bold;">arcosolio </i>que se recubría con los motivos decorativos.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;"><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En la parte frontal del sepulcro podemos encontrar diferentes temas: la Crucifixión, la Gloria de Cristo en majestad, la Epifanía, el alma del difunto siendo transportada por los ángeles y la liturgia del entierro. Tal es el caso de los <i>sepulcros infante Felipe y su esposa doña Leonor </i>en Villalcázar de Sirga, en los que se representó toda la ceremonia del entierro y en los que aún quedan bastantes restos de policromía.</div>
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<i style="font-weight: bold;"><br /></i></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiP-xhuI6GXpE_knfrDZH7q_gXhpzzi_lMhdNyTfPjuMbDhgMIlK-NfOKO-CyTacH9U9G266gszbInf_j6ngiqsZZitjouBAnTDLk0JJ1VmzfDhV9WO5_MZvb7-YNJxyDnfg8dpx5AAT7c/s1600/sepulcro.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="466" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiP-xhuI6GXpE_knfrDZH7q_gXhpzzi_lMhdNyTfPjuMbDhgMIlK-NfOKO-CyTacH9U9G266gszbInf_j6ngiqsZZitjouBAnTDLk0JJ1VmzfDhV9WO5_MZvb7-YNJxyDnfg8dpx5AAT7c/s640/sepulcro.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<i style="font-weight: bold;">Sepulcro de doña Leonor, esposa del infante Felipe. </i>Villalcázar de Sirga. Palencia</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Además de los mencionados, otros conjuntos interesantes en el ámbito funerario del siglo XIII son el que se encuentra en <i>el monasterio de las Huelgas Reales</i> de Burgos y los que se ubican en la catedral de León.</div>
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<br /></div>
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En el <b>siglo XIV </b>se realizó en la catedral de Burgos <i>el sepulcro del obispo Gonzalo de Hinojosa</i>, en cuya parte frontal se puede admirar su enterramiento. Uno de los ejemplos más exquisitos de este siglo es el de <i>la condesa Ermesindis </i>en la catedral de Girona, obra de <b>Guillermo Morell</b>.</div>
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<br /></div>
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Al <b>siglo XV </b>pertenece <i>el sepulcro de Gómez de Carrillo de Albornoz</i> en la catedral de Sigüenza y <i>el de don Martín López de Arce</i>, conocido como <i>"el doncel"</i>, también en Sigüenza.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWaiW50Npue9iC5UnNbkQ4puWJNkovHC_N5iqPChhU8KRus2sFdb0-nGzeKpl5Awo1iXWo4NQJ_f869jbUkOCis524TeV3ANrDm7D3rqXCHlRSpGXPjOwjTUAQeyIeXly4xmgvdI7LZgE/s1600/doncel.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWaiW50Npue9iC5UnNbkQ4puWJNkovHC_N5iqPChhU8KRus2sFdb0-nGzeKpl5Awo1iXWo4NQJ_f869jbUkOCis524TeV3ANrDm7D3rqXCHlRSpGXPjOwjTUAQeyIeXly4xmgvdI7LZgE/s640/doncel.jpg" width="572" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<i style="font-weight: bold;">Capilla del Doncel. </i>Catedral de Sigüenza</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Una de las esculturas funerarias más importantes de nuestro país es <i>el sepulcro de Juan II </i>y <i>su esposa, Isabel de Portugal</i>, que se encuentra en la <i>Cartuja de Miraflores</i>, los cuales yacen en una cama con forma estrellada de ocho puntas. En esta obra, la habilidad y la destreza en la ejecución son verdaderamente asombrosas.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<b>La escultura exenta </b>estuvo representada por <b>los crucificados </b>y <b>las Vírgenes con el Niño</b>. Entre los crucificados debemos citar <i>el Cristo de las Batallas </i>en la catedral de Palencia, cuyo cuerpo dolorido descansa sobre una cruz de gajos. Cristo, por su sufrimiento, es más hombre que Dios, no triunfa sobre la muerte sino que padece para alcanzarla. Entre las vírgenes se encuentra la de la catedral de Toledo, conocida como la <i>Virgen Blanca</i>, singular por la influencia francesa que muestra. Sonríe al tiempo que el Niño toca su cara con un gesto de dulzura. El artista consigue expresar una bella relación entre madre e hijo en la que predomina la ternura. Otro bello ejemplo es <i>la Virgen de Laguardia </i>que mira a su hijo mientras éste sostiene un pájaro entre sus manos. Lejos queda ya la sequedad e inexpresividad de las vírgenes románicas.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgadVTlK6u1K2Fl6ePGrpS1mDA3TrPyXbE-PehQGKlZAgEVfAGtIeB1DcWdWxvkS5RTpqhHlJPhWwRCQy-Axla7qVvr0CFeeHcC_f4ZqpCcjFWmvvrFWQ5KyNgb7fUN1mL9NaenNt4Ype8/s1600/virgen_blanca.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgadVTlK6u1K2Fl6ePGrpS1mDA3TrPyXbE-PehQGKlZAgEVfAGtIeB1DcWdWxvkS5RTpqhHlJPhWwRCQy-Axla7qVvr0CFeeHcC_f4ZqpCcjFWmvvrFWQ5KyNgb7fUN1mL9NaenNt4Ype8/s640/virgen_blanca.jpg" width="312" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<i style="font-weight: bold;">Virgen Blanca. </i>Catedral de Toledo</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>5. PINTURA GÓTICA ESPAÑOLA</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>5.1. Pintura del siglo XIII</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El hecho de que la arquitectura gótica signifique el triunfo del vano sobre el muro fue uno de los argumentos que hizo que la pintura mural disminuyese en importancia y número. De los pocos ejemplos que tenemos de pintura mural, la mayor parte realizados durante el siglo XIII, cabe señalar, por un lado, <i>la Sala Capitular de Sigena </i>y por otro <i>la Capilla de san Martín </i>de la catedral vieja de Salamanca.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En la catedral de Pamplona <b>Juan Oliver </b>firma las pinturas del refectorio, en las que se puede percibir de un modo inmediato la influencia del arte inglés. En Mahamud, provincia de Burgos, se conservan <i>las tablas de Sainz del Castillo</i>, cuya iconografía es claramente funeraria como lo demuestran las plañideras y los plorantes.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La <b>miniatura </b>alcanzó un gran esplendor gracias a Alfonso X el Sabio, quien creó en Toledo un importante centro de traducción en el que también miniaron algunos textos.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El más célebre de ellos es <i>Las Cantigas de Santa María</i>: hojas completas divididas en seis escenas en las que es frecuente encontrar el rojo y el azul, colores predominantes de las vidrieras y los esmaltes. En ellas se narran los milagros de la Virgen. Estas miniaturas constituyen una buena fuente para el estudio de los ambientes, las ropas, el mobiliario o los instrumentos musicales del momento, son en definitiva excelentes testimonios de la vida cotidiana en el siglo XIII.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWBN0oUiR1Oj-tNMkeWBuUcObYTnsl-GhWf2DItdc-fzTgRk-DC9Q14C5G7w_qkgS9cjr9ycyk1FZMA68MzdbsuRh9DnS-rDB_rhIe_SLstqQ4t_hPUq-sji_MTOwfnqkukJo2V2vQ3J8/s1600/cantigas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWBN0oUiR1Oj-tNMkeWBuUcObYTnsl-GhWf2DItdc-fzTgRk-DC9Q14C5G7w_qkgS9cjr9ycyk1FZMA68MzdbsuRh9DnS-rDB_rhIe_SLstqQ4t_hPUq-sji_MTOwfnqkukJo2V2vQ3J8/s640/cantigas.jpg" width="616" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Detalle de una de las páginas de <b><i>las Cantigas de Santa María</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjaDw-dCYx5QYS4AkoyJyStVEgfXFDifZciv7J42I1J-6t7gIah1-dPMYeXcXGBNK27P674-HHsF2Oav4N236L01rN84FiUf9bMzZTVLj0bBlo3-rox5a6lK_PWZHMmVMnVBfmAfiJPctc/s1600/j.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="368" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjaDw-dCYx5QYS4AkoyJyStVEgfXFDifZciv7J42I1J-6t7gIah1-dPMYeXcXGBNK27P674-HHsF2Oav4N236L01rN84FiUf9bMzZTVLj0bBlo3-rox5a6lK_PWZHMmVMnVBfmAfiJPctc/s640/j.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<i style="font-weight: bold;">Libro de Juegos </i>mandado realizar por Alfonso X el Sabio</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>5.2. La pintura en el siglo XIV: la influencia italiana</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En el siglo XIV se caracteriza por la penetración de la influencia italiana que estará presente sobre todo el área mediterránea gracias a las intensas relaciones culturales que se establecieron en esta zona con Italia. <b>Cataluña </b>es el foco en el que este efecto es más intenso y donde mejor representado se halla por autores como Ferrer Bassa, Ramón Destorrents y los hermanos Serra.</div>
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<br /></div>
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<b>Ferrer Bassa </b>es el autor de <i>las pinturas de la capilla de San Miguel </i>en el claustro del monasterio de Predalbes. Las escenas son alusivas a la infancia y Pasión de Cristo, pero de entre todas sobresale una la Virgen entronizada, rodeada de ángeles, con el Niño entre sus brazos. La huella de lo italiano se puede encontrar en el sólido y robusto cuerpo del Niño y en el rostro dulce y ligeramente ladeado de la Virgen. <b>Ramón Destorrents</b> trabajó sobre todo en Barcelona y seguirá los pasos artísticos dados por Bassa.</div>
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<br /></div>
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<b>Los Serra </b>son cuatro hermanos de origen aragonés. Pedro Serra es quien creó <i>el retablo del Espíritu Santo </i>de la Seo de Manresa, una magna obra de cuatro cuerpos y cinco calles en la que se representa la Creación del Mundo, la Coronación de la Virgen, Pentecostés, el llanto sobre el cuerpo de Cristo, etc.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4cQ521Z53YcTQKMzRdkVXGdiZQAMFfArA5oDSwzrgCnRDN5rOXtNenQL4nIShN54eEVNStgRdwPEpVPYAGdRvr34upEbSaOATy0-a9t-QjFO65q-p0M5Fa8fdFgPOazzMt15rYN4gLLQ/s1600/retablo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4cQ521Z53YcTQKMzRdkVXGdiZQAMFfArA5oDSwzrgCnRDN5rOXtNenQL4nIShN54eEVNStgRdwPEpVPYAGdRvr34upEbSaOATy0-a9t-QjFO65q-p0M5Fa8fdFgPOazzMt15rYN4gLLQ/s640/retablo.jpg" width="582" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Pedro Serra: <i style="font-weight: bold;">Retablo del Espíritu Santo. </i>Catedral de Manresa</div>
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<br /></div>
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En <b>Granada</b>, durante este siglo, se pintaron las falsas bóvedas de la <i>Sala de los Reyes de la Alhambra</i>. El significado exacto de estas pinturas sigue siendo aún un misterio.</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>5.3. La pintura del siglo XV</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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El <b>Estilo Internacional </b>se desarrolla desde los últimos decenios del siglo XIV y los cuarenta primeros años del XV. Supone la fusión del estilo de la miniatura francesa con las conquistas formales italianas, especialmente sienesa. El Gótico Internacional no descartó la utilización de los dorados y la suntuosidad, la viveza cromática (muy por encima de lo que era necesario), los pliegues angulosos, artificiosos y acartonados y la acentuación del sentido narrativo.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>En Cataluña </b>trabajó <b>Luis Borrassá</b>, quien se formó siguiendo las pautas de la pintura de Destorrents y de Pedro Serra. Su éxito fue tal que siempre contó con una clientela numerosa. Fiel seguidor de su pintura fue <b>Bernardo Martorell</b>, autor del <i>retablo de san Jorge </i>que se encuentra en el Instituto de Arte de Chicago.</div>
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<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>En Castilla</b> sobresalió <b>Nicolás Francés </b>que es el introductor de el Estilo Internacional en León, ciudad en la que llevó a cabo sus obras más relevantes. En Salamanca, en la <i>Catedral Vieja</i>, se conserva uno de los retablos más hermosos de todo el Gótico, el pintado por <b>Dello Delli</b>, artista de origen florentino. A lo largo de sus cincuenta y tres tablas, que comprenden todo tipo de escenas y que incluyen un grandioso Juicio Final en el ábside, hasta el mínimo detalle ha sido minuciosamente cuidado. Su manera de pintar recuerda a Pisanello, Masolino o Gentile da Fabriano. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitKgzSqgDqXs38X8e_XJo5m_951l6pkFrGylPpK6ovgg4vm8cqQ0rTvAko8t0nTlFrMz0UCyXh5efTE6SzRCFr5_vOJ-YgjWY_jxZWFcv9R7kIpPV1BJcr3I4qvrHxEMadz5edoauRcI8/s1600/vieja.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitKgzSqgDqXs38X8e_XJo5m_951l6pkFrGylPpK6ovgg4vm8cqQ0rTvAko8t0nTlFrMz0UCyXh5efTE6SzRCFr5_vOJ-YgjWY_jxZWFcv9R7kIpPV1BJcr3I4qvrHxEMadz5edoauRcI8/s640/vieja.jpg" width="480" /></a></div>
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Dello Delli: <i style="font-weight: bold;">Retablo de la Catedral Vieja. </i>Salamanca</div>
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<br /></div>
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A mediados del siglo XV llegan a nuestro país las técnicas y el estilo de la <b>pintura flamenca </b>, así como un buen número de obras de las diferentes escuelas de dicha procedencia, lo que facilitó un conocimiento más directo de las mismas. En realidad, los verdaderos cambios no serán temáticos, sino técnicos, puesto que se difundirá, en primer lugar, la utilización del óleo. El mejor representante de esta corriente en <b>Valencia </b>es <b>Luis Dalmau</b>, iniciador del Estilo Hispano-flamenco. Los primeros datos que tenemos sobre él nos hablan de sus trabajos al servicio del rey Alfonso V y de sus misiones de carácter diplomático en Castilla, en donde se puso en contacto con la pintura flamenca, aprovechando los estrechos vínculos existentes entre Castilla y Flandes. Su obra más importante es <i>La Virgen de los Consellers</i>, en la que se sigue fielmente la pintura de Van Eyck y su gusto por la representación de la realidad. La Virgen, sentada en un trono de madera magníficamente descrito, aparece rodeada por santa Eulalia, san Andrés y los consellers.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXAIhTQGBasxRLNdt5CiPAfKFeXXjQZjQBh71-JSmzbfVERw_HX8-U8gFTyRb3i8ayMzdOyaz6-Ur8dxOTrBgs2B45iGtKI-Y7Tgf_gsfCLOamPi7Hzdo4EnS4CyRb023ptPkLu4pHXKI/s1600/consellers.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="624" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXAIhTQGBasxRLNdt5CiPAfKFeXXjQZjQBh71-JSmzbfVERw_HX8-U8gFTyRb3i8ayMzdOyaz6-Ur8dxOTrBgs2B45iGtKI-Y7Tgf_gsfCLOamPi7Hzdo4EnS4CyRb023ptPkLu4pHXKI/s640/consellers.jpg" width="640" /></a></div>
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Luis Dalmau: <i style="font-weight: bold;">La Virgen de los Consellers. </i>Museo Nacional de Arte de Cataluña</div>
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<br /></div>
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En <b>Cataluña </b>sobresale <b>Jaime Huguet</b>. Su obra maestra es <i>el tríptico de San Jorge</i>, en la que el santo, melancólico, está dotado de una gran elegancia y humanidad.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiseQQ-CNJkpM4uhjORmA8bSOEhE95vK7vyOrMQlws14-pJrbn2mvDYyCHQCh3_ahuf1lAjFp980nfQd3060PO7bCqeCTFII2ze2noj27_uhy4loNlVNHWu5exEFK7v7bPRoUI16iVxzKM/s1600/princesa.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiseQQ-CNJkpM4uhjORmA8bSOEhE95vK7vyOrMQlws14-pJrbn2mvDYyCHQCh3_ahuf1lAjFp980nfQd3060PO7bCqeCTFII2ze2noj27_uhy4loNlVNHWu5exEFK7v7bPRoUI16iVxzKM/s640/princesa.jpg" width="410" /></a></div>
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Jaime Huguet: <i style="font-weight: bold;">Retablo de san Jorge y la princesa. </i>Museo Nacional de Arte de Cataluña</div>
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<br /></div>
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<b>Bartolomé Bermejo </b>es uno de los mejores pintores del área aragonesa de este momento, aunque su origen era cordobés. Su obra maestra es, indudablemente, <i>Santo Domingo de Silos</i> (Museo del Prado). El santo, entronizado, viste una impresionante capa pluvial y porta la mitra y el báculo. En su rostro se refleja la severidad propia de su cargo y en su trono e indumentaria de demuestra la gran capacidad técnica del autor, aprendida probablemente en el entorno del pintor flamenco Petrus Christus, para la captación con absoluta fidelidad de los detalles, incluso los más mínimos. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2pn3Lxn_q-Kwp8WeIupacSs9g1yRT53C4wFX-WxBn1llE_8E3ic9aFPNmsX29CwPbNo6KWRuKRiDERKf2LN4zYHVrG1TQHPFeUaW9AA17N33YeM7q-NqghNzaWsEB25VPfhFRYzGQ0_c/s1600/bermejo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2pn3Lxn_q-Kwp8WeIupacSs9g1yRT53C4wFX-WxBn1llE_8E3ic9aFPNmsX29CwPbNo6KWRuKRiDERKf2LN4zYHVrG1TQHPFeUaW9AA17N33YeM7q-NqghNzaWsEB25VPfhFRYzGQ0_c/s640/bermejo.jpg" width="336" /></a></div>
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Bartolomé Bermejo: <i style="font-weight: bold;">Santo Domingo de Silos. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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En <b>Castilla</b>, la incidencia de la pintura flamenca alcanzó un alto grado de desarrollo, hecho que debió de propiciar el intenso contacto que Castilla, como se comentó anteriormente, mantenía con Flandes; incluso se sabe que Van Eyck estuvo afincado en esta tierra durante una corta temporada.</div>
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<br /></div>
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En Salamanca trabajó <b>Fernando Gallego</b>, formado en contacto directo con la pintura flamenca. Su pintura se caracteriza por la melancolía, el patetismo y la fiel captación de la naturaleza. Entre sus obras más importantes se encuentra <i>La Piedad </i>(Museo del Prado) y la decoración mural de la bóveda de la biblioteca de la Universidad de Salamanca con alegorías de astros y constelaciones.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4VTue7DlfhqQijJVA3szJ3abEarfChK5EC-m2ZUkjdUAWGd7M1set75hQtOzX0VzZZVKpvicXiRyzroajJ-_arfKJlmqO9VvdpAochqt-6q-_jcRuOAOjImR5v7Q38qt5rCXABL4plYY/s1600/gallego.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="544" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4VTue7DlfhqQijJVA3szJ3abEarfChK5EC-m2ZUkjdUAWGd7M1set75hQtOzX0VzZZVKpvicXiRyzroajJ-_arfKJlmqO9VvdpAochqt-6q-_jcRuOAOjImR5v7Q38qt5rCXABL4plYY/s640/gallego.jpg" width="640" /></a></div>
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Fernando Gallego: <i style="font-weight: bold;">Bóveda del Zodiaco </i>de la Universidad de Salamanca</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<b><span style="font-size: large;">Talleres de Burgos y León</span></b></div>
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<br /></div>
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<i>En el siglo XIII los principales talleres están abiertos en Burgos y León. Pero puede decirse que no comienzan a actuar hasta mediado el siglo, pues los trabajos de fábrica han acaparado hasta entonces toda la actividad. Uno de los conjuntos góticos principales se halla en la catedral de Burgos. La portada del Sarmental se hace un poco antes, en 1243. Puede reconocerse en ella la obra de tres maestros. El primero labra el Pantócrator del tímpano y el Tetramorfos. Detalle ya de goticismo es la presencia de los evangelistas escribiendo en pupitres, en forma naturalista. Este maestro está relacionado con el autor del Beau Dieu de Amiens. El apostolado del dintel corresponde a otro maestro, pero del mismo núcleo de Amiens. De estos mismos talleres son los ángeles y reyes músicos que decoran la arquivolta. Otro tercer maestro, en relación desde luego con los anteriores, hizo la soberbia imagen del parteluz que probablemente representa al obispo don Mauricio, promotor de las obras de la catedral.</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
(MARTÍN GONZÁLEZ, J. J. <i>Historia del Arte, </i>1986)</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>A FONDO</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><i>LA CATEDRAL DE BURGOS</i></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><i><br /></i></b></span></div>
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Burgos es una ciudad típicamente medieval que nació y creció alrededor de un castillo erigido sobre un cerro. La catedral se construyó en un desnivel, lo cual tuvo serias repercusiones constructivas, ya que la <i>Portada de la Coronería </i>y el brazo del crucero que corresponden a ella se encuentran muchísimo más elevados que el resto del edificio.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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Muchas fueron las circunstancias que confluyeron para que en el siglo XIII se iniciase su construcción. Una de ellas fue el nombramiento del obispo Mauricio, un personaje muy culto que había estudiado en París y que medió para que se concertase el matrimonio entre Fernando III y la princesa Beatriz de Suabia. En cuanto a los artistas que trabajaron en ella, sabemos que es posible que en los inicios trabajase el maestro Ricardo, pero del primero que tenemos constancia documental es del maestro Enrique, colaborador también en <i>la catedral de León</i>. En la segunda etapa constructiva, que tiene lugar entre el siglo XV y el XVI, hay que hablar de la dinastía de los Colonia, Juan y su hijo Simón, así como de Juan de Vallejo.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La planta de la catedral es de cruz latina con tres naves de seis tramos. El crucero, marcado en planta, es de una sola nave. La cabecera es profunda y está dotada de girola. La planta de <i>Burgos</i> se ha venido relacionando con la de <i>Coutances </i>mientras que el alzado está más próximo a <i>Bourges</i>, lo que hace que presente claras conexiones con el Gótico francés. El muro de la nave central está dividido en tres partes: los arcos que comunican las naves, un amplio triforio, elemento que tenderá a desaparecer y, por último, grandes ventanales apuntados, que permiten la penetración de la luz en el interior de este magnífico edificio. La luminosidad se ve reforzada por el rosetón de los pies y el situado en el brazo meridional del crucero. Toda esta estructura está cubierta con bóvedas de crucería de una gran simplicidad, como corresponde al momento más clásico del Gótico español.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhb7wdqPZS1JTvY0Ll1olbfRIz5qg2rdqBPvpl8Ue5_eL23f4vJ8BWAJ4MlzWHKifP5aKI-_lMGCHkNJxf5DDG3J1zgi4u5KC-PpyVmaMahLfpIMXVLF4k5vRpOYKy_9xHTPMmivZyGD1o/s1600/burgos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhb7wdqPZS1JTvY0Ll1olbfRIz5qg2rdqBPvpl8Ue5_eL23f4vJ8BWAJ4MlzWHKifP5aKI-_lMGCHkNJxf5DDG3J1zgi4u5KC-PpyVmaMahLfpIMXVLF4k5vRpOYKy_9xHTPMmivZyGD1o/s640/burgos.jpg" width="480" /></a></div>
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Fachada de la <b><i>Catedral de Burgos</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
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En el exterior podemos ver dobles arbotantes como los que encontramos en templos franceses como <i>Saint-Denis</i>, mientras que el modo de organizar las fachadas es más característico de <i>Reims</i>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En las torres y en las partes altas de la catedral se encuentra un importante conjunto de esculturas, entre las que se hallan imágenes de los ocho reyes de Castilla y León, de la misma manera que sucedía en <i>Reims</i>, en un claro intento de vincular la religión a la monarquía. Las agujas de las torres que se encuentran a los pies de la iglesia están bellamente caladas y son obra de Juan de Colonia, quien posiblemente siguió para su ejecución modelos alemanes.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Una de las partes más hermosas de toda la catedral es el cimbreo que se erige en el centro del crucero. Está bellísimamente decorado con diversos motivos iconográficos que, por encontrarse situados a gran altura, no han podido ser estudiados en detalle (motivos heráldicos pertenecientes a la Monarquía, a la ciudad o a prelados de la época, así como santos especialmente venerados en la ciudad de Burgos, esculturas de profetas, etc.). El cimborrio, realizado por Juan de Colonia, se vino abajo en 1539 por lo que Juan Vallejo acometió su reconstrucción tiempo después. Sobre cuatro grandes pilares cilíndricos se eleva una bóveda estrellada cuya plementería está calada.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Una mención especial merece la <i>Capilla del Condestable</i>. Fue concedida a doña Mencía de Mendoza en el año 1482 con la finalidad de que allí se construyese un gran panteón para ella y su esposo, Pedro Fernández de Velasco, quien fue Contestable de Castilla. Las obras se le encargaron a Simón de Colonia. En el centro de la capilla se encuentran sendos sepulcros bajo una increíble bóveda estrellada que se considera una de las realizaciones más interesantes de nuestra arquitectura gótica y en las que es posible percibir una cierta influencia musulmana.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El problema del desnivel del brazo septentrional del crucero fue solventado por Diego de Siloé con la realización de <i>la Escalera Dorada</i> entre 1519 y 1522, de rasgos plenamente renacentistas.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Para finalizar, hablaremos del claustro, que fue iniciado en el siglo XIII, pero que no se llegó a terminar hasta el XIV. En él se pueden apreciar varias esculturas monumentales de gran valor como las figuras de Alfonso X y su esposa doña Violante.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEir9zZKBD6WZr6eRX8f0r1_hIZaiOiS7wW8VcjYoUzY78dzN6QrWcvPDM4NoJOoE4wAUsT3ULEuK8w0ZnpvRXiR1biwSBUEmri79NdK_cslOXWFDZIgzJms9n452nVfxGx8v8nsML7BXNM/s1600/cimborrio.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="555" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEir9zZKBD6WZr6eRX8f0r1_hIZaiOiS7wW8VcjYoUzY78dzN6QrWcvPDM4NoJOoE4wAUsT3ULEuK8w0ZnpvRXiR1biwSBUEmri79NdK_cslOXWFDZIgzJms9n452nVfxGx8v8nsML7BXNM/s640/cimborrio.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Cimborrio de la <b><i>Catedral de Burgos </i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">GLOSARIO</span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><i>Cul-de-lampe</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Columnas adosadas al muro procedentes de una cubierta o de los arcos fajones. Estas columnas no llegan al suelo, sino que se cortan y en la base adquieren forma de ménsula redondeada.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<b>Arco diafragma</b></div>
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Arco perpiaño que separa los los tramos de una base desviando, en parte, los excesos de carga que puedan ocasionar los muros laterales.</div>
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<b>Artesonado</b></div>
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Se da este nombre a los techos de madera descubiertos que tienen forma de artesa invertida.</div>
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<b>El claustro del Monasterio de Guadalupe (Cáceres)</b></div>
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Es uno de los más hermosos ejemplos del arte mudéjar dentro de esta provincia, en cuyo centro se erige un templete algo más tardío que el resto del claustro bellamente decorado con elementos cerámicos.</div>
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<br /></div>
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<b>Basilisco</b></div>
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Animal fantástico mezcla de gallo y serpiente, con una cola bífida y corona en la cabeza. Se creía que era capaz de matar con su mirada. Se podía eliminar enfrentándolo a un espejo, con lo que su propia arma era capaz de matarlo a él. Se representó a lo largo de toda la Edad Media como símbolo del mal que Cristo pisoteaba.</div>
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<b><i>El doncel </i>de Sigüenza</b></div>
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En este sepulcro, el difunto no aparece yacente sino recostado sobre un haz de heno, como símbolo de la fugacidad de la vida y leyendo un libro, posiblemente una de las actividades que debió practicar en vida. A sus pies, un siervo y un león aluden a la fidelidad.</div>
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<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
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<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
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<b><span style="font-size: large;">CITAS</span></b></div>
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<i>"Nuestra comida es escasa, nuestros vestidos toscos y nuestra bebida está en el río. Bajo nuestros riñones no hay más que una dura estera; cuando dormimos resulta más dulce levantarnos al sonido de una campana. Por todas partes paz, por todas partes serenidad y una maravillosa libertad respecto al resto del mundo".</i></div>
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<b>El abad Ailred</b></div>
GreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-31677488193559288822015-07-15T10:02:00.001-07:002015-08-11T05:53:28.183-07:00El Gótico en Europa<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<b>El "arte gótico" aparece por primera vez en L'île de France a finales del siglo XII y pasa a extenderse desde aquí a la mayor parte de los países europeos. Estamos ante un fenómeno de vital importancia que ha de ser interpretado como la materialización de los trascendentales cambios, no sólo económicos, políticos y sociales, que tuvieron lugar a lo largo de los últimos siglos de la Edad Media, sino también cambios decisivos en la mentalidad de la época que preparan el camino para la llegada del Renacimiento. La secularización de la sociedad, el desarrollo de las ciudades y los descubrimientos geográficos propiciados por las innovaciones en el campo de la navegación, irán aproximando paulatinamente al hombre al centro de la Creación.</b><br />
<b><br /></b>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSmOf_oQA_9B_kpTgfLA9tVnjNhtdtSUxvmAdU7IRfBfdcU5s_HNxJn35B1yxF9gCzSBqAwr5TkbEDhn7s7rLrgr3nx01tBnObDILvqJrQSWWXVr5K7zVY3_OVZkPS_sgal-6ZMCBj33E/s1600/st_chapelle_vitraux.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="496" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSmOf_oQA_9B_kpTgfLA9tVnjNhtdtSUxvmAdU7IRfBfdcU5s_HNxJn35B1yxF9gCzSBqAwr5TkbEDhn7s7rLrgr3nx01tBnObDILvqJrQSWWXVr5K7zVY3_OVZkPS_sgal-6ZMCBj33E/s640/st_chapelle_vitraux.jpg" width="640" /></a></div>
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<b><i>Sainte-Chapelle.</i></b> París</div>
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<br />
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<span style="font-size: large;"><b>1. ALGUNOS ASPECTOS SOBRE EL GÓTICO</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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El Gótico es el estilo imperante en Europa durante los siglos XIII, XIV y XV cuyo nacimiento está motivado por la aparición de una serie de cambios culturales políticos y sociales que tendremos ocasión de ver. El arco cronológico y espacial en el que se desarrolla el Gótico es muy amplio y por ello resulta bastante complicado establecer sus límites.</div>
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<br /></div>
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<b>El origen del término gótico</b> posee, como muchos otros, una fuerte connotación negativa. La palabra Gótico viene a significar "godo" y era utilizada por los humanistas renacentistas para referirse a un tipo de escritura medieval contrapuesta a la escritura "romana". Más tarde su utilización se hizo extensiva a la arquitectura y, finalmente, al resto de las manifestaciones artísticas como la pintura, la escultura y las artes menores. El Romanticismo será el movimiento que se ocupe de revalorizar este estilo que, durante mucho tiempo, fue despreciado por su alejamiento de la estética clásica. </div>
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<br /></div>
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<b>Francia</b>, y concretamente la región de Lîle-de-France (París), es el lugar en el que se produjo su nacimiento a mediados del siglo XII, como expresión del poder de la monarquía y de la iglesia de este país. Desde aquí se extenderá a la mayor parte de los países europeos, en los que se llevará a cabo una interpretación propia del estilo con unas características que son el reflejo del pasado artístico y de la personalidad de cada uno de estos lugares. Uno de los personajes que más contribuyó a su nacimiento y desarrollo fue <b>Suger de Saint-Denis</b>, abad e historiador francés y consejero del rey Luis VI el Gordo. Él fue, además, el encargado de impulsar la reconstrucción de la abadía cluniacense de <i>Saint-Denis</i>, en la cual se ensayaron una serie de innovaciones técnicas y arquitectónicas que anuncian la llegada de la arquitectura gótica.</div>
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<br /></div>
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<b>El Císter </b>es otro importante elemento a la hora de establecer los orígenes del Gótico: se trata de una orden monástica que surge en Francia al amparo de la personalidad de <b>san Bernardo</b>, quien arremetió contra la orden cluniacense y condenó los excesos decorativos y la suntuosidad de algunos edificios románicos. Afirmaba que los monstruos que ornaban los capiteles distraían al fiel e impedían la concentración en sus rezos. Los edificios de la arquitectura cisterciense son sobrios, carecen de elementos decorativos, emplean con frecuencia la bóveda de crucería (este es uno de los elementos que han invitado a considerar la arquitectura cisterciense como el antepasado directo de la gótica) y amplios ventanales de una luz blanca y pura, que no multicolor como sucede en la arquitectura gótica.</div>
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Durante estos siglos se producen importantes cambios en lo que respecta a la cultura, la sociedad, la economía y el pensamiento. En el campo de la <b>filosofía </b>se sustituyen las ideas platónicas, que tanto defendió san Agustín, por la teoría de <b>Aristóteles</b>, de la que se hizo eco santo Tomás de Aquino, custodiada y conocida por los musulmanes, y que será traducida en Occidente a lo largo del siglo XII. Surgen figuras como <b>san Francisco de Asís</b> (<i>il poverello</i>), al que seguirá el franciscano san Buenaventura, que aportará grandes cambios en el ámbito de la espiritualidad, dando origen a las llamadas órdenes mendicantes. Aparece de este modo una nueva visión de la religión que no está fundamentada en el temor imperante a partir del año 1000, sino en valores como la pobreza, la humildad o la compasión. Estos cambios trajeron consigo una nueva visión de Dios, alejada ya de la imagen de justiciero que ofrecía el Románico. Durante el Gótico, éste aparece como un ser mucho más bondadoso y próximo al hombre. </div>
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<br /></div>
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<b>Las cruzadas </b>(las primeras se remontan al siglo XI) que surgen para custodiar los Santos Lugares y cuidar de los peregrinos que las visitaban, permiten el conocimiento de un mundo con el que no se había tenido contacto hasta ese momento y favorecen la aparición de nuevas rutas comerciales.</div>
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<br /></div>
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<b>La mujer </b>comienza a desempeñar un papel bien diferente al que había encarnado hasta ahora; se convierte en el centro de las composiciones de los trovadores y del culto caballeresco. Al mismo tiempo <b>la Virgen </b>comienza a asumir un lugar preeminente en la iconografía sagrada y en las portadas de las iglesias.</div>
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<br /></div>
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Frente al Románico, que es un arte rural, el Gótico se desenvuelve en las <b>ciudades</b>, núcleos de población que experimentan en estos siglos un vertiginoso crecimiento en torno a los <b>burgos</b>, barrios en los que se asentaban los burgueses, gentes que se enriquecieron gracias a su trabajo, la mayor parte de las veces de carácter artesanal. Allí se ubicaban "las escuelas urbanas" en las que se custodiaba el saber de la época y que, más tarde, dieron lugar al nacimiento de las universidades. Una de las más representativas era París, integrada por las facultades de Derecho, Medicina, Teología y Artes. Junto a la de París sobresalen Bolonia, Oxford y Cambridge.</div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En definitiva, podemos afirmar que el Gótico es el resultado de una serie de cambios, no sólo técnicos y constructivos, sino cambios en la mentalidad, la cultura, la economía y la sociedad del momento. Esta creciente secularización que tuvo lugar durante los siglos del Gótico preparó el camino para la llegada del Renacimiento.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://www.blogger.com/blogger.g?blogID=564536844712814218" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a><a href="https://www.blogger.com/blogger.g?blogID=564536844712814218" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a><a href="https://www.blogger.com/blogger.g?blogID=564536844712814218" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRAvSuOIQTixUGCezRLTOYr98UMu70We4Rb2UzC8XfsqYMihqmA22u9rznP_KuFzCeLgIlWm8Z557q7FrBDqDA6lK2W4FVvMBerHq_hiBEQkuQ1SsLsOz55qmz_CYZvpE_gLg0l6ULwes/s1600/san+francisco.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRAvSuOIQTixUGCezRLTOYr98UMu70We4Rb2UzC8XfsqYMihqmA22u9rznP_KuFzCeLgIlWm8Z557q7FrBDqDA6lK2W4FVvMBerHq_hiBEQkuQ1SsLsOz55qmz_CYZvpE_gLg0l6ULwes/s640/san+francisco.jpg" width="472" /></a><a href="https://www.blogger.com/blogger.g?blogID=564536844712814218" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a><a href="https://www.blogger.com/blogger.g?blogID=564536844712814218" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a><a href="https://www.blogger.com/blogger.g?blogID=564536844712814218" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></div>
<div class="" style="clear: both; text-align: center;">
<i style="font-weight: bold;">San Francisco predicando a los pájaros. </i>Basílica de San Francisco. Asís.<br />
<br /></div>
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<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2. LA ARQUITECTURA GÓTICA</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2.1. Características generales de la arquitectura gótica</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
El Gótico supone, entre otras muchas cosas, un cambio radical en la manera de construir que se produce como consecuencia lógica de los estudios de carácter geométrico, matemático y aritmético a los que se había llegado. Las aportaciones constructivas de este período fascinarán a un buen número de personajes del siglo XIX, como Viollet-le-Duc e inspirarán el nacimiento del Neogótico.<br />
<br />
Las principales características de la arquitectura gótica son las siguientes:<br />
<br />
<br />
<ul>
<li>La utilización del <b>arco apuntado </b>es uno de los principales logros constructivos que permiten erigir edificios más elevados, disminuyendo el empuje lateral y además ayudan a acentuar ópticamente la sensación de esbeltez que se pretende crear en el edificio gótico. Este tipo de arco había sido utilizado ya en la arquitectura románica de Borgoña y de Provenza, así como en la arquitectura costarricense.</li>
</ul>
<ul>
<li><b>La bóveda de crucería</b> es otra de las piezas fundamentales de la arquitectura gótica.</li>
</ul>
<ul>
<li>El muro pierde importancia frente <b>al vano</b>, cuyas dimensiones aumentan considerablemente. Este incremento del tamaño del vano obedece al decisivo protagonismo que adquiere <b>la luz</b> dentro del espacio sagrado.</li>
</ul>
<ul>
<li>Como elemento sustentante se emplean <b>gruesos pilares con banquetones</b> sobre los que descansan los capiteles.</li>
</ul>
<ul>
<li>En los edificios del siglo XIII seguirá apareciendo <b>la tribuna</b>, que más tarde se irá modificando en su estructura, para finalmente desaparecer por completo.</li>
</ul>
<ul>
<li>Todo este complejo sistema constructivo debía estar necesariamente reforzado en <b>el exterior</b> con <b>contrafuertes</b> en los que descansan <b>los arbotantes</b>. Sobre los contrafuertes aparecen <b>los pináculos</b>. Algunos historiadores consideraron durante cierto tiempo que los pináculos tenían una simple función decorativa, pero hoy podemos afirmar que su función es la de ejercer una fuerza vertical que neutralice los empujes laterales transmitidos por los arbotantes a los contrafuertes. <b>Las gárgolas </b>también tenían un cometido muy claro, ya que servían para eliminar el agua evitando que ésta pudiese deteriorar las cubiertas. Las gárgolas toman las formas más fantásticas que es capaz de crear la imaginación del artista.</li>
</ul>
<div>
El edificio gótico es estilizado y de gran altura, invitando al creyente a elevar su mirada al cielo. Esta tendencia a la verticalidad irá creciendo a medida que pase el tiempo y exista un mayor dominio de las técnicas constructivas. Por ello, las primeras catedrales, más pesadas y horizontales, darán paso a edificios más esbeltos y livianos.</div>
<div>
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxk92tlyT3gHQ6HswNS6EwPidLdcFtlU3GL7SvytfIL14EP7XNVwjFF14YZuFuzxBkFj5dulKCaK7OnFbUBNR55QAz2nLHba-XL2yl3ZoQJltwBj8sXc3lpmAuhFm9OHFKEU0kKz97GCA/s1600/reims.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxk92tlyT3gHQ6HswNS6EwPidLdcFtlU3GL7SvytfIL14EP7XNVwjFF14YZuFuzxBkFj5dulKCaK7OnFbUBNR55QAz2nLHba-XL2yl3ZoQJltwBj8sXc3lpmAuhFm9OHFKEU0kKz97GCA/s640/reims.jpg" width="480" /></a></div>
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Interior de la <b><i>Catedral de Reims</i></b></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>2.2. La catedral gótica</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Durante el Gótico se construyeron muchos edificios de carácter civil, algunos de ellos tan hermosos como el <i>Palacio de los papas de Aviñón</i>, pero sobre todo, se hicieron edificios religiosos y, en concreto, <b>catedrales</b>, las cuales se distinguían por su altura del resto de las construcciones urbanas. En la construcción de las catedrales, que podía prolongarse a lo largo de todo un siglo, participaba la mayor parte de la población, no sólo con su esfuerzo físico, sino también con su colaboración económica. Muchas de ellas custodiaban importantes reliquias que reportaban grandes beneficios económicos en forma de generosas limosnas.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Por lo general, las catedrales se construían en lugares en los que ya había existido otro edificio con anterioridad, ya que durante la Edad Media el lugar elegido para la ubicación de un edificio es algo primordial.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>La planta </b>de la catedral es de cruz latina con tres o cinco naves entre las que la central sobresale en altura por encima de las laterales. Cuando esta diferencia está muy acentuada estamos ante edificios <i>ad triangulum</i>, sin embargo, cuando la diferencia no es muy pronunciada hablaremos de tendencia <i>ad quadratum</i>. Las naves laterales se unen por detrás de la central creando <b>la girola</b> en torno a la cual se hallan las <b>capillas radiales</b>. La planta simboliza la crucifixión de Cristo y los pilares del crucero a los evangelistas. En los pies existen dos <b>torres </b>que flanquean la fachada con tres <b>portadas </b>decoradas. En ocasiones también se advierte la existencia de portadas monumentales en los brazos del crucero. En la parte central de esta último se ubica <b>el cimborrio</b> que se remarca en altura con una <b>aguja</b>, algunas de ellas bellamente caladas. Las portadas de las catedrales eran, al mismo tiempo que un método de divulgación de la doctrina cristiana, el escenario en el que tenía lugar la representación de misterios y autos sacramentales.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjW8yP9mV6xF4VkWNrE8h2khQAPRe7YRJ1C_8EjvWAZso6d26u8RFKSvJV7_RYF-eqOGYookKCiqz-uqArDpTfhRwGYysHC8hGgs5wt4INMaKEySjOENJyOEyMGyzZjPxmmWX2PHxEl6U/s1600/notre_dame.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjW8yP9mV6xF4VkWNrE8h2khQAPRe7YRJ1C_8EjvWAZso6d26u8RFKSvJV7_RYF-eqOGYookKCiqz-uqArDpTfhRwGYysHC8hGgs5wt4INMaKEySjOENJyOEyMGyzZjPxmmWX2PHxEl6U/s640/notre_dame.jpg" width="480" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Fachada de la <i style="font-weight: bold;">Catedral de Notre-Dame. </i>París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
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<b>La luz </b>desempeña un papel fundamental en el arte gótico puesto que simboliza la presencia divina y penetra a través de las vidrieras realizadas con fragmentos de vidrios de múltiples colores. <b>El rosetón</b>, situado a los pies de la iglesia, es un gran vano de forma circular que permite el paso de luz coloreada y contribuye a crear un ambiente de religiosidad, que sitúa al creyente en un mundo celestial, en la Jerusalén celeste. </div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQmKQC2f4DED4kSylySvLlHKDzFxihAGeeHfmopW3CJpLPixIMiQAkmqJep-wA3LgfhZqZp-oH7sMi4XspHk-wOAGncQFHaFdpw8LXxP73t7ygkrtdJLKLJhyupo6_q5bMfvyDs7NnjqQ/s1600/nd+lado.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQmKQC2f4DED4kSylySvLlHKDzFxihAGeeHfmopW3CJpLPixIMiQAkmqJep-wA3LgfhZqZp-oH7sMi4XspHk-wOAGncQFHaFdpw8LXxP73t7ygkrtdJLKLJhyupo6_q5bMfvyDs7NnjqQ/s640/nd+lado.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b style="font-style: italic;">Catedral de Notre-Dame </b>vista desde un lateral. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En torno a las catedrales se establecían los canteros, rejeros, retablistas y carpinteros, que iban realizando sus labores al tiempo que se erigía ésta tal y como hemos podido saber por algunas miniaturas que dan fe del proceso constructivo de una catedral.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2.3. La arquitectura gótica en Francia</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Francia, cuna del Gótico, es uno de los países en el que mayor número de edificios de estas características encontramos. Los orígenes de este estilo en Francia se encuentran en la cabecera de la iglesia de <i>la abadía carolingia de Saint-Denis</i> y en <i>la catedral de Sens</i>. En <i>la iglesia de Saint-Denis</i> se modificó la cabecera consagrada en el año 1144. <i>La catedral de Sens</i>, realizada en 1130, tiene un interior en el que se puede percibir una fuerte sensación de solidez. El siguiente testimonio de la evolución artística del momento lo marca el ábside de <i>Saint-Martin-des-champs</i> de París, llevada a cabo en la segunda mitad del siglo XII. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>La catedral de Laon </i>tendrá una influencia decisiva sobre edificios que se construirán posteriormente, como <i>la catedral de Reims</i>, mientras que la planta de <i>Notre-Dame de París</i> influirá en algunos ejemplos españoles, sobre todo, en la catedral de Toledo. Uno de los aspectos que se constatan tras el estudio de estas primeras catedrales es que, progresivamente, se va aumentando la altura del edificio.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La plenitud de la arquitectura gótica francesa se alcanza con las catedrales de <i>Chartres, Reims </i>y <i>Amiens</i>. La que mejor representa la catedral gótica canónica es la de <i>Chartres</i>. En ella ya se produce la supresión de la tribuna, mientras que permanece el triforio, cuerpo de ventanas que aparece en los muros de la nave central y que suele tener, además, un angosto pasillo. En la planta de cruz latina con el crucero ligeramente desarrollado sobresale la nave central, considerablemente más alta que las laterales, configurando por tanto un edificio <i>ad triangulum</i>. <i>La catedral de Reims </i>sigue los pasos marcados por la catedral de Chartres y repite la manera de organizar el alzado. <i>La catedral de Amiens</i> (1220-69) posee una planta que se convertirá en un ejemplo para otras muchas que se construirán más tarde, no sólo en Francia, sino también fuera de ella. <i>La catedral de Reims </i>tiene tres naves, transmito también de tres naves, como aspecto original, el vaciado del triforio en la zona del presbiterio, lo que no se había hecho hasta aquel momento.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidIlLjy_8jB5paVdeYFlT8-qRCgKA9YdHOOVqKDN4uio61PIzhQ1g33S2YWbw07k98w2sfv39Cd33BTgJtQ4ADkPj1dGnNRk2HfneCZ4WPkJQN0CZQKrDaJrWMHpKq1qbYCwozWZwrfcU/s1600/chartres.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidIlLjy_8jB5paVdeYFlT8-qRCgKA9YdHOOVqKDN4uio61PIzhQ1g33S2YWbw07k98w2sfv39Cd33BTgJtQ4ADkPj1dGnNRk2HfneCZ4WPkJQN0CZQKrDaJrWMHpKq1qbYCwozWZwrfcU/s640/chartres.jpg" width="412" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i>Catedral de Chartres</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihiCmF1SXNXptAuW2DUUmMxD4dS5t0gqujjGnaioK2l42eSUnQ_012RXXN7H1dXNhKWjy9SUFV6guwiVrcNukGy0_S1qKszGeYRO_8ntRY4rjyY0-SafoVDQN4NunUQR6yEpx87COlBZc/s1600/chartres+interior.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihiCmF1SXNXptAuW2DUUmMxD4dS5t0gqujjGnaioK2l42eSUnQ_012RXXN7H1dXNhKWjy9SUFV6guwiVrcNukGy0_S1qKszGeYRO_8ntRY4rjyY0-SafoVDQN4NunUQR6yEpx87COlBZc/s640/chartres+interior.jpg" width="478" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Interior de la <b><i>catedral de Chartres</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjO-1SDxVRC31dczxxZIayURuY-9sgXRsRHD9jH4pFBCAi0tcHgji2TybmMCp2lWax8ewncXN6ehycPfL6_Q6iuDAKLQDZPGb1M_nJP_LafK8UuGm9HDbBtvhvGaW9Q2ZqhdVmJzijlCb0/s1600/reims.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjO-1SDxVRC31dczxxZIayURuY-9sgXRsRHD9jH4pFBCAi0tcHgji2TybmMCp2lWax8ewncXN6ehycPfL6_Q6iuDAKLQDZPGb1M_nJP_LafK8UuGm9HDbBtvhvGaW9Q2ZqhdVmJzijlCb0/s640/reims.jpg" width="426" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Interior de la <i style="font-weight: bold;">catedral de Reims </i>visto desde la cabecera</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>La Sainte-Chapelle </i>es uno de los ejemplos más bellos que ha dado el Gótico. Se inició en torno a 1241 con la finalidad de convertirse en un gigantesco relicario que albergase la corona de espinas de Cristo que los cruzados habían conseguido como botín en la toma de Constantinopla. Consta de dos pisos, en el inferior la cripta y sobre ésta, una iglesia. La vidriera ocupa la mayor parte de la superficie del muro y la luz inunda el espacio confiriéndole una especial atmósfera cargada de misticismo.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>El Gótico flamígero </b>supuso pocas aportaciones técnicas pero un interesante cambio estético. En él prevalece lo decorativo sobre lo estructural, las bóvedas se hacen más complejas, dada la multiplicación de nervios y los arcos adoptan nuevas formas (cardenales, escarzanos, etc.). <i>Santa Magdalena de Troyes </i>es un excelente ejemplo del Gótico flamígero.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>2.4. La arquitectura gótica inglesa</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El punto de partida del Gótico inglés es la arquitectura gótica francesa, ya que, tomándola como referencia, irá evolucionando hasta llegar a un estilo más personal e independiente. Hay quien afirma que el Románico normando está en la base de este proceso evolutivo, incluso la <i>catedral de Durham</i>, obra en la que ya aparecieron algunos elementos del Gótico como los arcos apuntados y la bóveda de crucería. En el Gótico inglés es posible distinguir tres momentos diferentes:</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li>En primer lugar apareció lo que los ingleses llaman <i style="font-weight: bold;">Early English </i>o <i style="font-weight: bold;">primer estilo</i>. Se trata de una arquitectura muy sólida, muy compacta, tendente a la horizontalidad, característica ésta de la arquitectura románica. En Inglaterra en estos momentos está documentada la presencia de una serie de artistas franceses que dejaron su impronta en algunas obras como <i>la catedral de Winchester</i>. <i>La catedral de Salisbury </i>se edificó entre 1220 y 1266. En planta podemos apreciar un ábside recto, dos cruceros (algo que se repetirá en otros muchos edificios góticos de este momento), el claustro y la sala capitular. </li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0SGblspAJvdUQniqD-kbsUnMyE46tX2_sRAXKSMtf7SOcjTBUbgvspOoTWtfWAH6c_L6TpwE8e-RtEJ6S_kn8Ylz-OiUlbZtAsZIO7G1LVm0PU9Gr4EUphZvezEDW9TNVpbVIS0gdBzk/s1600/winchester.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0SGblspAJvdUQniqD-kbsUnMyE46tX2_sRAXKSMtf7SOcjTBUbgvspOoTWtfWAH6c_L6TpwE8e-RtEJ6S_kn8Ylz-OiUlbZtAsZIO7G1LVm0PU9Gr4EUphZvezEDW9TNVpbVIS0gdBzk/s640/winchester.jpg" width="512" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Interior de la <b><i>catedral de Winchester</i></b></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<ul>
<li>En el siglo XIV irrumpe el <b>Gótico adornado </b>o <b>curvilinear</b>, en el que se está gestando ya la formación de un arte distanciado del ejemplo francés y dotado de peculiaridades propias de estas tierras. Los edificios comienzan a tender a la verticalidad y una abundante y abigarrada decoración. Los ábsides continúan siendo rectos. <i>La catedral de Ely </i>y algunas partes de <i>York</i> representan el Gótico adornado.</li>
</ul>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqz92MmdkDy7q8RrYv3G8ErEZR4Ll9inCp2c1HPGqNBduP1lWSEOnuzllPgpvyHgemF0R41nA38kB1z-BXxdcYP6glaxmbH6DYTnxgT-w9WvHFewGUEdEQ5EAfLwY3lx-rM61nQEchJ18/s1600/wells.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="476" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqz92MmdkDy7q8RrYv3G8ErEZR4Ll9inCp2c1HPGqNBduP1lWSEOnuzllPgpvyHgemF0R41nA38kB1z-BXxdcYP6glaxmbH6DYTnxgT-w9WvHFewGUEdEQ5EAfLwY3lx-rM61nQEchJ18/s640/wells.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i>Catedral de Wells</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<ul>
<li style="text-align: justify;">Por último, a finales del siglo XIV surge el <b>Gótico perpendicular</b>. Se llega al punto culminante de un proceso evolutivo iniciado con el Primer Gótico. El Gótico perpendicular juega con las curvas y las contracurvas. En las bóvedas, los nervios, precedentes de las columnas, se entrecruzan rítmicamente. Se emplea la bóveda de abanico, llamada así por la similitud de sus nervios con las varillas de un abanico. Los vanos se hacen muchísimo más grandes y la luz inunda el espacio sagrado. <i>La capilla del King's College de Cambridge</i> y <i>la capilla de Enrique VII </i>en <i>la abadía de Westminster </i>son algunos de los ejemplos que ilustran a la perfección el llamado Gótico perpendicular.</li>
</ul>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifZha3KRQSTDWs-I1uU4S-BNlQw9lumetYnhYnnCJIQgn7nhobvS0BqMZDI6zhPtH61xav3Y1AWmo0e1lyhMkZMP5v7zX72WQJAICUchoibY4EJnU3tckfdpYFLSQJhrEW3VU4v9FCD0M/s1600/king%2527scollege.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="550" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifZha3KRQSTDWs-I1uU4S-BNlQw9lumetYnhYnnCJIQgn7nhobvS0BqMZDI6zhPtH61xav3Y1AWmo0e1lyhMkZMP5v7zX72WQJAICUchoibY4EJnU3tckfdpYFLSQJhrEW3VU4v9FCD0M/s640/king%2527scollege.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Vista interior de la capilla del <b><i>King's College</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>2.5. La arquitectura gótica en Alemania</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El Gótico tardó algún tiempo llegar a Alemania y cuando lo hizo fue bajo la influencia del Gótico francés. <i>La catedral de Magdeburgo </i>(1209), una de las primeras que se construyó, se inspira en <i>la de Laon</i>. <i>La catedral de Colonia</i> es una de las más representativas del Gótico alemán y una de las que mejor demuestra hasta qué punto tiene influencia en ella el Gótico francés, puesto que para la cabecera se toma como ejemplo la catedral de Amiens. </div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUzKga5SXCAb5l5DZkVqZgDdTX7u-NS1qHfn3Sn6YpF1_UY5hQilwxp8O0-sPciyGulZG6212NsQCSCPAjLyx264MYp5VxQzrPadz2qA_k4cXhLGuiQvt4saNI30y6AAE7hT88FLofZdE/s1600/colonia.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUzKga5SXCAb5l5DZkVqZgDdTX7u-NS1qHfn3Sn6YpF1_UY5hQilwxp8O0-sPciyGulZG6212NsQCSCPAjLyx264MYp5VxQzrPadz2qA_k4cXhLGuiQvt4saNI30y6AAE7hT88FLofZdE/s640/colonia.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i>Catedral de Colonia</i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<i>La catedral de Estrasburgo </i>(hoy en Francia) posee una cabecera románica, pero el resto de sus partes se construyeron bajo los postulados del Gótico, asumiendo influencias como la de la catedral de Chartres. En <i>la catedral de Santa Isabel de Marburgo </i>se comienza a utilizar la planta salón, denominada <i>Hallenkirche</i>, que tendrá una gran influencia sobre muchos de los edificios construidos a lo largo del siglo XIV, no sólo en territorios alemanes, sino también en otros fuera de sus fronteras como el área levantina española. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Una original variación del Gótico en Alemania es lo que se ha denominado "Gótico Vístula", en el que la escasez de la piedra llevará al empleo del ladrillo (<i>la catedral de Lübeck)</i>.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Durante el siglo XV pervivirá la planta de salón en la que los soportes se van estilizando cada vez más, tal es el caso de <i>la catedral de Ulm</i>, de la que conocemos la identidad de los arquitectos: los <b>Parler</b>. Esta obra no se concluyó hasta el siglo XIX, algo que sucedió con otras muchas catedrales alemanas.</div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>2.6. La arquitectura gótica en Italia</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En Italia, como ya hemos visto al hablar de la arquitectura románica, la Edad Media y sus manifestaciones estuvieron marcadas por el gran peso que, en este país, tiene la tradición clásica. El arco apuntado conserva una acusada tendencia a curvarse y a aproximarse al de medio punto, elemento fundamental de las construcciones romanas. El Gótico italiano tiene, por tanto, menos trascendencia y menor duración que en otros países europeos. A este hecho hay que sumar la influencia bizantina, especialmente intensa tras la conquista de Constantinopla por los cruzados, lo cual permitió que ciudades como Génova y Venecia establecieran una intensa relación comercial con estas tierras y, con ella, llegasen los intercambios artísticos, que se registran especialmente en el ámbito de la pintura y de la miniatura. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En Italia los edificios góticos tienden a la <b>horizontalidad</b>, por ello, los muros en el exterior no presentan el mismo aspecto que en otros lugares, es decir, no precisan de arbotantes, de la misma manera que los vanos son bastante más pequeños que los de los otras edificaciones góticas europeas. Se busca <b>la policromía </b>intercalando hiladas de ladrillo con otras de piedra y mármol (con lo que se consigue acentuar la sensación de horizontalidad) y, aunque no se puede decir que desprecien las novedades constructivas que ofrece el Gótico, sí podemos afirmar que las utilizan con la mayor <b>simplicidad</b> posible, sin extraer de ellas todas las posibilidades que éstas ofrecían.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En 1288, año de la canonización de san Francisco de Asís, se funda la iglesia bajo la advocación del santo en esta misma ciudad. Igual que sucede con la Sainte-Chapelle, <i>San Francisco de Asís </i>es una iglesia doble. En el piso inferior se construyó una especie de cripta, mientras que en la superior se ejecutó la iglesia de planta de cruz latina, caracterizada por una gran sencillez en la que la nave central puede ser vista en su totalidad sin que nada interrumpa esta visión.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>La catedral de Siena </i>es uno de los edificios que mejor ilustran la particular manera que Italia tuvo de interpretar la arquitectura gótica. El proceso de construcción de esta catedral dura desde 1250 hasta 1400. John White, en su obra <i>Arte y arquitectura en Italia desde 1250 hasta 1400</i>, señala la posibilidad de que sobre ella influyese Notre-Dame la Grande de Poitiers, así como las catedrales de Bari y Barletta.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj092MlyFwgUawm0rlVeThWfkDadbK4Nxao3pf3228QEk6cakzedax8-AKWGJhrCrm-Rzb5koxFDQK9q2njjUHXuOiWnecmagpWv_LBUWlxbiENJAG79i9Gi6BUNdxOm0kQCpJK7pNvIw0/s1600/siena.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj092MlyFwgUawm0rlVeThWfkDadbK4Nxao3pf3228QEk6cakzedax8-AKWGJhrCrm-Rzb5koxFDQK9q2njjUHXuOiWnecmagpWv_LBUWlxbiENJAG79i9Gi6BUNdxOm0kQCpJK7pNvIw0/s640/siena.jpg" width="516" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i>Catedral de Siena</i></b></div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Arnolfo di Cambio </i>es una de las personalidades más fascinantes del momento. Fue el iniciador de la construcción de <i>Santa María del Fiore</i>, que más tarde finalizaría Brunelleschi erigiendo la cúpula que constituye uno de los hitos de la arquitectura renacentista. </div>
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<br /></div>
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La <i>catedral de Milán </i>es un inmenso edificio que se comenzó a construir pasado el año 1386 y que destaca por ser uno de los proyectos más ambiciosos del Gótico italiano en el que se siguen los modelos franceses pero, sobre todo, los alemanes y en la que se demuestra un interés por la estilización impropia del gusto italiano.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9_X4M9gKr9lbRVEPs4dGoPw44PdaiKriwp_rsIJxRlD-OwxBCUN8f_H-bzzzv0PLvbBgbZqJq-ej-VorqWCcbVvl8Jul6cefxGEq_I-cF1BKglxl6vnDF2pIXQgaeE0nfk1Amoa-UQ2U/s1600/milan.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9_X4M9gKr9lbRVEPs4dGoPw44PdaiKriwp_rsIJxRlD-OwxBCUN8f_H-bzzzv0PLvbBgbZqJq-ej-VorqWCcbVvl8Jul6cefxGEq_I-cF1BKglxl6vnDF2pIXQgaeE0nfk1Amoa-UQ2U/s640/milan.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i>Catedral de Milán</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En Venecia se construyó uno de los edificios más representativos del Gótico civil: <i>el Palacio Ducal</i>, que se llevó a cabo teniendo en cuenta que no debía restar protagonismo a <i>la basílica de San Marcos </i>junto a la que se halla. Aquí, el juego constructivo entre el vacío y lo sólido, la contraposición entre la parte baja, casi aérea y la superior, más maciza, crea un bello contraste.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXvKqY5kruEXQPMlaAaOPagsgFigBUtv7X04g75bCcDf16OLK8AmM_U4NTpnA2_2A6t3WmrV_gZjrt5bMuVq2KcPxggyjTE6KJ-nMCUq96aDvebiTBYnajRX6RTbkL0r1_L-40Tojt188/s1600/palacio+ducal.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="392" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXvKqY5kruEXQPMlaAaOPagsgFigBUtv7X04g75bCcDf16OLK8AmM_U4NTpnA2_2A6t3WmrV_gZjrt5bMuVq2KcPxggyjTE6KJ-nMCUq96aDvebiTBYnajRX6RTbkL0r1_L-40Tojt188/s640/palacio+ducal.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<i style="font-weight: bold;">Palacio Ducal. </i>Venecia</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En Florencia se construye el <i>Palacio de la Signoria</i> que, lo mismo que sucede en todos los palacios toscanos, transmite una gran sensación de fortaleza, de espacio cerrado sin contacto con el exterior, y contrasta con el palacio veneciano, muchísimo más abierto. Este será el punto de partida para la mayor parte de los palacios renacentistas. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>3. LA ESCULTURA GÓTICA</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>3.1. Características generales de la escultura gótica</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>La escultura </b>del Gótico experimenta una profunda evolución que viene marcada, en primer lugar, por su progresiva <b>independización de la arquitectura</b>. De este modo, alcanza un mayor volumen, emerge de la misma, mientras que durante el Románico, la escultura aparece acomodada en la fachada y absolutamente sometida a ella.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>El cuerpo humano </b>se representa de un modo <b>más naturalista</b>, con una mayor fidelidad a la realidad. El canon es más estilizado y los rostros intentan reflejar los sentimientos, al tiempo que los personajes se miran y se sonríen entablando un diálogo (<i>sacra conversazione</i>). Incluso, se comienza a tratar de representar <b>la belleza</b>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La organización de las portadas continúa siendo la misma que durante el Románico. Durante el siglo XIII los temas se distribuyen en registros perfectamente separados, mientras que, con el paso del tiempo, esta separación se va a ir rompiendo y se crea una cierta confusión espacial.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Los temas </b>comienzan a sufrir algunas variaciones. Se siguen representando en las portadas <b>Cristos en majestad</b> que muestran las llagas de su Pasión. El Cristo, rodeado de la Virgen y san Juan, se ha convertido en un ser más próximo a los hombres y a su sensibilidad, menos alejado de la humanidad que el Cristo románico.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>La mujer </b>experimenta una importante revalorización: deja de ser símbolo del pecado para convertirse en fuente de inspiración. Por un lado, se repiten los <b>temas marianos </b>como la Asunción de la Virgen, y por otro, se la interpreta como personificación de la Iglesia. Será frecuente encontrarla en la escultura exenta con el Niño Jesús en los brazos, en el parteluz de una iglesia, no como simple trono de Dios, sino como madre que entabla un diálogo con su hijo, que emana dulzura y sensibilidad.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Los dos temas principales de <b>la escultura exenta </b>son el Cristo crucificado y la Virgen con el Niño. <b>El crucificado </b>del Gótico se sujeta a la cruz con tres clavos y no con cuatro como se hacía durante el Románico y comienza a dar muestras de sufrimiento adquiriendo una dimensión más humana.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEig0NUlawY1tDZ6ClUb3GItmX_s0dZLokre5zqREfSM1tmfqTVJBJoUM7TTbj29sGok3Yn-rOpmRo0y9-tTUPZsJddu5EwljIN9hgMW6CyoSQ3t36aQbaGpQz2Q5cx5ZaCQ3ylbqrXHGp4/s1600/virgen+louvre.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEig0NUlawY1tDZ6ClUb3GItmX_s0dZLokre5zqREfSM1tmfqTVJBJoUM7TTbj29sGok3Yn-rOpmRo0y9-tTUPZsJddu5EwljIN9hgMW6CyoSQ3t36aQbaGpQz2Q5cx5ZaCQ3ylbqrXHGp4/s640/virgen+louvre.jpg" width="378" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<i style="font-weight: bold;">Virgen con el Niño de Jeanne d'Evreux. </i>Museo del Louvre. París</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Cabe citar que la <b>escultura funeraria </b>alcanza durante los siglos del Gótico un interesante desarrollo.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>3.2. La escultura en Francia</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Las importantes catedrales que se construyeron en este momento será completadas con las grandiosas portadas monumentales en las que se pueden apreciar cambios que se van produciendo de un modo progresivo.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAbr87PU594JzZnTR8ung-ey5c8Rj99UPCmcxD_Kygq9fTAfZneCFD9baqh6vXEapRfL016d-iVZMZqpCg9szYJp0oSBZ5gJNpRYOvPG49L2e81NJr0HPqh8Ua0SxpZ_OcHtW3hKZrylY/s1600/estrasburgo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAbr87PU594JzZnTR8ung-ey5c8Rj99UPCmcxD_Kygq9fTAfZneCFD9baqh6vXEapRfL016d-iVZMZqpCg9szYJp0oSBZ5gJNpRYOvPG49L2e81NJr0HPqh8Ua0SxpZ_OcHtW3hKZrylY/s640/estrasburgo.jpg" width="480" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Fachada principal de la <b><i>Catedral de Estrasburgo</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
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Los ejemplos más importantes los encontramos en <i>Notre-Dame </i>de París, o en las catedrales de <i>Chartres, Amiens, Reims </i>o <i>Bourges</i>. De la <i>catedral de Reims</i>, una de las que mayor cantidad de escultura conserva, sobresale la escena de la Visitación, pero especialmente el ángel de la Anunciación, una de las sonrisas más hermosas de la Historia del Arte, prueba del naturalismo que caracteriza a la escultura del momento. En <i>Chartres </i>no sólo se decoran las portadas de los pies, sino también las de los transemos. Si la escultura de Amiens y Reims puede ser calificada como refinada y elegante, la de Bourges es más tosca y colosal.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrxGFXQ-nHyGE-fDkOPnyaK4sBsWZHj3yCKE56_QKY72FgLHBPWRYzy5n8VRWhyShLUzCkIqGTeCmgbSI7gIQjpumJx7NB2uHOllPQve87f_XCMSJncbuCKVd1byHugau_w1mH_9HWWxs/s1600/fachada+notredame.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="424" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrxGFXQ-nHyGE-fDkOPnyaK4sBsWZHj3yCKE56_QKY72FgLHBPWRYzy5n8VRWhyShLUzCkIqGTeCmgbSI7gIQjpumJx7NB2uHOllPQve87f_XCMSJncbuCKVd1byHugau_w1mH_9HWWxs/s640/fachada+notredame.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Fachada de la <i style="font-weight: bold;">Catedral de Notre-Dame. </i>París</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg78eONyEWdTFJbRCahjTCeZCk2F_1HZc9F_jIPT3OeIi3H0N7CPy2lKxgPHfuqwhCWq902o2d03nwrwcGgB_7oFsMvNDqbZH-ghS8Mupqoez8W2zMxQwcrddI70tURN7ux1fyMy-cA-Eg/s1600/reims.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="484" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg78eONyEWdTFJbRCahjTCeZCk2F_1HZc9F_jIPT3OeIi3H0N7CPy2lKxgPHfuqwhCWq902o2d03nwrwcGgB_7oFsMvNDqbZH-ghS8Mupqoez8W2zMxQwcrddI70tURN7ux1fyMy-cA-Eg/s640/reims.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Anunciación y Visitación de la <b><i>Catedral de Reims</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
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En el siglo XIV se construye <i>la Capilla de Rieux, </i>en Toulouse. En ella la escultura abandona la gracia y el refinamiento que la caracterizaron durante el siglo XIII y las imágenes se tornan robustas y expresivas.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
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La escultura exenta estaba representada por esculturas de pequeño tamaño de piedra y marfil de la Virgen con el niño como <i>la Virgen de la Sainte-Chapelle</i>.</div>
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<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En el siglo XV se da la aparición de una importante figura dentro de este campo: <i style="font-weight: bold;">Claus Sluter</i> (1340-1405), artista de origen flamenco que trabajó en el taller de <b>Jean de Marville</b>, el cual dirigía los trabajos de decoración de <i>la Cartuja de Champmol</i>; una vez muerto Marville, fue Sluter quien se ocuparía de terminarla. Su estilo se caracteriza por la monumentalidad y el realismo exacerbado que van unidos a su gran capacidad para la caracterización fisonómica. Representa toda una contradicción con la dulzura y elegancia de la escultura gótica que se había cultivado en Francia. Su obra más importante es <i>la Tumba de Felipe el Atrevido</i>.</div>
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<b><br /></b></div>
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<b><br /></b></div>
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<b><span style="font-size: large;">3.3. La escultura en Italia</span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
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La Antigüedad vuelve a ser el punto de referencia para los escultores italianos. El taller más importante se sitúa en Pisa y sus mejores representantes son <b>los Pisano</b>.</div>
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<br /></div>
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El iniciador de esta saga de artistas es <i style="font-weight: bold;">Nicola Pisano</i> (1215-84) quien posee en su haber una obra bellísima: el <i>púlpito del Baptisterio de la catedral de Siena</i>, realizado en colaboración con su hijo Giovanni, Arnolfo di Cambio y Lapo entre otros. Su profundo conocimiento de la Antigüedad clásica se debe a que frecuentó los talleres meridionales durante su juventud, en los que Federico II promovía la restauración de los ideales clásicos y a su estancia en Roma. Su obra ha de considerarse como uno de los antecedentes más claros de la estética renacentista.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-ON3XtIzgG9xcmh7PpZJ3_GV-cRb1mNVKa98cgiW9CBf3WHQdPcOAGb7WPdpsLKTccPY3X-lFSfaDbaLEV6yr17qXQ-kkYo2fmjqxaXakXms0g4FGs6JgQhriBdwRbNspSSr06Gj5IbI/s1600/pulpito+pisa.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-ON3XtIzgG9xcmh7PpZJ3_GV-cRb1mNVKa98cgiW9CBf3WHQdPcOAGb7WPdpsLKTccPY3X-lFSfaDbaLEV6yr17qXQ-kkYo2fmjqxaXakXms0g4FGs6JgQhriBdwRbNspSSr06Gj5IbI/s640/pulpito+pisa.jpg" width="424" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Nicola Pisano: <b><i>Púlpito del Baptisterio de Pisa</i></b></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Giovanni Pisano </i>(1248-1314), hijo de Nicola, trabajó en Siena tras la muerte de su padre, con el que colaboró en múltiples ocasiones. Allí esculpió las esculturas de la fachada de la catedral, en las que representa a los profetas y sabios de la Antigüedad judía y clásica que predijeron la venida de Cristo. En 1301 hizo otra de sus más bellas creaciones, <i>el púlpito de Sant'Andrea de Pistoia</i>, en el que se funde lo clásico con la influencia del Gótico francés.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Andrea Pisano </i>(1290-1348) empezó trabajando como orfebre. Más tarde realizó <i>las primeras puertas del baptisterio de Florencia</i>, preámbulo de la escultura renacentista. Con ellas se perpetúa una tradición que hunde sus raíces en el Románico: las puertas fundidas y esculpidas que cerraban muchas iglesias. También trabajó con Giotto en el <i>campanile </i>de la misma catedral, diseñando las esculturas que decoraban su parte baja.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>4. LA VIDRIERA Y LA MINIATURA EN FRANCIA</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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Antes de adentrarnos en el estudio de la <b>vidriera </b>en Francia, es conveniente mencionar algunas notas sobre el significado y el papel que ésta desempeñó dentro del edificio gótico. Se sabe que ya en el siglo XI existían vidrieras, como <i>las de Wissenbourg</i>, de las que se deduce que los procedimientos y las técnicas eran las mismas que las que se iban a emplear en siglos posteriores. La vidriera está indisolublemente ligada a la luz. En el espacio gótico la luz es coloreada y cambiante y produce una sensación de irrealidad. Existe una pretensión de alterar la luz natural con la finalidad de obtener una serie de efectos ópticos y de crear un espacio que pueda identificarse con la divinidad. En la Biblia, los paralelismos establecidos entre Dios y la luz son una constante. Cristo afirma: "Yo soy la luz del mundo; el que me sigue no anda en tinieblas, sino que tendrá luz de vida". Esta idea será reforzada a lo largo de toda la Edad Media por Hugo de San Víctor, santo Tomás de Aquino y san Buenaventura. De la misma manera también existe una identificación entre la belleza y la luz.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
El mejor conjunto de vidrieras del siglo XIII son las que conservamos en <i>la catedral de Chartres</i>, completadas en 1230 por maestros itinerantes. Anteriores a estas son las de <i>San Pedro de Poitiers</i>, en las que se da un predominio del rojo y el azul, los colores que más frecuentemente encontraremos en las vidrieras y en los esmaltes del Gótico. Una de las escenas más bellas que se puede admirar en las vidrieras de esa iglesia es la del Descendimiento de Cristo. El triunfo de la luz se produce en la <i>Sainte-Chapelle</i> de París, en ella la gama cromática empleada es más clara de lo habitual.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSvxpsaBqNrZWS0rQfI9POKm0vzBVz6EZQAtklT62HTVTqzp7Jx9_IdjzjBq_xN8sBMgenoMOGSstFD_TSn48LhOCEBostiUSiJINtLsOkE0VA7gqw140qGsBWCFsBMwx-xQsv3c29ytE/s1600/vidriera+chartres.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="494" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSvxpsaBqNrZWS0rQfI9POKm0vzBVz6EZQAtklT62HTVTqzp7Jx9_IdjzjBq_xN8sBMgenoMOGSstFD_TSn48LhOCEBostiUSiJINtLsOkE0VA7gqw140qGsBWCFsBMwx-xQsv3c29ytE/s640/vidriera+chartres.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Vidriera de la <b><i>Catedral de Chartres</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><i><br /></i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>La miniatura </b>fue el campo en el que mejor se desarrolló la pintura en Francia durante los siglos del Gótico. Muchos nobles mandaban hacer salterios adornados con ilustraciones (<i>el Salterio de san Luis</i>). En el siglo XIV aparece <b>Jean Pucelle </b>quien se cree que durante bastante tiempo dirigió un taller de miniaturistas. Una de sus obras más importantes son el <i>Libro de horas de Jeanne d'Evreux</i>, encargo de Carlos IV para regalárselo a su esposa. En el siglo XV <b>los hermanos Limbourg</b> (Pol, Jehannequin y Hermant) se pusieron al servicio del duque de Berry, un gran coleccionista, no sólo de obras de arte sino también de todo tipo de extraños objetos, el cual les encargó un libro de horas conocido como <i>Las muy ricas horas</i>, en el que ha resultado imposible establecer atribuciones concretas. Este tipo de libros comenzaban con un calendario con las labores del campo y los signos zodiacales que acompañaban a cada uno de los meses. A los hermanos Limbourg se les considera el antecedente más inmediato de la pintura flamenca del siglo XV, en concreto de Jan van Eyck.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEHjg5_1YWUWjhNU1L1bgDu7851fhhvkmApfcKWqrhNMTCP_lfCupPTpv9zsCg1F7x_f0wVBWtIiixJuA34onDGeBTka5kdxo3Gdq8x2eXygd4ZtxNsl6gGYTivwQGtkc4FnmH_c0A-q8/s1600/berry.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEHjg5_1YWUWjhNU1L1bgDu7851fhhvkmApfcKWqrhNMTCP_lfCupPTpv9zsCg1F7x_f0wVBWtIiixJuA34onDGeBTka5kdxo3Gdq8x2eXygd4ZtxNsl6gGYTivwQGtkc4FnmH_c0A-q8/s640/berry.png" width="412" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Los hermanos Limbourg: el mes de junio de <i style="font-weight: bold;">Las muy ricas horas del duque de Berry. </i>Museo Condé. Chantilly</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>5. LA PINTURA ITALIANA</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Durante el siglo XIV, época que los italianos denominan <i>Trecento</i>, surgieron una serie de escuelas pictóricas en Italia como la de Siena y Florencia. Entre ellas, especialmente en la segunda, la profundidad, la luz, el naturalismo y la representación de los estados anímicos comienzan a ser algunas de las principales preocupaciones del artista. Los antecedentes de este estilo se encuentran en el <span style="text-align: center;"><i>Duecento </i>y en pintores como Pietro Cavallini. </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="text-align: center;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="text-align: center;"><b>La escuela sienesa </b>demostró estar seriamente influida por la pintura bizantina. Está representada por <i style="font-weight: bold;">Duccio di Buoninsegna </i>(1255-1318), autor de la <i>Madonna Rucellai, </i>magnífica obra en la que la Virgen, sobre un fondo dorado y sentada en lujoso trono rodeado de ángeles, sujeta a su hijo entre sus manos. En esta pintura conviven los elementos góticos con la influencia bizantina. Entre 1308 y 1311 realizó <i>el retablo de la catedral de Siena</i>. Suavizó los contornos de las figuras, pero mantuvo el esplendor de sus colores y el gusto por los dorados que acentúan la sensación de irrealidad en sus obras.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="text-align: center;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJ1hd55xYom5ozjSlVlk7tK88Gem11Z_LeHRXzLoO_HuS2ni39keR-8vHbFspi7NQ4l88pQPSb0yMNE1zWSM6-hjt_wPRVv0_4ytY3mxstLuy7eHPBksEtUwDEZJWgD9HJ3V9Ern-c-NI/s1600/rucellai.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJ1hd55xYom5ozjSlVlk7tK88Gem11Z_LeHRXzLoO_HuS2ni39keR-8vHbFspi7NQ4l88pQPSb0yMNE1zWSM6-hjt_wPRVv0_4ytY3mxstLuy7eHPBksEtUwDEZJWgD9HJ3V9Ern-c-NI/s640/rucellai.jpg" width="420" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Duccio di Boninsegna: <i style="font-weight: bold;">Madonna Rucellai. </i>Galería de los Uffizi. Florencia</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Simone Martini </i>(1284-1344), también integrante de la escuela sienesa, pintó la <i>Majestad </i>en 1315 en <i>el Palacio Público de Siena</i>, obra que él mismo restauró años más tarde. Lo más característico de su obra son los rostros de sus personajes, de rasgos suaves y ojos rasgados.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhYaEWjyLetJJtEpiRxNgYi0zOGHNW8ONkL0so3PIT40SftIqZJP7fpCqVDDucUGNpbDxQnXhG0ORYAUz7DrS2fFMClLTgMHdPdEW7Gt7DpqS6922NsVXgMPr8afKJw-azP3Zy-POsnBY/s1600/ll.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhYaEWjyLetJJtEpiRxNgYi0zOGHNW8ONkL0so3PIT40SftIqZJP7fpCqVDDucUGNpbDxQnXhG0ORYAUz7DrS2fFMClLTgMHdPdEW7Gt7DpqS6922NsVXgMPr8afKJw-azP3Zy-POsnBY/s640/ll.jpg" width="482" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Simone Martini: <i style="font-weight: bold;">San Luis de Francia y san Ludovico D'Angio. </i>Basílica de San Francisco. Asís</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Cimabue</i> (1272-1302), integrante de la <b>escuela florentina</b>, al igual que Giotto, es el precursor de un importante grupo de pintores que con sus aportaciones contribuirán a lograr un cambio decisivo dentro de la pintura. Su fama fue tal que Dante habló de él en sus versos y Vasari incluyó si biografía en <i>Las vidas</i>. En 1272 pintó <i>El Cristo de Santa Croce</i>, en Florencia y más tarde varias <i>Crucifixiones </i>en <i>San Francisco de Asís</i>. En esta iglesia pintó los frescos del coro y del transepto. Cimabue partió de una influencia bizantina imperante en aquel momento, para desembocar en un estilo más expresivo y personal en el que se puede apreciar una nueva intensidad expresiva y un renovado sentido espacial.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i style="font-weight: bold;">Giotto </i>(1267-1337), máximo representante de la escuela florentina, debió realizar su aprendizaje al lado de una gran figura de la pintura como fue Cimabue. Desde muy pronto dio muestras de un increíble talento, que le habría de convertir en uno de los grandes genios de la Pintura. Sus obras más interesantes se encuentran en Asís, Padua y Florencia. Entre 1290 y 1295 comenzó a trabajar en la B<i>asílica de San Francisco de Asís</i>, donde decoró al fresco (la técnica que más empleó y en la que mejor se supo desenvolver) la parte alta de la Basílica Superior.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcLsMZbwRFYQ9nByRqXICfl0klLkrB4o616G2JeLtcwcGR_9Nx3acPzScWRtm9-AaDFLgfKemIO9MfDrGtHVYMG_vdsVA6NGQ0qEAaXKgNVUiBA5ITkMJVwVP5mY7gpzIaP__d0zq477I/s1600/giotto+cena.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="626" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcLsMZbwRFYQ9nByRqXICfl0klLkrB4o616G2JeLtcwcGR_9Nx3acPzScWRtm9-AaDFLgfKemIO9MfDrGtHVYMG_vdsVA6NGQ0qEAaXKgNVUiBA5ITkMJVwVP5mY7gpzIaP__d0zq477I/s640/giotto+cena.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Giotto: <i style="font-weight: bold;">La Última Cena. </i>Capilla Scrovegni. Padua</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Viajó a Roma en varias ocasiones, lo que le permitió conocer la pintura de Cavallini. En estos años, el Ministro General de la orden franciscana, fray Juan de Muro, le confía la misión de pintar la vida de san Francisco de Asís en la Basílica Superior. Este trabajo lo desarrollará entre 1297 y 1299 abandonando los esquemas que habían imperado en la pintura italiana durante estos años, y en concreto, desterrando la influencia bizantina. Cennini, un contemporáneo del artista afirma: "Transformó el arte de pintar de griego en latín, adaptándolo a lo moderno, logrando así el arte más perfecto que nadie había alcanzado jamás". Las escenas de la vida de la vida de san Francisco de Asís están situadas en la parte inferior de la nave y de la fachada interna. Son veintiocho escenas que están divididas en tres grupos. Giotto se esforzó especialmente en que la figura de san Francisco encarnase una triple vertiente: el amor a Dios, al hombre y a las criaturas.</div>
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<br /></div>
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El estilo del pintor demuestra hasta qué punto supo alejarse de la tradición y de la pintura bizantina y crear un nuevo lenguaje en el que se encuentran, como elementos primordiales, la plasticidad de la imagen, la introducción del paisaje, la individualización de los rostros, la expresión de los sentimientos y la búsqueda de la plasmación de la realidad. Giotto recupera el concepto de la profundidad que había pasado desaparecido durante el arte medieval y abre nuevos caminos para la pintura renacentista. En sus obras será muy frecuente encontrar personajes de espaldas que ayudan a imaginar, a imaginar, a sugerir un espacio interpuesto, una profundidad.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQnrrpnnIVeeh29DUT7O6Wfsy4hJjQM4io4TsUFdX9k_xw1KTNlkxyZfLsRGAgHn_emGU2FAAQXdC8rsGujEao3l9mEeoVgYwJ-7b1zK0LTqAl-T4QcN_q1-STPT2XKpU537415OX3bbs/s1600/giottodeposicion.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="574" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQnrrpnnIVeeh29DUT7O6Wfsy4hJjQM4io4TsUFdX9k_xw1KTNlkxyZfLsRGAgHn_emGU2FAAQXdC8rsGujEao3l9mEeoVgYwJ-7b1zK0LTqAl-T4QcN_q1-STPT2XKpU537415OX3bbs/s640/giottodeposicion.jpg" width="640" /></a></div>
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Giotto: <i style="font-weight: bold;">Deposición del cuerpo de Cristo. </i>Capilla Scrovegni. Padua</div>
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<span style="font-size: large;"><b>6. LA PINTURA FLAMENCA</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b>6.1. Características generales</b></span></div>
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<br /></div>
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La pintura del siglo XV en Flandes no debe ser considerada exactamente como arte renacentista pero tampoco la podemos enmarcar dentro del Gótico, ya que en muchos sentidos se separa de la pintura de este momento. Los antecedentes más inmediatos están en toda esa serie de miniaturas que trabajaron en Francia durante los siglos XIV y XV, en los que la minuciosidad es uno de los elementos que caracterizan su trabajo y que forman parte de lo que se denomina <b>Estilo Internacional</b> (desde los últimos años del siglo XIV hasta los primeros cuarenta años del siglo XV).</div>
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La pintura flamenca hará una aportación decisiva para el posterior desarrollo de la misma: <b>el óleo</b>, puesto que hasta este momento se pintaba con temple. En ambos casos el soporte es la tabla. Tendremos que esperar a la pintura veneciana para ver aparecer el lienzo. El empleo del óleo será muy útil en la pintura flamenca puesto que permite una pintura más <b>minuciosa y detallista</b>, apta para la captación de los pequeños detalles y las calidades hasta límites increíbles y permitirá, además, la obtención de colores de una brillantez excepcional entre los que predominan el rojo, el pasta y una mayor rapidez de su secado. La pintura flamenca no establece prioridades en cuanto a la representación <b>fidedigna de la realidad</b>, ya que concede la misma importancia a un objeto que a un paisaje o a una persona.</div>
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<b>El paisaje</b>, que se había convertido en un tema casi ignorado por la pintura medieval, o bien en un tema muy secundario, comienza a adquirir una especial relevancia en estos momentos. En cualquier cuadro, sea del tipo que sea, el pintor hace una concesión al paisaje en los que la línea del horizonte está muy alta. Aunque se trate de una escena en un interior, siempre habrá una ventana a través de la cual se divisará un paisaje minuciosamente representado.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9w6FjbrkLe-TZYohjc_1i-YBahMcX5hb2PaxgQi25WZ-0oICLpBDmjNSYrDKvNkZne40qotV7n69hFrMjapLDbbSGIDJlGhRo6DbqaiMnMLBHUD-QwDxOMiRAB1z850OZA-jmgo_zKUM/s1600/campin.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9w6FjbrkLe-TZYohjc_1i-YBahMcX5hb2PaxgQi25WZ-0oICLpBDmjNSYrDKvNkZne40qotV7n69hFrMjapLDbbSGIDJlGhRo6DbqaiMnMLBHUD-QwDxOMiRAB1z850OZA-jmgo_zKUM/s640/campin.jpg" width="568" /></a></div>
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Robert Campin: <i style="font-weight: bold;">San Juan Bautista. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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La sociedad flamenca, con sus peculiaridades y necesidades, condicionó la irrupción de una serie de temas poco frecuentes en otros países. <b>La burguesía mercantil</b> en Flandes tenía un gran poder económico y encargaba y compraba cuadros de un formato adecuado para colgarlos en las paredes de sus viviendas. Los temas no fueron predominantemente religiosos, como ocurrió en el resto de los países, sino que irrumpió con fuerza <b>el retrato</b>.</div>
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<br /></div>
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<b>El espejo </b>es un objeto que aparece en muchas de las obras flamencas y es empleado para sugerir un espacio que no puede ser pintado. Se trata de una innovadora visión del espacio que tendrá gran influencia en pintores posteriores como Velázquez (<i>Las Meninas, La Venus del Espejo</i>).</div>
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<br /></div>
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La pintura flamenca es el mejor testimonio posible de una época y del ambiente social del momento por su asombrosa fidelidad a la realidad. En el Museo del Prado se conserva una nutrida muestra de esta pintura gracias al enorme interés que despertó en nuestros monarcas. Isabel la Católica fue una gran coleccionista de pintura flamenca, al igual que Carlos V y que Felipe II. </div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>6.2. Los principales pintores flamencos</b></span></div>
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<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
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A <b>Jan van Eyck </b>(1390-1441) se le considera el iniciador de la escuela flamenca. Su formación se desarrolló, casi con toda seguridad, al lado de su hermano mayor Hubert, con el que pintó una imponente obra: <i>El retablo de San Bavón de Gante</i>, integrado por doce tablas de compleja iconografía con escenas y personajes bíblicos. En el centro del mismo, junto con la imagen de san Bavón, se encuentra la Adoración del Cordero místico, en medio de la cual ha pintado la Fuente de la Vida. Trabajó en la corte de Juan de Baviera y en 1425 entró al servicio de Felipe III de Borgoña. En 1431 se estableció en Brujas, en donde permaneció hasta su muerte. La autoría de sus obras no siempre ha estado clara. El estilo minucioso y detallista, la representación analítica de los objetos y su asombroso dominio de la técnica, influyó sobre muchos pintores de su época como el maestro de Flemalle como se le ha conocido hasta hace muy poco, llamado en realidad <i style="font-weight: bold;">Robert Campin</i> (1375-1444). Durante muchos años su obra se confundió con la de otros pintores como el propio Jan van Eyck. Su obra se caracteriza por las figuras monumentales de precisos contornos, la consistencia casi táctil que supo dar a los objetos y el misterioso simbolismo que atribuye a muchos de los elementos de sus cuadros (<i>Santa Bárbara</i> en el Museo del Prado).</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyF85CkIHHdLODP422coJBieUmb8O7ylZHoGnhIE5ydjP9eZ_is_RU76pRy3ArsmAn9Z4lQXIBAosaLO2PzAXDt-wbHd5i8zujQdp_xzJJzYN5zeZWx-o6WXaYIqaCXU-xUxnqBwHaQiY/s1600/san+bavon.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="472" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyF85CkIHHdLODP422coJBieUmb8O7ylZHoGnhIE5ydjP9eZ_is_RU76pRy3ArsmAn9Z4lQXIBAosaLO2PzAXDt-wbHd5i8zujQdp_xzJJzYN5zeZWx-o6WXaYIqaCXU-xUxnqBwHaQiY/s640/san+bavon.jpg" width="640" /></a></div>
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Jan van Eyck: <b><i>retablo de San Bavón de Gante</i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEif0_XyFddK7QroENQq3YUA_p929CGccoPTqse5_u6uVLMbmaRpR3wNbwplA-qFqMCyRjMO1zUr5GnX1_jhbP2goma77zS86MsELjVicTsPCAX3ORyARJcuD1ymDDZ91Xra13zy2__gZoA/s1600/santabarbara.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEif0_XyFddK7QroENQq3YUA_p929CGccoPTqse5_u6uVLMbmaRpR3wNbwplA-qFqMCyRjMO1zUr5GnX1_jhbP2goma77zS86MsELjVicTsPCAX3ORyARJcuD1ymDDZ91Xra13zy2__gZoA/s640/santabarbara.jpg" width="280" /></a></div>
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Robert Campin: <i style="font-weight: bold;">Santa Bárbara. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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Una vez que se han sentado las bases de la pintura flamenca aparecen en escena pintores como <i style="font-weight: bold;">Roger van der Weyden </i>(1400-1464). En su pintura se funden las influencias de Robert Campin y las de Van Eyck. Se caracteriza por las composiciones cuidadas y por la tensión dramática de las escenas de sus cuadros. En el Museo del Prado se conserva la que se considera su obra maestra: <i>El Descendimiento</i>. En ella los personajes se agolpan en un angosto espacio dorado que impide la distracción y que favorece que se concentre toda nuestra atención en la escena, pese a lo cual consigue transmitir sensación de profundidad y corporeidad al conjunto. La composición es muy cuidada: existen dos líneas ondulantes y paralelas formadas por el cuerpo de Cristo muerto y por el de la Virgen, que se ha desmayado, mientras que el resto de las líneas son verticales para darle una mayor estabilidad al cuadro. La calidad técnica de esta obra es verdaderamente inigualable. Gracias a ella es posible discernir las diferentes calidades y materiales de los que están hechos los ropajes.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVQbD51iP33MLCTu9Z5r1tcswo4hY2DuRhy77TRbtKuw8XJ6sniVZF0sZDvO1eD1CGRrEzZxoOwHvC4qYMLts9IBHGb_zrMbnUsIrlVhsdJAFWKx-IJnGixhpWYyWgbksLyyIG0z9savM/s1600/van+der+weyden.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="504" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVQbD51iP33MLCTu9Z5r1tcswo4hY2DuRhy77TRbtKuw8XJ6sniVZF0sZDvO1eD1CGRrEzZxoOwHvC4qYMLts9IBHGb_zrMbnUsIrlVhsdJAFWKx-IJnGixhpWYyWgbksLyyIG0z9savM/s640/van+der+weyden.jpg" width="640" /></a></div>
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Roger van der Weyden: <i style="font-weight: bold;">Descendimiento. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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Entre finales del siglo XV y principios del siglo XVI, aparece un grupo de pintores, encabezado por <i style="font-weight: bold;">Hans Memling </i>(1433-1494), que se establece en la ciudad de Brujas en la que se desarrolló la mayor parte de sus trabajos. Membling se formó con Van der Weyden y conoció la obra de Van Eyk. Demostró ser un buen retratista al tiempo que se mostró partidario de una belleza femenina suave, serena y dulce que se repite incansablemente en sus Vírgenes. Sus escenas se desarrollan en ambientes apacibles y armónicos (<i>La Virgen y el Niño entre dos ángeles </i>del Museo del Prado). </div>
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<b><br /></b></div>
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<b><br /></b></div>
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<b><span style="font-size: large;">6.3. Joachim Patinir y el Bosco</span></b></div>
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<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
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Patinir y el Bosco son dos pintores que merecen un estudio detallado no sólo por la importancia y el desarrollo que en su obra alcanzó el paisaje, sino porque representan una clara evolución con respecto a los pintores flamencos antes referidos.</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Joachim Patinir </i>(1480-1524) fue el primer artista que convirtió el paisaje en el tema fundamental de su obra, mientras que todo lo demás adquiere una posición secundaria frente a éste. En sus composiciones, el punto de vista está muy alto, de tal modo que el cielo ocupa un pequeño espacio y los personajes son diminutos elementos que se pierden en su inmensidad. Predominan los azules y los verdes, las montañas acartonadas y las construcciones fantásticas. Todo esto se puede verificar en obras como <i>El paso de la laguna Estigia</i>, en el que Caronte transporta en una barca un alma, en medio de un húmedo y verde paisaje.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdMgrogCfqx3DsAx8ZcGQjZvY44mRMtI4LPJfPFlgzXR4ZugReNrsRe-ibkNImEteWF8sImokDVVsoNajej6r8YDW7h_JEJ31w8tjDQibGQkei6vLfoEniyPY6OsEvngqsohTpD4Gi6k8/s1600/patinir.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="396" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdMgrogCfqx3DsAx8ZcGQjZvY44mRMtI4LPJfPFlgzXR4ZugReNrsRe-ibkNImEteWF8sImokDVVsoNajej6r8YDW7h_JEJ31w8tjDQibGQkei6vLfoEniyPY6OsEvngqsohTpD4Gi6k8/s640/patinir.jpg" width="640" /></a></div>
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Joachim Patinir: <i style="font-weight: bold;">El paso de la laguna Estigia. </i>Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<i style="font-weight: bold;">Hieronymus van Aeken Bosch, el Bosco </i>(1450-1516) es el más original de entre todos los pintores flamencos. Gran parte de sus cuadros se encuentran hoy en las colecciones españolas dado el especial interés que su obra despertó en Felipe II. Su formación debió de tener lugar en el pequeño taller familiar. Es también bastante posible que viajase por Flandes, de tal modo que conociera la producción artística de otros pintores flamencos anteriores a él. Era un gran admirador de la literatura de su época (<i>Utopía </i>de Tomás Moro, <i>El elogio de la locura </i>de Erasmo de Rotterdam y <i>El Príncipe </i>de Maquiavelo). El Bosco es un pintor fantasioso, de una imaginación desbordante, dotado de una gran capacidad crítica y una fina ironía y, cuyos cuadros son, en muchos casos muy difíciles de descifrar.</div>
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<br /></div>
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Una de sus obras más conocidas es <i>El jardín de las Delicias </i>(Museo del Prado), un tríptico que, si se contempla cerrado, ofrece una cosmovisión y si se abre muestra la representación de tres escenas: el Paraíso, el jardín de la lujuria y el Infierno. En la primera tabla, Dios crea el hombre en torno a la fuente de la vida, en un ambiente lleno de serenidad y equilibrio. En el centro aparecen animales, monstruos, seres híbridos, arquitecturas ilusorias y fantásticas, plantas y personas desnudas contaminadas por el pecado de la lujuria. En el Infierno la nota dominante es la oscuridad, en la que se recrean abominables seres extraídos de un mundo onírico y tenebroso inspirado en la plástica medieval que en muchos sentidos, el autor se resiste a abandonar. En él el vicio es cruelmente castigado por seres irreales y deformes.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlyF8Dhs968UynhIdJ9yaHHvJbNR4pz1dsyKKbVzn6ZI7vsa73Y3GsmC-Hw-i4ztyy07NUIFafCov0osRontVdOXShtgwAIXVCanLR69gjWUEtGfkHgcKxAMNgmo3k8LI-JCYAYcsU6VU/s1600/bosco1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlyF8Dhs968UynhIdJ9yaHHvJbNR4pz1dsyKKbVzn6ZI7vsa73Y3GsmC-Hw-i4ztyy07NUIFafCov0osRontVdOXShtgwAIXVCanLR69gjWUEtGfkHgcKxAMNgmo3k8LI-JCYAYcsU6VU/s640/bosco1.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
El Bosco: <i style="font-weight: bold;">El jardín de las Delicias. </i>(Detalle de tabla derecha). Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiImoq1q7gt0vHQ_4b6FMSvV9gxMRzXVcRZ8h1sfLt_rVM0IzeRAx5tzkOExC_naJKN2WJEkZNaXouHv9Uvla4h5Com8sHwsldkNDYm_q5WnZKAc99iGOJS0UGrp_FTfdybT3IqycjEIZ4/s1600/detallebosco.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="636" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiImoq1q7gt0vHQ_4b6FMSvV9gxMRzXVcRZ8h1sfLt_rVM0IzeRAx5tzkOExC_naJKN2WJEkZNaXouHv9Uvla4h5Com8sHwsldkNDYm_q5WnZKAc99iGOJS0UGrp_FTfdybT3IqycjEIZ4/s640/detallebosco.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
El Bosco: <i style="font-weight: bold;">El jardín de las Delicias. </i>(Detalle de tabla central). Museo del Prado. Madrid</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Del análisis de su obra se deduce su gran capacidad imaginativa y su desbordante fantasía. Incluso se puede afirmar que el Bosco pudo constituir una importante fuente de inspiración para pintores surrealistas como Dalí.</div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>La catedral gótica</b></span></div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Pues, a pesar del peso de su gran bóveda, la catedral iba a se luminosa como ninguna otra iglesia lo había sido hasta entonces. Para hacerlo posible el maestro abandonó el alzado cuatripartito, concretamente la tribuna que los más renombrados de sus inmediatos predecesores habían adoptado en las catedrales de París y Laon. Desde el punto de vista de las exigencias del culto multitudinario, estas tribunas eran innecesarias, especialmente en una iglesia tan grande como la de Chartres, que ofrecía en su nave central y en las laterales amplio espacio para grandes congregaciones de fieles. Pero las tribunas tenían una importante finalidad estática en la medida en que ayudaban a sostener los empujes de las bóvedas de la nave central. El abandono del alzado cuatripartito muestra, con toda la claridad deseable, la integración de las consideraciones estéticas y las estructurales, o más concretamente, la influencia estética de la luz en la evolución de la arquitectura. Al suprimir la tribuna, el maestro pudo aplicar en todas las partes del edificio y con absoluta coherencia, el principio de los muros translúcidos".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
(SIMSON, O. <i>La catedral gótica, </i>1980)</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;"><b>A FONDO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><i>LOS ESPOSOS ARNOLFINI </i></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>JAN VAN EYCK</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Estamos ante uno de los retratos más famosos de la Historia de la Pintura y, al mismo tiempo, una de las obras más complicadas y llenas de simbolismo. En 1421 Giovanni Arnolfini, un banquero italiano establecido en la ciudad de Brujas, encarga a Van Eyck un retrato matrimonial junto a su esposa Giovanna Cenami, miembros ambos de acaudaladas familias de la ciudad italiana de Lucca. A partir de finales del siglo XV el cuadro comenzó a circular por diversos países europeos para llegar finalmente hasta la National Gallery de Londres, en la que se puede visitar actualmente.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En el interior de una estancia, Giovanni y su esposa se dan la mano en señal de que se está celebrando la ceremonia de su boda. En aquel tiempo la boda no requería la presencia de un sacerdote, era un acto voluntario de los contrayentes para el que bastaba, simplemente, con la presencia de un testigo, que en este caso pudo ser el propio Van Eyck como explicaremos más tarde. El acto del matrimonio constaba de dos momentos: en primer lugar los esposos se tomaban de las manos y luego hacían un juramento con la mano alzada. En este caso se representan simultáneamente las dos escenas de la ceremonia: los esposos se toman de la mano al tiempo que realiza el juramento.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La ceremonia se desarrolla en el interior de una casa bellamente decorada, símbolo del poder económico adquirido por muchos de los burgueses enriquecidos con el comercio que vivían en Brujas. En este mismo sentido, los ropajes de los personajes son indicativos de su posición social puesto que, pese a su sobriedad, están hechos de ricos materiales, que gracias al uso del óleo y al gran dominio de la técnica, Van Eyck ha sabido captar magistralmente. La mayoría de los elementos que llenan la estancia son una prueba fehaciente de la riqueza del joven matrimonio, como la alfombra de Anatolia que se encuentra al pie de la cama o las naranjas que están en la ventana, posiblemente traídas del Sur y que en el norte de Europa eran algo bastante difícil de conseguir. En este sentido, al margen del valor artístico, se añaden valor documental de la obra.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
La luz proviene de dos focos diferentes: existe un primer foco que proviene de la ventana abierta que está a espaldas de los esposos y un segundo foco de luz que les ilumina levemente el rostro. La única vela encendida de la lámpara es absolutamente innecesaria, puesto que con la luz de la ventana hay iluminación suficiente en la habitación, por tanto, su presencia es meramente simbólica y alude a Dios como un ojo omnipresente que todo lo observa. A los pies de los esposos hay un pequeño perro, que dentro de la iconografía medieval va siempre unido al concepto de la fidelidad y que en este caso alude a la conyugal. En el interior de la habitación hay una serie de objetos que simbolizan la pureza, como el rosario hecho con cuentas de cristal que está colgado al lado del espejo o este último decorado con diez círculos de esmalte en los que se representan escenas de la Pasión de Cristo.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Otras de las ideas que se encuentra presente en la pintura es la fertilidad. En este sentido Giovanna recoge las telas de su vestido (de color verde, símbolo de la fecundidad) sobre su prominente vientre. En la pintura flamenca el vientre se subraya de un modo especial por considerarse una de las partes más bellas de la anatomía femenina. Para corroborar esta afirmación no hay más que observar la representación de Eva que hay en el <i>Retablo de san Bavón de Gante</i>. Sobre la cama hay una imagen de santa Margarita, patrona de los alumbramientos, que en aquel entonces tenían lugar en la cama propia.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En el fondo de la estancia un espejo pende de la pared bajo la firma del autor de la obra en letra gótica que reza lo siguiente: "Johannes de Eyck Fuit hic", es decir, Jan van Eyck estuvo aquí. En él se refleja el resto de la habitación en la que hay dos personajes ante los esposos, lo que unido al texto, adquiere una gran importancia ya que probablemente lo que nos quiere decir es que Van Eyck, es decir, el propio artista, estuvo allí y que, por tanto, pudo desempeñar el papel de testigo de la boda. Este ingenioso recurso del espejo, que años más tarde van a seguir utilizando otros pintores, fue empleado por primera vez por Robert Campin en su obra <i>San Juan Bautista </i>(Museo del Prado).</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhm7L7b3JtgXTUAlEcyyg0kBuh6KOUbMj9EY34L2Bc5jSvE1EUcVceFQ4uux005i1-H1FGZStQFDO7q8ULJ7GLxpSNKEM5mxPD8WDTqBUXfONSLQom2Glxd6y096u8c_fcst4UrfDiZeMk/s1600/matrimonio.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhm7L7b3JtgXTUAlEcyyg0kBuh6KOUbMj9EY34L2Bc5jSvE1EUcVceFQ4uux005i1-H1FGZStQFDO7q8ULJ7GLxpSNKEM5mxPD8WDTqBUXfONSLQom2Glxd6y096u8c_fcst4UrfDiZeMk/s640/matrimonio.jpg" width="465" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>GLOSARIO</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b>Bóveda de crucería</b></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
Se forma por la intersección de dos bóvedas de cañón apuntadas. Sus aristas se refuerzan con nervios. El punto donde estos se cruzan se llama clave, mientras que la plementería es el conjunto de dovelas que la integran. Con el paso del tiempo las bóvedas de crucería se irán complicando al multiplicarse el número de nervios y al decorarse las claves.</div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b>Arbotante</b></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
Arquillo que se coloca en el exterior del muro y cuya función es recoger los empujes laterales de la cubierta transmitiéndolos a los contrafuertes.</div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b>El rosetón</b></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<i>"(...) tiene para el cristiano de la época un significado doblemente simbólico: alude al mismo tiempo al sol, símbolo de Cristo, y a la rosa, símbolo de María".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<b>M. C. Gozzoli</b></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b>Notre-Dame</b></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
Se construyó entre los años 1163 y 1250. En el siglo XIX fue sometida a una fuerte restauración que corrió a cargo de Viollet-le-Duc. Durante el Romanticismo, el Gótico despertó un interés especial.</div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<b style="text-align: center;">Gótico flamígero</b></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
Término introducido por Arcisse de Caumont que hace referencia a la forma de llama que adoptaron algunos edificios hacia finales del Gótico.</div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b>La capilla del King's College de Cambridge</b></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
Construida entre 1443 y 1461, está dentro de lo que se ha venido denominando estilo perpendicular. Lo más notable de la misma son sus bóvedas de abanico, unas de las más impresionantes de la historia de la arquitectura.</div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b>Hallenkirche</b></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
Con esta palabra de origen alemán nos referiremos a los edificios en los que las naves laterales tienden a tener la misma altura y anchura que la nave central. En España esta palabra se ha traducido como <i>planta-salón</i>.</div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<b>San Francisco de Asís</b></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<i>Dos años después de su muerte, <b>san Francisco de Asís</b> fue canonizado por el papa Gregorio IX quien mandó realizar una basílica en la que reposasen los restos del santo. En 1230 el cuerpo de san Francisco fue depositado en la cripta. La iglesia fue consagrada en 1253 y finalizada en 1280. En el año 1997 este conjunto ha sido trágicamente dañado por los terremotos.</i></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<i><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b>La Catedral de Siena</b></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
Es uno de los edificios más representativos del Gótico italiano. Los muros, realizados con materiales más bien pobres, se revisten con otros más ricos, tal y como ya se había hecho durante el Románico. La fachada es obra de Giovanni Pisano. Se cree que la realizó antes de dejar la ciudad, en 1297.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b>Vidriera</b></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
Se realizan con fragmentos de vidrios de diferentes colores que se ensamblan en un esqueleto de plomo con sección en forma de H, llamado emplomado. En ocasiones, para obtener diferentes tonalidades, se superponían vidrios de diversos colores y grosores. Para los pequeños detalles del rostro o de las vestiduras, por ejemplo, se utilizaba grisalla y el amarillo plata que se aplican directamente con un pincel.</div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b>El libro de horas de Jeanne d'Evreux </b></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
Es obra de Jean Pucelle, quien no sólo fue miniaturista, sino que también se dedicó a la orfebrería, algo que se deja sentir en esta obra. Se ha planteado la posible influencia de ciertos pintores italianos como Simone Martini o Duccio.</div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b>Óleo</b></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
Técnica pictórica consistente en disolver los colores en un aglutinante oleoso que se obtiene a partir del aceite de linaza, de nuez o de aceites de origen animal. Permite, entre otras cosas, conseguir mayor número de efectos pictóricos.</div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b>Santa Bárbara</b></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
Murió mártir hacia el año 300. Es frecuente verla representada con una torre como atributo, puesto que fue allí donde la encerró su padre.</div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>CITAS</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<i style="text-align: justify;">"Desprecio las inmensas alturas de los templos, su desmesurada longitud, su excesiva anchura, sus suntuosos adornos, sus cuidadas pinturas: mientras atraen hacia sí la mirada de los que oran, ofuscan también la disposición del alma".</i></div>
<b>San Bernardo</b><br />
<b><br /></b><i>"Francisco Bordone, San Francisco de Asís, (1181-1226), hijo de un rico mercader de Asís, tuvo una crisis a los veinticinco años, retirándose a la vida eremítica, dedicado a la oración, la predicación y la mendicidad. En 1209, se constituyó en torno a él una fraternidad".</i><br />
<b>Valdeón Baruque</b><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<i>"Todas las cosas visibles se presentan como símbolos, es decir, como imágenes, para reflejar y manifestar las invisibles".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<b>Hugo de San Víctor</b></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Los aspectos justiciero y autoritario del Cristo bizantino se continúan, aunque algo suavizados, en la escultura francesa del siglo XII de Beau-Dieu de la catedral de Amiens. La figura de Cristo se alza entre las dos puertas principales de la catedral y debajo de la escena del Juicio Final".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Elsen</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"Para los siglos XII y XIII y la luz fue fuente y esencia de toda esencia visual. (...) Las estrellas, oro y piedras preciosas son consideradas bellas por esta cualidad".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>Otto von Simson</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<i>"El cuadro de Van der Weyden cola estos requisitos sin parecer forzado y enamorado del virtuosismo (...). El cuerpo de Cristo vuelto de cara hacia el espectador, constituye el centro de la composición".</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>E.H. Gombrich.</b></div>
GreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-82928490654669336782014-09-12T07:13:00.001-07:002015-08-11T06:05:12.885-07:00El Románico en España<div style="text-align: center;">
<b style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En España el Románico
alcanzó un importante desarrollo que estuvo motivado, en gran medida, por el
Camino de Santiago, una de las vías de peregrinación más importantes del
Medievo. A través de él se produjo la penetración de los modelos franceses,
facilitándose de esta manera la creación y difusión de las formas artísticas. A
esto hay que sumar la presencia musulmana en España por espacio de poco menos
de mil años, lo que enriqueció las obras realizadas en el Norte con las
influencias del arte islámico. Existen algunas personalidades decisivas en el
Románico español como el abad Oliba, promotor de gran parte de las
edificaciones catalanas del siglo XI, reyes como Sancho III o Fernando I y su
esposa, doña Sancha, el arzobispo Gelmírez, el obispo Diego Peláez o el maestro
Mateo, que contribuyeron a hacer de nuestro Románico uno de los más ricos e
interesantes de toda Europa.</span></b></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></b></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/94/Codex_Calixtinus_(Liber_Sancti_Jacobi)_F0173k.jpg" height="640" width="391" /><b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"> </span></b></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><i><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Codex Calixtinus. </span></i></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Catedral de Santiago de
Compostela<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">1. EL ARTE ROMÁNICO EN ESPAÑA</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Como ya hemos visto al hablar del Románico en otros países
europeos, en España su desarrollo va a ir ligado también a los fenómenos de
renovación religiosa e intelectual que tienen lugar dentro de un marco
histórico y social concreto, como lo es el de España durante los siglos XI y
XII. Esto hace que, a la hora de enfrentarnos al Románico español, debamos
tener en cuenta una serie de aspectos que hacen que el panorama histórico de
este país sea bien diferente al del resto de los países europeos. Por aquel
entonces la península Ibérica era un territorio políticamente fraccionado por
la presencia musulmana. El sur estaba ocupado por <b>los musulmanes</b> quienes, precisamente ahora, veían cómo se derribaba
su poder en Córdoba dando lugar a la aparición de los reinos de taifas y
debilitándose, de esta manera, frente al poder cristiano, lo cual permitía el
avance de la Reconquista y, con ella, la recuperación de los territorios
perdidos con la penetración musulmana en el año 711. En cualquier caso, la
presencia islámica es un valioso aporte cultural que enriquece y concede una
mayor personalidad a las manifestaciones artísticas del Románico español. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://wa1.www.artehistoria.jcyl.es/v2/jpg/AUI20226.jpg" height="572" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Interior del brazo sur del
crucero de <b><i>San Isidoro. </i></b>León<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">El Camino de Santiago </span></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">es uno de los tres destinos
esenciales en la peregrinación medieval y fue, además, una importante vía para
la llegada de formas artísticas procedentes de otros países. De otro modo,
sería difícil explicar la fuerte presencia de los elementos lombardos en la
arquitectura catalana del siglo XI, el empleo del modelo de edificio de
peregrinación en Santiago de Compostela, un esquema genuinamente francés, las nuevas
técnicas artísticas o los nuevos valores estéticos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">El Románico se extiende por
la mitad <b>norte de la península</b>,
puesto que el sur está ocupado por los musulmanes, y <b>de este a oeste</b>, desde Cataluña a lo largo del Camino de Santiago.<b><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">2. LA ARQUITECTURA ROMÁNICA ESPAÑOLA</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Antes de iniciar el análisis de la arquitectura románica de
las diferentes zonas geográficas, debemos señalar que es posible hablar de tres
momentos cronológicos en este arte:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
</div>
<ul>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Primer Románico </span></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">o <b>Románico catalán </b>(desde fines del siglo X hasta la mitad del siglo
XI). Es muy importante en esta etapa la influencia carolingia y lombarda. Los
edificios están desprovistos de decoración.</span></li>
</ul>
<br />
<div class="MsoListParagraphCxSpLast" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
</div>
<ul>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;">
</span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Románico puro </span></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">o <b>cluniacense </b>(segunda mitad del siglo XI). A esta etapa pertenecen
la mayor parte de las iglesias del Camino de Santiago.</span></li>
</ul>
<br />
<div style="text-align: center;">
</div>
<div class="MsoListParagraph" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
</div>
<ul>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Época de difusión del Románico </span></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">(siglo XII). El Románico se extiende
por la mitad norte de la península Ibérica.</span></li>
<li><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;"><br /></span></li>
</ul>
<!--[if !supportLists]--><br />
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">2.1. Cataluña</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En el siglo X, Cataluña tiene una situación bien diferente a
la del resto de los reinos cristianos y va a desempeñar un papel fundamental
como intermediaria entre lo cristiano y lo islámico. Además, había pertenecido
a la Marca Hispánica de Carlomagno a mediados del siglo IX, lo cual no pasará
inadvertido en su arquitectura, ya que el arte carolingio está presente en gran
medida en el Románico catalán.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Los rasgos comunes de la arquitectura en Cataluña en este
período son los siguientes:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
</div>
<ul>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;">
</span></span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">El
uso de aparejo rústico de sillares irregulares.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;">
</span></span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">El
elemento sustentante fundamental es el pilar cuadrado.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">Arcos
sencillos de medio punto.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">Utilización
de cubiertas de madera para las naves y de piedra para el ábside, aunque a
mediados del siglo XI se extiende el uso de las cubiertas pétreas para todo el
edificio.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;">
</span></span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">El
peso que la arquitectura lombarda ejerce se deja sentir en el uso de arquillos
y fajas lombardas.</span></li>
</ul>
<!--[if !supportLists]--><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">San Pere de Roda </span></i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">es uno de los ejemplos más
significativos del siglo XI. Posee tres naves y transepto marcado en planta. Se
cubre con bóveda de cañón que se sustenta con un sistema bastante curioso de
columnas sobrepuestas, elevadas sobre un podio. Bajo la cabecera, del mismo
modo que va a suceder en otras obras de la zona, se ubica la cripta. La
influencia califal deja su impronta en las decoraciones epigráficas de tipo cúfico
o en los elementos florales, también de inspiración musulmana.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img height="480" src="https://c2.staticflickr.com/4/3228/2799848219_f28c1f5dc8_z.jpg" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Interior de <b><i>San
Pere de Roda. </i></b>Girona<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">San Martín de Canigó </span></i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">repite el esquema de cripta bajo la
cabecera. El <i>monasterio de Ripoll </i>fue
mandado construir por el abad Oliba, gran promotor de la arquitectura en el
Románico catalán, que entraría como monje en el monasterio y terminaría siendo
abad del mismo. En él encontramos elementos de influencia lombarda como los
arquillos y las bandas que recorren el exterior de sus muros. El <i>monasterio de Ripoll</i> fue profundamente
restaurado, quizás de un modo excesivo, por Elías Rogent en el siglo XIX.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">San Vicente de Cardona</span></i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">, junto con <i>Santa María </i>y <i>San Clemente de
Tahull</i>, son obras de decidida influencia lombarda y magníficamente situadas
en medio del paisaje; estas últimas son especialmente interesantes por los
frescos con que se decoran los ábsides.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img height="512" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYOybliUgDNe0EpkOtf8Bkm9ZQs-6dplcmu2ccRh5blZb5Y9Ka1NNOczGiA4yOvc0UHU-OxvQLvvJe45aqn4VVu6MaBVV74paIefM3gFkgAGs4v9_tP_jEgf5VpZSY9bjcisoSomJTKI8/s640/FG005669%255B1%255D.jpg" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Vista del ábside de <b><i>San
Vicente de Cardona. </i></b>Barcelona<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://www.lasalle.es/santanderapuntes/arte/romanico/arquitectura/tahull_san_clemente_vista_absides_cerca.jpg" height="480" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Ábside de la iglesia de <b><i>San
Clemente de Tahull. </i></b>Lleida<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En el siglo XII </span></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">se construye <i>la Seo de Urgell</i>, en la que, aunque con menos vigor, persiste la
influencia lombarda; los claustros de <i>San
Pedro de Galligans, San Cugat del Vallés </i>y <i>la Catedral de Girona</i>, que será profundamente modificada durante el
Gótico.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">A finales del siglo XII
y principios del XIII </span></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">destacan edificios de transición al Gótico como <i>la Catedral de Lleida</i> y <i>la de
Tarragona</i>. En <i>la Catedral de Lleida</i>
se conserva una portada románica con elegante decoración vegetal y geométrica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Arquillos y bandas o
fajas lombardas<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Pequeñas arcuaciones unidas mediante bandas que sobresalen
levemente del muro con carácter puramente decorativo. Son muy característicos
de los edificios de Lombardía, en el norte de Italia, por ello reciben este
nombre. Algunos ejemplos del empleo de estos elementos es posible encontrarlos
en edificios como el Mausoleo de Gala Placidia y en España, en San Clemente de
Tahull.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">San Vicente de Cardona<o:p></o:p></span></b></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Posee una cripta que recuerda a las que aparecían en el arte
carolingio. Es posible que, además de para albergar las reliquias, sirviese
para celebrar un tipo de liturgia muy concreto del que no tenemos demasiadas
noticias.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">2.2. Aragón y Navarra</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El rey Sancho el Mayor (1004-1035) se coronó con la
titulación leonesa de <i>imperator</i>
gracias a sus hábiles pactos políticos y militares, iniciando un brillantísimo
período artístico que implicaba, no sólo la construcción de edificios religiosos,
sino también civiles, como algunas fortificaciones.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En <b>el siglo XI </b>ya
tenemos noticias sobre <i>el monasterio de
Leyre</i>, al que el rey Sancho concedió una gran importancia. En él aparece
una cripta sustentada por gruesos pilares con capiteles de decoración vegetal
fuertemente geometrizada. <i>El castillo de
Loarre </i>(Huesca), además de su función defensiva, tenía una pequeña capilla
abovedada con ábside semicircular. El esquema defensivo de esta estructura
demostraba el conocimiento de las fortificaciones islámicas que se explica por
la proximidad de Zaragoza, uno de los reinos de taifas más importantes. <i>San Juan de la Peña </i>es uno de los
ejemplos más bellos de la perfecta simbiosis que se puede alcanzar la unión de
arquitectura y naturaleza. Para terminar este apartado, nos referimos a <i>la Catedral de Jaca</i>, influyente a lo
largo de todo el Camino de Santiago y decorada en el ábside con ajedrezados
cuyo uso se generalizará y tomará la denominación de <b>taqueado jaqués</b>. Este edificio guarda un importante parecido con la
iglesia de <i>San Martín de Frómista</i>, en
Palencia. Al igual que ha sucedido con muchos edificios medievales, las restauraciones
han modificado excesivamente la estructura originaria de este edificio. <i>La Catedral de Jaca </i>consta de tres naves
separadas por pilares cruciformes y columnas alternadas. Tiene tres ábsides
semicirculares y en el crucero se coloca una cúpula sobre trompas reforzada por
nervios entrecruzados en el centro. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://monasteriodeleyre.com/sites/default/files/styles/gallery_show/public/sites/default/files/images/5-%20(Large).jpg?itok=0hIXxmJo" height="426" width="640" /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: Calibri, sans-serif; font-size: 12pt; line-height: 115%;">Cripta de la iglesia del <b><i>monasterio de Leyre. </i></b>Navarra</span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: Calibri, sans-serif; font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: Calibri, sans-serif; font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">2.3. Castilla y León</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La Castilla
histórica llegó a su mayoría de edad con la difusión del Románico. De la
primera generación de edificios de este período, o bien no los conservamos, o
bien quedan tan sólo algunos restos como es el caso de <i>Arlanza</i>. En cambio, de lo que podríamos denominar segunda
generación sí tenemos abundantes ejemplos que exponen muy bien las
características del Románico de esta tierra.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">León posee
uno de los ejemplos más interesantes de todo el Románico: <i>la Colegiata de San Isidoro</i>, construida sobre un primitivo edificio
que estaba bajo la advocación de san Juan Bautista y san Pelayo. En torno a
1060, la reina doña Sancha, esposa de Fernando I, amplió la parte de los pies
construyendo un pórtico que más tarde se convertirá en el <i>Panteón de los Reyes</i>, decorado con magníficas pinturas al fresco
que han merecido la denominación por parte de algunos expertos de “Capilla
Sixtina del Románico”. La hija de doña Sancha, doña Urraca, a finales del siglo
XI manda construir un edificio de tres naves con crucero en el cual encontramos
unos arcos polilobulados de obvia procedencia islámica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://farm3.static.flickr.com/2309/2221662450_2c05d0a4bc.jpg" height="480" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Exterior de la <b><i>Colegiata
de San Isidoro. </i></b>León<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">San Martín de Frómista</span></i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">, en Palencia, se construye en el año
1065 por orden de la reina doña Mayor de Navarra, asumiéndose en él las
influencias de la <i>Catedral de Jaca</i>. A
los pies de la iglesia de tres naves con crucero no marcado en planta y
cimborrio, encontramos dos torrecillas circulares que algunos autores
consideran una reminiscencia del <i>westwerk</i>
carolingio. Este edificio también ha sido excesivamente restaurado. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjf0ZG2BEL031tqRzpR8RyYEh6MVIvcNxWCZ-QkOIdJo9PwDdbYE7gFKXDHqyQBDn8qYnteSKjxeWdHWqE26Cz8TCjyzjZO9f3o6Dncj7YqIthFqBHHbzMRwVtBRI4Uwy-y9X5WGM8arbo/s640/DSCN1837.JPG" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><i><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">San Martín de Frómista. </span></i></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Palencia<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Uno de los conjuntos más homogéneos y abundantes de
construcciones es el que se conserva en Segovia, en donde la mayor parte de las
iglesias tienen un pórtico orientado al sur de sencillas arquerías sobre
columnas pareadas cuya finalidad no acaba de concretarse entre el sentido
funerario o el de lugar de reunión y cobijo del frío clima castellano. Las más
interesantes son <i>San Esteban </i>y <i>San Juan de los Caballeros</i>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/0/0c/Panor%C3%A1mica-san-esteban-2-rectangular.jpg" height="640" width="612" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><i><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">San Esteban. </span></i></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Segovia<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Para finalizar este recorrido por la arquitectura románica
castellano-leonesa del siglo XII citaremos edificios como <i>San Vicente </i>en Ávila, que tiene ya muchos elementos góticos, y <i>San Juan de Duero </i>(Soria), con un
pórtico de arcos de herradura entrecruzados de evidente influencia islámica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El Panteón de San
Isidoro o de los Reyes<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">A los pies de la iglesia se construyó un recinto destinado a Panteón
Real. En él se recogió la función del viejo enterramiento regio y la tradición
que, desde antaño, habían puesto en uso los reyes ovetenses.<o:p></o:p></span></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Etelvina Fernández <o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">2.4. Santiago de Compostela</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La catedral de esta ciudad inicia su construcción en el año
1075 y finaliza en 1130, aunque en 1105 ya fue consagrada por el obispo
Gelmírez. Se tiene constancia de que en ella trabajaron los maestros Roberto,
Bernardo y Esteban. Antes de construirse el edificio románico, existía otro
prerrománico edificado por Alfonso II el Casto en el lugar donde unas
luminarias señalaron que se encontraban los restos del apóstol Santiago, lugar
que pasó a denominarse <i>campus stellae </i>(campo
de estrellas).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Santiago</span></i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"> da pie para explicar una tipología
que veníamos anunciando desde el románico francés: <b>la iglesia de peregrinación</b>. Son edificios de tres naves, en que
las laterales se prolongan por detrás del presbiterio hasta unirse creando la <b>girola </b>o <b>deambulatorio</b>, que permitía a los peregrinos transitar el edificio
sin interrumpir el culto que se desarrollaba en el altar principal. En la
cabecera aparecían pequeñas capillas radiales, llamadas <b>absidiolos</b>, donde se podían celebrar otras liturgias, al mismo
tiempo que en el altar principal. Además, tenían un crucero sobresaliente en
planta que solía estar dividido en tres naves. En altura aparece, como una
evolución del <i>matroneum </i>de las
iglesias paleocristianas, la <b>tribuna</b>.
En definitiva, es un templo diseñado y creado para recibir a las ingentes masas
de peregrinos. <i>La Catedral de Santiago de
Compostela</i> tiene tres naves cortadas perpendicularmente por un crucero de
idéntico número de naves. En la girola aparecen cinco absidiolos y otros dos en
cada uno de los brazos del crucero. La nave central se cubre con bóveda de
cañón con arcos fajones y las laterales con bóveda de arista. Para separar la
nave central de las laterales aparecen arcos de medio punto peraltados y
doblados sobre pilares cruciformes. En el crucero sobresale un cimborrio que se
hizo en el siglo XV para sustituir al románico. En altura destaca la tribuna
que se abre a la nave central con ventanas geminadas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://www.santiagoturismo.com/files/full/20100406123545_Navecentral.jpg" height="426" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Interior de la <b><i>Catedral
de Santiago de Compostela.<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></i></b></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><b><i><br /></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una de las fuentes documentales más importantes que existen
para conocer este singular edificio es el <i>Codex
Calixtinus</i>, atribuido a Aimeric Picaud, que nos informa de que el edificio
ha sufrido algunas modificaciones en la parte de los pies, como han confirmado
los estudios de Conant que señalan que allí debió de haber una estructura
torreada.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/94/Codex_Calixtinus_(Liber_Sancti_Jacobi)_F0173k.jpg" height="640" width="390" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><i><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Codex Calixtinus. </span></i></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Catedral de Santiago de
Compostela<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">2.5. Las catedrales de Toro, Salamanca y Plasencia y los edificios de planta central</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Las Catedrales de Toro </span></i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">(1240)<i>, Plasencia, Salamanca </i>y <i>Zamora
</i>(1274) están ligadas entre sí por la presencia del <b>cimborrio</b>, un tanto exótico, del que podemos aportar las siguientes
características:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="margin-left: 38.6pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-family: Symbol; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-fareast-font-family: Symbol;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Las
cúpulas arrancan de unas pechinas en las que se inserta el tambor.<i><o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="margin-left: 38.6pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-family: Symbol; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-fareast-font-family: Symbol;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En
el tambor se abren ventanas que permiten la penetración de la luz.<i><o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="margin-left: 38.6pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-family: Symbol; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-fareast-font-family: Symbol;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La
bóveda es semiesférica, gallonada y nervada.<i><o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="margin-left: 38.6pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-family: Symbol; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-fareast-font-family: Symbol;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En
el exterior tiene torrecillas cilíndricas.<i><o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="margin-left: 38.6pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-family: Symbol; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-fareast-font-family: Symbol;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Están
recubiertos de escamas pétreas en todos los casos, excepto en <i>Toro</i>.<i><o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpLast" style="margin-left: 38.6pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-family: Symbol; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-fareast-font-family: Symbol;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Son
obras de una gran belleza plástica y su origen podría estar en algunas
construcciones de la región francesa del Poitou o en la arquitectura bizantina.<i><o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpLast" style="margin-left: 38.6pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpLast" style="margin-left: 38.6pt; text-align: center; text-indent: -18pt;">
<img height="424" src="https://c2.staticflickr.com/8/7194/6881999069_f02f0d89fb_z.jpg" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Cimborrio de la <b><i>Catedral
Vieja de Salamanca<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></i></b></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><b><i><br /></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Además de estos edificios copulados, nos ocuparemos de las
construcciones románicas de <b>planta
central </b>que existen en España. Es posible que estén ligadas a los
Templarios, los cuales escoltaban las peregrinaciones a Tierra Santa y por
tanto conocían realmente bien la arquitectura islámica. Esto inspiró el uso de
plantas centrales y cubiertas de nervios que se entrecruzan dejando un espacio
poligonal en medio. Se conservan pocos ejemplos de este tipo, pero muy bellos,
como <i>la iglesia de la Veracru</i>z en
Segovia y <i>la de Eunate</i> (Navarra),
rodeada por una curiosísima arquería.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://ildefonsosuarez.es/Arte2bat/Tema_Preromanico_y_Romanico/Imagenes_Arte_Preromanico_y_romanico/5.%20romanico%20espa%C3%B1ol/Romanico_Arquitectura_Espana/17.0.Vera_Cruz_Segovia.jpg" height="620" width="640" /></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><i><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Iglesia de la Veracruz. </span></i></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Segovia<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">3. LA ESCULTURA ROMÁNICA EN ESPAÑA</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">3.1. Ejemplos de la escultura románica española durante el siglo XI</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una de las primeras obras que conocemos es el dintel de <i>San Genis des Fonts</i>, en el Rosellón, muy
similar al de <i>San Andrés de Sureda</i>,
de la misma zona, en el que aparece Cristo en majestad bendiciendo con una mano
y con el libro de la Revelación en la otra mano, inscrito en una <i>mandorla</i> sujetada por dos ángeles. A su
alrededor y bajo arcuaciones, los apóstoles. En <i>Jaca </i>podemos ver una portada muy curiosa: en el tímpano, el
Crismón, símbolo de Cristo, sujeto por dos leones, uno de los cuales cobija
bajo sus patas a un fiel que expulsa el pecado por la boca en forma de
serpiente, mientras que otro pisotea lo que parece un animal fantástico,
símbolo asimismo del pecado.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En León existen dos interesantes portadas dentro del mismo
edificio: la <i>Colegiata de San Isidoro</i>.
Nos estamos refiriendo a <i>la del Cordero </i>y
a <i>la del Perdón</i>. En la primera se
plasma el tema del sacrificio de Isaac al que salva la fe de Abraham, puesto
que Dios, viendo que está dispuesto a cumplir su mandato, envía un ángel con un
cordero. Dios aparece representado a través de una mano. Más tarde es la <i>Portada del Perdón </i>con el
Descendimiento, las Marías ante el sepulcro y la Resurrección de Cristo.<i> <o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://www.epapontevedra.com/arte/L%C3%A1minas/Escult58.jpg" height="386" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><i><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Portada del Cordero. </span></i></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">San Isidoro. León<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La obra, sin lugar a dudas, más significativa de la plástica
románica española es el <i>claustro de Santo
Domingo de Silos</i>, al mismo tiempo una de las más difíciles de tratar. Se
cree que intervinieron dos artistas diferentes en la realización de los
capiteles y machones del claustro. Estableceremos dos ciclos distintos en su
realización:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDZE0OALXYKisTmI48guHp_zB8JPgRirIM68YUesM263qRao710ZKhr0sLN4Q38tZwJbifZumxjhA3czRJZWPV6Vumuq3yD8_GAaUCiM-TrlA7VBCxxWOEwvddi9oVd8HC8Ub1rnYWWsXo/s640/SDC14524.JPG" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Claustro de <b><i>Santo
Domingo de Silos. </i></b>Burgos<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoListParagraph" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-family: Symbol; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-fareast-font-family: Symbol;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El
lado nororiental se sitúa a finales del siglo XI. En este momento la ejecución
de los capiteles es de una calidad elevadísima, sobre todo en los temas
vegetales a los que se suman animales híbridos entrelazados, arpías (animal
fantástico mezcla de pájaro y mujer), etc., que demuestran que la fuente de
inspiración podría estar en los marfiles, incluso en los tejidos orientales. En
los machones del claustro se representan la Ascensión, Pentecostés, el Entierro
de Cristo, el encuentro de Emaús y la duda de santo Tomás. Las elegantes
posturas de los pies recuerdan en mucho a la plástica de las portadas
francesas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraph" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoListParagraph" style="text-align: center; text-indent: -18pt;">
<img src="http://lassociales.files.wordpress.com/2011/12/silos_duda_de_santo_tomas1.jpg" height="640" width="422" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: white;">Relieve de un machón del
claustro de <b><i>Santo Domingo de Silos. </i></b>La duda de santo Tomás</span><span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: white;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoListParagraph" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-family: Symbol; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-fareast-font-family: Symbol;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La
mayor parte de la galería occidental y parte de la meridional fueron realizadas
en la segunda mitad del siglo XII. Las imágenes dejan de ser tan fantásticas y
caprichosas para hacerse más naturalistas y las columnas, en lugar de estar
separadas, están yuxtapuestas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">En la <i>Catedral de Santiago de Compostela </i>destaca la portada de <i>Platerías </i>en la que encontramos las
tentaciones de Cristo, la lujuria representada como una mujer con la calavera
de su amante en las manos, y la Pasión de Cristo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/18/SantiagoCompostela-PortaPlaterias-bis.jpg" height="500" width="640" /></div>
<div style="text-align: center;">
<b><i><span style="font-family: Calibri, sans-serif; font-size: 12pt; line-height: 115%;">Portada de Platerías. </span></i></b><span style="font-family: Calibri, sans-serif; font-size: 12pt; line-height: 115%;">Catedral de Santiago de Compostela</span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">3.2. La plástica románica española en el siglo XII</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En el siglo XII se realiza <i>la portada de la iglesia del monasterio de Ripoll</i>, en la que la
decoración se distribuye en varios registros, aparecen estatuas-columnas en las
jambas, todo ello coronado por un Cristo en Majestad con los ancianos del <i>Apocalipsis. </i>Algunos historiadores sugieren
la posibilidad de que la influencia de esta influencia proceda de la miniatura.
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En Aragón encontramos la portada de <i>San Pedro el Viejo </i>de Huesca, en la que dos ángeles sostienen un
Crismón, y el claustro de <i>San Juan de la
Peña </i>en donde los capiteles se decoran con figuras de grandes ojos que se
ven inexorablemente sometidas a las dimensiones y a la forma del capitel.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En Navarra <i>la iglesia
de Sangüesa</i>, posee una portada decorada con una escena del Juicio Final
donde las figuras son bastante estilizadas, obra que estilísticamente nos habla
de la proximidad del Gótico.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En Castilla, los últimos coletazos del Románico están
representados por las portadas de <i>Carrión de los Condes </i>(Palencia) y <i>Santo Domingo </i>(Soria), en cuyo tímpano
aparece Dios Padre con el Niño Jesús en el regazo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f0/Santo_Domingo_de_Soria_1.JPG" height="428" width="640" /></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Portada de <b><i>Santo
Domingo. </i></b>Soria<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">3.3. La <i>Cámara Santa </i>de Oviedo y el <i>Pórtico de la Gloria</i></span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><i><br /></i></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una de las primeras obras que marcan la proximidad de la
plástica gótica es <b><i>la Cámara Santa </i></b>de la catedral de Oviedo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://nopuedonodebo.files.wordpress.com/2011/05/camara-sta-catedral-oviedo.jpg" height="422" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Interior de la <b><i>Cámara
Santa. </i></b>Catedral de Oviedo<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Es un espacio rectangular cubierto con bóveda de cañón
sustentada por doce estatuas-columnas de los apóstoles, dispuestas por parejas,
alzándose éstas sobre zócalos decordos con figuras animalísticas. Este espacio
fue creado para albergar reliquias, como si se tratase de una inmensa arqueta
relicaria. Aunque las figuras son notablement más estilizadas, continúan
estando embebidas en la columna y el naturalismo es aún un poco forzado. A
pesar de que algunas de ellas se miran entre sí no hay atisbos de relación ni
de expresión de los sentimientos. En una de las paredes se conservan los restos
de algo que pudo ser una Crucifixión.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://imgll.trivago.com/uploadimages/58/49/5849396_l.jpeg" height="640" width="480" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Interior de la <b><i>Cámara
Santa. </i></b>Catedral de Oviedo<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El Pórtico de la Gloria</span></i></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"> es un colosal tríptico que adorna los pies de la <i>Catedral de Santiago de Compostela</i>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://www.xn--espaaescultura-tnb.es/export/sites/cultura/multimedia/galerias/destinos_principales/catedral_santiago_t1500818.jpg_1306973099.jpg" height="352" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Maestro Mateo: <b><i>Pórtico
de la Gloria. </i></b>Catedral de Santiago de Compostela<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Fue realizado por el maestro Mateo a finales del siglo XII y
marca la transición escultórica en nuestro país del Románico al Gótico. El
maestro Mateo consiguió romper con la idea del artista itinerante que proliferó
en la Edad Media, puesto que se asentó en la ciudad de un modo más o menos
permanente.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Su filiación artística es dudosa: en él conviven elementos
profundamente franceses con otros de raigambre puramente hispánica. En el
tímpano aparece Cristo con los evangelistas, ángeles con símbolos de su Pasión,
los ancianos del Apocalipsis y, en el parteluz, la imagen de Santiago. También
hay temas del Antiguo Testamento, el árbol de Jessé (representación de la
genealogía u orígenes de Jesucristo), el Infierno, etcétera.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Las aportaciones estilísticas más significativas que nos
permiten hablar de la proximidad del Gótico son las siguientes:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
</div>
<ul>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">La
representación anatómica es bastante correcta y naturalista, de canon más
estilizado.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">Los
pliegues están más conseguidos. Son más voluminosos, menos geométricos y las
líneas son notablemente más suaves.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">Los
rostros adquieren un cierto poder expresivo, sonríen, dialogan; en definitiva,
existe una cierta comunicación.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">La
figura comienza a independizarse del marco arquitectónico, adquiere un volumen
que antes no tenía.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">Los
personajes se individualizan, no todos los rostros son iguales, cada uno tiene
su propia personalidad gracias a que la escultura se ha hecho más naturalista.</span></li>
</ul>
<div style="text-align: center;">
<img height="640" src="https://c1.staticflickr.com/5/4141/4888779825_6e0a15d5f8_z.jpg" width="426" /></div>
<!--[if !supportLists]--><br />
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Maestro Mateo: <b><i>El
apóstol Santiago. </i></b>Catedral de Santiago de Compostela<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="color: red; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="color: red; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">_ ¿Quién eres, Señor?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">_ Yo soy Santiago
Apóstol _contestó_, discípulo de Cristo, hijo del Zebedeo, hermano de Juan
evangelista, a quien con su inefable gracia se dignó a elegir el Señor, junto
al mar de Galilea, para predicar a los pueblos.<o:p></o:p></span></i></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Codex Calixtinus<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">3.4. La escultura exenta</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Además de la escultura que se desarrolla en los capiteles,
las portadas monumentales y los claustros, existe la escultura exenta. Suelen
estar realizadas en madera policromada y los temas más frecuentes son la Virgen
con el Niño y el Crucificado.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La Virgen </span></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">suele aparecer frontalmente sentada
en un trono y, sobre ella, el Niño Jesús, también en posición frontal, de tal
manera que es el único punto de vista que admiten estas esculturas. La
comunicación entre madre e hijo es absolutamente inexistente, la Virgen se
limita a ser trono de Dios.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En el Gótico comenzaremos a ver cómo de un modo progresivo,
el Niño y la Virgen se comunican y relacionan y es posible encontrar una
ternura de la que carecen las imágenes románicas. Uno de los ejemplos más
interesantes es <i>la Virgen con el Niño</i>
del siglo XII que se encuentra en el Museo Nacional de Arte de Cataluña.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Los Crucificados </span></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">no dan muestras de dolor, se limitan
a contemplar mayestáticamente al fiel desde una cruz de cuatro clavos, uno para
cada una de sus extremidades, mientras que en el Gótico los dos pies se unirán
con un solo clavo. Cristo ha triunfado sobre la muerte sin sufrimiento ni agonía,
sin rastro de dolor ni físico ni moral.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Por su hieratismo, majestuosidad y su manera de mirar
impasiblemente al espectador es posible establecer una clara conexión con el
Cristo bizantino. Puede aparecer o bien vestido con una túnica como <i>la Majestad Batlló</i> o con un paño de
pureza como <i>El descendimiento de San Juan
de las Abadesas</i>, obra de transición al Gótico.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">4. LA PINTURA ROMÁNICA EN ESPAÑA</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">4.1. Características generales</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Hoy son pocos los ejemplos que nos quedan de la pintura
románica española, a pesar de que la mayor parte de los edificios que se
construyeron durante los siglos de este estilo llevaban decoración pictórica. <b>Los temas </b>son siempre más o menos los
mismos que encontramos en las portadas arquitectónicas: el Pantocrátor, el
Tetramorfos, ángeles que muestran signos de la Pasión del Señor, la Virgen
entronizada, temas del Antiguo y Nuevo Testamento, escenas de mártires (éstas
sobre todo en frontales de altar), etc.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Antes de enfrentarnos a un análisis de los principales
ejemplos pictóricos del Románico español, señalaremos las principales
características de esta pintura teniendo en cuenta las particularidades de los
dos focos principales: el catalán y el castellano.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/fc/Pante%C3%B3nSanIsidoroLe%C3%B3n.jpg" height="440" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><i><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">San Mateo. </span></i></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Panteón Real de San Isidoro. León<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
</div>
<ul>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La técnica: </span></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">las representaciones que decoran los
edificios han sido realizadas con fresco de un modo no muy diferente al que se
utilizaba en el mundo romano. Se preparaba cuidadosamente la superficie
cubriéndola con un compuesto de cal grasa y arena gorda mezclado con agua, que
se raspaba una vez aplicado para eliminar las formaciones salinas. Encima se
extendía el enlucido que recibía directamente el color. Mientras el artista
trabajaba, la superficie debía estar bien húmeda o fresca. Este es precisamente
el origen del nombre de la técnica: fresco. En ocasiones, las pinturas al
fresco eran retocadas con temple, sobre todo los detalles, los aspectos que
exigían mayor minuciosidad: partes del rostro o los contornos de la figura. La
imagen se dibujaba en la pared mediante lo que se denominaba técnica del <b>estarcido</b>.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El dibujo: </span></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">las figuras se realizan con una línea
gruesa de trazo ancho de color generalmente negro que delimita bien las formas
y que contribuye a acentuar la sensación de planitud. Estamos ante un arte
tremendamente lineal.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El color: </span></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">es intenso pero poco variado. No se
emplean gradaciones tonales que pudiesen ayudar a construir la profundidad, a
lo sumo se recurre a dos tonos del mismo color. En la pintura catalana abundan
los azules y los verdes, que son al mismo tiempo los más difíciles de conseguir
y los que con más facilidad se deterioran, mientras que en la pintura
castellana hay mayor uso de colores cálidos y tonalidades terrosas.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La luz: </span></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">en la pintura del Románico no existe la
presencia de la luz que ayuda a construir las formas y sugerir la profundidad.
El hecho de que los espacios carezcan de referencias lumínicas concretas
refuerza la sensación de atemporalidad y, en consecuencia, alude a la
eternidad.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El fondo: </span></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">se busca la abstracción, la sensación
de irrealidad y no se pretende representar ningún lugar concreto. Es muy
frecuente encontrar fondos de bandas polícromas inspiradas en las ilustraciones
de los manuscritos del siglo X o bien fondos neutros y algún elemento vegetal
muy esquemático.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Disposición de las figuras: </span></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">el Pantocrátor o la Virgen ocupan los
lugares preponderantes de la composición, incluso se emplea el tamaño
jerárquico. Los apóstoles se yuxtaponen, existe la isocefalia (todas las
cabezas de los personajes a la misma altura), simetría, equilibrio y no
interesa en absoluto la profundidad.</span></li>
</ul>
<!--[if !supportLists]--><br />
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></b></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El estarcido<o:p></o:p></span></b></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Consiste en pasar una bolsita llena de polvo negro sobre un
papel con los contornos de la imagen que se quería pintar agujereados, colocado
directamente sobre el enlucido, repasándola más tarde con un pincel. De esta
manera se conseguía en la pared la silueta de la imagen que se quería pintar.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">4.2. La pintura románica catalana</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">A finales del siglo XI se hacen las pinturas de <i>San Quirze de Pedret</i>, una de las más
antiguas que conservamos. Su temática es apocalíptica: el Cordero, el
Pantocrátor, el candelabro de siete brazos, el altar con las ánimas y en los
laterales, la parábola de las vírgenes necias y las prudentes, así como algún
que otro tema pagano.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Sin lugar a dudas la obra más impresionante de la pintura de
esta área es <i>San Clemente de Tahull</i>,
una pequeña iglesia en el valle del Bohí, posiblemente contemporánea a <i>Santa María</i>, situada en el mismo lugar.
No podemos ser tajantes en la afirmación de que el maestro que pintó en esta
zona era de origen italiano, lo que sí es cierto es que poseía una tremenda
personalidad y que ha dejado, con estas obras, su impronta en la Historia de la
Pintura. El Pantocrátor de <i>San Clemente </i>con
una mano bendice y con la otra sujeta un libro en que podemos leer: “Ego sum
lux mundi” (Yo soy la lux del mundo), rodeado por dos ángeles, debajo de Él, el
Tetramorfos y, finalmente, los apóstoles alrededor de la Virgen que lleva en su
mano una copa. Este apostolado está bajo unas arcuaciones un tanto incorrectas,
lo que ha hecho pensar en la posibilidad de que aquí trabajasen dos maestros
diferentes.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/ed/Meister_aus_Tahull_001.jpg" height="640" width="566" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Decoración mural del ábside
de <b><i>San
Clemente de Tahull. </i></b>Museo Nacional de Arte de Cataluña. Barcelona<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En <i>Santa María de
Tahull</i>, la Virgen es trono de Dios rodeada por un halo de divinidad, la <i>mandorla</i>, al tiempo que está siendo
adorada por los Reyes Magos. El fondo se construye a base de bandas polícromas.
En esta misma iglesia se pintó a David y Goliat. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">4.3. La pintura románica en Castilla y León</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En esta zona la pintura tiene elementos que la diferencian de
la pintura catalana. Los artistas en Castilla prefieren los colores cálidos y
amplían la variedad temática que se enriquece notablemente con la mayor capacidad
narrativa que éstos tienen, incluso en algún caso se intentará,
infructuosamente, plasmar el movimiento. Hay alusiones al paisaje a través de
la inclusión de árboles muy esquemáticos y pobres edificios.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">San Baudelio de
Berlanga</span></i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">, en la
provincia de Soria, tiene pinturas que corresponden al momento en que se
construyó, al siglo X, y otras al período románico. Los temas que aparecen son
cinegéticos, es decir, escenas de caza: cacería de liebres, del ciervo, un
soldado o montero, un elefante que carga sobre su lomo un edificio, etc. No
está muy claro el significado de estos temas, es posible que tengan un sentido
religioso puesto que en el arte paleocristiano ya se empleaban temas de cacería
para aludir a Cristo como cazador de almas o, en el caso del elefante, puede
que simbolice a Cristo que acarrea sobre sus hombros todo el peso de la
Iglesia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://www.tierracomunera.org/imagftp/San%20Baudelio1.jpg" height="328" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Decoración mural de <b><i>San
Baudelio de Berlanga. </i></b>Museo del Prado. Madrid<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El Panteón de San
Isidoro </span></i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">de León es
la obra más completa de la pintura románica española. Se encuentra además en un
excelente estado de conservación. La gama cromática es más bien terrosa: rojo,
amarillo, gris, ocre, negro para los contornos y blanco para el fondo. Hoy no
sabemos por qué la mayor parte de los temas han sido sacados del ciclo de la
Natividad. Se cree que el rey Fernando I murió por aquellas fechas y por ello
se eligió esta temática.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgStf10GO3gf8bDPzfuhB-njFSd07YmfsnSzkvNzI14dCu_s5iwkXgHE3Ziymhqms9U0AY6fvjY4Hy5xO-hwjFWXi2j83d-c67iVfiegt1Waf9Fgo2p-vJFVuxEqP4ipXQ6uIkkZVXywFg/s640/pantocrator.jpg" width="574" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Pantocrátor del <b><i>Panteón
Real de San Isidoro. </i></b>León<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El Panteón </span></i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">es una obra amable, que carece del
aspecto sobrecogedor de las pinturas catalanas, y en particular, de <i>San Clemente de Tahull</i>, algo más
naturalista, fresca, espontánea, con un claro gusto por lo popular, menos
rígida y más cercana.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En el Museo del Prado se conservan las pinturas de la <i>Veracruz de Maderuelo</i> (Segovia),
instaladas en forma de capilla y respetando el orden original. Es una obra
vigorosa, de colores brillantes y bastante antinaturalista como muestra la
escena del pecado original y la expulsión del Paraíso, en las que los cuerpos
desnudos de Adán y Eva se resuelven esquemáticamente. Adán se lleva la mano a
la garganta en señal de que ya ha comido de la fruta prohibida que le ha
ofrecido Eva.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/maderuelo.jpg" height="410" width="640" /></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Decoración de la <b><i>ermita
de la Veracruz de Maderuelo. </i></b>Museo del Prado. Madrid<b style="color: red;"><i> </i></b><span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">4.4. La pintura sobre tabla</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En nuestros museos e iglesias se conserva un buen número de <b>frontales </b>románicos que se empleaban
para ser colocados delante de la mesa de altar. En estas obras es fácil
percibir la influencia bizantina, que irrumpe en España con especial fuerza a
partir del año 1200.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Para su realización se utilizaba madera recubierta de varias
capas de yeso que se pintaban al temple con ricos y brillantes colores. Su uso
se generalizó a partir del siglo XII, en que se fecha uno de los más
importantes: <i>el de la Seo de Urgell</i>,
en que aparece Cristo en majestad rodeado de dos grupos de apóstoles,
dispuestos piramidalmente, que le están siendo presentados por san Pedro y por
san Pablo. <i>El Frontal de Avià </i>es algo
más tardío y, quizá, marca la transición al Gótico por su mayor capacidad
narrativa: la Virgen entronizada con el Niño que se gira para mirar a los reyes
que están en uno de los custro recuadros que rodean la escena principal. En los
otros se representan la Anunciación, la Natividad y la Presentación.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img height="384" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjeY5dxAwHev9of0oUZ8hEhkb93NrIBURfzKERnt6ihMgK6dT4PiLL1c5Mmghskj9tzNxADcrXqmwiiyuVMgOfYETZ_g-In6XShBUGJ0jlkII7t9dJMTi3c_s2YEJMJ462-R8IMHiKtd0pi/s640/avia1.jpg" width="640" /></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><i><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Frontal de Avià. </span></i></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Museo Nacional de Arte de
Cataluña. Barcelona<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">5. LAS ARTES SUNTUARIAS</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Tradicionalmente han sido minusvaloradas y olvidadas pero en
el Románico y en toda la Edad Media son de una enorme calidad e importancia, equiparables
en su valor a las “grandes” manifestaciones artísticas: arquitectura, pintura y
escultura.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoListParagraph" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
</div>
<ul>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Miniatura: </span></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">sigue vigente la tradición de
iluminar los textos, verdaderamente esplendorosa en nuestro país en el siglo X,
y a ella se suman las aportaciones procedentes de otros países europeos.</span></li>
</ul>
<!--[if !supportLists]--><br />
<div class="MsoListParagraph" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoListParagraph" style="text-align: center; text-indent: -18pt;">
<img src="http://images.moleiro.com/noback/portada-moleiro.com-LTestamentos-4c7d16e41b329.jpg" height="352" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><i><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Libro de los Testamentos. </span></i></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Catedral de Oviedo<b style="color: red;"><i> </i></b><span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoListParagraph" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
</div>
<ul>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Tejidos: </span></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">en la Catedral de Girona se conserva <i>el Tapiz de la Creación</i>, de riquísima
iconografía y, desgraciadamente, incompleto. En él se aborda, como su propio
nombre indica, el tema de la Creación: en el centro la imagen de –Jesucristo
imberbe, tal y como aparecía en algunos ejemplos paleocristianos y la historia
de la cruz. En este tapiz encontramos muestras fehacientes de que la tradición
clásica pervive en el mundo medieval. En los ángulos, los vientos se
representan como imágenes antropomórficas (con forma de hombre) del mismo modo
que se hacía en el arte clásico.</span></li>
</ul>
<div style="text-align: center;">
<img height="504" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvgfdW7xs_MUHIEwKDlIIc1CfugToSoZPAWpUmSbGdhjgUNhBTb_0K7NFcZkGpx-Y6jMOnOLKNRzY5ZWvN0HCX3zgxJ44RBN55eZTHpUwrlpuPMZqic8Qnk_25nh_xIWlWRzbqzjOsKX8/s640/tapis-card%C3%BAs3.jpg" width="640" /></div>
<!--[if !supportLists]--><br />
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><i><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Tapiz de la Creación. </span></i></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Catedral de Girona<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
</div>
<ul>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Marfiles: </span></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">se conservan de este período un buen
número de arquetas relicarias de este material prodigiosamente trabajadas, como
<i>la</i> <i>de las Bienaventuranzas</i>, Cristos como <i>el de Doña Sancha y Fernando I </i>o <i>el de Carrizo</i>.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Orfebrería: </span></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">la importancia de la luz en el
pensamiento y la estética medieval dieron pie a la realización de un ingente
número de piezas de oro o revestidas con él. El oro es un material que produce
destellos luminosos y la luz es signo de Cristo (“Yo soy la luz del mundo”) y
lo suficientemente digno y rico para contener su cuerpo y sangre.
Interesantísimo es <i>el Cáliz de las Ágatas</i>,
mandado realizar por doña Urraca aprovechando dos copas de ágata de origen
romano y varios camafeos de la misma procedencia. <i>El Arca de San Isidoro</i> con relieves que nos recuerdan <i>las puertas de San Miguel de Hildesheim</i>,
es otra obra relevante de la orfebrería románica.</span></li>
</ul>
<div style="text-align: center;">
<img src="http://static.wixstatic.com/media/96a189_bfe1aa9fe013427ebfccf325e8dbd5d5.jpg" height="640" width="408" /></div>
<!--[if !supportLists]--><br />
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><i><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Cáliz de doña Urraca </span></i></b><i><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">o <b>de las Ágatas. </b></span></i><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Museo de San Isidoro. León<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://www.preguntasantoral.es/wp-content/uploads/2011/03/Antigua-urna-Colegiata-de-San-Isidoro-Le%C3%B3n.jpg" height="422" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><i><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Arca de San Isidoro. </span></i></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Museo de San Isidoro. León<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoListParagraph" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
</div>
<ul>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Esmaltes: </span></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">procedentes en la mayor parte de los
casos de Limoges, región de Francia conocida por ser un enclave importante en
las vías de peregrinación. El más conocido en nuestro país es <i>el Frontal de Santo Domingo de Silos</i>.</span></li>
</ul>
<!--[if !supportLists]--><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Existe una gran relación entre las diferentes artes y las
artes suntuarias, puesto que a través de estos objetos, generalmente de pequeño
tamaño y fácilmente transportables, se conocían novedades estilísticas y
temáticas procedentes de lejanos lugares.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El libro de los
Testamentos<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El libro de los Testamentos de la catedral de Oviedo es uno
de los más importantes de este momento y se debe poner en relación con el <i>Arca Santa </i>de la misma catedral por los
claros paralelismos iconográficos que presenta.<o:p></o:p></span></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">Pintura y escultura en el Románico</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Las pinturas y los
ornamentos que están en la iglesia son las lecturas y las escrituras de los
laicos, “una cosa es adorar las pinturas, otra cosa es aprender, a través de la
historia, lo que representan, lo que se debe adorar”, decía Gregorio, pues la
escritura lo muestra a quienes la leen; la pintura enseña a los ignorantes que
la miran para que sin instrucciones ellos vean lo que deben seguir y leer en
estas pinturas, lo que no conocen por las letras. Los caldeos adoran el fuego y
obligan a otros a hacer lo mismo, quemando sus ídolos. Los sarracenos, animados
por estas palabras, “Tú no harás la imagen de todas las cosas que están en el
cielo o sobre la tierra, o en las aguas o bajo la tierra”.<o:p></o:p></span></i></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="text-align: right;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">(GUILLERMO DURANDO, <i>Manual de los oficios divinos, </i>hacia 1286)<o:p></o:p></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">A FONDO</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">EL CRUCIFIJO DE FERNANDO I Y DOÑA SANCHA</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Es una de las obras más interesantes de la eboraria española,
donada por los reyes en el año 1063 como testifica una carta-testamento del
mismo año, en la que se incluían varias piezas que actualmente se conservan en el
Museo Arqueológico Nacional y en el Museo la Colegiata de San Isidoro de León.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La obra fue ideada para ser una estauroteca (lugar en que se
guarda un fragmento del <i>lignum crucis </i>o
cruz de Cristo) como han demostrado las restauraciones a las que ha sido sometida.
Gracias a ellas se halló una pequeña cavidad en la espalda de Cristo donde se
supone que iba el citado fragmento.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La cruz se ajusta a la tipología de Cristo románico de cuatro
clavos que triunfa sobre la muerte, es decir, sin muestras de sufrimiento en su
cuerpo;<i> </i>en los ojos se conservan las
incrustaciones que brillan dándole un halo de vida muy especial. La presencia
de incrustaciones en los ojos de algunas imágenes debía de ser bastante
frecuente aunque no en todos los casos se ha conservado.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El faldellín se resuelve a base de líneas rectas que
enfatizan la sensación de estatismo. A sus pies vemos a Adán en la tumba de la
que, según la leyenda, salió el árbol con el que se hizo la Cruz de Cristo.
Esto acentúa la importancia de su muerte como mecanismo de redención del Pecado
Original. En la parte superior encontramos a Cristo ya resucitado con una
inscripción en la que se lee: “Jesucristo nazareno rey de los judíos”.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La superficie de la cruz está decorada con pequeñas figuras
de individuos que salen de la tumba, entrelazándose hasta formar una maraña en
la que es verdaderamente difícil discernir las partes que la integran. En la
base, una inscripción deja suficientemente claro que esta obra fue mandada
realizar por el rey Fernando I y su esposa doña Sancha: <b>“</b>FREDINANDUS REX/ SANCIA REGINA”, lo que, además de reforzar el
carácter de donación de esta pieza, subraya la idea de posesión.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En el reverso aparece el Cordero apocalíptico y en torno a él
los animales que simbolizan a los cuatro evangelistas: el león, el águila, el
toro y el hombre. La decoración, en este caso, es de formas vegetales y
animalísticas que plagan la superficie llegando al <i>horror vacui</i>. Estos temas han podido sacarse de los tejidos, de
trabajos de marfil musulmanes e incluso de las miniaturas inglesas y francesas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En la parte inferior tiene un pequeño aplique que,
posiblemente, pudo servir para colocar la cruz a la cabeza del rey Fernando I
una vez que éste murió.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Estamos ante una obra preciosista, de gran virtuosismo técnico
que ha permitido plantear la posibilidad de que en la ciudad de León existiese
una escuela de eboraria similar a la que se estableció en torno a <i>San Millán de la Cogolla</i>. De este
momento conservamos un gran número de piezas, pero desgraciadamente debieron de
existir muchas más que se han perdido (hecho que conocemos gracias a los textos
de la época).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Esta obra es de gran interés para seguir la evolución de
otras piezas del mismo material realizadas con una técnica parecida, como <i>el Cristo de Carrizo</i> que se conserva en
el Museo Arqueológico de León cuya cruz se ha perdido. Aunque su calidad es
elevada no llega a la altura del <i>Cristo
de doña Sancha y Fernando I</i>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En Oviedo existe otro muy similar sobre una cruz metálica: <i>el Cristo Nicodemus</i>, más tosco y
rudimentario que el primero aunque, al igual que <i>el de Carrizo</i>, haya sido realizado un siglo más tarde.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/ae/Cristo_de_don_Fernando_y_do%C3%B1a_Sancha_(anverso).jpg" height="640" width="449" /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
GreenCutieEyeshttp://www.blogger.com/profile/06484694646910992828noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-564536844712814218.post-77548868406683471272014-09-12T06:03:00.000-07:002015-08-11T06:11:01.449-07:00El Románico en Europa<div style="text-align: center;">
<b style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Con el antecedente
inmediato de la arquitectura carolingia, durante el siglo X comienza a
vislumbrarse en Europa una nueva forma estética que alcanzará su esplendor
durante los siglos XI y XII y que es considerada la primera manifestación
artística de carácter internacional: el Románico.</span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En esta época la
arquitectura resulta ser la gran aglutinadora del resto de artes plásticas
(pintura, escultura…), pues éstas, necesariamente, deben supeditarse al marco
arquitectónico en que se ubican.<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El Románico es un arte
eminentemente arquitectónico y religioso. En esta época en la que la Iglesia se
reordena, se homogeniza y alcanza un grado de consolidación del que antes no
había gozado. Esto último se debió, en gran medida, a la reforma de la orden
benedictina que se llevó a cabo desde Cluny y que se extendió a una velocidad
asombrosa por gran parte de países europeos, contribuyendo a dar uniformidad,
entre otras cosas, a las expresiones artísticas. Focillon afirmó, con bastante
acierto, que el Románico era la primera definición de Occidente.<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"> </span></b><img height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6KHQ-Tsyo_k487w4bgBEWnEjkD3RMEkPIhxOrn8rUPar6uKzDcpW0kctBCa8u3HbJD85RchHo_eE0buGwPu2yzRd70VY0dU3HG8_v-qjGT3EpsTII3N-tDDUyAosnFFAxPY03BWjIgWs/s640/m5-99.jpg" width="640" /></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Capitel del claustro de <b><i>San
Pedro de Moissac<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></i></b></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><b><i><br /></i></b></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><b><i><br /></i></b></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><b><i><br /></i></b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">1. ALGUNOS ASPECTOS SOBRE EL ARTE ROMÁNICO</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El término Románico es introducido por de Gerville en 1818,
para poner de relieve el carácter “romance” de la arquitectura de los siglos XI
y XII frente a la arquitectura gótica, de carácter “germánico”. También hay
quien afirma que la denominación de Románico procede de la posibilidad de que
éste fuese considerado _aún hoy algunos autores plantean esta posibilidad_ una
derivación del arte romano.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El Románico supone, ante todo, la culminación o <b>síntesis </b>de una serie de corrientes
artísticas anteriores. En él se amalgaman el arte romano, islámico, bizantino y
bárbaro dando lugar al primer estilo unitario que, desde Francia, se va
extendiendo por muchos otros países europeos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Existe una serie de aspectos esenciales sin los cuales nos
resultaría muy difícil entender las manifestaciones artísticas que marcan el
nacimiento del arte Románico:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraph" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
</div>
<ul>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;">
</span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El terror del año 1000</span></b></li>
</ul>
<!--[if !supportLists]--><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La inquietud por la llegada del fin del mundo sigue pesando
sobre la sociedad e impulsa la construcción de infinidad de edificios
religiosos, primero con la finalidad de expiar los pecados y purificar el
espíritu y después para agradecer a Dios su bondad, una vez que había pasado la
tan temida fecha y se había comprobado que nada de lo que anunciaban los textos
apocalípticos había tenido lugar.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraph" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
</div>
<ul>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;">
</span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Las peregrinaciones</span></b></li>
</ul>
<!--[if !supportLists]--><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Roma, Jerusalén y Santiago de Compostela son los tres lugares
a los que los fieles acuden en masa para visitar las reliquias que se albergan
en templos construidos expresamente para este fin. Además de los tres citados
anteriormente, existen otros lugares muy visitados como <i>Saint Sernin </i>(San Saturnino) <i>de
Toulouse</i>, <i>San Marcial de Limoges</i>,
<i>Santa Fe de Conques </i>o <i>la Cámara Santa de la catedral de Oviedo</i>.
Necesariamente, las rutas que conducen a estos lugares se habrán de convertir
en importantes vías de intercambio, no sólo económico, sino también artístico y
cultural.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraph" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
</div>
<ul>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;">
</span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Las Cruzadas</span></b></li>
</ul>
<!--[if !supportLists]--><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Comienzan en el siglo XI para desempeñar dos importantes
papeles. En primer lugar el de reconquistar los Santos Lugares y más tarde el
de garantizar la seguridad de los peregrinos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En Tierra Santa y durante casi doscientos años, se producirán
constantes enfrentamientos entre cristianos y musulmanes _que acaban alzándose
con la victoria en 1187_ al considerarse, estos últimos, dueños legítimos de
los territorios en litigio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">A esto se han de sumar algunos conflictos que tenían lugar en
el interior de las iglesias ante el gran número de visitantes que acudían con
el fin de venerar las reliquias. Así nos lo confirma el siguiente texto de
Bernardo, maestrescuela de Angers, acerca de la venerada tuba de san Marcial: <i>En medio de la Cuaresma, durante las
vigilias de la noche, una gran multitud de gente entró en el santuario y se
apretó alrededor de la tumba del santo. Más de cincuenta hombres y mujeres se
pisotearon unos a otros y murieron en el interior de la iglesia. Fueron
enterrados al día siguiente.<o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoListParagraph" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
</div>
<ul>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;">
</span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Los patrocinadores o comitentes del
Románico</span></b></li>
</ul>
<!--[if !supportLists]--><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Las órdenes monásticas, de modo muy especial la orden de
Cluny, así como la monarquía y la nobleza, serán los promotores de la mayoría
de las manifestaciones artísticas. Se genera una gran solidaridad entre los
monjes y los aristócratas, puesto que muchos de ellos encuentran en los
monasterios un lugar adecuado para su formación, al ser éstos los lugares en
que se concentraba todo el saber y el pensamiento del mundo clásico.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraph" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
</div>
<ul>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;">
</span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Los artistas</span></b></li>
</ul>
<!--[if !supportLists]--><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Se agrupaban en cuadrillas volantes que, para atender a sus
encargos, deben moverse de país en país con sorprendente rapidez. Así, el
artista románico se convierte en un efectivo transmisor de las formas
artísticas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://viajerosinmaleta.files.wordpress.com/2011/07/bayeux_caballos__49cb64ddec12c.gif" height="242" width="640" /></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><i><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Tapiz de Bayeux. </span></i></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Batalla entre normandos y
sajones. Museo de la Reina Matilde. Bayeux<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">2. LA ARQUITECTURA ROMÁNICA</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">2.1. Características generales</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Apenas vamos a encontrar en la arquitectura románica
novedades constructivas. Los elementos que se emplean existen ya en el arte
romano, bizantino, islámico y bárbaro; la novedad estriba en la manera en que todos
estos elementos se fusionan para permitir la aparición de un nuevo estilo.
Debemos advertir que el románico va a adoptar muchas formas dependiendo, no
sólo del país que se estudie, sino también de la región, siendo de esta manera
un estilo de gran riqueza y variedad. Para ello es importante que acometamos
con reservas el estudio de las características generales de la arquitectura que
se exponen:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoListParagraph" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
</div>
<ul>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Las plantas </span></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">de los edificios románicos suelen
tener forma de cruz latina de tres o cinco naves con un <b>crucero </b>bastante pronunciado que, a su vez, podía estar dividido en
otras tres naves. En la cabecera aparecen pequeñas capillas radiales que
reciben la denominación de <b>absidiolos</b>
y que servían para que se desarrollasen otras liturgias sin interrumpir el
culto que tenía lugar en la central. En el punto en que se cruza la nave
central con el crucero se coloca <b>el
cimborrio</b> con forma de torre, que tiene la función de remarcar en altura
este espacio que antecede al altar.</span></li>
</ul>
<!--[if !supportLists]--><br />
<div class="MsoListParagraph" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoListParagraph" style="text-align: center; text-indent: -18pt;">
<img src="http://www.monestirs.cat/monst/annex/fran/borg/vezel/vezel30.jpg" height="426" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Cabecera de la <b><i>Basílica
de Santa Magdalena de Vézelay. </i></b>Borgoña<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
</div>
<ul>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">A
los pies de la iglesia podían aparecer unas <b>torres</b> que son una reminiscencia del <i>westwerk</i> carolingio y que no en todos los casos se conservan.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">En
las <b>iglesias de peregrinación </b>aparece
un elemento muy novedoso que se mantendrá durante el Gótico: <b>la girola</b> o <b>deambulatorio</b>. Se forma al unirse las naves laterales por detrás de
la central, creando tras la cabecera un espacio transitable, que tenía la
finalidad de permitir el movimiento de los peregrinos sin interrumpir el culto
que se desarrollaba en la nave central.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El material </span></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">constructivo esencial es la piedra
cortada en sillares regulares. Los muros se rellenan con materiales de menor
calidad como el ripio, pequeñas piedras que ayudan a que los muros asienten
bien.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">Los
espacios se cubren con <b>bóvedas de cañón </b>reforzadas
con <b>arcos fajones</b> que permiten su
segmentación en varios tramos. En el exterior, los arcos fajones se
corresponden con los <b>contrafuertes</b>,
conteniéndose así los empujes laterales de la pesada cubierta pétrea. Este
elemento aparece ya en el prerrománico asturiano, en edificios como <i>Santa María del Naranco</i>. Además se
recurre a los <b>arcos formeros</b>,
paralelos al eje longitudinal de la nave. Para los espacios cuadrados se
empleaba la <b>bóveda de arista</b> formada
por la intersección de dos bóvedas de cañón. La zona del ábside se cubre con <b>bóveda de cuarto de esfera </b>o <b>de horno</b>.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El arco </span></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">característico de este estilo es <b>de medio punto</b> que también puede
aparecer doblado, es decir, uno mayor cobijando a otro de menores dimensiones,
o peraltado.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">El
elemento sustentante por excelencia es el <b>pilar
de sección circular </b>o <b>cruciforme</b>,
al que se adosan columnillas denominadas <b>baquetones</b>.
Su incorporación al espacio arquitectónico se hace imprescindible para sujetar
las pesadísimas cubiertas pétreas.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La decoración </span></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">del edificio es otro elemento de gran
importancia donde abundan los motivos geométricos: ajedrezado, rollos, puntas
de sierra, zigzag, bolas, clavos, etc.</span></li>
</ul>
<!--[if !supportLists]--><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Durante los siglos de preeminencia del Románico las tipologías
constructivas más interesantes que se realizaron son las iglesias y los
monasterios. <b>Las iglesias </b>son de
planta de cruz latina de una o tres naves, dependiendo de las necesidades y la
riqueza de la misma. Excepcionalmente, se encuentran edificaciones con cinco
naves. El edificio románico presenta grandes problemas de iluminación; la
dificultad en abrir vanos a través de unos muros extraordinariamente gruesos
intenta solventarse haciendo la nave central más ancha y elevada que las
laterales, espacio que se aprovecha para ubicar las ventanas. La <b>poca luz </b>que tienen estas iglesias
entra por escasos vanos fuertemente abocinados (más anchos en el exterior que
en el interior) y se concentra en puntos concretos, creando un clima muy
propicio para la oración y el recogimiento.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Los monasterios </span></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">se construían lejos de los núcleos
urbanos manteniendo, en muchos casos, el esquema del monasterio carolingio de <i>Saint-Gall</i>. Los cluniacenses, que
desempeñarán un papel fundamental en la difusión del Románico dada la
importancia que adquirieron en toda Europa, va a ser la que establezca un
modelo de monasterio de validez casi universal. La abadía originaria de <i>Cluny</i> es conocida gracias a las
investigaciones y reconstrucciones que ha realizado, entre otros, Conant. Sabemos
que constaba de una sala capitular, locutorio, dormitorio en el primer piso con
noventa y siete ventanas, una para cada monje, refectorio, cocina, bodega, enfermería,
hospedería, baños turcos, iglesia, el claustro _con funciones de oratorio y
paseo_, y la huerta. El monasterio es un universo aislado y autosuficiente que
contaba con una fuente de ingresos excepcional: la generosidad de los nobles y
de los peregrinos que los visitaban.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Arco fajón<o:p></o:p></span></b></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Se emplea este término para designar a aquellos arcos que se
disponen transversalmente a lo largo de la bóveda de cañón con el fin de
reforzarla. También reciben la denominación de perpiaños.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">2.2. Arquitectura románica francesa</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En Francia, cuna de la arquitectura románica, encontramos una
gran variedad regional y, por lo tanto, resulta bastante complejo enunciar unas
características generales válidas para toda la arquitectura románica francesa.
Por esta razón nos ocuparemos del estudio del Románico francés analizando las
particularidades de cada una de las regiones en que se desarrolló de forma más
brillante.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Borgoña: </span></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">durante el siglo XI se construyen
importantes edificios en esta zona. <i>La
Magdalena de Vézelay</i> es uno de los ejemplos importantes que sí conservamos.
Es un edificio de grandes dimensiones destinado a albergar un importante número
de pergrinos. Carente de triforio, la nave central se cubre con bóvedas de
arista separadas por arcos fajones, en los que las dovelas alternan el rojo y
el blanco. La policromía es un elemento que también tendrá mucha importancia en
los edificios italianos. <i>San Lázaro de
Autun </i>fue primero un templo destinado a custodiar las reliquias de este
santo y más tarde alcanzó el grado de catedral.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Normandía: </span></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">es un foco artístico de sumo interés.
Las construcciones normandas se caracterizan por exhibir formas geométricas
puras, poco decoradas, con dos torres en la fachada y los sillares
correctamente escuadrados y aparejados. En el interior se cubrían con madera
que más tarde sería sustituida por piedra. El principal exponente de esta zona
es <i>la Catedral de Caen</i>. Una vez que
los normandos conquisten Inglaterra, el Románico normando desempeñará un papel
fundamental en el desarrollo del Románico y del Gótico inglés.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Provenza: </span></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">en esta región la arquitectura no
presenta grandes novedades desde el punto de vista técnico y formal. Son
edificios de gran simplicidad influidos por el arte romano. Uno de los ejemplos
más significativos es <i>Saint Gilles de Gard</i>,
en una de las etapas del Camino de Santiago. La portada de esta iglesia llama
la atención por organizarse como si se tratase de un arco de triunfo romano.
Otra importante obra de la región es <i>San
Trófimo de Arlés</i>, que como la anterior presenta grandes similitudes con los
arcos triunfales latinos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://web.educastur.princast.es/proyectos/jimena/pj_leontinaai/arte/webimarte2/WEBIMAG/ROMANICO/imagenes/trofarext.jpg" height="640" width="528" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><i><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Fachada de San Trófimo. </span></i></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Arlés<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Auvernia: </span></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">en esta zona se encuentra el viejo
monasterio carolingio de <i>Santa Fe de
Conques</i>, que más tarde se transformaría en iglesia para albergar las
reliquias de santa Fe, siguiendo el modelo de templo de peregrinación que
analizaremos con detenimiento al hablar de <i>Santiago
de Compostela</i>. En la misma región se levanta <i>Saint-Sernin de Toulouse</i>, asimismo dentro del esquema de iglesia de
peregrinación.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Poitou: </span></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">la peculiaridad en esta zona es que
los edificios tienden a igualar en altura la nave central con las laterales
como sucede en <i>Nuestra Señora de Poitiers</i>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Perigord: </span></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">las iglesias de esta región
constituyen un grupo homogéneo de edificios que emplea cúpulas dispuestas a lo
largo de los tramos de la nave central. La iglesia de <i>Saint Front del Périgueux</i> sigue el modelo de <i>San Marcos </i>de Venecia. La planta es cruciforme y en ella se puede
observar una cúpula en cada brazo de la misma. Tanto en Poitou como en el
Perigord, se mantienen elementos constructivos del mundo bizantino y se emplean
cúpulas recubiertas de escamas que constituirán un notable influjo sobre la
arquitectura española de finales del siglo XII.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">San Lázaro de Autun<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Fue consagrada en el año 1130 y terminada definitivamente en
1146. Se trata<b> </b>de una obra de gran
belleza debido a sus esbeltas proporciones. Su portada, realizada por el
maestro Gislebertus, guarda una estrecha relación estilística con la de
Vézelay.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Las columnas que
sostienen la</span></i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"> <i>casa son los obispos, sobre los que se apoya
la estructura de la Iglesia, merced a sus vidas, columnas que, a causa de su
sonoridad argéntea, se dice que hablan tan divinos, como el Cantar de los
Cantares.<o:p></o:p></i></span></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Sicardo de Cremona <o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">2.3. Arquitectura románica italiana</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Italia es, en estos momentos, un territorio fraccionado en
diversas realidades políticas que se encuentra condicionado por dos aspectos;
por un lado, el peso de la tradición del mundo clásico y por otro, el
conocimiento de la cultura bizantina. Para su estudio, la dividiremos en tres
áreas diferentes.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Norte: </span></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">la arquitectura de esta área se
caracteriza por recoger la tradición paleocristiana de cubierta abovedada sobre
pilares. Los muros se decoran con arquillos ciegos y bandas verticales
denominados arcos y bandas lombardas, que se disponen en la superficie del
muro. El edificio más significativo es <i>San
Ambrosio de Milán</i>, aunque también merecen destacarse <i>San Abundio de Como </i>o <i>San
Zenón de Verona</i>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://www.arteguias.com/imagenes5/sanabundiocomo.jpg" height="584" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><i><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Iglesia de San Abundio. </span></i></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Como<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Centro: </span></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">proliferan las tipologías sencillas
en que lo decorativo desempeña un papel preponderante. El conjunto más
importante es el de <i>la Catedral de Pisa </i>_célebre
no sólo por la torre inclinada_, en la que el baptisterio, la torre y la
iglesia aparecen separados como sucedía en Rávena. Fue proyectada por el
maestro Boschetto. <i>San Miniato al Monte</i>,
en Florencia, está revestido con mármoles de diferentes colores dispuestos
geométricamente.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Sur: </span></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">en esta zona sobresale la
arquitectura siciliana, crisol cultural en el que se funden lo clásico, lo
islámico, lo bizantino y lo normando. En <i>Monreale</i>
se unen las columnas, arcuaciones, el transepto y la fachada de la arquitectura
europea, con los arcos entrecruzados del arte islámico y los mosaicos del
bizantino. Además de esta debemos citar <i>la
Catedral de Cefalú</i> y <i>la Capilla
Palatina de Palermo</i>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://farm4.static.flickr.com/3279/2564299477_2b02a1d123.jpg" height="480" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Interior de la <b><i>Catedral
de Cefalú. </i></b>Sicilia<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="color: red; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La capilla Palatina de
Palermo<o:p></o:p></span></b></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Fue realizada por Ruggero II
y es el oratorio del Palacio de los Normandos. Se trata de una estructura de planta
basilical con tres naves separadas por columnas que sustentan arcos de
herradura de clara reminiscencia islámica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">2.4. Arquitectura románica alemana</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Tanto en Alemania como en Suiza pervive el esquema
constructivo de los Otones, grandioso y monumental. Las características
generales de la arquitectura germana son las siguientes:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
</div>
<ul>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">Las
<b>cubiertas </b>de la nave central, de
madera en las primeras construcciones románicas, evoluciona de forma paulatina
hacia la piedra. Se prefiere la <b>bóveda </b>de
arista a la de cañón, lo que ocasiona la creación de espacios muy fragmentados.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">Es
frecuente encontrar dos <b>ábsides</b>
contrapuestos con sus correspondientes estructuras torreadas. Esta estructura
evolucionará dando origen a complejas soluciones arquitectónicas. Esto hunde
sus raíces en el uso del <i>westwerk</i>,
del que ya hemos tenido oportunidad de hablar en el apartado correspondiente a
la arquitectura prerrománica.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">Las
<b>naves </b>suelen ser muy elevadas y el
crucero doble. Los <b>capiteles </b>muchas
veces son cúbicos, muy macizos y están escasamente ornamentados.</span></li>
</ul>
<!--[if !supportLists]--><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Aunque se inician en el siglo XI, las grandes catedrales
románicas alemanas de <i>Worms, Spira </i>y <i>Maguncia</i> son remodeladas según los
gustos estéticos del XII. <i>San Miguel de
Hildesheim</i> es uno de los edificios que algunos autores consideran prerrománicos,
mientras que otros los engloban dentro ya de la arquitectura románica alemana.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/2c/StMichael_Hildesheim.jpg/400px-StMichael_Hildesheim.jpg" height="328" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Exterior de <b><i>San
Miguel de Hildesheim<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></i></b></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><b><i><br /></i></b></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/59/St_Michael_Hildesheim_Mittelschiff.jpg" height="426" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Interior de <b><i>San
Miguel de Hildesheim<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></i></b></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><b><i><br /></i></b></span></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El esplendor y la expansión territorial alcanzados por el
país durante el reinado de los Hohenstaufen, permitieron entrar en contacto con
el arte del norte de Italia y con el borgoñón, estilos que se unen a lo
carolingio y otoniano. Alemania extendió su influencia a Hungría y a otros
países centroeuropeos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">2.5. Arquitectura románica inglesa</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Al analizar el románico inglés, resulta primordial no obviar
un elemento que influye, de manera determinante, en la peculiaridad de su
arquitectura: desde 1066 es territorio normando. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
</div>
<ul>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;">
</span></span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">En
Inglaterra es bastante infrecuente encontrar iglesias con deambulatorio o
girola.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;">
</span></span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">Las
cabeceras son cuadradas.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;">
</span></span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">Todas
las iglesias tienen cruceros sobresalientes en planta.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;">
</span></span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">Los
fustes de las columnas aparecen decorados frente a los capiteles desnudos.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;">
</span></span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">Las
fachadas son lisas, con poca decoración y flanqueadas por torres
cuadrangulares.</span></li>
<li><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"> La arquitectura inglesa, lo mismo que la normanda,
evolucionará hacia el Gótico muy rápidamente.</span></li>
<li><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"> En edificios como </span><i style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">la
Catedral de Durham </i><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">se emplearán bóvedas de crucería muy pronto,
concretamente en el siglo XI. Éste es uno de los edificios más representativos
del Románico inglés. Tiene tres naves, transepto bastante desarrollado y dos
torres a los pies. Los vanos son muy pequeños y los pilares que separan la nave
central de las naves laterales, muy achaparrados, lo que contribuye a acentuar
la sensación de pesadez que produce este edificio.</span></li>
</ul>
<div style="text-align: center;">
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/47/Durham_Cathedral._Interior.jpg" height="412" width="640" /></div>
<!--[if !supportLists]--><br />
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: Calibri, sans-serif; font-size: 12pt; line-height: 115%;">Interior de la <b><i>Catedral de Durham</i></b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: Calibri, sans-serif; font-size: 12pt; line-height: 115%;"><b><i><br /></i></b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: Calibri, sans-serif; font-size: 12pt; line-height: 115%;"><b><i><br /></i></b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">3. LA ESCULTURA ROMÁNICA</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">3.1. Su funcionalidad y sus fuentes</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">San Gregorio Magno definiría la escultura románica como <i>Biblia pauperum </i>(la Biblia de los
pobres). Y es que, efectivamente, más allá de su función meramente decorativa,
la escultura resulta en esta época un elemento doctrinal de primera magnitud.
Se decoran las portadas de las iglesias, los capiteles, los aleros y las
cornisas, los claustros de los monasterios…, y con ello, el pueblo, en su
inmensa mayoría ágrafo, se acerca a las verdades de la fe cristiana. Por esta
razón, en esta época era muy importante la figura del teólogo, que indicaba al
artista cómo debían ser las imágenes que representaba en lugares que la mayor
parte de la gente podía contemplar. El artista no era totalmente libre, pero sí
tenía un pequeño margen para canalizar su creatividad dentro de los programas
iconográficos férreamente establecidos. Es obvio decir que la escultura aparece
indisolublemente ligada a la arquitectura.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Las funciones de las que se nutre el escultor románico pudieron
ser las siguientes:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraph" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-family: Symbol; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-fareast-font-family: Symbol;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Los manuscritos: </span></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">hoy sabemos con bastante certeza que <i>el Pórtico de Moissac</i>, por ejemplo, es
la copia de un manuscrito del siglo X que no se conserva. Los textos transmiten
imágenes y modelos iconográficos y especialmente los bestiarios que son una
fuente inagotable para las representaciones de los fantásticos que pueblan los
capiteles románicos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraph" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoListParagraph" style="text-align: center; text-indent: -18pt;">
<img height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgP4F0LaJ0N3fpbyvKx0W7k88hb6wly1jmLvKOXY3qOQmZZqh9hTmf9LoYh79MLSytRjyuWTEfq9JzjfXom_Nn7GGIhc95iaXVs1vVssKt8V23m6BG3Cm1fnOMpgX1U6snaNDJYPwdPI490/s640/Portail_sud_de_l'_Abbatiale_Saint-Pierre_de_Moissac_(2)+(1).JPG" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Portada de <b><i>San
Pedro de Moissac<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></i></b></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><b><i><br /></i></b></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
</div>
<ul>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La pintura mural: </span></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">en los primeros momentos del Románico
se decoraba el interior de los edificios y de modo especial, el ábside, con
frescos que empleaban temáticas que más tarde se trasladarían a las portadas
monumentales.</span></li>
<li><span style="font-family: Symbol; font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">·<span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 7pt; line-height: normal;"> </span></span><b style="text-indent: -18pt;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Los tejidos: </span></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-indent: -18pt;">procedentes de Oriente, llegaban a
Occidente envolviendo las reliquias. Estaban decorados con animales afrontados,
rampantes o semirrampantes, lacerías, aves, serpientes, etc. Algunos de estos
tejidos se utilizaron para revestir las mismas arquetas donde se guardaban las
reliquias.</span></li>
</ul>
<!--[if !supportLists]--><br />
<div class="MsoListParagraphCxSpLast" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpLast" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: -18.0pt;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El espacio-límite no
solamente modera la propagación de los relieves, los excesos de salientes, el
desorden de los volúmenes, que tiende a contenerlos en una masa única, sino que
obra sobre el modelado del que reprime las ondulaciones y el desorden, se
contenta con sugerirlo por acentos.<o:p></o:p></span></i></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Henri Focillon<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">3.2. La temática. La concepción estética del hombre</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Como se comentó en la introducción, <b>los temas </b>vienen dados por el terror del año 1000 que aún sigue
impregnando el ambiente. El <i>Apocalipsis</i>,
junto con los restantes textos bíblicos, son puntos de referencia esenciales
para poder comprender una portada románica. En el tímpano, solemos encontrar la
imagen de <b>Cristo en Majestad </b>o <b>Pantocrátor</b> que con una mano bendice y
con la otra sujeta el Libro de la Revelación (el <i>Apocalipsis </i>de san Juan) o la bola del mundo. Cristo aparece
representado dentro de una <i>mandorla</i>.
En torno a él encontramos el <b>Tetramorfos</b>
o, lo que es lo mismo, los símbolos de los cuatro evangelistas: san Juan
representado como un águila, san Marcos como un león, san Lucas como un toro y
san Mateo como el hombre. Además del Tetramorfos, se encuentran ángeles que
portan los símbolos de la Pasión de Cristo y los veinticuatro ancianos del <i>Apocalipsis</i>. Es muy frecuente el tema
del apostolado situado en las jambas. Las figuras que se disponen en las jambas
y en el parteluz suelen ser personajes que han estado en la tierra y que han
sacralizados, de tal modo que adquieren la función de mediar entre Dios y los
hombres.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Otros temas </span></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">bastante comunes son el del Cordero
apocalíptico, el Crismón o la imagen de Dios padre con Cristo sobre su regazo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En los <b>capiteles </b>se
representan temas vegetales y animalísticos o diversas escenas del Antiguo y
Nuevo Testamento.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://www.romanicodigital.com/archivos_web/Image/npthmb_1.jpg" height="488" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><i><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Capitel románico </span></i></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">de una iglesia en la
provincia de Palencia<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La necesidad de transmitir un mensaje hace que la plástica
románica sea tremendamente simbólica y antinaturalista. <b>Se pierde el interés por la proporción y la belleza del cuerpo humano</b>,
más bien se pretende dar primacía a la vida espiritual del ser humano. Se trata
de un intento por plasmar en la obra la espiritualidad del individuo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En el Románico las figuras se someten absolutamente al marco
arquitectónico son desproporcionadas. En las representaciones del <b>cuerpo humano</b> se subraya la cabeza, que
adquiere un mayor tamaño. En los rostros sobresalen, llamando poderosamente
nuestra atención, los ojos, que conectan la imagen con el espectador. En este
sentido es posible establecer una conexión con las artes figurativas
bizantinas, en las que también los ojos son la parte de la imagen que capta con
mayor fuerza nuestra atención. También son importantes las manos: es frecuente
que Dios se represente como una mano que impone su voluntad, como en <i>la portada del Cordero de San Isidro de León</i>,
o por remitirnos a ejemplos anteriores, en <i>San
Pedro de la Nave</i>, en el capitel que hace referencia al sacrificio de Isaac.
La anatomía se oculta bajo los ropajes, cuyos pliegues aparecen pobremente
representados y excesivamente geometrizados. Los únicos desnudos del Románico
son los de Adán y Eva y las representaciones del alma, que puede aparecer como
una pequeña figura asexuada o femenina.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://www.tourisme-conques.fr/fr/histoire-patrimoine/eglise-abbatiale/images/tympan-diap/tympan-christ-majeste.jpg" height="640" width="424" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Detalle de la portada de <b><i>Santa
Fe de Conques<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></i></b></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><b><i><br /></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Hoy se sabe que muchas de las portadas, por no decir la
mayoría, estaban policromadas, aunque se haya perdido el color en casi todos
los casos. Es posible que los colores tuviesen un fuerte papel dentro del
simbolismo del Románico.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">A medida que pasa el tiempo la escultura evoluciona y se
torna más naturalista. Comienza a ganar independencia con respecto al marco
arquitectónico, mejora el tratamiento de los pliegues y se alcanza una mayor
rigurosidad anatómica. Para conocer estas transformaciones habrá que esperar
hasta el siglo XII.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La mandorla<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Es un término de origen italiano que significa almendra. Con
él se designa el halo de forma, tal y como su propio nombre indica, almendrado,
símbolo de la divinidad de Cristo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En el
tímpano de la iglesia de <b>San Lázaro de
Autun</b> es posible leer la siguiente inscripción: <i>Gislebertus me hizo</i>. Esta obra, en la que se puede ver un Cristo en
Majestad está con bastante seguridad inspirada en la portada occidental de
Vézelay.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">3.3. La escultura románica francesa</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Los conjuntos escultóricos franceses, junto con los
españoles, son los más ricos que se conservan. Como principales focos podemos
encontrar:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Borgoña: </span></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">dentro de esta área se sitúa <i>la Magdalena de Vézelay </i>con una
iconografía muy discutida. Algunos autores señalan que se trata de la escena de
Pentecostés, mientras que otros piensan que es una <i>missio apostolorum</i>, escena en la que san Pedro y san Pablo ponen a
los apóstoles a los pies de Cristo. Las figuras poseen un canon bastante
alargado y los pliegues de los ropajes, muy finos y concéntricos, recuerdan a
algunos trabajos de esmalte, incluso de marfil. Son también igualmente
elegantes y esbeltas las figuras de <i>San
Lázaro de Autun</i>, realizadas por el maestro Gislebertus. En el tímpano, se
representa el Juicio Final con Cristo rodeado por los condenados y los
elegidos. Una de las imágenes más conocidas de la plástica de este momento es
la de Eva escondiéndose entre la maleza. El tratamiento de su cuerpo es estilizado
y naturalista, y en su rostro es posible percibir alguna expresión, aspectos
todos ellos bastante inusuales para el momento en que fue realizada.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://contenidos.educarex.es/mci/2004/44/@rt.com/Arte_romanico/images/Vezelay_Santa_Magdalena_portada_jpg.jpg" height="628" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Pórtico de la Iglesia <b><i>Santa
Magdalena de Vézelay</i></b> <span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><b><i><br /></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Languedoc: </span></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">es la zona más próxima a España y,
por tanto, donde se percibe mayor número de influencias recíprocas. <i>San Pedro de Moissac </i>tiene decoración
escultórica en los capiteles del claustro y en la portada de la iglesia, en la
que encontramos a Cristo en majestad, el Tetramorfos y los veinticuatro ancianos
del Apocalipsis, los cuales sobresalen notablemente del marco con la cabeza
orientada hacia la imagen de Cristo. <i>Saint
Sernin de Toulouse </i>tiene cierto parecido con <i>Moissac </i>y con <i>la portada de
Platerías de Santiago de Compostela.</i><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><i><br /></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Provenza:</span></b><i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"> </span></i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">las obras más
importantes se sitúan en la segunda mitad del siglo XII y están marcadas por el
Clasicismo, lo mismo que sucedía con su arquitectura. Las figuras de las
portadas nos recuerdan a las imágenes de los sarcófagos romanos. Los ejemplos
más interesantes son <i>San Trófimo de Arlés
</i>y <i>Saint Gilles du Gard</i>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Poitou: </span></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">la decoración, en este caso, se
extiende por las fachadas. El principal exponente es <i>Nuestra Señora la Grande de Piotiers.</i><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><i><br /></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El Pórtico Real de Chartres: </span></i></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">ejecutado a mediados del siglo XII,
es un preludio del Gótico aunque las estatuas-columna estén aún excesivamente
sometidas al marco arquitectónico. La proximidad de la plástica gótica se
percibe en los cuerpos bastante más estilizados y el tratamiento de los
pliegues ligeramente más ágil, aunque todavía excesivamente estáticos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://www.emprendewiki.com/show_image.php?id=247&scalesize=o" height="640" width="480" /></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Detalle del <b><i>Portico
Real de Chartres<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></i></b></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><b><i><br /></i></b></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><b><i><br /></i></b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">3.4. La escultura románica en el resto de los países europeos</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Además de Francia, trataremos aunque de manera más
superficial la escultura en países como Italia, Alemania e Inglaterra, en los
que adquirió un interés nada despreciable.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Italia: </span></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">conocemos a la mayoría de los
artistas que trabajan allí. Sabemos que el <b>maestro
Guillermo</b> trabajó en <i>la Catedral de
Verona</i> con la colaboración del <b>maestro
Nicolás.<o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b><br /></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Benedetto Antelami </span></i></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">(1100-50) es otro importante autor italiano del que no
sabemos casi nada, aparte de que se movió sobre todo por Parma y que estuvo
fuertemente influido por el arte francés. Sus obras más importantes son el
púlpito y el baptisterio de la catedral de Parma. De este conjunto sobresale un
relieve del Descendimiento. Podemos decir que su estilo se aproxima bastante al
del Gótico por la estilización de las figuras y una captación anatómica más
naturalista.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://www.adevaherranz.es/ARTE/UNIVERSAL/EDAD%20MEDIA/Romanico/Romanico%20PAISES/Romanico%20Italia/Art%20Esc%20XII%20Antelami%20Benedetto%20Catedral%20El%20Descendimiento%20en%20Parma%201178%20a%201233_small.gif" height="324" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Benedetto Antelami: <b><i>Descendimiento.
</i></b>Catedral de Parma<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Alemania: </span></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">en Hildesheim se crea una conocida
escuela de broncistas de la que posiblemente salió un autor de origen alemán
que trabajó en Verona en la realización de <i>las
puertas de San Zenón</i>, caracterizadas por un relieve suelto y movido.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img src="http://www.almendron.com/arte/arquitectura/romanico/rom_06/rom_063/zenon_03.jpg" height="640" width="458" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Puertas de <b><i>San
Zenón. </i></b>Verona<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En Alemania encontraremos pilas bautismales que son
verdaderos trabajos monumentales como la de <i>la
Catedral de Hildesheim</i>, de un relieve muy alto que pudo haber inspirado el <i>arca de San Isidoro de León</i>, así como
bellos relicarios de formas arquitectónicas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Inglaterra: </span></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">los normandos valoraron de un modo
especial la arquitectura en detrimento de la escultura. Por ello, en el siglo
XII, los escultores carecían del bagaje poseído por los artistas de otros
países, debiendo comenzar desde el principio y tomando la miniatura como fuente
de inspiración. El renacer de la plástica se produce en Canterbury. En este
período se lleva a cabo la <i>puerta del
Prior de Ely</i>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<img height="420" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhij1kKG8uT8vLPym2-gPFLjm2eV4wKk2i0QozaLzlbsUPPhsukAJio4ai1GsPBYZXYQfUwvhDvzqU5AyquMQMWsNU3pKUd9W5AcZdVd22oK5C5F95ThiKMcdRl-x5Y9IAtVWe8GZ3D43c/s640/165+Catedral+de+Ely+%2528Puerta+Prior%2529+%2528s.XII%2529.jpeg" width="640" /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><i><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Puerta del Prior. </span></i></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Catedral de Ely<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La puerta del Prior de
la catedral de Ely<o:p></o:p></span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Es, con bastante seguridad, anterior a 1139. En el tímpano
aparece Cristo en majestad en el interior de una mandorla que sujetan ángeles
cuyas alas tienen perfiles casi metálicos. La decoración vegetal que enmarca
esta escena recuerda a los trabajos de marfil de posible influencia nórdica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">La iglesia románica</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Como corresponde a la
influencia de sus constructores, estas iglesias románicas son edificios
imponentes y poderosos, expresión de un poder ilimitado y de unos medios
inagotables. Se les ha llamado “fortalezas de Dios”, y realmente son grandes,
firmes y macizas, como los castillos y fortalezas de la época; y son, además
demasiado grandes para los fines mismos. Pero no fueron construidas para los
fieles, sino para la gloria de Dios, y sirven, lo mismo que las construcciones
sagradas del antiguo Oriente […] para simbolizar la suprema autoridad. La
iglesia bizantina de Santa Sofía tenía, ciertamente, dimensiones enormes, pero
su grandeza estaba fundada en razones prácticas, pues era la iglesia principal de
una metrópoli cosmopolita. Las iglesias románicas se encuentran, por el
contrario, en pequeñas ciudades tranquilas, pues en el Occidente ya no existían
grandes ciudades.<o:p></o:p></span></i></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="text-align: right;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">(HAUSER, A. <i>Historia
social de la literatura y el arte</i>, 1988)<o:p></o:p></span></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div align="center" class="MsoListParagraph" style="margin-left: 54.0pt; mso-add-space: auto; text-align: center;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoListParagraph" style="margin-left: 54.0pt; mso-add-space: auto; text-align: center;">
<b><span style="font-size: 16.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></b></div>
<div align="center" class="MsoListParagraph" style="margin-left: 54.0pt; mso-add-space: auto; text-align: center;">
<b><span style="font-size: 16.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">A FONDO</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;">LA CATEDRAL DE PISA</span></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La construcción del conjunto pisano se inició gracias a un
botín conseguido por la flota de esa ciudad en un enfrentamiento contra los
musulmanes, que por aquel entonces estaban establecidos en Sicilia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Este magnífico conjunto está integrado por la iglesia, el
baptisterio y la torre. El primer arquitecto que intervino en su realización
fue Buscheto, al que se ubica cronológicamente entre finales del siglo XI y
principios del XII. A la muerte de Buscheto ésta fue finalizada por Rainaldo,
cuyo nombre se puede encontrar en un epígrafe de la fachada de la catedral.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La planta de la iglesia es de cruz latina y consta de cinco
naves y un crucero de tres naves. En el centro de éste se ubica una cúpula de
sección elíptica. El ábside está, en este caso, muy desarrollado. La nave
central está cubierta con madera y las laterales con bóvedas de arista, muy frecuentes
en la arquitectura románica. Tanto la planta como el alzado de la iglesia nos
recuerdan a las priimitivas basílicas cristianas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El baptisterio</span></i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">, espacio de planta central en el que
se ubica la pila bautismal y consagrado a la administración de esta sacramento,
se inició en el año 1153 y es obra de Diotisalvi, al que se atribuye la parte
inferior del mismo. Se cree que este arquitecto, sobre el que no se tienen
datos muy concretos, pudo trabajar, además, en la <i>iglesia del Santo Sepulcro de Pisa</i>. El baptisterio está cubierto
por una cúpula cónica que se apoya sobre un círculo interior de columnas. En el
baptisterio se conserva una bellísima pila bautismal en la que se puede leer el
nombre de su artífice: Guido Bigarelli, también conocido como Guido da Como. A
este escultor se le atribuyen otras obras como <i>el Púlpito de San Bartolomeo in Pantano</i>, en Pistoia.<o:p></o:p></span></div>
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<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
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<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/4d/Pisa_piazza_miracoli2.jpg" height="259" width="640" /></div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La torre que realizaba las funciones de campanario o <i>campanile</i>, como se denomina en italiano,
se encuentra separada del resto de los edificios, lo que es característico
desde un primer momento en la arquitectura medieval italiana, tal y como
podemos ver en algunos edificios ravenantes. Consta de ocho pisos de los cuales
el último tiene un menor diámetro que los anteriores. Este edificio presenta
grandes problemas de cimentación que los constructores se encontraron ya en el
mismo momento de su realización. En este sentido, debemos tener bien presente
que la inclinación que experimenta esta torre no es, en absoluto, un problema
aparecido recientemente. Existen infinidad de propuestas arquitectónicas que
pretenden frenar el imparable derrumbamiento del <i>campanile</i>, pero ninguna de ellas ha resultado válida, por tanto, la
destrucción es casi un hecho inevitable.<o:p></o:p></span></div>
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<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">A este soberbio conjunto arquitectónico hay que añadir el
recinto marmóreo que rodea el camposanto de forma rectangular, obra de Giovanni
di Simone. Consta de una serie de arcos de medio punto y cuatro pórticos
abiertos hacia el interior. Las arcadas cuadriformes fueron realizadas en el
siglo XV. Encima de una de las puertas de acceso se puede ver un tabernáculo
gótico, obra de uno de los integrantes de la escuela de Nino Pisano. En el
exterior está decorada con pinturas al fresco, entre las que sobresalen las que
ejecutó el pintor de origen florentino Buffalmacco.<o:p></o:p></span></div>
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<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
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<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Uno de los elementos esenciales de esta obra son las columnas
que, en algún caso, es posible que se hayan reaprovechado de edificios romanos.
También son hermosísimas las arquerías ciegas que recorren las fachadas, muy
características de la arquitectura románica italiana, y los mármoles que
revisten las superficies de los muros, en los que se alternan bandas polícromas
que rompen la monotonía del muro introduciendo una nota cromática. Este aspecto
perdurará en la arquitectura gótica italiana. Las columnas, distribuidas
rítmicamente por las fachadas o, como en el caso de la torre, envolviendo
literalmente el edificio, lo mismo que la bicromía del muro, están
remitiéndonos constantemente a la arquitectura romana, que pervivió arraigada
con más intensidad que en ningún otro país a lo largo de todo el Medievo. Esta
influencia latente de lo romano aflora definitivamente con la llegada del
Renacimiento.<o:p></o:p></span></div>
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<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
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<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El estilo del románico pisano que encontramos en este
conjunto se repite en otras construcciones de similares características, como <i>San Pablo y San Frediano </i>de Pisa, <i>San Miguel en Lucca </i>y <i>el Duomo </i>(catedral) <i>de Massa Maritima</i>.<o:p></o:p></span></div>
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<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
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<img src="http://www.blogodisea.com/wp-content/uploads/2010/08/torre-pisa-leaning-tower-italia.jpg" height="640" width="480" /></div>
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<br /></div>
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